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Llibres d'art
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La Historia del Arte con uno de los grandes divulgadores de España: @ElBarroquista. Cualquiera que haya visitado un museo o haya hojeado un libro sobre arte habrá escuchado o leído frases rimbombantes y categóricas como «Nos encontramos ante la gran obra maestra del siglo XX», «Este artista es un genio» o «Aquella pintura cambió el mundo». Esta concepción de la creación artística -basada en la aceptaciónde un canon preestablecido que privilegia unos estilos específicos y encumbra unas firmas concretas-, lejos de favorecer el aprendizaje y hacer el arte más accesible, ha encorsetado el placer del público generaly ha condicionado su gusto. En este libro, elhistoriador del arte Miguel Ángel Cajigal Vera -conocido como El Barroquista en su labor divulgativa- propone una nueva manera de acercarnos a esta disciplina y nos invita a disfrutar del arte sin prejuicios y con total libertad. Otra historia delarte es un ensayo estimulante que nos abre las puertas al museo particular del autor, donde conoceremos historias fascinantes y obras personalísimas, como las de Maurizio Cattelan, Teresa Margolles, Piero Manzoni o Fiona Banner, junto a piezas muy reconocidas de Guo Xi, Frida Kahlo o Artemisia Gentileschi. Y tras finalizar la lectura comprenderemos por qué no pasa nada si no nos gustan Las meninas.
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Eugenia Tenenbaum revive en este libro períodos históricos desde la Antigüedad hasta el siglo XX, con el objetivo de disfrutar de las obras de arte que vieron la luz en esas épocas. Gracias a su voz cercana y rigurosa, nos reconciliaremos con el placer inmenso que nos ofrece el arte sin otro requisito que nuestras ganas. A lo largo de todo el recorrido, sin embargo, se nos obligará a volver a mirar, una y otra vez, para encontrar algo nuevo. Porque cuestionar lo que sabemos es la única manera de comprender mejor quiénes somos, y de conseguir que el arte sea algo para todos.
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'La práctica hace al maestro''. Este dicho también se aplica a la escritura, y aprender a escribir es fácil, siempre y cuando se mantenga una práctica regular. Elija los abecedarios que más le gusten y diviértase. Solo de esta manera podrá desarrollar el amor y la paciencia para mantenerse activo en la práctica hasta conseguir dominar las letras.Con este cuaderno de ejercicios, practicar resulta sencillo. Sumérjase paso a paso en el fascinante mundo de la escritura: ¡podrá implementar cada abecedario directamente en la hoja de ejercicios correspondiente! Todo ello con la ayuda de las instrucciones detalladas para cada letra individual. No solo podrá conocer las escrituras caligráficas más importantes, sino que también aprenderá todo lo que necesita saber sobre el espaciado entre letras y el diseño de páginas. En los capítulos sobre lettering, las formas de las letras constituyen el centro de atención. ¡Pruebe los diferentes estilos y dé rienda suelta a su creatividad!
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Desde 1989, el año en que nació la World Wide Web, el mundo del arte ha lidiado con el auge de la cultura en red. Esta encuesta sin precedentes de los artistas e innovadores en esta área desde 1989 hasta la actualidad se entrelaza con la narrativa personal de una de las principales voces del mundo digital. En este libro, Omar Kholeif, cuya prolífica carrera es paralela al crecimiento de Internet, cuenta la historia de este medio masivo y cómo ha fomentado nuevas posibilidades para los artistas, tanto analógicos como digitales. El libro muestra el trabajo que abarca una variedad de medios de artistas legendarios como Lawrence Abu Hamdan, Lynn Hershman Leeson, Nam June Paik, Heather Phillipson y Wu Tsang. Esta es una historia para el presente y el futuro, que rastrea a los artistas e innovadores clave desde el surgimiento del arte basado en navegador hasta los albores de las NFT.n Sudjic es Director Emérito del Museo del Diseño de Londres y Profesor Distinguido de Estudios de Arquitectura y Diseño en la Universidad de Lancaster. Cofundador de la revista Blueprint, Sudjic también editó la revista Domus y ha sido cr¡tico de arquitectura para The Sunday Times, The Guardian y The Observer. Fue director de la Bienal de Arquitectura de Venecia y ha comisariado exposiciones en Copenhague, Estambul y Seúl.han, Tom Colicchio, Nina Compton, Wylie Dufresne, Suzanne Goin, Enrique Olvera, Eric Ripert, Clare Smyth, Jean-Georges Vongerichten y Alice Waters, entre otros.
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Recuperamos no de los libros más significativos del filósofo y crítico de arte Arthur C. Danto, una crítica radical de la naturaleza del arte de nuestro tiempo.Hace más de dos décadas, Arthur C. Danto anunció que la llegada del fin del arte se había dado en los años sesenta, y fue precisamente tras esa declaración cuando se situó a la vanguardia en la crítica radical de la naturaleza del arte en nuestro tiempo. Esta obra presenta la primera reformulación a gran escala de esta original percepción y muestra cómo, tras el eclipse del expresionismo abstracto, el arte se ha desviado irrevocablemente del curso narrativo que Vasari definió para él en el Renacimiento.
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Edición de Servando Rocha. Hubo un tiempo, no hace mucho, en que el tatuaje estaba reservado a una tropa formada por criminales, apaches, presidiarios, legionarios, prostitutas, anarquistas o marineros. Aunque también se puso de moda entre la realeza europea o exhibía en circos y espectáculos de fenómenos. Su uso, un código secreto en manos de fueras de la ley, despertó la fascinación e interés de numerosos antropólogos, criminólogos y médicos que, siguiendo las ideas del italiano Cesare Lombroso –padre de la antropología criminal–, veían en el tatuaje un signo de atavismo y predisposición a la locura, violencia y asesinato, y los tatuados rarezas y seres misteriosos.En España, desde que en 1888 Rafael Salillas, nuestro «pequeño Lombroso», mostrase su colección de tatuajes de delincuentes patrios, los tatuados, que fueron fotografiados y estudiados, sembraron el terror y desconcierto: oleadas de apaches con el cuerpo cubierto de dibujos obscenos y llamadas a la venganza, llegaban a ciudades como Madrid, Barcelona o Bilbao, entre otras, al tiempo que defendían la bohemia más hampona. Más tarde, milicianos y falangistas ocultaban –o directamente se arrancaban– aquellas marcas delatoras (hoces y martillos, yugos y flechas en brazos y pechos) que podían costarles la vida y los legionarios –una auténtica subcultura tatuada–llenaban sus cuerpos con cruces, vírgenes y nombres de sus amadas. También quinquis, pandilleros, motoristas y rockers fueron pioneros en mostrar aquellas «cicatrices parlantes», como llamaron al tatuaje los mandos policiales y militares.Durante un siglo el tatuaje fue «criminal» y marginal, hasta que en 1989, el fotógrafo y tatuado Alberto García-Alix abrió las puertas de la tienda y estudio de tatuajes El Martillo de Lucifer, donde comenzaría su imparable popularización con Mao, legendario tatuador que en los ochenta tatuaba a la marina estadounidense en Rota, como una de sus grandes estrellas. Lo que vino a continuación ya lo sabemos: el tatuaje y aquel sorprendente estilo de la «vieja escuela» se convirtieron en masivos, elevándose a la categoría de arte y perdiendo el aura de peligro del pasado.Servando Rocha, editor de esta obra única en nuestro país, investigó y rescató antiguos tratados médico-legales, fichas policiales y numerosas fotografías «perdidas» en el tiempo prácticamente nunca vistas, para construir un relato visual de un siglo de «ángeles bellos» y «bárbaros tatuados», junto a espectaculares colecciones criminológicas francesas, mexicanas o alemanas, haciendo de CRIMINAL el gran libro ilustrado del tatuaje de aquella España brutalista, esa que mostró con orgullo y desafío puñales, calaveras y corazones sangrantes.
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¿Sabía que en las entrañas de la catedral de Sevilla se esconde un cocodrilo gigante disecado? ¿Que el Papamoscas de Burgos no es el único que existe? ¿Que el Santo Grial está en la catedral de Valencia? ¿O que al arquitecto de la catedral de Granada se l
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* Una apasionante introducción ricamente ilustrada a algunas de las obras de arte más importantes de la tradición occidental, reinterpretadas para el público del siglo xxi. * Un análisis de cómo la arquitectura, la escultura, la pintura y las artes decorativas se reflejan en la cultura y la sociedad de su tiempo haciendo un recorrido por toda la historia del arte occidental. * Los capítulos se inician formulando una pregunta que invita a la reflexión, seguida de un resumen de los principales acontecimientos históricos del período que hace alusión a las estructuras sociales, la política, las cuestiones raciales, los avances científicos, las creencias y las costumbres de la época. Al explorar estas cuestiones se demuestra que el arte y la arquitectura desde las Grandes Pirámides y Santa Sofía hasta las obras de artistas como Rafael y Faith Riggold conforman la cultura del momento y el lugar en que surgen, al mismo tiempo que la reflejan y la documentan. Como tema secundario, el libro se centra en la constante evolución de los gustos estéticos, como un péndulo que oscila entre el naturalismo, el idealismo y la abstracción. En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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Los Madelman lo pueden todo. Ese fue el lema de los Madelman cuando vieron la luz en 1968.Pero, en el 2002, ¿seguirían los nuevos Madelman de Popular de Juguetes -los apodados Pdj- pudiéndolo todo?La respuesta queda clara en El último Madelman.
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La cultura és un camp obert, un espai que, per definició, no es deixa tancar, és inestable i genera interrogants, crea nous llenguatges i referents, i transita per itineraris que cal descobrir i explorar. Les pràctiques i les disciplines que hi intervenen es creuen, es nodreixen entre elles, i malden per trobar sentit al subjecte humà i la seva contemporaneïtat, que sovint és una realitat heterogènia, contradictòria i canviant. De les noves mitologies a la reflexió sobre la intel·ligència artificial, del teatre a l'arquitectura, el cinema i la creació artística i literària, de la sociolingüística a la ciència i la tecnologia, aquest volum recull una sèrie d'assaigs breus que dibuixen, en conjunt, allò que avui podríem entendre per cultura, sense voler limitar-la ni esgotar-ne totes les potencialitats. I és, sobretot, un estímul per pensar, a partir de la singularitat de cada mirada, com ens situem al món des del coneixement, la creativitat i la imaginació.
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La historia de Genji ilustrada. Un recorrido visual por la obra maestra de las letras japonesas. El Genji Monogatari, cima de las letras japonesa y obra maestra universal, nació alrededor del año mil en el refinado y sofisticado mundo de la corte imperial. Su autora concibió un colorido cosmos de relaciones humanas protagonizadas por apuestos príncipes y hermosas damas, que pueblan un escenario de elegantes palacios, suntuosos aposentos y delicados jardines, y definió los ideales morales y estéticos de la cultura japonesa. A finales del siglo xix, en un Japón que se modernizaba a marchas forzadas, Ogata Gekko buscó inspiración en el estilo clásico para su serie Cincuenta y cuatro capítulos del Genji. Estas exquisitas estampas publicadas entre 1892 y 1895 ilustran los episodios más célebres de la novela de Murasaki Shikibu y proclaman el indiscutible talento artístico de su autor. Ogata Gekko ilustra un pasado elegante y refinado que sigue latiendo en el corazón del Japón actual, y que ha definido la esencia de la estética japonesa de ayer y hoy.
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«Hagi escrit sobre el que hagi escrit, Pla ens ha ensenyat a mirar el nostre país i la seva gent, a mirar-nos a nosaltres mateixos i, des d'aquí, a mirar el món, i per això ens agrada», escriu Teresa Amat, que en aquest llibre aborda un aspecte essencial que genera un gran interès tant de la mirada com de la ploma de Josep Pla: l'art i els artistes, especialment l'art i els artistes catalans. Pla va escriure sobre Gaudí, sobre Dalí, sobre Rusiñol, sobre Maillol, sobre Picasso, sobre Gargallo, sobre Miró i sobre tants d'altres. Però l'estudi sobre la relació de Josep Pla amb l'art i amb els artistes encara s'havia de fer. A El Plaer de l'art trobareu aplegats tot de textos de l'escriptor sobre el seu concepte d'art i sobre els artistes que va conèixer.
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El proyecto artístico más ambicioso de Sara Rubayo, la historiadora del arte que ha revolucionado los museos en España, y Ana Gállego: una recopilación exhaustiva de todas las mujeres pintoras del siglo XVIII.Cuando un visitante entra en el Museo del Prado, espera ver Las Meninas de Diego Velázquez, no los bodegones de Clara Peeters, pese a pertenecer al mismo estilo artístico, y tener un incalculable valor histórico. PintorAs vol. 2 pretende dar respuesta al vacío de conocimiento que tiene la historia del arte: las mujeres artistas. No es que no las conozcamos porque no existieran, sino porque fueron despreciadas artísticamente y olvidadas históricamente. En este tomo, que comprende todo el siglo XVIII, Sara Rubayo y Ana Gállego aportan una nueva perspectiva a la historia del arte para que puedas darle el merecido reconocimiento a todas aquellas mujeres que han contribuido a nuestra cultura con su talento.
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Un banquero multimillonario invierte 12 millones de dólares por el cadáver de un tiburón descomponiéndose dentro de una tinaja. Un lienzo lleno de gotas de colores se vende por 140 millones de dólares. Una chaqueta de cuero abandonada en una esquina se subasta por la suma de 690.000 dólares. Si el negocio del arte moderno es serio, ¿por qué parece una broma? En este recorrido ameno y fascinante por las casas de subastas, las galerías y el mundo de los coleccionistas, Don Thompson desvela los secretos económicos y las estrategias de marketing que impulsan al mercado a producir los precios astronómicos a los que se cotizan las obras de los grandes artistas, de Basquiat a Koons, Tàpies o Jasper Johns. Thompson nos acerca a la psicología y los intereses que mueven el mercado artístico para recordarnos que en el arte contemporáneo, como en tantos otros campos, la línea que separa la cultura y el negocio es difusa pero clara.
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Després de la Guerra Civil, la sala capitular del Monestir de Montserrat es va reformar. Els capitells de les 44 noves columnes pretenien ser una síntesi de la història del monestir. En aquest llibre us els oferim tots retratats, i acompanyats del context històric de l'escena que descriuen. Escrit pel monjo de Montserrat, Jordi Puigdevall.
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* ¿Quiere aprender a dibujar la anatomía humana de manera rápida, segura y con éxito? * Junto a las propuestas y prácticas, encontrará el espacio suficiente para dibujar sus propias obras directamente en el libro. * ¡Tome el lápiz y empiece a dibujar! ¡La práctica hace al maestro! Desde ejercicios sencillos con los dedos hasta proyectos magistrales, esta guía hará que se convierta en un profesional del dibujo de la anatomía humana. Encontrará todo lo que desea dibujar, desde retratos interesantes, desnudos fascinantes, personas en movimiento... También hallará información sobre anatomía, conocimientos sobre proporciones y toda una serie de detalles fundamentales, como ojos, nariz, boca, orejas, cabello y un largo etcétera.
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La mente en la caverna, de David Lewis-Williams (9788446041276).El arte que se creó en las profundidades de las cuevas de Europa occidental a finales del periodo glacial produce admiración y asombro a partes iguales. ¿Qué nos dicen los animales y los símbolos pintados sobre las paredes de cuevas como las de Lascaux, Chauvet y Altamira acerca de la naturaleza de la mente ancestral? ¿Cómo surgieron, por así decirlo, de la nada? La mente en la caverna ofrece la explicación más convincente de todas las que hasta ahora se han propuesto para los orígenes del arte: la respuesta se halla en la evolución de la mente humana. En sus distintos capítulos, el autor combina toda una vida de investigación antropológica con los avances en el ámbito de la neurología más recientes para mostrar cómo los Cromañones, a diferencia de los neandertales, poseían una conciencia de nivel superior y una estructura neurológica más avanzada que les permitían experimentar trances chamanísticos e intensas imágenes mentales que, con el tiempo, tuvieron la necesidad de «fijar» sobre las paredes de las cuevas. El resultado es un libro apasionante, un trabajo casi detectivesco que arroja luz sobre los misterios de nuestros primeros antepasados y sobre la naturaleza de nuestra propia conciencia y experiencia.
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Con un estilo literario y profundamente divulgativo, seductor y personal, Carlos del Amor nos ofrece unviaje por treinta y cinco obras de todos lostiempos, con especial atención a la pintura femenina y a la española. Un viaje a través de texturas, colores, claroscuros, historias, miradas, vidas, abrazos, besos?, que nos descubre un caleidoscopio donde se aúnan verdad y ficción, historia del arte, imaginación y emoción. «El arte es una celebración. Un cuadro no seacaba en lo que encierra su marco, un cuadro vive antes y después de que lo miremos. El marco lo acota ynosotros debemos cruzar esa frontera para hacer que su existencia siga saltando siglos y vidas, y se renueve con cada mirada. Cada cuadro es un cuento, una novela, un relato, y eso he pretendido reflejar en estaspáginas: romper el marco y expandir el lienzo hastadonde sea posible».
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La obra escrita de Remedios Varo, con excepción del paródico tratado De Homo Rodans (1960), permaneció prácticamente oculta durante muchos años o fue publicada de forma fragmentaria y dispersa. Sin embargo, supuso para ella una prolongada oportunidad para dar rienda suelta a sus pensamientos más íntimos. En los cuadernos aparecidos tras su muerte se encontraron cartas, relatos, proyectos y sueños que reflejan nítidamente su compleja personalidad. Angustiosos o humorísticos, espontáneos siempre, los escritos de Remedios Varo completan la imagen de una artista total, que logró expresarse por igual a través de la página y del lienzo. Editar este material, en principio no concebido para su publicación, supone asomarse al taller de una artesana solitaria, que anteponía el proceso creador al éxito y que, a la vez, se relacionó intensamente con destacadas figuras de su época como Benjamin Péret, Leonora Carrington, Kati Horna, Wolfgang Paalen, Esteban Francés, Gerardo Lizarraga o César Moro. Viajar a través de la obra, escrita y pictórica, de Remedios Varo nos permite revivir la agridulce aventura del exilio y reconstruir un panorama colectivo de creación, amistad, libertad y resistencia. «Remedios combina máquinas, poesía, misterio, imágenes oníricas de un laboratorio, aparatos científicos, instrumentos musicales, creación, alquimia y magia». Irene Vallejo «El surrealismo reivindica su obra por entero». André Breton Primera recopilación completa de la obra escrita de Remedios Varo. Reúne cartas, sueños, relatos, recetas humorísticas, ejemplos de escritura automática y proyectos inacabados. Incluye textos inéditos. Remedios Varo (Anglés, Gerona, 1908-México, 1963) es una de las más interesantes figuras del exilio republicano español. Inició sus estudios en 1924 en la Academia de San Fernando de Madrid y posteriormente se trasladó a Barcelona, donde se impregnó del espíritu vanguardista de la época. Al estallar la Guerra Civil, viajó a París y se integró en el grupo surrealista. En 1942, se trasladó a México, país en el que residió hasta su muerte. Su obra pictórica, profundamente personal y a la vez resultado de diferentes influencias que van desde el surrealismo hasta la pintura flamenca o la alquimia, es actualmente reconocida y reclamada en los más importantes museos del mundo. Además de su extensa producción pictórica, Remedios Varo se dedicó a otras actividades como la creación de objetos, esculturas y figurines para el teatro, y, muy especialmente, a la escritura. A través de la palabra, Remedios Varo recrea el mismo ambiente onírico que se despliega en su pintura y nos conduce a un mundo de prodigios habitado por criaturas singulares, en un tiempo y un espacio diluidos por el humor y la poesía. Isabel Castells Molina (1965) es profesora titular de Literatura Española en la Universidad de La Laguna. Estudiosa del surrealismo y del exilio republicano español, ha editado la obra literaria de Eugenio F. Granell. Ha editado también a autores de la vanguardia canaria como Antonio Dorta, Julio Antonio de la Rosa y Emeterio Gutiérrez Albelo. Es responsable de la primera recopilación de la obra escrita de Remedios Varo (México, Era, 1997). La edición que presentamos ahora reúne de nuevo todo ese material, actualiza la bibliografía que ha generado el creciente interés hacia su obra e incluye documentos inéditos.
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Publicado con motivo de la exposición Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 10 de junio y el 14 de septiembre de 2025.La imagen de la Virgen de Guadalupe se difundió masivamente entre 1650 y 1790, convirtiéndose en un símbolo religioso clave en España, Italia, Filipinas y América Latina. Se consideraba una imagen milagrosa, con su belleza y técnica sirviendo como prueba del favor divino hacia los habitantes de la Nueva España. Fue la imagen más reproducida y copiada por artistas novohispanos, asociada a la idea de un ''icono revelado''. La exposición y el catálogo que la acompaña exploran su circulación en España, el impulso del culto en la Edad Moderna, las relaciones entre la Virgen de Guadalupe de Extremadura y la mexicana, y el papel de los artistas en su difusión. Presenta unas 70 obras, la mayoría provenientes de España y México, incluyendo impresos de Madrid y Sevilla.El catálogo, que se abre con una introducción a cargo de los dos comisarios de la exposición, Jaime Cuadriello, profesor de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México, y Paula Mues Orts, profesora del Instituto Nacional de Antropología e Historia de México, repasa el culto a esta Virgen en seis ensayos de la mano de diversos especialistas: El «icono moderno» ante la era del arte (Javier Portús), Tipología figural, construcción visual y articulación devocional (Jaime Cuadriello), La Virgen de Guadalupe, un icono entre dos orillas (Francisco Javier Pizarro Gómez y Angelika García Manso), La Virgen de Guadalupe de México y de cómo los pintores novohispanos intentaron retratarla (Paula Mues Orts y Rocío Bruquetas Galán), Agentes, dinámicas y espacios de la recepción guadalupana en España (Francisco Montes González) y La Virgen, los «señores indianos mexicanos» y el rey católico (Iván Escamilla González). El libro se cierra con una bibliografía y un índice antroponímico y de obras reproducidas.
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Guías singulares Anaya Touring
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En ''Orden y limpieza si postureo'', Lucía Lipperheide comparte su manera de mantener una casa cuidada y en equilibrio sin renunciar a vivirla. Criada en una familia numerosa, en un hogar lleno de movimiento y momentos compartidos, aprendió desde pequeña a adaptarse a los cambios y a encontrar soluciones prácticas. Con los años, ha desarrollado su propia forma de organizar y cuidar la casa, siempre pensando en lo que realmente funciona en la vida diaria. En este libro reúne esos trucos, rutinas e ideas que utiliza a diario, el lector descubrirá también fragmentos de su historia y vivencias personales que abren cada capítulo. Son recuerdos llenos de emoción, con los que muchas personas se sentirán identificadas y que dan sentido a los consejos que vienen después, explicados con un estilo claro y cercano. Propuestas fáciles de aplicar, pensadas para hogares reales, donde se vive, se recibe y se disfruta. Un libro que demuestra que el orden y la calma son posibles sin buscar la perfección y que invita a cuidar la casa como parte de disfrutarla.
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La divulgadora del momento te explica por qué el arte es para todos.Eugenia Tenenbaum revive en este libro periodos históricos desde la Antigüedad hasta el siglo XX, con el objetivo de disfrutar de las obras de arte que vieron la luz en esas épocas. Gracias a su voz cercana y rigurosa, nos reconciliaremos con el placer inmenso que nos ofrece el arte sin otro requisito que nuestras ganas. A lo largo de todo el recorrido, sin embargo, se nos obligará a volver a mirar, una y otra vez, para encontrar algo nuevo. Porque cuestionar lo que sabemos es la única manera de comprender mejor quiénes somos, y de conseguir que el arte sea algo para todos.
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El mayor enigma que ha guardado el Museo del Prado, hasta la fecha, se exhibe en la sala 12. Dentro de la pintura más valiosa, más famosa y más contemplada que atesora la colección. Dicho secreto no es otro que el significado oculto de Las meninas de Velázquez. Aquel que el genio sevillano encerró bajo el cuadro, esperando que fuese descubierto por su destinatario original, el rey Felipe IV. El hallazgo de un posible error en las fuentes históricas de la obra ha desencadenado un lustro de investigaciones por parte del autor, cuyo fruto es una lectura inédita del cuadro. El ensayo ofrecerá al lector una visión completamente distinta de la pintura. Permitiendo comprender el significado profundo de cada uno de sus elementos, su mensaje subyacente, la enseñanza moral asociada y su verdadero género pictórico. Como nuevos espectadores del cuadro nos emocionaremos y disfrutaremos ante otras meninas que durante más de trescientos años han estado paradójicamente escondidas a la vista de todos.
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En FLUJO VISUAL se publican un conjunto de reflexiones, desde una perspectiva fluida y dinámica, en donde la realidad es percibida en perfecto cambio y, al mismo tiempo, ese cambio es a su vez, paradójicamente, un continuo.Valerio Rocco introduce el debate desde una perspectiva filosófico-artística atendiendo a la evolución histórica del arte, en una puja constante del creador contra los límites materiales que cada disciplina artística presenta. En esta confrontación se sitúa la reflexión que plantea Ana Marcos.Los autores aportan razonamientos que parten de lugares de reflexión diferentes. Lois Patiño interviene desde su experiencia personal como creador de imágenes en movimiento, y ello le permite pensar sobre los elementos inmateriales que ordenan e impulsan su actividad, desde un sentimiento oceánico, pero también da cuenta de aspectos muy concretos y materiales del mercado audiovisual y de sus condiciones de trabajo.Valentín Vallhonrat, por su parte, nos describe el flujo histórico de la fotografía desde su origen hasta la actual cultura de la imagen, así como la evolución que va desde los propósitos científicos iniciales de los primeros fotógrafos, la necesidad de precisión y exactitud, a la diversidad y el desarrollo proteico y biogenético de la fotografía en estos momentos. La biogénesis creadora subyace ante el reto de la mal llamada “inteligencia artificial”, pues la vida solo se genera desde la vida y el arte es fruto de seres vivos: los seres humanos.
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Edición inspirada en el libro original Tomon Hyakka (Cien diseños de cosas hermosas de la capital), de 1891, conservado en el Gabinete de dibujos, estampas y fotografíasdel Museo Nacional del Prado. El Tomon Hyakka es un espléndido conjunto de diseños p
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¿Qué prácticas e historias convocan aquellos espacios ni del todo funcionales ni olvidados del todo, suspendidos entre el abandono y la finalización? Allí donde se interrumpe la secuencia planificación-construccióninauguración, proliferan las promesas, la especulación, el desánimo o el activismo. Estos espacios inacabados pueden cobrar una nueva vida en forma de proyecciones de futuro, recuerdos nostálgicos o formas varias de reapropiación. Lejos de un simple fracaso, cabe pensar la suspensión como un estado de contingencia y posibilidad. Su futuro es desconocido e incognoscible, pero no por ello menos material o experienciable. El carácter incierto de los espacios en suspensión —urbanizaciones truncadas, infraestructuras a medias, proyectos anunciados, pero nunca construidos— puede, de hecho, convertirse en una plataforma para la experimentación e invención de nuevos usos, significados, afectos o colectividades.
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Lo que percibimos no es algo dado. Máquinas fotográficas, cinematográficas, ordenadores, no son solo modos técnicos para distribuir lo sensible a domicilio, sino también objetos rituales que prescriben el límite de la experiencia en el mundo contemporáneo.El autor analiza así los modos en que se organiza el común estético occidental, y la dimensión política de este fenómeno, a través de lo que llama rituales de la percepción. Con una perspectiva latinoamericana como alternativa, traza un recorrido por el trabajo de varios artistas para mostrar los mecanismos con los cuales las artes desarticulan ese patrón estético develando formas de existir que no se dejan programar y que los devenires técnicos no pueden imaginar.
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Un lúcido tratado sobre la percepción artística del niño y su evolución, en la que Lev. S. Vigotsky nos ofrece las claves para entender el despertar del niño a la imaginación y a la creatividad. Una propuesta original, un ensayo deslumbrante, imprescindible, que nos ayudará a comprender el arte y la creatividad, no solo de nuestros pequeños, sino los de todos nosotros.
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Entre la memòria íntima i la poètica dels objectes, L'imant i les coses és el primer llibre de l'artista Mateu Coll. Amb una escriptura fragmentària i evocadora, però lluny de qualsevol nostàlgia, Coll construeix una obra on les coses —les trobades, les perdudes, les salvades— esdevenen dipositàries de vida i alhora testimonis del pas del temps. Cada objecte conté una història, una absència, un record, i el text s'erigeix al seu costat com un inventari afectiu que reivindica la bellesa i la fragilitat d'allò que resta. Amb fotografies de Jean Marie del Moral i un epíleg de Sebastià Perelló, a L'imant i les coses les imatges dialoguen amb la paraula escrita i n'intensifiquen la dimensió reflexiva i sensorial. Un llibre que s'inscriu en la tradició de la literatura de l'objecte i de la mirada —de Walter Benjamin a Mario Praz, de Virginia Woolf a Susan Sontag— i que aporta una visió pròpia i contemporània sobre el poder magnètic de la matèria i el desig inefable de retenir allò que s'esvaeix.
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Este libro propone una nueva mirada sobre el patrimonio industrial y minero como herramienta estratégica para el desarrollo territorial sostenible. A través de un enfoque multidisciplinar, la obra analiza cómo las huellas materiales e inmateriales de la minería y la industria —paisajes, infraestructuras, cultura obrera, memoria colectiva y patrimonio tecnológico— pueden convertirse en recursos activos para la revitalización económica, cultural y social de territorios afectados por la despoblación y la desindustrialización. La publicación reúne investigaciones y experiencias sobre patrimonio industrial, arquitectura minera, ferrocarriles históricos, minería aurífera romana, museos, políticas culturales y modelos de gobernanza colaborativa desarrollados especialmente en el Noroeste Ibérico. Desde ejemplos como Las Médulas, el Ponfeblino, La Fábrica de Luz o el Museo de la Siderurgia y la Minería de Castilla y León, el volumen muestra cómo la conservación patrimonial puede integrarse en proyectos contemporáneos de innovación territorial, turismo sostenible y transferencia de conocimiento. Coordinado desde la Cátedra de Territorios Sostenibles y Desarrollo Local de la UNED, este libro constituye también una reflexión crítica sobre el propio concepto de patrimonio industrial y minero, defendiendo una visión integradora que conecte historia, tecnología, paisaje y comunidad. Más allá de una mirada nostálgica hacia el pasado, la obra reivindica el patrimonio como un elemento útil para pensar el futuro de los territorios postindustriales.
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A través de setenta y cinco relatos de misterio, escándalo y desventuras, este es el primer libro que ilustra y contextualiza de forma global la delincuencia contra el arte. Las historias de crímenes artísticos nos emocionan y nos intrigan. Divididas en tres categorías —robos, vandalismo y falsificaciones— y organizadas geográficamente, cada historia revela una serie de motivaciones para los delitos artísticos.
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En este cautivador artbook, la talentosa artista Ashleigh Izienicki -nacida en Colorado y conocida mundialmente bajo su marca, MissUpacey- nos invita a explorar su proceso creativo único, en el que combina hábilmente temas oscuros y macabros con un toque de delicadeza y feminidad. Con más de 603.000 seguidores en Instagram, un exitoso Patreon y una tienda online que ofrece productos de diseño exclusivo, como pines, fundas para teléfonos, calcomanías y artículos de papelería, Ashleigh ha logrado cautivar a una audiencia global con su estilo inconfundible. Actualmente radicada en California, Ashleigh trabaja tanto en medios tradicionales como digitales, y comparte en este libro una serie de tutoriales en ambos formatos, ofreciendo a los amantes del arte y sus seguidores una ventana íntima a su proceso, el diseño de su estudio y sus fuentes de inspiración. Además, abre su corazón sobre los retos y las alegrías de gestionar un negocio artístico, aportando consejos valiosos para los creativos que comienzan su camino. Hellebore: The Art of Missupacey refleja los valores de producción de excelencia que caracterizan a la editorial: papel de alta calidad y una exquisita edición en tapa dura con acabados especiales. Un verdadero tesoro para los seguidores de MissUpacey y para los amantes del arte en general, que disfrutarán de tener esta joya en su estantería por muchos años.
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¿Explora el arte del dibujo con lápices de colores Nathalie Ravier, artista y profesora de dibujo, te revela todos sus secretos para dominar los lápices de colores. Aprenderás diferentes técnicas siguiendo modelos paso a paso, agrupados en cuatro grandes temas: plantas y vegetales, mundo animal, paisajes de aquí y de allá, y el huerto y el vergel. Tengas o no experiencia, este libro te enseñará todo lo necesario para transformar tus dibujos en auténticas obras de arte. En este libro encontrarás: una guía de materiales y de técnicas básicas: aprovecha la experiencia de una artista para equiparte con las mejores herramientas prácticas y teóricas, 34 modelos paso a paso: para crear dibujos desde cero hasta los retoques finales, detalle a detalle, y consejos prácticos: aprende a combinar colores, a jugar con las luces y las sombras, y a dar relieve a tus creaciones. c
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Por su gracia, su belleza y su aire de misterio, los gatos han sido venerados por artistas de todos por los tiempos. Estas fascinantes criaturas han sido musas de grandes pintores como Andy Warhol, Leonardo Da Vinci o David Hockney, y protagonistas de formidables historias, como los cuentos que Mark Twain contaba a sus hijas a la hora de dormir o la fascinación que sentía Edwar Lear por su gatito Foss.Entre ilustraciones, pinturas, anécdota y frases, este libro no es solo una compilación de las obras de motivos felinos más formidables, es también una oda al carisma y el carácter de estos seres asombrosos y nuestra relación con ellos.
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Sigui quin sigui el motiu pel qual ens endinsem cap als entorns naturals, encara que no siguin «inhòspits» o «extrems», mai hem de descurar tots aquells aspectes relacionats amb la seguretat, ja sigui individual, grupal i del medi, com són: geografia física, perills ambientals, actitud mental, primers auxilis, aigua, foc, orientació, eines, rescat, refugi i recursos alimentaris.Aquest llibre us proporciona explicacions, curtes, però aprofundides, sobre totes aquestes qüestions ben organitzades en deu capítols multitemàtics —que anomenem dies—. Tres quartes parts del text escrit es complementen amb il•lustracions i esquemes, mapes i exemples, llistes i taules.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.
