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Llibres d'art
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En este cautivador artbook, la talentosa artista Ashleigh Izienicki -nacida en Colorado y conocida mundialmente bajo su marca, MissUpacey- nos invita a explorar su proceso creativo único, en el que combina hábilmente temas oscuros y macabros con un toque de delicadeza y feminidad. Con más de 603.000 seguidores en Instagram, un exitoso Patreon y una tienda online que ofrece productos de diseño exclusivo, como pines, fundas para teléfonos, calcomanías y artículos de papelería, Ashleigh ha logrado cautivar a una audiencia global con su estilo inconfundible. Actualmente radicada en California, Ashleigh trabaja tanto en medios tradicionales como digitales, y comparte en este libro una serie de tutoriales en ambos formatos, ofreciendo a los amantes del arte y sus seguidores una ventana íntima a su proceso, el diseño de su estudio y sus fuentes de inspiración. Además, abre su corazón sobre los retos y las alegrías de gestionar un negocio artístico, aportando consejos valiosos para los creativos que comienzan su camino. Hellebore: The Art of Missupacey refleja los valores de producción de excelencia que caracterizan a la editorial: papel de alta calidad y una exquisita edición en tapa dura con acabados especiales. Un verdadero tesoro para los seguidores de MissUpacey y para los amantes del arte en general, que disfrutarán de tener esta joya en su estantería por muchos años.
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Continúa la travesía por el desierto, cuyos principales hitos y prodigios obrados por Yahvé en favor de Israel ya tuvieron lugar en el libro del Éxodo. En el presente volumen, se estudian aquellos tipos iconográficos derivados del Levítico, los Números, el Deuteronomio y Josué. El conjunto de estos cuatro libros conforma una unidad, cuyo sentido es la historia del pueblo de Israel de camino aún por el desierto en dirección hacia la Tierra prometida y la conquista de esta una vez alcanzada. El contenido de cada uno de estos libros es muy diferente y absolutamente singular, algo que para los estudios iconográficos es secundario, ya que, como fuente visual, los libros bíblicos interesan tanto en cuanto poseen contenido narrativo y, en consecuencia, sean susceptibles de ser trasladados a la imagen, dando así lugar a los tipos iconográficos que conforman el objeto de estudio. En este sentido, presentamos una sucesión de capítulos integrados como un todo progresivo en la historia, donde cobra relevancia el final de Moisés y Aarón, seguido del protagonismo que adquiere Josué como líder en la conquista de Canaán.
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![Anton Raphael. Mengs 1728-1779 [inglés]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dwd527d740/images/large/1575831.10.jpg?sh=240 "Anton Raphael. Mengs 1728-1779 [inglés]")
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Edición a cargo de Andrés Úbeda, Jefe de Colección de Pintura Italiana del siglo XVIII y Goya del Museo del Prado, y Javier Jordán de Urríes, Conservador de Patrimonio Nacional.Inglés (también disponible en español). Rústica. 24 x 30 cm. 488 páginas.Catálogo publicado con motivo de la exposición Antonio Raphael Mengs (1728-1779), celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 25 de noviembre de 2025 y el 1 de marzo de 2026.
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Este libro no es una historia del arte al uso. No es un recorrido por las consideradas grandes obras del arte universal y que habitualmente aparecen en los manuales escolares. Tampoco es un recetario de cómo distinguir el arte románico del gótico.Esta historia irreverente del arte se centra en la Europa occidental y el Mediterráneo, desde la caída del imperio Romano de Occidente hasta el siglo XV, para recorrer en un extraordinario viaje artístico lugares como Roma, Constantinopla, Damasco, Granada o Florencia y explorar la sensibilidad de aquellos artistas que, con su desempeño, han construido la cultura en la que vivimos.
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Desde los 80, el arte se ha convertido en el movimiento cultural por excelencia. Varias generaciones de artistas han contribuido a que así fuera, pero eso no es suficiente para explicar su lugar preponderante. En paralelo, un mercado que ya estaba desarro
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Esta edición actualizada contiene 10 entradas nuevas referentes a las obras más importantes realizadas a partir del 2015 (Fecha de publicación del último formato). Obras desde el 28.000 a.c hasta nuestros días.El libro contiene 600 de las mejores obras de arte en cualquier disciplina (pintura, escultura, textil, metal o cerámica), desde obras maestras icónicas a obras menos conocidas. Las obras aparecen en orden cronológico y las parejas nos muestran un mismo punto temporal y un distinto lugar geográfico.Los textos están escritos por 35 comisarios, académicos y arqueólogos de todo el mundo.Contiene un glosario de términos artísticos y una línea temporal ilustrada con las obras que aparecen en el libro.
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Una lectura absorbente que arroja luz sobre uno de los delitos más lucrativos y desconocidos del mundo: el robo de arte. Casi tan antiguos como la propia humanidad, los robos de arte se remontan hasta los orígenes de los primeros grandes imperios. Desde entonces, nos fascinan y repelen por igual, pero, ¿qué se esconde tras ellos? ¿Por qué se roba el arte? ¿Qué ocurre con las piezas robadas? ¿Existen realmente los robos por encargo? ¿Cómo funciona el mercado negro del arte? Encontraremos respuesta en este apasionante recorrido a través de cincuenta robos y saqueos que han determinado el rumbo de la historia. Pero, sobre todo, intentaremos dar respuesta al mayor enigma de todos, ¿por qué, a pesar de que la mayoría de nosotros nos encontramos del lado bueno de la historia, nos resultan tan fascinantes?
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Publicado con motivo de la exposición Juan Muñoz. Historias de arte, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 18 de noviembre de 2025 y el 8 de marzo de 2026. Juan Muñoz fue un artista que constantemente dialogó con la historia del arte.
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No todas las representaciones escritas recogidas en este volumen corresponden, en rigor, a la definición estricta de onomatopeya, por lo que es obligado señalar que en este libro hemos decidido seguir un criterio laxo, favoreciendo la inclusión sobre la exclusión y apropiándonos no sólo de las onomatopeyas puras, sino también de sus frondosos «entornos». Así, bastantes sustantivos y verbos ingleses que no ofrecen similitud acústica con el fenómeno sonoro designado se utilizan «a modo» de onomatopeyas, cuando en realidad son indicadores semánticos de una función. A todo ello hay que añadir que el vistoso protagonismo plástico de muchas onomatopeyas, dominando por su tamaño espectacular la mayor parte del espacio de una viñeta, evacuó la posibilidad de borrarlas en las versiones traducidas a otros idiomas -a diferencia de la traducción de los diálogos inscritos en globos-, lo que exportó sus modalidades filológicas a otras culturas lingüísticas. De modo que se asistió a un fenómeno de exportación y universalización de las onomatopeyas, tanto como a fenómenos de acomodación local o de hibridación ortográfica y fonética. De esa inmensa riqueza, tanto plástica como semiótica, se han nutrido las páginas de este libro.
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José Jiménez ha llevado a cabo una exhaustiva tarea de revisión y anotación de los textos, fijando la terminología para su mejor comprensión en nuestra lengua.Duchamp supo anticipar los nuevos horizontes el arteen el mundo actual. En su trabajo las obras, las imágenes y los objetos elegidos, los textos, y su desdoblamiento en un alter ego femenino como Rose Sélavy, se integran en una misma unidad.
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El vínculo entre el Atlas Mnemosyne y las artes performativas puede que no sea obvio a primera vista. Sin embargo, no deja de ser Warburg mismo quien lo plantea. Su semilla está en el ritual antiguo, según él, la forja originaria de los símbolos. Por otro lado, el ritual supuso para Grotowski el origen y, a la vez, la fuente inagotable del acto performativo a lo largo de la historia de la cultura. Desde aquí comienza el recorrido al que este libro invita.
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Man Ray (1890-1976) fue un artista modernista y erudito que cultivó artes tan diversas como la pintura, la escultura, el cine, la confección de grabados y la poesía. Pero fue su obra fotográfica, con sus desnudos, imágenes de moda y retratos, la que escribió un nuevo capítulo en la historia de la fotografía.A través de una extensa colección, tanto de sus obras más famosas como de otras menos conocidas, esta monografía ofrece una vívida perspectiva de la polifacética práctica de Man Ray y su legado fotográfico. Siga la trayectoria de Man Ray desde sus inicios artísticos en Nueva York hasta su papel protagonista en la vanguardia parisiense. Allí participó en la primera exposición surrealista con Jean Arp, Max Ernst, André Masson, Joan Miró y Pablo Picasso, y creó obras tan emblemáticas como Noire et blanche (Negra y blanca) y Le Violon d'Ingres (El violín de Ingres). Mediante numerosos ejemplos de naturaleza muerta y retratos, entre otros, observamos cómo Man Ray experimentaba constantemente con nuevas técnicas, convirtiendo la fotografía, más allá de su dominio documental, en una expresión etérea y poética a través de la exposición múltiple, la solarización y su particular marca de fotogramas que bautizó con ingenio como ''rayogramas''.
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![Paolo Veronese [1528-1588] - Inglés](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dwd9e3eafb/images/large/1552091.12.jpg?sh=240 "Paolo Veronese [1528-1588] - Inglés")
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Publicado con motivo de la exposición Paolo Veronese (1528-1588), celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 27 de mayo y el 21 de septiembre de 2025.Tras las muestras dedicadas a los Bassano (2001), Tiziano (2003), Tintoretto (2007) y Lotto (2018), el Museo del Prado cierra con Paolo Veronese el ciclo expositivo dedicado a la pintura veneciana del Renacimiento, piedra angular de su colección.El catálogo propone un exhaustivo análisis en torno a la figura de Paolo Veronese (Verona, 1528 – Venecia, 1588), un pintor extraordinariamente reconocido y auténtico heredero de Tiziano. Ahonda en las líneas de investigación en torno a Veronese desarrolladas en las últimas décadas, como el afán por situarlo en contextos más amplios (Rafael, Tiziano, Tintoretto, Palladio, etc.), la relación con la clientela (pública o privada), con la arquitectura y la escenografía, el interés por el proceso creativo y el funcionamiento de la bottega, o su legado artístico.Para el Prado, Veronese es más que uno de los grandes nombres de la historia del arte, es un eslabón fundamental en una forma de entender la pintura veneciana, aquella que primó el color sobre el diseño y que constituyó el ADN de la antigua colección real y del actual museo.El catálogo se abre con una introducción a cargo de los dos comisarios de la muestra, Enrico Maria Dal Pozzolo, profesor de la Università di Verona, y Miguel Falomir, director del Museo Nacional del Prado, seguida de once ensayos escritos por especialistas internacionales en la figura del pintor que analizan aspectos de su vida, su proceso creativo y su influencia cultural. Entre los ensayistas están Francesca Trivellato, Ana González Mozo, Michel Hochmann o Deborah Howard. A continuación, una extensa sección dividida en seis partes, precedida cada una de un texto introductorio, en las que se reproducen las 103 obras de la exposición y que recorren cronológicamente la trayectoria del pintor, situando a este además en relación con otros maestros de su tiempo. El libro se cierra con una extensa y precisa Cronología, una Bibliografía y un índice onomástico.
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¿Qué secretos esconden las serpientes en los cuadros renacentistas? ¿Por qué el fuego representa tanto la destrucción como la redención? ¿Qué mensaje transmite realmente un simple espejo en una pintura medieval? Desde el Paleolítico hasta el arte contemporáneo, los símbolos operan como puentes entre lo visible y lo invisible, pero sin las claves adecuadas, nuestra experiencia artística se reduce a una contemplación superficial. En un mundo saturado de imágenes, hemos perdido la capacidad de leer los símbolos que dan profundidad al arte. Esta guía esencial desentraña el fascinante universo de significados ocultos que condensan las obras.
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¿Una maga que vuela en una escoba? ¿Una hereje condenada a la hoguera? ¿Una mujer fatal que extravía a los hombres? ¿Una experta en el arte de los venenos? La bruja, una figura odiada en la Edad Media, se ha convertido en un icono feminista que encarna el poder y la independencia. Este libro bellamente ilustrado ofrece una colección única de obras de arte en las que las brujas son las protagonistas. Déjate hechizar por la sorprendente selección y descubre las historias míticas sobre las brujas. - Una combinación magistral de obras artísticas y literarias. - Referencias visuales claras, como cronologías y mapas. - Información adicional: anécdotas, contexto e influencias.
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El artista y profesor Rod Judkins incorpora en esta segunda edición nuevas historias de grandes mentes creativas que no dejan de sorprendernos e inspirarnos. Una empresa de buceo se enfrenta a la quiebra porque los tiburones han infestado el área, ¿la solución? Abrir la primera escuela de buceo extremo del mundo. Conocer cómo Robert de Niro convenció a Martin Scorsese para rodar una nueva película, el desconcierto que causó Salvador Dalí en el programa televisivo 'What's My Line?' o por qué es técnicamente imposible ser tan bueno como Miguel Ángel, entre muchas otras historias increíbles, nos permitirá acceder a las claves de las grandes mentes y convertir la creatividad en nuestra forma de vida.
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El mito del andrógino ha tenido una gran influencia en todas las artes. Péladan, con su gran erudición y originalidad de pensamiento, le sigue el rastro desdeEgipto hasta los clásicos grecolatinos y la figura católica del ángel, para acabar dedicándole un himno, que es también un himno a la Belleza. Para Péladan ''ser bello es pertenecer a un tercer sexo''.
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Bartolomé Esteban Murillo (1618-1662) cautivó la imaginación de los británicos en los siglos XVIII y XIX. Los coleccionistas adinerados competían por sus mejores obras, los artistas imitaban su estilo y adoptaban sus temas, y se vertieron ríos de tinta elogiando su arte. Aunque la popularidad del sevillano declinó en el siglo XX, su legado sigue vivo en las grandes colecciones públicas de los museos británicos e irlandeses, que en este sentido no tienen parangón fuera de España. Este libro estudia a los coleccionistas, entendidos, viajeros y artistas que dieron a conocer a Murillo en las islas británicas. Doce especialistas analizan en profundidad cómo creció y cambió el gusto por Murillo en el transcurso de dos centurias. En sus textos, revisan el papel de destacados coleccionistas –desde Robert Walpole hasta Alfred Beit– y analizan a fondo los primeros escritos de Richard Ford y William Stirling Maxwell sobre Murillo. Las complejas redes de diplomáticos, viajeros y expatriados en Madrid y Sevilla se abordan desde puntos de vista complementarios que subrayan el interés por el arte de Murillo en aquella época. Apoyándose en abundante material de archivo, en gran medida inédito, los autores arrojan nueva luz sobre estos personajes, sus colecciones y su relación con un artista que contribuyó a modelar el gusto de los británicos durante más de un siglo.
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En esta conferencia pronunciada en Bruselas en 1934,el ''jefe de obras'' del surrealismo explica el cuando y el porqué nació el movimiento, qué pretende conseguir y cómo.
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Dibujar la naturaleza' es un diario interactivo que incluye retos, proyectos y ejercicios, un nuevo libro de la artista Viktorija Semjonova que te guiará a través de 100 propuestas para que aprendas a dibujar la naturaleza de forma ágil y divertida. Tanto si te estás iniciando en el mundo del dibujo como si eres un artista experimentado que quiere explorar nuevos horizontes, este cuaderno creativo es la ocasión perfecta para inspirarte y aprender nuevos recursos más allá de lo académico, así como para conectar de nuevo con tu creatividad más genuina. A partir de técnicas sencillas y los consejos de la autora, verás cómo vas ganando destreza en el dibujo, aprendes a jugar con el color y, lo más importante, encuentras el que será tu estilo propio. Un nuevo libro para perder el miedo a dibujar y explorar sin límites tu potencial creativo.
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Maya Goded Colichio es una reconocida fotógrafa y cineasta documental mexicana, cuyo trabajo se centra en temas como la violencia de género y la vida de comunidades marginadas. A través de su obra, explora las complejidades y desafíos que enfrentan las mujeres en la sociedad mexicana.El rastro de la serpiente combina fotografía, poesía, testimonio y ensayo para dar forma a un viaje íntimo, político y espiritual.A través de imágenes, relatos orales, archivos históricos y reflexiones filosóficas, El rastro de la serpiente se convierte en un canto colectivo de resistencia. Entre sus páginas resuenan las voces de mujeres que, a pesar del despojo, cuidan la vida, sanan, cantan y recuerdan.El diseño del libro es verdaderamente único, compuesto por tres cuadernillos que se entrelazan. Los dos primeros están diseñados para ser leídos simultáneamente, guiando al lector hasta el tercer cuadernillo en el centro.Maya Goded nos conduce por territorios heridos—desde el desierto de Atacama hasta las selvas de Chiapas—donde el cuerpo de la tierra y los cuerpos de las mujeres son escenario y testigo de violencias históricas, extractivismo y olvido. Este proyecto nace de una búsqueda personal: la autora explora su linaje materno y su historia familiar, marcada por guerras, migraciones y abusos, estableciendo paralelismos con las experiencias de mujeres indígenas, mineras, curanderas y defensoras del territorio. La serpiente, símbolo ancestral de transformación y sabiduría femenina, se convierte en el hilo conductor de esta narrativa en espiral, que abraza lo cíclico frente a la lógica lineal y patriarcal del progreso destructivo. El libro es un acto ritual de memoria, duelo y renacimiento—una propuesta ecofeminista que reimagina la relación entre humanidad y naturaleza desde la raíz, desde lo femenino, desde la serpiente.
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Las Fiestas de la Mercè son memoria, tradición, identidad y espectáculo. Desde que en 1871 se proclamara oficialmente a la Virgen de la Merced como patrona de la ciudad, cada 24 de septiembre —y en los días que la rodean— Barcelona se transforma en un mosaico de cultura popular, música, fuego, danza y emoción compartida. En este libro, el historiador César Alcalá nos invita a recorrer la historia y la evolución de una de las celebraciones más emblemáticas de la capital catalana. Desde sus orígenes religiosos hasta su actual dimensión cívica y festiva, Las fiestas de la Mercè traza un recorrido ameno y documentado que nos permite entender por qué esta festividad sigue siendo hoy un espejo de lo que Barcelona es —y quiere ser. Un homenaje a las raíces y a la alegría de una ciudad que, al ritmo de castells, gegants, sardanas y correfocs, se celebra a sí misma cada septiembre.
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Un breve, delicioso e imprescindible tratado lleno de sugerentes ideas para comprender qué es el arte, qué utilidad puede tener para nosotros, cómo creamos, cómo el arte abre mundos y cómo puede transformarnos para imaginar un futuro diferente. ¿Qué hace el arte por nosotros? ¿Y para qué lo necesitamos? Podríamos decir que el arte es uno de los principales atributos del ser humano, como el lenguaje. Es fácil entender por qué el lenguaje es universal, pero no parece ser tan sencillo imaginar que el arte también lo es. En este libro, Brian Eno y Bette Adriaanse nos llevan de la mano mientras exploran esta vital cuestión a la vez que animan al resto del mundo a ser más abiertos y atrevidos con el arte y con la vida. El arte es una forma de hacer que los sentimientos sucedan
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A lo largo de su vida creativa Leonardo da Vinci reflexionó sobre la figura de san Juan. Tuvo que ver en él resabios o máscaras de mitos antiguos, provenientes de otras culturas, que remarcaban su relación con la naturaleza y lo divino. Seguramente relacionó esa figura con la de Orfeo y la de Dioniso o con la de José, el hijo de Jacob, y, aunque, por su biografía y sus escritos, parecería que Leonardo tuvo poco que ver con preocupaciones de orden religioso o místico, sus cuadros sobre Juan indicarían lo contrario.
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Una colección que ofrece una visión global de la obra de 101 artistas contemporáneas de Irán y de la diáspora.La obra de las artistas iraníes y de la diáspora trasciende medios, naciones y generaciones, preservando la cultura iraní y cuestionándola, y transformando las restricciones sociales en herramientas de liberación a través del arte. Boundless Spirit ofrece una introducción a esta rica tradición a través de 101 perfiles y obras imprescindibles de un grupo extraordinario de artistas que están cambiando el panorama de la cultura iraní y del mundo del arte internacional. Las reproducciones de las obras y las biografías informativas de cada artista se complementan con textos introductorios de destacados críticos, artistas, coleccionistas y activistas. Marjane Satrapi, entre otros, colaboró con el autor en la selección de las obras.
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Una guía visual de gran formato que explica las técnicas esenciales del bushcraft paso a paso, con imágenes claras y a todo color.En Bushcraft ilustrado, Dave Canterbury, uno de los grandes referentes internacionales de la supervivencia al aire libre, reúne las habilidades esenciales para moverse con seguridad y confianza en el entorno natural. A través de explicaciones claras, ilustraciones paso a paso y una cuidada edición de gran formato a todo color, este libro enseña a preparar el equipo adecuado, manejar cuchillos, hachas y sierras, hacer nudos eficaces, construir refugios, encender fuego, orientarse, conseguir alimento, reconocer plantas útiles y actuar ante accidentes comunes. Más que un manual de supervivencia, es una obra visual de referencia para recuperar habilidades tradicionales, aprender a resolver problemas con los recursos del entorno y disfrutar de una relación más práctica, consciente y autosuficiente con la naturaleza.
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Mirar a la cartografía desde las disidencias sexuales posibilita un proceso de resignificación que habla en otros términos, trata otros territorios y rompe con los ideales hegemónicos de lo cartográfico. Busca encontrar un potencial que permita cuestionar, remover e imaginar otras vivencias posibles, dar cuenta de lo subjetivo y activar herramientas que denotan una voluntad política. El trabajo de Kyle Lasky, nucbeade y Lucas Larochelle forman esta primera aproximación cartográfica acompañados de un texto de Yera Moreno. Son mapas que están construidos con argamasa de memoria colectiva, experiencias personales, deseos entrelazados y relatos ficcionados. Hacen referencia a las diferentes formas de vivir y habitar el espacio a través de testimonios, fotografías u otros registros que cuentan historias, historias que hablan desde la memoria, la intimidad y la ficción, desde lugares de resistencia y de vulnerabilidad.
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Reminiscencias después del Fin del Arte“Nos hemos quedado sin Arte porque nos hemos quedado sin Historia”. Desde que cierta metodología deconstructivista se expandió y eliminó de cuajo cualquier sistema de creencias, la sociedad quedó en manos de un nihilismo autodestructivo. Se abandonó la Historia para dar paso a un sinfín de micro-relatos que se justifican por el simple y puro delirio ideológico. Ya sin posibilidad de Historia del Arte, el Arte se quedó reducido a Nada, debido a la fuerza que en el límite hace coincidir los sinónimos con los antónimos. Todo es Arte: Nada es Arte.Ya sólo nos quedaría analizar el verbo de quienes configuraron la Historia del Arte mientras existió: el de los expertos, en ese preciso momento bisagra en el que el Todo daba paso a la Nada. Personajes ya extinguidos debido, justamente, a su falta de sentido en la actualidad.Lo que aquí se presenta es un conjunto de textos cuya intención es demostrar que las opiniones de aquellos expertos que configuraron la Historia del Arte Moderno en sus estertores, además de condenadas a la obsolescencia, tuvieron que ser necesariamente autoritarias a la vez que humillantes para con los espectadores no expertos.
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Dolfi era un joven delfín con una gran pasión: nadar en círculos. Una vuelta hacia la derecha. Una vuelta hacia la izquierda. Hasta que un día Lola, una pequeña orca, llegó a su piscina y le habló de un lugar maravilloso llamado océano. Descubre la historia de Dolf i y Lola,un emotivo y sorprendente relato que habla sobre los cetáceos que viven en cautividad.
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Cuando irrumpió sobre sus fundadores como una ola cargada de sueños, el surrealismo se anunció como el más cabal, concluyente y absoluto de los movimientos. Hizo suyo cuanto tocaba.
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En una acepción un tanto indeterminada, casi siemprecoincide con lo angustiante en general. Sin embargo,podemos suponer que el uso del término específico –losiniestro– sirve para denotar un núcleo particular de lo angustiante: un sentido esencial y propio que permite discernir, en lo angustioso, algo que además essiniestro. E. T. A. Hoffmann es, en la literatura, el maestro sin par de lo siniestro, cuyas características nos ayudará a identificar gracias a su cuento delarenero: ''Ese hombre malo que viene a ver a los niños cuando no quieren dormir, les arroja puñados de arena a los ojos, haciéndolos saltar ensangrentados desus órbitas
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'En Ruskin, la paradoja, el capricho, el gusto personal y exclusivo se hace convincente, se eleva y se hace hasta inspiración celeste a fuerza de dominar el procedimiento demostrativo, con sedicencias y seducciones.''''Ruskin no es nunca un teórico, cuenta con pisar el paisaje que alaba, con entrar en él, lo ve todovivo, asequible, tibio, móvil y por eso en las cosasmás petrificadas encuentra la brisa que fuera con ellas, la luz que las anima y las adentra.ö
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Amb un to despreocupat i una mica irreverent, aquest llibre està pensat per apropar l'art als infants, que aprendran que pot ser molt i molt divertit i esbojarrat. Sota la guia del gat Roc, descobriran que en l'art tot s'hi val, només calen ganes de passar-s'ho bomba. El text es complementa amb una magnífica combinació d'il·lustració i fotografia.
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Desplazada del centro de atención por la actual avalancha de estímulos audiovisuales, la imagen cinematográfica puede erigirse todavía como espacio fronterizo privilegiado, una grieta, más que una ventana, cesura fértil a través de la que vislumbrar el misterio fundacional de la imagen en movimiento: su carácter fantasmagórico. Pues el cine se nutre de nuestra sombra y captura como ningún otro arte nuestra condición de mortales. Ni mentira analgésica ni retrato fidedigno de una supuesto mundo exterior, el cine que nos interesa y del que trata este ensayo se acerca más a un sueño lúcido, aquel lo suficientemente autoconsciente como para no desactivar nuestro espíritu crítico, pero también lo bastante evocador como para seguir fascinándonos. El cine (el buen cine) solo persistirá si se mantiene más fiel que nunca a esta esencia.
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«He escrito estos ensayos a lo largo de casi veinte años, veinte años en los que he presenciado el nacimiento y el desarrollo de una historia del arte feminista. Cuando en 1970 empecé a trabajar en «¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?», la historia del arte feminista no existía: como cualquier otra forma de discurso histórico, había que construirla.» Así comienza Mujeres, arte y poder y otros ensayos, el recopilatorio en el que la gran historiadora del arte Linda Nochlin presenta siete artículos sobre mujeres artistas y la figura femenina en la historia del arte, cuya influencia fue determinante para el desarrollo posterior de la crítica del arte feminista y los estudios de género. Los artículos aquí reunidos son: «Mujeres, arte y poder» (1988), «La nodriza de Morisot: la noción del trabajo y el ocio en la pintura impresionista» (1988), «Perdida y Encontrada: otra vez la mujer caída» (1978), «Algunas pintoras realistas» (1974), «Florine Stettheimer: el Rococó subversivo» (1980), «Erotismo e imaginería femenina en el arte decimonónico» (1972), y «¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?» (1971). Mujeres, arte y poder y otros ensayos revela la amplia perspectiva y conocimiento del trabajo pionero de Nochlin y nos invita a interpretar la historia del arte feminista como una práctica transgresora contra el establishment que pone en tela de juicio muchos de los principales preceptos de la disciplina todavía vigentes en la actualidad.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.