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Llibres d'art
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UN RECULL DE TEXTOS RELACIONATS AMB LES ARTS I ELS SEUS CREADORS. Eulàlia Bosch ens ofereix un recull de textos relacionats amb les arts i els seus creadors. L'art pot ser objecte d'admiració i d'estudi, però encara més, segons la seva experiència personal, quan l'art forma part de la vida quotidiana, pot mostrar la bellesa, ensenyar a veure les coses de manera diferent i copsar allò indefinible que batega en el dia a dia. Aquests textos són una invitació estimulant i entusiasta per no desconnectar l'art de la vida. «Les històries que he reunit en aquest llibre han estat escrites al dictat de l'experiència viscuda i juntes volen ser un homenatge a aquesta presència del món de les arts que em permet ampliar els horitzons de la meva vida quotidiana. És quan recordo el Giacometti desesperat per no trobar la manera d'aconseguir l'expressió del rostre que busca des de fa anys, o quan noto com m'interroga Rembrandt des de la paret del museu on viu la seva eternitat, o quan sento què pot passar en esdevenir per un moment un personatge teatral, és quan recordo la mirada de llop de Jorge Oteiza, els versos de Jorge Luis Borges o les pel·lícules de Carlos Saura..., és aleshores quan m'adono que cada dia tot torna a començar de bell nou.»
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El verde infame de Scheele, el rojo carísimo de Mondrian, el secreto aterrador del pigmento 'Mummy Brown' o la belleza trágica del rosa flor de cerezo. Las historias del color nos han fascinado desde el primer pigmento rojizo de las cuevas de Altamira hasta los 1.867 colores identificados hoy en día por Pantone. En este compendio caleidoscópico, Paul Simpson parte de los once colores básicos para explicar su papel en la evolución de nuestra especie, en la persuasión política y la asociación de un color con la libertad o la opresión. Los códigos que cada cultura les atribuye hacen que los colores levanten imperios y pasiones, cánones, rarezas y caprichos de artistas y civilizaciones. 'El código del color' recurre a químicos, actores, compositores, músicos, místicos, poetas, deportistas... y cuenta historias que cambiarán nuestra percepción del espectro y la manera que tenemos de ver el mundo.
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Un impresionante libro de arte que abarca más de 3000 años Una selección de obras de arte para los que desean aprender más: cómo pintaba Miguel Ángel los desnudos, qué es el cubismo o cómo surgió la abstracción. Un libro que apasionará a todos los amantes del arte. Con obras de todo el mundo y de los periodos más importantes. Con explicaciones de los símbolos, los detalles y las técnicas para entender cada obra. Desde los frescos el Antiguo Egipto hasta Joan Miró o Banksy. En este maravilloso libro de arte encontrarás: -Obras de todo el mundo. -Elementos clave como la composición, el color, la técnica y el simbolismo. -Más de 450 artistas de numerosas culturas diferentes. -Abarca todos los periodos y movimientos artísticos importantes. -Sitúa las obras en su contexto histórico. Repleto de información y lleno de inspiración, este libro te muestra las mejores pinturas y esculturas de todos los tiempos. Es el libro de consulta definitivo para todos los amantes del arte.
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Está claro, con un lápiz, David Hockney hace lo que quiere. Pero no hace aquello que no sabe desear. Cualquier conocimiento, cualquier técnica, le descubre un nuevo método, se lanza a él ávidamente y lo hace suyo. El resultado es siempre Hockney, rec
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La serpiente tentadora simboliza la región más oscura del alma humana. A partir del Romanticismo, todos estos motivos hermanan a una legión de artistas, desde Füssli y Poe, los prerrafaelitas, John Ruskin y Walter Pater, hasta J. A. Symonds y Vernon Lee.
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" Lo más fascinante de este relato es la sensación de misterio que comunica. Por descontado que Segalen está buscando el acontecimiento. Cree que el acontecimiento que va a marcar su vida se encuentra en la China profunda. Un médico francés quier
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Pese al título, este libro no ofrecerá ni consejos nirecetas para saborear la pintura, es más, el deseo del autor es sembrar o mejor dicho consolidar una duda, la duda sobre la capacidad de poder '' saborear ''una obra de arte en ausencia de su comprensión. Esdecir, que el placer de una obra aumenta con el conocimiento del contexto de su creación es uno de sus postulados. Las obras que se analizan en este texto fueros realizadas en épocas diferentes y emplean estrategias de seducción diferentes: unas son imágenes hechaspara príncipes ( '' La Fiesta de Venus '' , de Tiziano), otras para la Corte absolutista ( '' La Rendición de Breda '' , de Velázquez), y también para el público '' people '' (las serigrafías de Warhol), otrasincluso para el propio artista (los autorretratos deRembrandt). La capacidad de interpelación de la obrade arte es grande y acercarnos a ella significa dejarse llevar por el juego de la interpretación. Interpretar para comprender, para degustar, para gozar. La manzana que el amorcillo de '' La Fiesta de Venus ''de Tiziano huele, muerde o se dispone a lanzar al espectador es una señal de complicidad. Una señal, tansensual, tan comestible. Pero hay otras, menos evidentes, más secretas. Este libro pretende ayudar a descubrirlas.
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¿Cuándo y dónde empieza el arte? ¿Cómo era el arte de la Prehistoria? ¿Cuáles son las características del arte Clásico? El término Románico, ¿tiene algo que ver con Roma?¿Cómo son las portadas de las catedrales góticas?¿Qué es el Renacimiento? ¿Cómo trans
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Un inclasificable elogio al acto creativo que aborda cuestiones tan heterogéneas como inconciliables: de las metopas del Partenón al toreo de Curro Romero. ¿Para qué ojos fueron creadas las enormes siluetas de Nazca? ¿Por qué los grandes creadores se empeñan en resolver aspectos de sus obras que ningún ser humano puede llegar a valorar? Con una mirada irónica, polémica y apasionada, el autor analiza este misterioso fenómeno a través de las obras maestras de la arquitectura, la pintura, el cine, la jardinería, los toros y el teatro y deduce que sus autores actuaron como si sus trabajos pudiesen ser observados por un ser superior. Y concluye: en vista del sopor que el agnosticismo contemporáneo es capaz de producir, ¿no sería mejor hacer «como si» Dios existiese y pudiera juzgar nuestras obras?
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Volver a contar reúne a algunas de las voces más potentes de la literatura contemporánea para debatir sobre el lugar y significado de los museos en la actualidad. Una mirada nueva y retadora sobre las colecciones de museos, que usa ficciones y posiciones personales para visibilizar vínculos entre colecciones y comunidades locales, esbozando así discusiones sobre colonialismo, estudios de género y culturas originarias.El Centro Santo Domingo del Museo Británico (SDCELAR) y el Hay Festival invitaron a diez escritores latinoamericanos a un experimento donde cada uno seleccionó una pieza −,o un conjunto−, para inspirar una novedosa narración. Los autores se acercaron a la tarea con su particular mirada a los objetos y colecciones que proceden originariamente de América Latina. El resultado son textos híbridos que exploran, desde estilos y tonos muy distintos, los orígenes del continente americano y su relación con Europa.Esta no es una antología de relatos, es un trabajo de narración conjunta que explora vacíos que quedan en el discurso oficial: volver a contar, desde la literatura, lo que fuimos, lo que somos y, quizá, lo que seremos.
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Un complejo léxico ilustrado de términos relacionados con el arte y la arquitectura, en una presentación manejable y práctica para estudiantes, profesores y aficionados a las artes visuales. Cada entrada incluye notas etimológicas, historia, dibujos y ejemplos de los términos descritos.
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Ideas que han cambiado el mundo. A lo largo de la historia, algunos libros han cambiado el mundo. Han transformado la manera en que nos vemos a nosotros mismos y a los demás. Han inspirado el debate, la discordia, la guerra y la revolución. Han iluminado, indignado, provocado y consolado. Han enriquecido vidas, y también las han destruido. Taurus publica las obras de los grandes pensadores, pioneros, radicales y visionarios cuyas ideas sacudieron la civilización y nos impulsaron a ser quienes somos. Poeta, esteta y hedonista, Baudelaire fue además uno de los más revolucionarios críticos de arte de su época. Aquí profundiza en la belleza, la moda, el dandismo, el propósito del arte y el papel del artista, y describe al pintor que, en su opinión, expresa de un modo más pleno el drama de la vida moderna. Comentarios sobre la colección Great Ideas: «De veras que la edición es primorosa y pocas veces contenido y continente pueden encontrarse mejor ensamblados y unidos. ¡Qué portadas! Para enmarcar. [...] Ante las Great Ideas, solo cabe quitarse el sombrero. ¡Chapeau!» ABC «Taurus propone un doble envite con este lanzamiento. Por un lado aumenta su compromiso con el ensayo, por otro, recupera el gusto por la estética. A los volúmenes se les ha proporcionado una portada delicada y cuidada (copian el original británico) que invita a la lectura.»La Razón «Un fenómeno editorial.»The Guardian «Aparte de los contenidos, en general muy bien elegidos, son tan bonitos que si los ven seguro que cae alguno.»El País «Ideas revolucionarias, crónicas de exploraciones, pensamientos radicales... vuelven a la vida en estas cuidadísimas ediciones, muy atractivas para nuevos lectores.»Mujer Hoy «Grandes ideas bien envueltas. De Cicerón a Darwin, esta colección entra por los ojos.»Rolling Stone «Original y bella iniciativa la emprendida por Taurus con su colección Great Ideas.»Cambio 16 «Hay libros inmortales, libros únicos que contienen pensamientos y reflexiones capaces de cambiar el mundo, tesoros en miniatura reagrupados en la colección Great ideas.»Diario de León
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Inspirado en el libro del Génesis, cuenta el mito originario de Urizen, encarnación de la sabiduría convencional y de la ley, creador de un mundo de alienacióny opresión en el que, tras sucesivas caídas, acabaránaciendo la forma humana y con ella la promesa de laemancipación y la revolución.El libro tendrá ocho ediciones distintas entre 1794 y 1818, todas ellas iluminadas a mano por el propio Blake, con ese lenguaje visual plano que anticipa la libertad expresiva del arte contemporáneo.
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Rembrandt alcanza una expresión artística del movimiento vital hasta entonces desconocida: una expresión que no puede traducirse en un método o un estilo sinoque depende por entero de su genio. Como demuestran sus retratos, el problema ''pictórico'' de Rembrandt es sencillamente la representación de una totalidad humana viva, justamente en tanto problema pictórico, yno psicológico, metafísico o anecdótico: su pintura plasma la movilidad de la vida interior.
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Tras el éxito de Acuarela creativa, Acuarela creativa con técnica mixta y Armonía de color para artistas, la acuarelista mexicana Ana Victoria Calderón nos invita a sumergirnos en un nuevo viaje de autodescubrimiento creativo a través de las formas y la simbología de la geometría sagrada. •, Descubre los fundamentos de la geometría sagrada, su papel en las diversas culturas y su influencia sobre algunos artistas. •, Conoce los materiales, técnicas y aspectos esenciales del dibujo técnico que te permitirán crear figuras básicas llenas de simbolismo: el círculo, la Vesica Piscis, el nudo gordiano... •, Ejercita tu creatividad y aprende a crear efectos sorprendentes a través de fascinantes proyectos conformados por motivos inspiradores y universales, como la semilla de la vida, la flor de la vida, el cubo de metatrón o el anillo.
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* Una impresionante recopilación de geografía y topografía ficticias, extraídas de los libros, películas y producciones televisivas favoritos del público. Un caleidoscopio de edificios inventados, pueblos, países, bosques, montañas, ríos y océanos, naufragios y ciudades sumergidas que cobra vida en estos hermosos mapas ilustrados. Descubra los paisajes legendarios de la Atlántida o El Dorado, atraviese las tundras heladas de Arendelle o dese un (rápido) chapuzón en las cálidas aguas de Amity Island. Pasee por las calles de Metropolis, Erinsborough, Walford o Springfield, y deténgase a admirar los imponentes chapiteles de Downton Abbey y Hogwarts por el camino. Utilice el extenso índice para localizar sus creaciones favoritas de películas, series de televisión, literatura y videojuegos, así como para descubrir bromas y estafas notorias, lugares secretos de entrenamiento militar y famosos errores políticos. Con más de 5000 ubicaciones mapeadas en todo el mundo, es posible que reconozca el paisaje ficticio de su propia ciudad natal o que llegue a los rincones más remotos del planeta. Desde los bosques de los cuentos de hadas de Grimm, los doce distritos de Los juegos del hambre que abarcan los Estados Alterados de América del Norte, las costas caribeñas de La isla del tesoro, el País de Nunca Jamás y el mundo perdido infestado de dinosaurios, hasta las luces de neón de las ciudades japonesas habitadas por robots y personajes de anime de Japón, en estas páginas hay algo para cada tipo de explorador.
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Las mujeres de estas tres obras amaron a todos los hombres. Ahora se encierran en un jardín, una casa, tal vez una isla, un ordenador, a veces un museo, donde siempre nieva o llueve, una nieve muy densa que hace del espacio un lugar irreal. Hablan con descaro del sexo masculino, del desvarío y la locura, para festejar el placer y el cuerpo. Todas ellas creen desear al hombre, pero lo hacen a través del universo de la máquina, averiguando la intimidad en las interacciones entre los cuerpos, humanos y no-humanos. Estas correspondencias arrolladoras, que tal vez no vayan a ninguna parte más que al interior de las tripas, acabarán siendo una exploración íntima en torno al placer y al autoplacer. No es a ellos a quienes buscan. Es el deseo. “Algo más profundo e irreal que un simple hombre. Porque el cuerpo tiene una memoria prehistórica. Y es insaciable”.
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Tenemos un centenar de páginas para resolver un casomisterioso, un crimen que se cometió hace un siglo yen el que se asestó un golpe mortal al Arte Modernoy se alumbró lo que llamamos Arte Contemporáneo. El cuerpo del delito: la obra Criadero de polvo (1920). Los principales sospechosos: Marcel Duchamp y Man Ray.El arma homicida: un gran vidrio, una cámara fotográfica, motas de polvo. El móvil: convertir al artista-médium en artista-Midas. A través de este ensayo, articulado al estilo de una clásica novela de detectives, quizá no encontremos al verdadero asesino, pero porel camino entenderemos mejor un momento clave de laHistoria del Arte, cuando cambió radicalmente la figura del Autor y la noción de Obra, su relación con conceptos como Tiempo, Azar o Belleza, y su misma constitución
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* Un manual contemporáneo para navegar por el fascinante mundo del color, que es una de nuestras señales visuales más poderosas, pero es mucho más que simplemente lo que vemos. * Artistas y diseñadores saben que una utilización adecuada del color puede realzar la sensación o el mensaje que intentan transmitir. * Con reseñas de cien colores -los icónicos, los inusuales y los innovadores- le cambiará para siempre la forma en que ve, piensa y utiliza el color. Descompone los conceptos fundamentales de la teoría, la psicología y la tecnología del color en pequeños apartados, con historias resumidas que revelan la importancia histórica y contemporánea de cada color. Introduce ejemplos inspiradores del arte y el diseño de distintas épocas e incluye consejos para elegir colores de forma inteligente y sostenible para cualquier aplicación.
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Aprende a dominar el mejor lenguaje para conectar contigo mismo: el dibujo.Cómo dibujar un cocodrilo es el libro perfecto para descubrir que el arte del dibujo se puede practicar a lo largo de toda la vida. En el fondo, nadie nace sabiendo dibujar, pero solo los que se dedican a ello conocen esta verdad. Con este práctico método, David Peña Toribio (alias Puño) nos devuelve la ilusión por una de las primeras formas de expresión que aprendemos cuando somos pequeños (como escribir, tocar un instrumento o hablar), pero que, por diversas razones, en seguida olvidamos. A lo largo de estas páginas, no solo nos pondremos manos a la obra con lápiz y papel, sino que también vamos a adquirir las herramientas necesarias para pensar, observar y crear. Aunando teoría y ejercicios muy entretenidos, este libro será útil para lectores de todas las edades. Eso sí, con un objetivo en común: dejar los prejuicios sobre nuestras capacidades creativas atrás y disfrutar de nuestras ideas sobre el papel.
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? Pintar no es tan difícil como parece. Y, además, esdivertido. ? Este libro desmonta las anticuadas ideas de cómo trabajar con óleo, pintura acrílica y acuarela y le ayuda a conocer las ilimitadas posibilidades que ofrece la pintura. ? Una guía indispensable, del autor de Lea este libro si quiere hacer buenos dibujos, que ofrece consejos prácticos y claros mediantediagramas y actividades, junto a inspiradoras obrasde los más grandes pintores de todos los tiempos. Este libro se ocupa de los tres medios principales de la pintura: óleo, acuarela y acrílico, porque en realidad la pintura es pintura, da igual lo que utilice. Algunas técnicas son completamente diferentes según elmedio, pero muchas son parecidas: ningún medio es mejor que otro, solo depende de lo que quiera hacer. Pintar, más que un viaje, es una aventura. Adónde se dirija en esta aventura dependerá totalmente de usted.Se incluyen obras de los siguientes pintores: DavidHockney, Paul Cézanne, Maggi Hambling, J. M. W. Turner, Lucian Freud, Edward Hopper, John Constable, Caspar David Friedrich, Edgar Degas, Edward Lear, Claude Monet, Stanley Spencer, John Singer Sargent, Edvard Munch y Vincent van Gogh.
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Una nueva forma de crítica literaria.“¿Cómo es que el arte se ha vuelto tan poderoso que ni siquiera podamos imaginar una realidad que no esté gobernada por sus parámetros?”. El joven académico alemán Markus Gabriel, autor de varias obras renovadoras del panorama filosófico contemporáneo, como Por qué no existe el mundo y Yo no soy mi cerebro, intenta responder en este breve ensayo un tópico ampliamente discutido en la historia del pensamiento: la naturaleza del arte.En El poder del arte, junto con desplegar un audaz cruce entre epistemología, cultura popular y contingencia social, Gabriel sostiene que el arte ostenta un poder incontrolable. Por eso nadie, ni el observador ni el artista, están en posición de dirigir y dominar su destino. Cada obra de arte genera su propio juicio estético y, así, es capaz de juzgarse a sí misma.Al mismo tiempo, junto con dar luces sobre el vínculo entre la estética y su propuesta filosófica, el Nuevo Realismo, El poder del arte es una perfecta puerta de entrada al corpus filosófico de uno de los pensadores más influyentes de la actualidad.
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An illustrated reader featuring a collection of essays from trailblazing curator and writer Helen Molesworth – the first book of her collected writings.Over the past three decades, Helen Molesworth’s singular voice and lively curatorial vision has established her as one of the most dynamic and influential voices in the art world. This generously illustrated reader – the first ever collection of her writings – presents 24 essays from the past 30 years, gathered from exhibition catalogs and art publications such as Artforum, Documents, frieze, and October. The volume opens with a new essay that lays out Molesworth’s belief in art’s unique capacity for merging knowledge and feeling. It also includes new critical and reflective commentary on her past writing, an innovative approach that will position Open Questions as an indispensable volume for viewing and thinking about contemporary art for generations to come.
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Publicado por encargo de Dia Art Foundation, el libro no es sólo una retrospectiva de la obra de Morelos, sino que también profundiza en las complejas relaciones entre las comunidades indígenas y su entorno natural.Al examinar las consideraciones estéticas y medioambientales de los materiales naturales utilizados en las instalaciones de Morelos, los lectores reflexionan sobre su propia relación con el medio ambiente y los materiales que conforman nuestro mundo.Incluye una conversación entre Morelos y la artista y poetisa chilena Cecilia Vicuña, así como relatos de comunidades indígenas de la Colombia amazónica, que permiten conocer de primera mano las narrativas culturales que informan la práctica de Morelos.Sus instalaciones inmersivas pretenden cultivar momentos de conexión con lo que la artista describe como la ''humedad íntima de la Tierra''. Esta monografía, la primera que se publica en Estados Unidos, sitúa la práctica de la artista bogotana dentro de una historia más amplia y global del Land art y la abstracción. A su vez examina las consideraciones estéticas y medioambientales de los materiales naturales utilizados en el encargo por parte de Dia, así como su singular impacto sensorial, espacial y fenomenológico en el espectador.El libro desvelará los fascinantes fundamentos histórico-artísticos del encargo a través de una introducción de Alexis Lowry, conservador de Dia. Esta visión general se complementará con una meditación sobre la turba, un material singular y controvertido en el Land art, a cargo de la comisaria Camila Marambio y la profesora de biología de la Universidad de Queensland Renee Rossini, así como un ensayo sobre el olor y la escultura de Oswaldo Macía. El libro también incluirá una declaración de la propia artista y una animada conversación entre Morelos y la artista y poeta chilena Cecilia Vicuña. Para profundizar en una de las principales inspiraciones creativas e intelectuales de Morelos -las narrativas indígenas sobre la tierra y el suelo-, este volumen publicará por primera vez una sección especial de relatos de cuatro comunidades -Barasana, Uitoto N+pode y Yucuna- asentadas en las tierras amazónicas más conocidas como Colombia.
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Desde 1989, el año en que nació la World Wide Web, el mundo del arte ha lidiado con el auge de la cultura en red. Esta encuesta sin precedentes de los artistas e innovadores en esta área desde 1989 hasta la actualidad se entrelaza con la narrativa personal de una de las principales voces del mundo digital. En este libro, Omar Kholeif, cuya prolífica carrera es paralela al crecimiento de Internet, cuenta la historia de este medio masivo y cómo ha fomentado nuevas posibilidades para los artistas, tanto analógicos como digitales. El libro muestra el trabajo que abarca una variedad de medios de artistas legendarios como Lawrence Abu Hamdan, Lynn Hershman Leeson, Nam June Paik, Heather Phillipson y Wu Tsang. Esta es una historia para el presente y el futuro, que rastrea a los artistas e innovadores clave desde el surgimiento del arte basado en navegador hasta los albores de las NFT.n Sudjic es Director Emérito del Museo del Diseño de Londres y Profesor Distinguido de Estudios de Arquitectura y Diseño en la Universidad de Lancaster. Cofundador de la revista Blueprint, Sudjic también editó la revista Domus y ha sido cr¡tico de arquitectura para The Sunday Times, The Guardian y The Observer. Fue director de la Bienal de Arquitectura de Venecia y ha comisariado exposiciones en Copenhague, Estambul y Seúl.han, Tom Colicchio, Nina Compton, Wylie Dufresne, Suzanne Goin, Enrique Olvera, Eric Ripert, Clare Smyth, Jean-Georges Vongerichten y Alice Waters, entre otros.
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El rojo fue el primer color que el hombre dominó en la sociedad occidental, tanto en la pintura como en la coloración. Probablemente por eso fue durante mucho tiempo el color «por excelencia», el más rico desde el punto de vista material, social, artístico, onírico y simbólico. Admirado por griegos y romanos, el rojo era símbolo de poder, riqueza y majestuosidad en la Antigüedad. En la Edad Media adquirió una fuerte dimensión religiosa, evocando tanto la sangre de Cristo como las llamas del infierno. Pero era también, en el mundo profano, el color del amor, la gloria y la belleza, así como el del orgullo, la violencia y la lujuria. En el siglo XVI, la moral protestante entró en guerra contra el rojo, en el que veían un color indecente e inmoral, ligado a las vanidades del mundo y a la ''teatralidad papista''. A partir de entonces, en toda Europa, tanto en la cultura material como en la vida cotidiana, el rojo entró en declive. Este ocaso atraviesa toda la era moderna y contemporánea y se acentúa con el paso del tiempo, aunque adquiere nuevos simbolismos y significados, sobre todo a nivel ideológico. Esta edición aporta la representación de distintas tonalidades de rojo para acompañar la lectura fascinante de la historia de este color.
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El saber del pasado persiste en nosotros, 'a pesar de los estragos del tiempo'. Esta cita de William Morris da título a esta selección de escritos del gran renacentista británico, padre del movimiento 'Arts & Crafts', compuesta en dos bloques: SOBRE LIBRO
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¿Qué es el arte? ¿Por qué objetos con siglos de antigüedad siguen fascinándonos en la actualidad? ¿Qué misión poseen las instituciones de los museos, dedicadas a su conservación y difusión?El arte es un medio de conexión cultural con nuestro legado. A través de las obras artísticas, las civilizaciones precedentes se expresaron a sí mismas y nos transmitieron un mensaje, mensaje que actualmente se lee en clave de cohesión social, promoción de valores universales y construcción de una cultura para la paz.El arte se convierte, así, en una herramienta didáctica fundamental para lograr una educación integral y por competencias del alumnado. Por ello, este libro presenta al lector un análisis de las instituciones encargadas actualmente de la conservación y difusión de dichas piezas, los museos, así como de las posibilidades didácticas que estos poseen para hacer legible el mensaje de la obra de arte.El lector descubrirá en esta obra los entresijos del mundo del arte y sus diversos agentes, y encontrará una propuesta de reformulación del mundo del arte a partir de diversas teorías, que, más que dar respuestas cerradas, abrirán un marco de posibilidades para la reflexión sobre el arte en la actualidad.
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Esta nueva muestra sobre el pintor Joaquín Sorolla ofrecerá una combinación inédita hasta ahora y que se ensaya aquí por primera vez: una exquisita selección de un interesante conjunto de pinturas originales -muchas de ellas pertenecientes a colecciones particulares y, por tanto, apenas vistas antes- y los nuevos formatos de exposición que, utilizando los recursos técnicos de última generación -multipantallas LED y realidad virtual- sumergen al visitante en un espectáculo de imágenes en movimiento y sonidos que amplían e intensifican el efecto sensorial de la pintura y nos permiten viajar cien años atrás a la época del pintor. Ninguna otra pintura podría prestarse mejor a esta fusión que la de Sorolla, que tiene en la luz y el color su principal soporte.
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Diego Rivera, desde las vanguardias europeas al muralismo mexicano“En la figura de Diego hay una flojedad rara y suntuosa, como si todo pesase sobre él, como si pudiendo con todo, lo llevase todo colgado tranquilamente a sus hombros, como si llevase insistiendo sobre él las más grandes ideas, como si reposase sobre él la responsabilidad de la creación, como si en el fondo de su alma y en el fondo profundo de sus grandes bolsillos llevase cosas materialmente muy grandes, monstruosas, compactas y macizas.
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Es verdad que la ecología ha recibido escasa atenciónen el ámbito de la historia del arte, pero también es cierto que su visibilidad e importancia han ido creciendo en los últimos tiempos, de la mano de las amenazas del cambio climático y la destrucción medioambiental. Al imbricar el extendido compromiso político yestético de diversos artistas con procesos y condiciones medioambientales por todo el planeta –y dirigiendo su mirada a los punteros avances teóricos, políticos y culturales que se han producido y producen en elSur y el Norte globales–, el presente libro ofrece una significativa y original contribución a los camposinterconectados la historia del arte, la ecología, la cultura visual, la geografía y la política medioambiental. A lo largo de sus seis capítulos, su autor aborda las propuestas creativas de diversos artistas yactivistas en pos de formas de vida que aúnen sostenibilidad ecológica, justicia climática y democracia radical, en un momento como el presente en el que se necesitan con urgencia este tipo de propuestas.
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Desde que nuestros antepasados dibujaran los primerosbisontes sobre una piedra o hicieran sonar por primera vez una flauta de hueso, no hemos dejado de cuestionar qué es y para qué sirve realmente el arte. Milesde años después, la pregunta sigue en el air
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A mí, como a ustedes, supongo, no se me ha aparecidoDios Padre, ni su hijo Jesucristo. No hemos disfrutado de la gracia de ver su rostro que el Antiguo Testamento reconoce a Moisés, Abraham, Jacob, Isaías y Ezequiel, ni tampoco vivimos, en su día, en las tierras de Israel. No sabemos pues cómo eran sus rasgos físicos. Y si el desconocimiento nos ahoga cuando mencionamos las facciones, qué vamos a decir si tratamos de averiguar cómo eran sus manos y, en particular, sus dedos. Así que habremos de acudir, para aprehender su fisonomía, bien al mundo mágico de las inefables leyendas y fábulas, bien a una enriquecedora recreación, gracias a la mano del hombre, a través de las representaciones que durante dos mil años nos ha procurado elarte cristiano. La presente obra es un excursus por la pintura religiosa, que nos abre las puertas al disfrute estético y al poder visual de las imágenes. El arte sacro se exterioriza así como una forma sin igualde acercarnos, más allá de la fe, al misterio de Dios. La estética transformada en una abnegada colaboradora de la teología. Decía Baudelaire, que 'no hay enla Tierra nada más interesante que la religión'. Y, añadimos nosotros, ni mejor manera de aproximarse a ella que al hilo del arte. De un arte asentado en la humana reinterpretación iconográfica y simbólica de lasmanos y los dedos de Dios.
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Estas páginas pretenden que recorras la historia de uno de los edificios más sublimes de la humanidad y que lo conozcas como si estuvieras paseando entre sus columnas y contemplando sus patios. Hemos querido acercarnos a cada uno de sus rincones y contemplarlos con capacidad de crítica. Escrito por auténticos expertos en Historia del Arte, al-Ándalus y la ciudad de Córdoba, creemos que su lectura resultará tan singular como ella misma: un espacio ecléctico que ha sabido conjugar y aunar lo diferente enriqueciéndolo. Descubre los secretos y los tesoros de una construcción singular, un ejemplo de diálogo artístico entre culturas y religiones, del que podemos aprender muchísimo hoy en día. «Este antiguo y fantástico palacio posee una magia singular, un especial poder para hacer recordar sueños y cuadros del pasado y para presentarnos desnudas realidades con las ilusiones de la memoria y de la imaginación.» Washington Irving
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En sus cuadros más valiosos se advierte, en las figuras tan bien proporcionadas, con sus justas vestimentas antiguas y sus graciosos peinados, que mucho estudió a Rafael, que de Correggio tomó la pureza de las actitudes y la propiedad de las posturas, y del Parmigianino, la gracia y el aspecto de los rostros. Tiernos y carnosos son sus angelillos, y siempre las figuras están perfectamente perfiladas, y los drapeados son magníficos y acertados, y los desnudos profundamente estudiados, mostrando gran inteligencia en el pintar bellos torsos. Y, mejor que ningún otro, supo hacer las cabezas mirando hacia arriba.
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Una historia alternativa del Renacimiento contada por las mujeres detrás de las pinturas.Belleza, maquillaje, arte, poder: Cómo ser una mujer en el Renacimiento presenta una historia alternativa de este fascinante período contada por las mujeres detrás de las pinturas. El Renacimiento fue una época obsesionada por las apariencias: el mundo visual se pobló de desnudos de la mano de artistas como Miguel Ángel y Tiziano y emergió una vibrante escena literaria alrededor de consejos de belleza, cosméticos y adornos. Jill Burke nos lleva desde las bulliciosas plazas del mercado italiano hasta los niveles más altos de la sociedad renacentista para acercarnos a las vidas de cortesanas, artistas, actrices y escritoras que se labraron un espacio propio, así como aquellas que ganaron poder e influencia en el despiadado mundo de la corte o las que se rebelaron contra las restricciones de su época en un momento en el que las valoraciones sobre los cuerpos y el color de la piel estaban en el punto de mira debido al contexto colonial. Esta vívida exploración de la vida íntima de las mujeres renacentistas nos invita a cuestionar las ideas de tenemos sobre nuestro propio cuerpo a la vez que desentraña los orígenes de los ideales de belleza que todavía nos acompañan en la actualidad. «Nunca verás los retratos del Renacimiento de la misma manera.» Maggie O'Farrell, autora de Hamnet y El retrato de casada
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.