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Llibres d'art
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En este breve tratado, Paul Klee analiza el procesocreativo con una agudeza y una precisión raras en lostextos sobre arte contemporáneo. En opinión de HerbertRead, que firma la presentación, constituye ''la declaración más profunda y esclarecedora de las basesestéticas sobre las que se fundamenta el movimiento del arte moderno que haya hecho nunca ningún artista en activo''.
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Libera todo tu potencial artístico con 'Del pincel al píxel', la guía práctica definitiva para los artistas que hacen la transición de la pintura tradicional a la digital. Descubre el poder de las herramientas y técnicas de pintura digital, aprende a aplicar las habilidades tradicionales al medio digital y desa-rrolla tu propio estilo. Con explicaciones claras, ejercicios prácticos y consejos de artistas experi-mentados, este libro te enseñará a crear impresio-nantes obras de arte digitales, incluso si eres princi-piante en el mundo de la pintura digital. lníciate en el mundo de la pintura y da rienda suelta a tu creatividad con 'Del pincel al píxel: una guía práctica para iniciarte y dominar la pintura digital'.
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La mente en la caverna, de David Lewis-Williams (9788446041276).El arte que se creó en las profundidades de las cuevas de Europa occidental a finales del periodo glacial produce admiración y asombro a partes iguales. ¿Qué nos dicen los animales y los símbolos pintados sobre las paredes de cuevas como las de Lascaux, Chauvet y Altamira acerca de la naturaleza de la mente ancestral? ¿Cómo surgieron, por así decirlo, de la nada? La mente en la caverna ofrece la explicación más convincente de todas las que hasta ahora se han propuesto para los orígenes del arte: la respuesta se halla en la evolución de la mente humana. En sus distintos capítulos, el autor combina toda una vida de investigación antropológica con los avances en el ámbito de la neurología más recientes para mostrar cómo los Cromañones, a diferencia de los neandertales, poseían una conciencia de nivel superior y una estructura neurológica más avanzada que les permitían experimentar trances chamanísticos e intensas imágenes mentales que, con el tiempo, tuvieron la necesidad de «fijar» sobre las paredes de las cuevas. El resultado es un libro apasionante, un trabajo casi detectivesco que arroja luz sobre los misterios de nuestros primeros antepasados y sobre la naturaleza de nuestra propia conciencia y experiencia.
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La mujer ha sido durante mucho tiempo tratada por los artistas como objeto de representación, pero su contribución como creadora de arte es poco reconocida.Aunque las mujeres artistas ya no están obligadas atrabajar en el anonimato ni a aceptar seudónimos masculinos, hace relativamente poco, en 1989, las Guerrilla Girls salieron a las calles de Nueva York para preguntarse si las mujeres tienen que estar desnudas para entrar en el Metropolitan Museum. En este libro, la autora explora la vida y la obra de más de cincuenta de las más destacadas artistas femeninas de todos los ámbitos desde el siglo xv hasta la actualidad, entre ellas, Artemisia Gentileschi, Georgia O'Keeffe y Louise Bourgeois. ''Un excelente estudio dedicado a artistas internacionales decisivas. Estas esenciales figuras femeninas deberían formar parte de nuestra historia del arte, y este libro es parte de esa importante revisión''. Jessica Morgan, directora de Dia Art Foundation En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundodel arte, un cronograma accesible y un índice de artistas. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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La presente guía se compone básicamente de cuadros o tablas en los que se ofrece la información correspondiente a cada uno de los personajes tratados. Las tablas dedicadas a los distintos dioses y divinidades tienen 4 secciones (episodios, atributos, funciones y representaciones), mientras que en las dedicadas a los héroes son sólo 3, pues desaparece la referida a las funciones. La obra se completa con cuatro apéndices dedicados al estudio de aspectos concretos de iconografía clásica: el primero, a elementos y símbolos de iconografía funeraria. el segundo, al proceso de asimilación y apropiación de la mitología por el cristianismo. el tercero hace un recorrido por la distinta valoración y significación iconográfica que ha tenido la figura de Venus y el desnudo femenino desde la Edad Media hasta el Barroco. y el cuarto y último, a la utilización del legado clásico por las monarquías autoritarias y absolutas de los siglos XVI y XVII en la configuración de una iconografía del poder político. Completan el libro un índice de nombres y una orientación bibliográfica sobre mitología e iconografía clásicas.
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Elaborado por un equipo de profesionales del color y de la enseñanza, este libro va dirigido fundamentalmente a los alumnos de arte de un nivel medio-alto. Alumnos de distintas escuelas que no se conforman con una simple descripción de los fenómenos, y que demandan unas explicaciones convincentes de los mismos. Con esta intención como premisa, se elaborado un manual sobre el color, descriptivo en los capítulos esenciales, reflexivo y conectado estrechamente con las disciplinas afines de las que se alimenta y a las que también remite. Contiene fundamentos teóricos y físicos del color, de óptica, de historia y simbología en el uso del color, así como fundamentos de armonía y las últimas técnicas y soportes digitales para imagen.
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Este libro reúne escritos sobre la voz, la escritura y el deciren los que Ixiar Rozas ha trabajado desde hace años. Durante este tiempo la autora se ha acompañado de una investigación trans—arte, filosofía, literatura, feminismo, estudios escénicos, culturales, visuales, sonoros…— con la que ha sentido, pensado y practicado la escritura, la danza, la performance y el arte sonoro. Entre la poesía, las partituras lingüísticas y la teoría, a veces sonido, a veces imagen, a veces texto, en las que ha apoyado su propio trabajo. Dar voz a la palabra, sonarla, sería la antipolítica —tal vez contrapolítica— de la política actual, generalizante, desvocalizada, en la que la escucha y sus extensiones han quedado ensombrecidas. La voz que respira puede arrojar algo de luz a una mirada encerrada en su pensamiento y en la cárcel de lo semántico. Sonar la voz quiere decir hacerla vibrar en todos sus ritmos. Sea o no palabra, tal vez mero sonido, imagen, gesto. Y eso nos sitúa en escuchas y lugares imprevistos, en los que podemos com-ponernos y com-penetrarnos con otros seres.Este libro incluye un epílogo de la filósofa Marina Garcés.
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El primer libro de Claramore: una historia del arte contada como la Súper Pop.El arte, esa disciplina venerada por muchos, repudiada por otros tantos. El arte puede ser sinónimo de erudición, de universo intelectual, pero también puede ser emoción, historia, cultura. Lo que muchos no saben es que el arte es para todo el mundo, solo hay que encontrar la forma de entrar en él.Un Van Gogh en el salón es el primer libro de la historiadora del arte Clara González Freyre de Andrade, conocida en redes como Claramore. Contado como si fueran las páginas de la mismísima Súper Pop, la autora no deja cuadro sin artista para explicarnos múltiples anécdotas y secretos de las obras más icónicas y descubrirnos otras que nadie nos había mostrado hasta hoy. Un recorrido en el que el arte y la cultura pop conviven.Este es un libro para aprender y divertirse: conoceremos los salseos artísticos imprescindibles, las rivalidades más escandalosas entre artistas famosos, las mentes femeninas más brillantes o las obras que causaron más polémica, entre muchas otras cosas. Narrado con naturalidad y sencillez, Un Van Gogh en el salón nos permite disfrutar del arte desde la comodidad de nuestra casa.¿A qui va dirigit el llibre Un Van Gogh en el salón?Aquest llibre està dirigit a un públic ampli, interessat en l'art però que potser no se senti còmode amb els enfocaments acadèmics tradicionals. Es presenta com una opció accessible i amena per a aquells que desitgen aprendre sobre història de l'art d'una forma divertida i atractiva, sense necessitat de coneixements previs extensos. El seu estil informal i proper el fa ideal per a lectors joves, estudiants o qualsevol persona que busqui una aproximació diferent i menys formal al món de l'art. La inclusió de referències a la cultura pop facilita la comprensió i connexió amb el material per a un públic més ampli.Temes que tracta el llibre Un Van Gogh en el salónEl llibre UN VAN GOGH EN EL SALÓN explora la història de l'art a través d'anècdotes, secrets i curiositats d'obres icòniques i altres menys conegudes. Es centra en:Aspectes poc coneguts d'obres famoses: El llibre revela dades curioses i detalls ocults darrere de les obres d'art més famoses, oferint una perspectiva més íntima i humana dels artistes i les seves creacions.Rivalitats i escàndols artístics: S'aborden les disputes i controvèrsies entre artistes, mostrant el costat més humà i a vegades conflictiu del món de l'art.Artistes femenines i LGTBIQ+: El llibre destaca la contribució d'artistes dones i pertanyents al col·lectiu LGTBIQ+, contribuint a una visió més inclusiva i igualitària de la història de l'art.Context social i cultural: Les obres d'art es contextualitzen en la societat i cultura de la seva època, mostrant la influència de l'entorn en la creació artística.Art i cultura pop: El llibre estableix connexions entre l'art clàssic i la cultura popular, facilitant la comprensió i l'interès per a un públic més ampli.Desmitificació d'artistes: Es presenten alguns artistes de forma més humana, allunyant-se de la imatge idealitzada que a vegades es projecta sobre ells.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre Un Van Gogh en el salónLes opinions sobre UN VAN GOGH EN EL SALÓN són variades. Alguns lectors destaquen el seu enfocament amen, divertit i accessible, que facilita l'aprenentatge sobre història de l'art. S'elogia la capacitat de l'autora per desmitificar alguns artistes i revelar aspectes poc coneguts de les seves obres. L'estil informal i proper, amb referències a la cultura pop, és apreciat per molts. No obstant això, altres lectors consideren que algunes de les opinions feministes o les referències a la cultura pop resulten excessives o fora de lloc. Alguns assenyalen que part de la informació ja havia estat compartida per l'autora a les xarxes socials. Malgrat aquestes opinions divergents, la majoria dels lectors coincideixen que el llibre és una lectura entretinguda i interessant, que ofereix una nova perspectiva sobre la història de l'art.
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Un libro de geopolítica cultural y de historioterapia «Occidente ha olvidado el alma hispana que lo vio nacer. Ya es hora de que reencuentre sus raíces y con él todos aquellos que vivimos divididos y de espaldas a los demás y a la verdad. Este libro contribuye decididamente a esa tarea». Marcelo Gullo, profesor argentino. «El Sacro Imperio Romano Hispano, que describe con acierto Alberto G. Ibáñez, nos incluye a todos: indígenas del norte al sur, españoles, criollos, negros mestizos y mulatos. Es un homenaje merecido a la primera operación civilizatoria multicultural de la Historia». Alfonso Borrrego, biznieto del último caudillo apache Gerónimo. «Ibáñez es un intelectual de gran talla: su lectura es urgente e importante. En el Sacro Imperio Romano Hispánico (SIRH), nos hace palpar la grandeza de nuestro legado y abre vías hacia un futuro pleno». Carlos Leáñez, profesor venezolano. «El autor, tras sus exitosos ensayos anteriores, no defrauda con un nuevo estudio serio, innovador y, sobre todo, fascinante. Con este libro el modelo hispano recupera su trayectoria y avanza una vez más hacia el Plus Ultra»
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La cancelación fallida del arte de las vanguardias.“Degenerado, judío y bolchevique.” Así definía Adolph Hitler el arte de vanguardia: el arte de Chagall, de Otto Dix, Paul Klee, Kandinsky, Picasso, Mondrian u Oskar Kokoschka.Con la finalidad de denigrarlas ante el arte del nuevo Reich, los nazis requisaron de colecciones privadas y museos públicos todo tipo de obras adscritas a los distintos movimientos artísticos de principios de siglo y las convirtieron en objeto de mofa en una exposición inenarrable: la exposición del “Arte degenerado” que, inaugurada en Múnich en julio de 1937, emprenderá luego un periplo por todo el país hasta convertirse en una de las exposiciones de arte más visitadas del siglo XX.Paradójicamente, con esta iniciativa, los nazis, antes que ''cancelarla'', acabaron cristalizando la modernidad contemporánea mucho mejor que cualquier otra manifestación artística.
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Catálogo de las exposiciones ''Ciutat de Sorra'' y ''Pajarazos'' celebradas en los centros de Arte Fabra i Coast (Barcelona) y Patio Herreriano (Valladorlid), respectivamente.Catálogo de la obra del escultor David Bestué en sus últimas dos exposiciones en Barcelona y Valladolid, donde se hace un repaso de la última obra del artista. Con textos de Marta Sesé, Carles Guerra, el propio David Bestué y una conversación entre María Salgado y el artista.
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Publicado con motivo de la exposición Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 10 de junio y el 14 de septiembre de 2025.La imagen de la Virgen de Guadalupe se difundió masivamente entre 1650 y 1790, convirtiéndose en un símbolo religioso clave en España, Italia, Filipinas y América Latina. Se consideraba una imagen milagrosa, con su belleza y técnica sirviendo como prueba del favor divino hacia los habitantes de la Nueva España. Fue la imagen más reproducida y copiada por artistas novohispanos, asociada a la idea de un ''icono revelado''. La exposición y el catálogo que la acompaña exploran su circulación en España, el impulso del culto en la Edad Moderna, las relaciones entre la Virgen de Guadalupe de Extremadura y la mexicana, y el papel de los artistas en su difusión. Presenta unas 70 obras, la mayoría provenientes de España y México, incluyendo impresos de Madrid y Sevilla.El catálogo, que se abre con una introducción a cargo de los dos comisarios de la exposición, Jaime Cuadriello, profesor de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México, y Paula Mues Orts, profesora del Instituto Nacional de Antropología e Historia de México, repasa el culto a esta Virgen en seis ensayos de la mano de diversos especialistas: El «icono moderno» ante la era del arte (Javier Portús), Tipología figural, construcción visual y articulación devocional (Jaime Cuadriello), La Virgen de Guadalupe, un icono entre dos orillas (Francisco Javier Pizarro Gómez y Angelika García Manso), La Virgen de Guadalupe de México y de cómo los pintores novohispanos intentaron retratarla (Paula Mues Orts y Rocío Bruquetas Galán), Agentes, dinámicas y espacios de la recepción guadalupana en España (Francisco Montes González) y La Virgen, los «señores indianos mexicanos» y el rey católico (Iván Escamilla González). El libro se cierra con una bibliografía y un índice antroponímico y de obras reproducidas.
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Formado artísticamente en Dresde y Roma bajo la disciplina de su padre, el pintor de corte Ismael Mengs (1687-1764), Antonio Raphael Mengs (1728-1779) recibió sus nombres por la admiración que aquel sentía por Antonio Allegri da Correggio (h. 1489-1534) y Raffaello (Raphael) Sanzio de Urbino (1483-1520). Sus comienzos como pintor fueron también en la corte electoral de Sajonia y luego en la pontificia de Roma, bajo la protección de diferentes personajes de la curia papal, entre ellos el cardenal Alessandro Albani con el encargo de la célebre pintura mural del Parnaso. En 1761 entraría al servicio de Carlos III, quedando el resto de su vida amparado por el mecenazgo del rey de España y de las Indias.En este catálogo de exposición se aborda el estudio de su actividad artística y teórica en las diferentes etapas de su vida, a través de los mejores ejemplos de su producción reunidos en la muestra. Al rico conjunto de obras de Mengs en España, repartidas entre el Museo del Prado y las Colecciones Reales de Patrimonio Nacional, se han incorporado destacadas pinturas venidas de Europa y de América. Esta excepcional conjunción se enriquece en Madrid con la cercana presencia de sus pinturas murales en el Palacio Real.El volumen constituye un importante avance en el conocimiento del pintor y una puesta al día de las investigaciones sobre su figura y su obra, con aportaciones de especialistas que analizan su actividad en Dresde, Roma y España, su pensamiento artístico, su devoción por la Antigüedad clásica y, finalmente, con el novedoso estudio de su técnica, tanto en la pintura de caballete como en la mural.
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Celebre cinco siglos de creatividad femenina con este innovador estudio sobre mujeres artistas en el nuevo formato Compact.Grandes Mujeres Artistas es el estudio ilustrado más completo sobre mujeres artistas jamás publicado. Ahora disponible en un formato compacto y elegante, este volumen esencial refleja una era donde el arte creado por mujeres es más visible que nunca.Organizado alfabéticamente, el libro presenta a más de 400 artistas de 50 países de todo el mundo, cada una representada con una obra a página completa bellamente reproducida y un breve texto ilustrativo sobre su creadora. Los lectores encontrarán obras de artistas icónicas e influyentes, como Artemisia Gentileschi, Mary Cassatt, Georgia O'Keeffe, Frida Kahlo, Agnes Martin, Louise Bourgeois, Yayoi Kusama y Cindy Sherman, así como de nombres menos conocidos que merecen igualmente atención. Inspirador, impresionante y de amplio alcance, Grandes Mujeres Artistas revela una historia del arte paralela pero igualmente atractiva para una época que aboga por una mayor diversidad de voces.Ensayo introductorio de Rebecca Morrill.
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El músico y productor Raül Refree nos ofrece su visión del acto creativo. «La creación artística es un camino apenas señalizado, no hay indicaciones en los desvíos ni un cielo estrellado que ilumine las coordenadas. Pero el final del camino ofrece una inmensa satisfacción». Compositor, músico y productor, Raül Refree ha dedicado gran parte de su trayectoria a colaborar con algunos de los talentos más destacados de la música española e internacional. Reconocido por encontrar caminos inesperados en el proceso artístico, su particular acercamiento al acto creativo lo convierte en una voz indispensable para todos aquellos que en algún momento han sentido la pulsión de dar forma a una obra. En este libro, Raül se propone sacar conclusiones de sus experiencias, y sugiere una aproximación a la creatividad que nos invita a perder el miedo, escuchar a nuestra intuición y confiar en la llegada de ese momento en el que todo encaja.La crítica ha dicho: «Joan Miró decía que él trabajaba como un hortelano y así, con intuición pero con paciencia, lo hace Raül Refree. Como novelista, siempre me interesan los libros sobre los procesos creativos de pintores o músicos. Y aquí Raül enseña la galería de recuerdos que lo ha llevado a ser el músico que es: fuerte a partir de la fragilidad y rebelde desde el esmero. Un libro cálido e inspirador como la galería de cristal esmerilado de la casa de sus padres, donde él tocó el piano por primera vez».Miqui Otero «Sin lugar a dudas, estamos ante uno de los músicos más interesantes e inquietos del panoramanacional, con una influencia muy importante en muchos artistas y trabajos icónicos de la última década».Mondosonoro
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La divulgadora del momento te explica por qué el arte es para todos.Eugenia Tenenbaum revive en este libro periodos históricos desde la Antigüedad hasta el siglo XX, con el objetivo de disfrutar de las obras de arte que vieron la luz en esas épocas. Gracias a su voz cercana y rigurosa, nos reconciliaremos con el placer inmenso que nos ofrece el arte sin otro requisito que nuestras ganas. A lo largo de todo el recorrido, sin embargo, se nos obligará a volver a mirar, una y otra vez, para encontrar algo nuevo. Porque cuestionar lo que sabemos es la única manera de comprender mejor quiénes somos, y de conseguir que el arte sea algo para todos.
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Siempre, el artista intenta dar un paso adelante, intenta, aunque muy pocas veces lo consigue, abrir las puertas de la creación a nuevas experiencias, pero, en el caso del Arte Casual, no sólo se dan estas circunstancias, sino que su génesis, efectivamente, se origina en las aguas revueltas del asombro, del hallazgo, de lo inesperado, aunque, claro está, todo ocurre bajo el paraguas protector de un background específico, de un interés, a ser posible desmedido, por las corrientes más profundas y recientes de las artes plásticas.Este volumen surge de las conferencias ofrecidas en la Exposición sobre Arte Casual comisariada por la docente Carmen Aguayo en la Biblioteca pública de Jaén en el mes de abril de 2024.
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En defensa del paseo. «El paseo como una de las bellas artes, pero también como el gesto revolucionario definitivo: gratuito, improductivo y, sin embargo o quizás por todo ello, transformador. Como este libro». Blanca Lacasa «Escrito con una calidez, un cariño y un lenguaje tan bonito que se convierte en un refugio de placidez». Raquel Peláez «Hermoso libro antiagorafobia que demuestra que se pasea antes con la cabeza que con los pies». Santiago Lorenzo «Este libro es un pasito más en el trayecto de la literatura sobre el caminar. Un paso que, como el propio acto de andar, nos ayuda a descubrir y descubrirnos, a conectar con lo que somos». Pedro Bravo Caminar es un desempeño tan sobresaliente que el simple gesto de utilizar las extremidades inferiores para trasladarnos ha inspirado obras de arte y grandes ensayos literarios, ha alumbrado elevadas ideas, ha creado senderos y rutas comerciales y ha gestado fuertes sentimientos religiosos y de pertenencia. En este libro, una firme y cálida defensa del deambular y sus infinitas posibilidades, Adriana Herreros celebra cómo Andar por andar nos ayuda mantener el ánimo, la ilusión y la capacidad de sorpresa en nuestro día a día. -------------- La colección Endebate es el hogar de aquellos textos breves que presentan una opinión, defienden una actitud o cuentan una historia, pero son más un aperitivo que un banquete, estimulan la conversación más que saciarla e inician un festín (que no clausuran). Como los mejores bocados, entran por los ojos y dejan un largo poso en el paladar.
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¿Qué es un comisario de arte? Una aproximación lúdica y divulgativa a partir de la vida y la obra de algunos de los artistas más destacados del siglo XX. Si como decía Joseph Beuys todo el mundo es artista, ¿también todo el mundo es curator? ¿Qué es un curator, un comisario de exposiciones? ¿El comisario es un autor? ¿Y qué tipo de autor es?David G. Torrres, profesor y comisario, propone diversos recorridos por el arte contemporáneo desde el advenimiento de la modernidad en un libro ameno y sugerente en forma de collage de historias e itinerarios. Y desvela que tal vez todos han sido comisarios.En sus páginas van asomando Baudelaire el paseante de la ciudad, Marcel Duchamp frente a Picasso, Joseph Beuys desnudo en una playa africana, Michel Foucault consumiendo LSD en el Death Valley, Guy Debord el visionario alcoholizado, un Pollock enfadadísimo y Niki de Saint Phalle disparando alegremente a sus pinturas, el rostro siniestro de Carl Andre frente a Ana Mendieta, Carolee Schneemann, Marjorie Strider, Tracey Emin, Chiara Fumai y un Francis Bacon que dijo aquello de que pintar es una forma de comunicarse y una forma de hacer amigos a través del tiempo y el espacio.
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¡Pon en orden tu vida aplicando los consejos de la gurú del orden Marie Kondo! Este estuche contiene dos de las grandes éxitos de la autora: La magia del orden y La felicidad después del orden La magia del orden. Marie Kondo, la experta en orden japonesa, te ayudará a acomodar tus espacios de una vez por todas con su sencillo método KonMari. La clave para mantener el orden exitosamente está en acomodar los objetos de tu casa, habitación, apartamento, estudio u oficina en forma correcta, manteniendo solo lo que realmente amas y limpiándolo todo a la vez. La felicidad después del orden. Esta vez, Marie Kondo presenta una guía ilustrada de su aclamado método KonMari con ilustraciones que explican paso a paso el plegado de todas las prendas desde camisetas hasta calcetines, además de dibujos de armarios y cajones perfectamente organizados.La crítica ha dicho... «Marie Kondo es una sola mujer con una única misión: limpiar el mundo habitación por habitación. Sus libros se han convertido en un fenómeno de ventas en Japón, su país natal. Su método es una actitud ante la vida, una filosofía del orden. Kondo sostiene que son muchos los efectos positivosque podemos tener en nuestras vidas gracias al orden: suerte, amor y éxito, entre otros».The Sunday Times«Un método de organización con el que no solo transformarás un espacio sino que, también, te cambiará a ti».El Mundo«Un método que se expone como un teorema: el orden en nuestras casas y espacios de trabajo constituye la basede nuestra felicidad».La Vanguardia«Un minucioso manual que te ayudará a ordenar tu hogar y crear ambientes mucho más agradables para vivir en armonía y conocernos a nosotros mismos».El Español«Si buscas soluciones para ordenar tu casa, aquí tienes el manual perfecto».ELLE
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Décadas de valiosas imágenes, resumidas ahora en 512 páginas de fotografías que constituyen la retrospectiva definitiva de la obra de Nobuyoshi Araki, seleccionadas por el propio artista.Publicada originalmente como edición limitada y ahora disponible en un nuevo formato para celebrar el 40 aniversario de TASCHEN, esta selección profundiza en los temas más conocidos de Araki: escenas callejeras de Tokio, rostros y comidas, sensuales flores de colores intensos, genitales femeninos y el kinbaku, el arte japonés de atar con cuerdas. Mientras las muchachas yacen sujetas pero en posición desafiante y pétalos de colores brillantes adoptan sugerentes formas a su alrededor, Araki juega constantemente con los motivos de la subyugación y la emancipación, la muerte y el deseo, al tiempo que combina imágenes serenas e impactantes.Araki, que describe sus fotografías de mujeres atadas como “,una colaboración entre los personajes tratados y el fotógrafo”,, busca acercarse a sus personajes femeninos a través de la fotografía, subrayando el papel que juegan las conversaciones entre las modelos y él mismo. En su tierra natal, Japón, muchas mujeres rinden culto a Araki al sentirse liberadas por su disposición a fotografiar la expresión de su deseo.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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L'art en joc és una col·lecció de llibres perquè els infants descobreixin l'art dels segles xx i xxi. A mesura que passem les pàgines, una obra del Centre Pompidou se'ns revela a través d'imatges, preguntes, sorpreses gràfiques, jocs... Una invitació a mirar de manera lúdica l'art actual. Com en un decorat d'òpera, David Hockney escenifica L'arribada de la primavera a Woldgate en un bosc misteriós. Al llarg de les pàgines, l'infant adopta la mirada dels animals que l'habiten: què veu la formiga amagada entre l'herba? I la guineu arraulida al sotabosc? I l'ocell que s'enfila a la capçada dels arbres?
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Con la sensibilidad y genio de un artista, Frida logra en su diario personal construir para sí misma un camino de autoconocimiento y liberación, utilizando imágenes y palabras, e integrando múltiples formas de expresión: asociación libre de ideas, garabatos, collages, dibujos, pinturas, poemas, cartas, narraciones y relatos -realistas y fantásticos- de su propia vida. Inspirados en el diario de Frida Kahlo, creamos este Cuaderno íntimo, con la intención de ofrecer un espacio de encuentro con uno mismo a través del arte. Este libro no pretende ser un manual técnico para hacer arte, es una invitación a la reflexión, a la creatividad y a la renovación personal.
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Pocos autores han sabido desentrañar las conexiones secretas entre el arte, la política, la memoria y la muerte con la lucidez de John Berger. Esta colección de ensayos es la mejor puerta de entrada a su pensamiento.Antes de convertirse en uno de los intelectuales más influyentes de nuestra época, John Berger quiso ser pintor, quizá por eso, cuando escribía, más que escribir pintaba con las palabras. Por eso, cuando en estas páginas escribe sobre cubismo, no sólo escribe acerca de Braque, Léger, Picasso y Gris, sino también de ese milagroso momento al inicio del siglo pasado cuando el mundo convergía alrededor de un prodigioso sentimiento de esperanza. Cuando analiza el trabajo de Modigliani, ve el amor infinito que se revela en las alargadas líneas de la figura pintada. Recreándose desde el Renacimiento hasta la conflagración de Hiroshima, desde el Bósforo hasta Manhattan, desde los tallistas de un pequeño pueblo de Francia hasta Goya, Durero y Van Gogh, y desde sus experiencias personales de amor y pérdida hasta los levantamientos políticos que definieron el siglo XX, este libro nos incita a mirar con la misma tolerancia, coraje y compromiso moral con que mira su autor.El sentido de la vista no es una simple antología: es un completo mapa del pensamiento de un verdadero maestro de nuestro tiempo. Con la mirada de un pintor y la voz de un poeta, Berger nos enseña a descifrar y transformar el mundo. Una lección de lucidez, humanidad y compromiso teórico.
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Este libro es la guía práctica visual que le librará de las conjeturas a la hora de elegir y usar las combinaciones de colores. Los colores y los esquemas de colores presentados están relacionados con estados de ánimo concretos, ayudándole así a elegir la mejor combinación de colores para cualquier proyecto de diseño, ya sea gráfico, de interiores, artesanía o bellas artes. Las muestras recortables de cada color le permiten mezclar, conjuntar y examinar los distintos tonos existentes en sus diseños para poder definir mejor su proyecto. Se trata, sin duda, de una herramienta esencial para todos aquellos que diseñan y trabajan con colores.
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Los divertidos y sencillos libros de la serie Dibujar en 10 pasos están diseñados especialmente para aspirantes a ilustradores, dibujantes y aficionados al arte.Ayudarán a los nuevos artistas a familiarizarse con las nociones de dibujo básicas para que puedan aprender a hacer obras de arte con soltura.Dibujar en 10 pasos: figuras humanas enseña a dibujar personas de distintas edades en más de 50 posturas diferentes paso a paso, incluidas las formas básicas del cuerpo y varias poses cotidianas. La explicación básica sobre los materiales necesarios y el repaso general de las técnicas para colorear completan esta magnífica introducción al dibujo de una gran variedad de figuras humanas.
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Edición en inglés.El volumen y el color han marchado unidos a lo largo de milenios. Gracias a la policromía la escultura ganó en verosimilitud y vivacidad, convirtiéndose en un eficaz instrumento de persuasión desde los momentos más tempranos de la historia. La escultura devocional, en la que lo divino cobraba una forma tangible y corpórea, aumentaba su eficacia comunicativa cuando se fusionaba con el color, entendido este no como un mero adorno sino como parte imprescindible de la pieza, al otorgarle una apariencia más cercana y real. Escultores y pintores trabajaron al unísono para crear unas obras en las que ambas labores se fundían con perfección. Al mismo tiempo, la escultura pintada se convirtió en un arma doctrinal cuya intensidad se incrementaba al sacar todo el partido a sus valores escénicos, ya fuera al formar parte de una procesión o al ser representada en un lienzo.Este catálogo y la exposición a la que acompaña ilustran la incansable búsqueda de realismo en el arte español del Renacimiento y el Barroco en todo aquello que afectaba a la envoltura de la figura, y muestran a partir de un centenar de obras, pinturas, estampas y esculturas la integración natural de la pintura en la escultura y su triunfo en el mundo hispánico, destacando el valor de lo tridimensional en la transmisión del mensaje sagrado.
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Una innovadora propuesta al analizar obras de arte: una búsqueda visual que deconstruye 50 creaciones clave para descubrir los elementos que componen una obra maestra. Una introducción a la historia de la cultura visual que presenta nuevas tipologías artísticas y ofrece una visión renovada de los objetos conocidos. 50 obras que abarcan un extensísimo periodo, que va desde las primeras imágenes creadas por humanos que conocemos, que datan de hace unos 30 000 años, hasta una instalación en la frontera entre México y Estados Unidos realizada en 2017. Un libro que pretende disolver las barreras entre los distintos tipos de artefactos culturales, de forma que junto a la pintura y la escultura -que a menudo se consideran las formas artísticas tradicionales- se analizan dibujos, fotografías, grabados, ornamentos, máscaras, miniaturas y carteles. Como objetivo secundario, se establecen vínculos entre el arte «occidental» y el del resto del mundo. La historia del arte es un tema apasionante, repleto de reglas complejas y de palabras técnicas. Ni siquiera los más avezados diletantes están a salvo del eterno enigma que plantea la forma de pensar el arte. Este libro le ayudará a resolverlo.
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En este cautivador artbook, la talentosa artista Ashleigh Izienicki -nacida en Colorado y conocida mundialmente bajo su marca, MissUpacey- nos invita a explorar su proceso creativo único, en el que combina hábilmente temas oscuros y macabros con un toque de delicadeza y feminidad. Con más de 603.000 seguidores en Instagram, un exitoso Patreon y una tienda online que ofrece productos de diseño exclusivo, como pines, fundas para teléfonos, calcomanías y artículos de papelería, Ashleigh ha logrado cautivar a una audiencia global con su estilo inconfundible. Actualmente radicada en California, Ashleigh trabaja tanto en medios tradicionales como digitales, y comparte en este libro una serie de tutoriales en ambos formatos, ofreciendo a los amantes del arte y sus seguidores una ventana íntima a su proceso, el diseño de su estudio y sus fuentes de inspiración. Además, abre su corazón sobre los retos y las alegrías de gestionar un negocio artístico, aportando consejos valiosos para los creativos que comienzan su camino. Hellebore: The Art of Missupacey refleja los valores de producción de excelencia que caracterizan a la editorial: papel de alta calidad y una exquisita edición en tapa dura con acabados especiales. Un verdadero tesoro para los seguidores de MissUpacey y para los amantes del arte en general, que disfrutarán de tener esta joya en su estantería por muchos años.
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« Vélasquez à lui seul vaut le voyage : c’est le peintre des peintres [...] Je vais demain faire une excursion à Tolède. Là, je verrai Gréco et Goya très bienreprésentés, m’a-t-on dit. Madrid est une ville agréable, pleine de distractions. Le Prado, charmante promenade couverte de très jolies femmes toutes en mantilles, ce qui est d’un aspect très original, dans les rues encore beaucoup de costumes, les toreros qui euxaussi ont un costume de ville curieux. »
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Nadia Scit desvela en este libro las claves alquímicas para poder entender las metáforas de cada una de las escenas de este cuadro del Bosco. El jardín alquímico de las delicias es un libro basado en los principios alquímicos que el Bosco conocía muy bien, cuya interpretación ha dado lugar a controversias que han perdurado más de quinientos años
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Este libro no es una historia del arte al uso. No es un recorrido por las consideradas grandes obras del arte universal y que habitualmente aparecen en los manuales escolares. Tampoco es un recetario de cómo distinguir el arte románico del gótico.Esta historia irreverente del arte se centra en la Europa occidental y el Mediterráneo, desde la caída del imperio Romano de Occidente hasta el siglo XV, para recorrer en un extraordinario viaje artístico lugares como Roma, Constantinopla, Damasco, Granada o Florencia y explorar la sensibilidad de aquellos artistas que, con su desempeño, han construido la cultura en la que vivimos.
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La Semana Santa siempre ha sido un gran relato que Sevilla se cuenta cada año, como quien abre un libro que nunca termina del todo. Y, la verdad, pocas veces hemos mirado con calma cómo la literatura ha dado forma a ese relato, cómo lo ha sostenido y, además, lo ha reinventado siglo tras siglo. En La Semana Santa literaria, Eugenio J. Vega Geán nos guía por versos, crónicas, romances, novelas y pregones que han ido dibujando la fiesta mayor en la memoria cultural de la ciudad. Hay momentos en que casi vemos pasar una cofradía antigua entre líneas, otros en los que escuchamos el eco de quienes escribieron para salvar del olvido lo que vivieron. Este libro abre puertas a autores que imaginaron la Pasión, a viajeros fascinados, a románticos, modernos y voces contemporáneas que siguen narrando lo que Sevilla siente. Si quieres comprender la Semana Santa desde dentro —desde su emoción más íntima y desde la tradición que la sostiene—, este libro es una llave luminosa. Una invitación a mirar, a leer… y a dejar que la palabra también haga estación de penitencia.
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Las mascaronas eran mujeres de madera emplazadas en las proas de los barcos. ¿Por qué estaban allí, en un lugar en donde no había mujeres?Miles de mujeres esculpidas en madera poblaron las proas de los barcos hasta bien entrado el siglo XX. La gran mayoría desaparecieron en naufragios o desguazadas. Muy pocas se conservan. No existe en la historia del arte nada parecido: ¿qué otras figuras han sido tan condenadas al martirio del desastre? ¿A qué otros productos artísticos se les solicitó semejantes proezas?Hablamos de figuras sujetas a las máximas exigencias: con las pupilas bien abiertas, tenían que ser capaces de prever los peligros, de espantar las amenazas, de proteger a naves, cargamentos y tripulaciones, de representar a naciones, reyes, armadores y comerciantes, de recordar al hogar. Se les solicitó entrega abnegada en el matrimonio con su barco y con los hombres que había dentro. Y, al mismo tiempo, cada una de ellas estaba atada a una biografía precisa, al rostro concreto de una mujer, de una madre, una esposa o una hija, pero también al universo viril, patriarcal, mercantil y colonial del capitalismo marítimo.¿Qué función tenían en un espacio exento de mujeres de carne y hueso? Las mascaronas reflejan toda una política de género que las moldea y las inclina en las proas, y que da testimonio de un conjunto de patrones míticos, morales, religiosos, productivos, reproductivos, sexuales y laborales confeccionados en el mar sobre el cuerpo social femenino y que lo infectaron todo también en tierra. La historia de estas figuras, hoy tristemente pintarrajeadas en los museos, nos puede ayudar a comprender el modo en el que lo femenino se constituyó como política iconográfica de la modernidad.
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Razones y sin razones por las que el mejor torero que hemos visto se convirtió en fenómeno de masas, en ídolo contracultural y en representación artística extrema.Morante de la Puebla no es solo un torero. Es un acontecimiento. Una categoría. Una religión civil. Un artista que ha atravesado el tiempo y el toreo hasta convertirse en una figura social, política, estética y cultural de primer orden. La conversión de Morante de la Puebla en fenómeno de masas, en ídolo contracultural, en icono transversal ha coincidido con su temporada más arrebatadora, la de 2025. Rubén Amón ha querido capturar el instante antes de que se disuelva. Narrar lo que ha pasado sin que nadie haya sido capaz de explicarlo del todo. Porque el morantismo no es una moda: es un síntoma, un misterio, una forma de entender el arte, la identidad y la nostalgia. El resultado es una obra viva, literaria, crítica y apasionada, que no pretende domesticar a Morante, sino acompañar su enigma. Hay reflexión pero también urgencia informativa. Morante, punto y aparte es una sugestiva y trepidante mezcla de crónica periodística y de ensayo concienzudo.
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Una lectura absorbente que arroja luz sobre uno de los delitos más lucrativos y desconocidos del mundo: el robo de arte. Casi tan antiguos como la propia humanidad, los robos de arte se remontan hasta los orígenes de los primeros grandes imperios. Desde entonces, nos fascinan y repelen por igual, pero, ¿qué se esconde tras ellos? ¿Por qué se roba el arte? ¿Qué ocurre con las piezas robadas? ¿Existen realmente los robos por encargo? ¿Cómo funciona el mercado negro del arte? Encontraremos respuesta en este apasionante recorrido a través de cincuenta robos y saqueos que han determinado el rumbo de la historia. Pero, sobre todo, intentaremos dar respuesta al mayor enigma de todos, ¿por qué, a pesar de que la mayoría de nosotros nos encontramos del lado bueno de la historia, nos resultan tan fascinantes?
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.