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Llibres d'art
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Enric Miralles acudía a la literatura frecuentemente. Se atrevió a definir a Antoni Gaudí como el alter ego de un personaje de ficción: «Siempre he pensado que el arquitecto Gaudí era una invención del escritorCalvino».Esta primera antología de los escritos completos de Enric Miralles (1955-2000) persigue cartografiar la complejidad de los universos por los que transita la obra de uno de los mejores arquitectos del siglo XX. En cuatro capítulos –formación y compañeros deviaje, textos que generan proyectos, divergencias, ypalabras, verbos... y un poema–, se hace hincapié encómo el dibujo es también escritura y forma de pensamiento. Esta actividad lo acompaña siempre, como un complemento necesario al gesto de sentarse, de coger el lápiz, de doblar el papel, de marcar los libros conun sinnúmero de puntos, hasta llegar a sorprenderseante la aparición de una forma nunca imaginada como «la mejor caligrafía posible al escribir… Allí sentados, casi nos parece ver nuestras ideas».
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Tirando de inocencia podríamos sorprendernos de que los pechos sigan recibiendo todavía tantos tabús, fantasmas, estereotipos, obligaciones sociales...Los pechos femeninos saturan el imaginario y, sin nunca confesarlo, son el eje de mil representaciones interesadas que participan en objetualizarlos y reprimirlos, dejándolos al margen de una dinámica de liberación que sin embargo sí parece haber llegado a otras partes del cuerpo. Camille Froidevaux-Metterie apostará aquí por sacarlos del ocultamiento, conversar abiertamente sobre ellos, retratarlos, pensarlos. Desde la experiencia directa de una cuarentena de mujeres, desde los 5 hasta casi los 80 años, revisitaremos la corporeidad de nuestra existencia, su inalienable materialidad, su sorprendente variabilidad, tanto entre diferentes personas como en un solo cuerpo a lo largo del tiempo. Desafiaremos aquí cualquier prohibición de mostrar y hablar de tetas, pezones y areolas. Tetas como rostros que condensan el conjunto de la experiencia vivida de lo femenino , pechos como un paisaje desde el que reconstruir nuestra historia de sometimiento y desde el que forjar también una historia colectiva de liberación.
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¡Acompaña a Teo en su emocionante viaje en autocaravana para ir de camping!Durante las vacaciones, Teo y su familia montarán una tienda de campaña, pasearán por el bosque en busca de hojas para preparar un herbario, se bañarán en un río, harán pícnics en la playa ¡y hasta practicarán escalada! Todos juntos vivirán una experiencia inolvidable llena de descubrimientos en la naturaleza y aventuras compartidas. Teo descubre el mundo es una colección con más de 40 títulos para niños y niñas a partir de 3 años. A través de sus historias, los pequeños podrán: -Identificarse con los personajes y revivir experiencias de la vida cotidiana. -Observar y descubrir detalles en sus ilustraciones llenas de color. -Pensar y reflexionar, gracias a la guía didáctica que se incluye al final del libro para ayudar a padres y educadores a: Explorar curiosidades sobre ir de camping y pasar tiempo en la naturaleza. Fomentar preguntas sobre el entorno y el tiempo compartido con los demás. Despertar la curiosidad por el mundo que los rodea. Teo, el personaje clásico de la literatura infantil de nuestro país, sigue conquistando a nuevas generaciones con sus aventuras.
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Avec sa préférence pour les solitudes immobiles, les formes robustes et permanentes et les végétations sèches, et en s’éloignant tout autant du « moi » romantique que de la pesanteur réaliste, Théodore Rousseau (1812-1867), personnel par les procédés qu'il emploie, mais non dans l'effet produit, a réussi à montrer le vif de la nature humaine en contact immédiat avec la nature extérieure, avec la vérité profonde et permanente des choses.
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En 1911, Archer Milton Huntington, fundador de The Hispanic Society of America en Nueva York, encargó a Sorolla que pintara la denominada Visión de España, una decoración mural a gran escala. La serie completa instalada en la Hispanic Society en 1926, es uno de los espacios interiores más impresionantes de la ciudad de Nueva York. Las obras de Sorolla combinan con brillantez el vibrante naturalismo plenairista con la fuerte influencia del impresionismo, las referencias al arte antiguo y renacentista disfrazadas de vida cotidiana e incluso elementos más modernos y avanzados como unas líneas del horizonte extremadamente altas, unas pinceladas sumamente expresivas, y unos fondos casi por completo abstractos que impregnan las composiciones de energía visual. Toda esta obra de Sorolla queda plasmada en este magnífico desplegable de ocho metros de longitud, en el que las obras se muestran en el mismo orden en el que se pueden ver en la biblioteca de la Hispanic Society of America en Nueva York.
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¿Cuándo surge el sentimiento de intimidad en el arte? ¿Qué pintores empezaron a representar espacios acogedores, cálidos e íntimos? Probablemente fueron Vermeer, De Hooch y otros pintores del siglo de oro neerlandés quienes trasladaron por primera vez a sus telas esos interiores privados. Pero si los holandeses dieron el pistoletazo de salida, tras ellos, numerosos artistas iban a participar en esta búsqueda de lo íntimo. De los interiores cálidos de Holanda se pasó a los fríos y pálidos del pintor danés Vilhelm Hammershøi, el suizo Felix Vallotton descubrió en sus cuadros lo que había de perturbador en los espacios burgueses de las ciudades europeas de principios del siglo XX, los surrealistas indagaron en los interiores soñados, en los que las paredes se deforman y los suelos se abren bajo nuestros pies, Edward Hopper diseccionó con la precisión de un cirujano los espacios anónimos de los no lugares: los hoteles y los compartimentos de tren. Otros artistas, como Degas y Bonnard, abrieron de par en par las puertas del cuarto de baño, mientras más tarde, en este siglo, el dormitorio y la misma cama revelaron todos sus secretos en las interpretaciones de Tracey Emin y de Sophie Calle. La intimidad es un producto cultural que se ha declinado de muchas maneras a lo largo de los siglos. Con rigor y pasión, Charo Crego nos descubre en Dentro esta insólita historia de la intimidad en el arte.
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William Blake, el gran anticipador de las vanguardias de finales del siglo XIX y principios del XX.En 1809, el poeta, grabador y pintor William Blake (1757-1827) realizó la única exposición en vida de sus cuadros, ocasión para la cual escribió un Catálogo descriptivo para explicar las visiones e invenciones que plasmó en las obras expuestas.
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''La urgencia de escribir MDA [Método Diana Aisenberg] es la misma que me impulsa a pintar, dar una clase, producir eventos colectivos o poner en marcha cualquier otra faceta de mi obra. Hace más de tres décadasque me dedico a la formación de artistas, acompañándolos en elproceso de aprender a mirar la producción propia y ajena. Mi saber está ligado a la experimentación, a la tarea docente, al trabajo juntoa otros artistas y al oficio de pintar. Creo que ser artista y ser maestra son dos actividades inseparables que se alimentan mutuamente. De esa combinatoria nace este método de enseñanza.ö
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El formato estrella de presentación de arte contemporáneo sigue siendo la exposición. Una exposición quesufre modificaciones constantes, que necesita adaptarse a las propuestas de los artistas, repensarse desdesu uso, analizarse según sus posibles funciones y que, en definitiva, nos pide a gritos una reformulación.Salir de la exposición (si es que alguna vez habíamos entrado) es un acercamiento a las posibilidades dela exposición, un deseo, una mirada para compartir con la voluntad de repensar el modo cómo el arte se conecta con la sociedad.
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Si pensamos en una imagen que simbolice la creación artística de Japón, sin duda nos vendrá a la cabeza, aunque desconozcamos el nombre del autor, la estampa de una ola azul que se alza y, en su movimiento, creael marco para una montaña mítica, el monte Fuji. Esta imagen, La gran ola de Kanagawa, la creó en torno a1830 un septuagenario: para entonces llevaba más demedio siglo experimentando técnicas y estilos y habíaproducido treinta mil pinturas, bocetos y dibujos para grabados. Katsushika Hokusai nació en 1760 y vivió en el Periodo Edo, el tiempo de los shogunes. La época, quizás la más asombrosa en la historia de Japón,comenzó en 1603 y se extendió hasta 1868, con el inicio de la era Meiji. El clan dominante ?la poderosa familia Tokugawa? decretó el cierre del archipiélago al exterior y condujo al país a un hermetismo sin parangón. Este aislamiento propició el desarrollo de costumbres distintas a las del resto del mundo. De esa época proceden algunas de las creaciones culturales más originales de Japón, como el teatro kabuki y el grabado ukiyo-e. Y también, algunas de las tradiciones más célebres ?y estereotipadas y mal contadas? como elmundo de las geishas. ¿Qué papel tenía la mujer en ese mundo? ¿Qué supuso el ascenso social de la nueva clase urbana? ¿Cuándo perdieron los samuráis sus privilegios? En este libro nos introducimos de lleno en el Japón del Periodo Edo. Un fascinante viaje a una época remota para conocer al artista que firmaba como Hokusai, y lo que hay de cierto y de mito en las costumbres y protagonistas de un tiempo y una cultura irrepetibles.
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No queda más que una salida del laberinto en el que andamos tropezando a ciegas: seguir la tenue luz de la razón, que nos devolveráal compromiso entre ver y saber, entre las percepciones de la retina y las visiones conceptuales, que constituyen la b
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Los textos aquí reunidos —escritos sobre Tintoretto (1518-1594) entre la segunda mitad del siglo XVI y finales del siglo XVIII, algunos en español y otros traducidos del italiano y del francés— constituyen una auténtica anatomía del pintor veneciano. Ninguna de las preguntas que nos hacemos los Modernos ante la obra de Tintoretto es nueva: ¿en qué consiste la “dificultad” de Tintoretto?, ¿están acabados sus cuadros?, ¿qué es una obra “acabada”?, ¿qué lugar ocupa el azar en la producción artística? Tintoretto, ¿borra o pinta? ¿Es la suya una pintura de borrones, “hecha de un modo que se suele usar en Venecia, por así decir, confuso”, como ya dijo Boschini en 1660? La antología incluye textos nunca antes traducidos al español de autores como Sansovino, Doni, Ridolfi, Roger de Piles o Cochin, así como extractos de la Memoria de Velázquez y de las apostillas del Greco.
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Con su estilo personal y provocador, a través de estos pequeños ensayos el filósofo inglés Timothy Morton nos invita a reflexionar sobre ecología, arte y antropocentrismo y apela a nuestras emociones y experiencias como base para la construcción de un compromiso filosófico con el medio ambiente.
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En la obra de Walter Benjamin, fundamental para comprender el siglo ¬¬, destaca esta breve pero contundente reflexión en torno al objeto artístico y la comunicación de masas. Sostiene aquí el pensador que, con las nuevas posibilidades técnicas para su reproducción, el arte puede transformarse en un poderoso instrumento para la revolución política. Una innovación que, a la vez, hará que la obra pierda su carácter único, el «aura», y abrirá, así, una nueva dimensión para el objeto artístico. Un texto fundamental en torno al arte, la reflexión estética y la filosofía de la imagen.
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A la par que otros surrealistas como Max Ernst, Paul Éluard o André Breton, Salvador Dalí también fue un asiduo visitante de las páginas de La Nature, una revista de divulgación científica que a finales del siglo XIX alcanzó altas cuotas de popularidad. El libro que el lector tiene en las manos analiza el uso que el pintor catalán hizo de esta célebre publicación como fuente de conocimiento y sobre todo como suministrador de contenidos visuales. Un hecho que merece ser puesto de relieve y que hasta la fecha nadie había hecho.
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'He visto de cerca un arte creado lejos del miedo. Eltalento de César Barrio apuesta por la libertad. Sufuerza incluye un vasto conocimiento. En los diálogos, César transmite sin vanidades la erudición musical,literaria, pictórica. Como no mezcla su conocimientocon las calderillas del orgullo, el libro que ahorapublica (este “Lo que no se ve”) está repleto de sustancia. El autor reflexiona deteniéndose en cada detalle sobre cómo se ha llegado a conformar nuestra mirada. Lo hace con hondura que el lector agradecerá.''
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El motivo de la desnudez humana suscita una multitud inagotable de cuestiones en muy distintos órdenes de la vida, y muy especialmente en el ámbito de la creación artística.En este estudio pionero, se abordan algunas formas características de este motivo en los mitos y en la literatura y se analiza su significado psicológico y el sentido de sus diversas expresiones.El enfoque más psicológico que histórico-literario permite ir más allá de la recopilación y comparación de testimonios míticos y literarios sobradamente conocidos, para llegar hasta el fondo de determinados puntos de la evolución en los usos literarios y en la interpretación social de la desnudez, señalando, por ejemplo, esos momentos en que se producen transiciones llamativas o saltos evidentes en la representación y significación del cuerpo desnudo.
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Recientemente, el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid, con la intención de hacer el Arte Moderno y Contemporáneo más accesible al público, decidió dedicar una sala a facilitar ese acceso. El texto que se encuentra en la entrada de dicha sala anuncia: “Se ofrece aquí a los distintos tipos de visitantes una variedad de materiales que les ayude a comprender las obras de arte, ampliar sus lecturas, conocer mejor a sus autores y sus procesos creativos y situar el contexto histórico y social, con el fin de potenciar la experiencia estética.”
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Hace cuatro décadas, Peter Bürger publicó su Teoría de la vanguardia, un libro de culto, concentrado en las dos tareas más importantes que demandaba entonces el arte: romper la representación y disolver la frontera que lo separaba de la vida. Fracasar en esta doble empresa habría certificado, según Bürger, la derrota de la vanguardia y quizá algo peor: su imposibilidad. Cuarenta años después, Teoría de la retaguardia es un manifiesto irónico surgido de ese fiasco, aunque no pierde el tiempo ni lamentándolo ni maquillándolo. Sobre todo porque aquí se entiende que nuestra época no está marcada por la distancia entre el arte y la vida, sino por una tensión entre el arte y la supervivencia, que es la continuación de la vida por cualquier medio. En el malestar que brota de esa supervivencia, Teoría de la retaguardia sospecha de un arte que va dejando sus esquirlas en la política, la iconografía o la literatura, ámbitos desde los que regresa cada vez más maltrecho a su Ítaca de siempre: el museo. Desde ese viaje de ida y vuelta, este ensayo mordaz y austero -en el que se tropiezan Duchamp con La Lupe, la revolución con el museo, Paul Virilio con Joan Fontcuberta o Fukuyama con Michael Jackson- se pregunta si el Arte Contemporáneo no se acaba nunca. Porque si fuera mortal, entonces habría que escribirle un final.
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El primer libro de los populares divulgadores de Arte compacto, un pódcast sobre arte con una perspectiva distinta, abordará algunos de los salseos amorosos más interesantes y curiosos del arte.¿Qué pensó este o aquel artista cuando creaba su obra de arte? Es lo que nos preguntamos muy a menudo cuando paseamos por un museo o una exposición. Pues bien, a veces, estos artistas pensaban en... otros artistas. Y de eso va este libro, de líos, amoríos y otros affaires que han surgido entre grandes artistas y que los han hecho musos y musas los unos de los otros: Picasso y Dora Maar, Francis Bacon y sus muchos amantes, Edward Hopper y Josephine Nivinson, Robert Mapplethorpe y Patti Smith y otros muchos salseos que han dado lugar a las grandes obras que todos conocemos.
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Original ensayo sobre el mundo de las golondrinas desde la literatura y la historia de la cultura occidental, narrado de una forma exquisita y con una gran erudición. Salvador García nos ofrece una oda a las golondrinas y a su relación con los humanos, y también una mirada crítica al comportamiento egoísta de las sociedades hacia un animal fascinante e independiente. En La odisea de las golondrinas, las investigaciones sobre el corazón, el ojo, la cola, el huevo, la deyección y el genoma de la golondrina resultan en muchos sentidos más asombrosas que todos los versos y los cuentos publicados sobre este pájaro único. Un libro que abarca amplios territorios por los que vuelan las golondrinas de las especies más conocidas en sus migraciones y en nuestro imaginario.
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Descubre las infinitas posibilidades de las acuarelas metálicas. La fusión de las acuarelas con los colores metálicos puede hacer que una obra, literalmente, brille sobre el papel. Tras repasar los materiales, las técnicas y el uso del color con acuarela, la artista Elisabeth Götz nos abre las puertas al fascinante universo de las acuarelas brillantes a través de 20 proyectos. Desde centelleantes ramas y hojas hasta fascinantes mariposas y libélulas, con este libro no solo aprenderás a crear luminosos motivos de flora y fauna, también las técnicas, recursos y trucos que te permitirán dar un toque verdaderamente especial a tus creaciones.
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Aquí encontraremos a artistas como Picasso, Frida Kahlo, Georgia O Keeffe, Andy Warhol, David Hockney o Leonora Carrington, todos ellos referentes del mundo del arte, quienes ligaron su vida y obra a la de sus mascotas. Pero también a otros creadores, nombres propios de la pintura, la ilustración o la fotografía, que aunque resulten menos conocidos para el gran público, son de vital importancia para la historia del arte.
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Great Women Painters es un libro innovador que pone de manifiesto una narración más rica y variada de la historia de la pintura. Con más de 300 artistas de todo el mundo, incluye tanto a mujeres pintoras conocidas de la historia como a las estrellas emergentes más emocionantes de la actualidad.Cubriendo casi 500 años de trabajo e innovación, esta selección continúa la célebre serie El ABC del Arte Phaidon y revela y defiende una historia del arte más diversa, mostrando obras y artistas recientemente descubiertos y recientemente apreciados a lo largo de sus más de 300 páginas e imágenes.Las pintoras presentados incluyen: Hilma af Klint, Eileen Agar, Sofonisba Anguissola, Cecily Brown, Leonora Carrington, Mary Cassatt, Elaine de Kooning, Marlene Dumas, Nicole Eisenman, Jadé Fadojutimi, Helen Frankenthaler, Artemisia Gentileschi, Maggi Hambling, Carmen Herrera, Gwen John , Frida Kahlo, Tamara de Lempicka, Agnes Martin, Joan Mitchell, Alice Neel, Plautilla Nelli, Georgia O'Keeffe, Paula Rego, Bridget Riley, Jenny Saville, Dana Schutz, Lee Krasner, Yayoi Kusama.
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En 1912 el arquitecto Frank Lloyd Wright (1867-1959) publicó en Chicago un breve ensayo con el título La estampa japonesa: Una interpretación. Para entonces ya era un prestigioso arquitecto y sus viajes, primero por Japón y después por Europa, fueron de
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Una deslazada y ondulosa cabellera de mujer ha sido,secularmente, un elemento de enorme admiración y, asimismo, de capacidad turbadora en los mitos eróticos de la sociedad masculina, un agente fetichista incitador de secretas fantasías en su imaginación, que se manifiestan tanto en la literatura como en el arte. Sinembargo, aquella ''corona real de la femineidad'', como la calificó Paracelso, ha encontrado condenas y restricciones morales y religiosas en muchos periodosde la historia. A pesar de ello, el pelo, su adorno,cuidados y belleza, ha inspirado a multitud de poetas, literatos y pintores, como recogen las páginas de este libro. Desde Ovidio al caballero Brantôme, hastalos modernistas, su glosa ha sido una constante en los campos de la sensibilidad artística.
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Además de ser un medio accesible y fascinante, laacuarela tiene la particularidad de funcionar maravillosamente bien junto a otras técnicas pictóricas. Eneste nuevo libro, la autora de Acuarela creativa y Armonía de color para
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La ilustradora y autora japonesa Ai Akikusa nos adentra en el variado mundo de las aves para mostrarnos cómo podemos identificar las distintas especies y plasmarlas sobre el papel. Conoceremos los pajaritos que podemos avistar en nuestras ciudades y bosques más cercanos, como el gorrión, la golondrina, la paloma o el pájaro carpintero, profundizaremos en especies tan asombrosas como el águila, el flamenco, el avestruz o el pingüino emperador, finalmente, nos asombraremos ante los flamantes colores del plumaje de otras especies como el periquito, el pavo real o el colibrí. Una oportunidad para adentrarnos en el rico mundo de las aves y aprender a representar sus bellas particularidades.
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Una profesora de danza se sienta ante su escritorio de madrugada para trazar su última coreografía, aquella que le permita no bailar nunca más. Ha abandonado una relación, su profesión, su posible maternidad. Propone una aventura a su madre, una mujer que una tarde decidió dejar de caminar. Un baile en forma de paseo. Ambas recorren su ciudad de provincias en dirección a oriente, hacia la luz. Conforme el viaje avanza, el trayecto se convierte en el protagonista. Un camino en línea recta que atraviesa la ciudad. Que cruza este libro. Que sigue más allá. Un libro íntimo y poético que a través de este peregrinaje nos introduce en los deseos, ausencias y penas, muchas veces no desveladas, de una madre y su hija. De trasfondo, la ciudad, el trayecto compartido, personajes que las acompañan, una historia de la danza y coreografías icónicas. Pómulo y lejanía, de movimientos suaves, es el brillante debut novelesco de la periodista y docente Stefanía Caro.
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La historia del arte desde el Renacimiento como nunca se ha contado.¿Cuántas mujeres artistas conoce? ¿Quién hace la historia del arte? ¿Hubo mujeres que trabajaron como artistas antes del siglo XX? ¿Cuáles fueron las pioneras que abrieron el camino para las creadoras actuales? ¿Cuántas mujeres forman parte de las colecciones permanentes de los grandes museos?En una apasionante historia del arte, Katy Hessel, historiadora del arte y fundadora del podcast @thegreatwomenartists, presenta, entre otros, los deslumbrantes cuadros de la pintora renacentista Sofonisba Anguissola, las radicales obras de Harriet Powers en el siglo XIX, o la historia de la fascinante baronesa Von Freytag-Loringhoven, que inventó el concepto de arte encontrado mucho antes que Duchamp. Viajaremos por la Edad de Oro holandesa, contemplaremos el asombroso trabajo de las artistas latinoamericanas de posguerra y conoceremos a las mujeres que están definiendo qué es el arte en la actualidad.Prepárese a cambiar para siempre su perspectiva sobre la historia del arte y a abrir los ojos a muchas formas de arte antes ignoradas o menospreciadas. Desde la costa de Cornualles a Manhattan, Nigeria o Japón, esta es una historia del arte como jamás se ha visto.
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Torna Javier Sierra amb un llibre apassionant i ple d'enigmes on es disputa quins han de ser els legítims guardians de l'art.El 1989 Javier Sierra va ser abordat a les sales del Museu del Prado per un estrany personatge que li va ensenyar a interpretar els símbols més ocults de l'art. Aquell incident va donar lloc a El maestro del Prado, on va compartir la visió d'aquell desconegut amb centenars de milers de lectors arreu del món. Sierra es va obsessionar amb aquell individu i ha passat mitja vida tractant de trobar-lo de nou. En el seu camí, ha descobert que hi ha un subtil «pla mestre» que dona a la invenció de l'art un sentit transcendental. L'art, juntament amb coneixements com l'agricultura, l'astronomia o la filosofia, ens van ser revelats per altres mestres misteriosos, els mestres instructors. Aquests tenen en comú que les seves idees han transformat la nostra espècie d'una manera profunda i irreversible. El seu particular mestre va formar part d'aquesta genealogia. Però qui són realment i quin és el seu pla per a nosaltres?
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Lectura para todo aquel al que le guste el arte, y para todos loscuriosos Marozeau se zambulle tras el escenario de algunas obrasmaestras, desde el Busto de Nefertiti hasta el Guernica de Picasso 12capítulos = 12 obras de arte = 12 historias asombrosas
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Siempre he detestado que digan que soy crítico de arte. Así presenta John Berger esta antología completa de todos sus ensayos sobre artistas. Y ciertamente sería poco fiel a la realidad reducir a la categoría de crítico de arte a uno de los intelectuale
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* El recurso perfecto para aquellos artistas que busquen pulir el estilo y la técnica: una guía completa para aprender a dibujar de forma rápida y segura. * Unsistema paso a paso para crear esbozos y dibujos llenos de encanto. * Incluye dibujos de hombres, mujeres, niños, ancianos, dibujos anatómicos, personas enreposo o en movimiento, desnudos y consejos prácticospara detalles como la nariz, la boca, los ojos o elcabello. Ser capaz de dibujar la figura humana de manera realista es divertido para uno mismo y para laspersonas a las que se retrata: con este libro, ¡aprenderá a hacerlo! La introducción explica los materiales, la perspectiva y las sombras correctas, el trabajo con líneas auxiliares y la estructura correcta dela imagen. ¡Además de eso! Cualquiera que pueda dibujar la figura humana con destreza querrá probar nuevosámbitos, tales como motivos sofisticados, técnicas inusuales, manga, dibujos animados y fantasía.
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El patrimonio cultural constituye uno de los ámbitos científicos más complejos de abordar, ya que, además de la diversidad de bienes que lo conforman, confluyen en torno a él numerosos intereses y efectos de tipo social, político, ideológico, económico, urbanístico, etc. Esta multidimensionalidad del patrimonio cultural ha propiciado que toda clase de agentes, disciplinas y colectivos se acerquen a él para extraer del mismo aquellos objetivos o beneficios que consideran legítimos a sus particulares intereses. Este hecho está dando lugar en la actualidad al desarrollo de una serie de tendencias que pueden ser muy peligrosas para el patrimonio cultural, para el mantenimiento y la sostenibilidad de un adecuado sistema de reconocimiento y tutela del mismo. Tendencias como las relacionadas con la utilización de la memoria y la identidad como referentes para la patrimonialización de un bien, la expansión incontrolada del patrimonio cultural inmaterial, la suplantación de la tutela por la gestión, la simplista apelación a la participación ciudadana, la desconsideración de los procesos formales de declaración de bienes, y las implicaciones jurídicas que ellos implican, especialmente en los de carácter paisajístico. Para poder transitar correctamente por este desconcierto patrimonial el autor nos induce a acudir a la seguridad de los límites de la ciencia (y la de sus profesionales), que otorga, en este caso, los principios y fundamentos de la disciplina de la tutela del patrimonio cultural, haciendo valer así el armazón científico construido a lo largo de siglos con el objetivo de disponer de un instrumento poderoso, universal, democrático, legítimo, justo, solidario, inclusivo... para defender uno de los más preciados (y apreciados) tesoros de la humanidad, su propia historia, su propia existencia. Evitar dilapidar este excepcional y universal logro es el objetivo de esta publicación.
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¿Por qué causó rechazo el Juicio Final de Miguel Ángel? ¿Qué se esconde detrás de la pincelada atormentada de Munch? ¿Pudo incitar Goya a un suicidio pasivo a Torrigiano? ¿Hay arte en las esculturas de Koons, o en la genialidad de Duchamp?¿Por qué hubo tantos artistas suicidas, desde el Renacimiento al siglo XX? ¿Qué llevó a muchos creadores a autorretratarse de forma obsesiva, anticipándose en siglos al selfie del siglo XXI? ¿Qué redes sociales hubieran empleado los pintores del Barroco si hubieran vivido en nuestros días? ¿Por qué creó rechazo la representación del vello púbico femenino en milenios de historia? ¿Qué provoca el repudio de una obra de arte en un determinado contexto histórico y provoca su triunfo en un periodo posterior? ¿Qué mueve a alguien a atentar contra un cuadro o una escultura? ¿Por qué se silenciaron las facetas escabrosas de muchos creadores, sus tendencias violentas, sus engaños? ¿Qué impidió la representación de la realidad cuando se levantaba la bandera del decoro, ignorándose que Cristo fue crucificado desnudo, o que tuvo una infancia como la de otros niños? ¿Cuándo murió el arte? ¿Con el inodoro de Marcel Duchamp? ¿O con las heces enlatadas de Manzoni?La historia del Arte oculta numerosos aspectos, hechos omitidos y detalles silenciados que configuran esta enciclopedia paralela, en la que tienen cabida las mujeres —olvidadas durante siglos—, las enfermedades que sufrieron los creadores, o las mil y una circunstancias que suelen pasar desapercibidas en manuales que siguen manteniendo una concepción decimonónica, académica y parcial, del estudio del arte.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.