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Llibres d'art
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Formado artísticamente en Dresde y Roma bajo la disciplina de su padre, el pintor de corte Ismael Mengs (1687-1764), Antonio Raphael Mengs (1728-1779) recibió sus nombres por la admiración que aquel sentía por Antonio Allegri da Correggio (h. 1489-1534) y Raffaello (Raphael) Sanzio de Urbino (1483-1520). Sus comienzos como pintor fueron también en la corte electoral de Sajonia y luego en la pontificia de Roma, bajo la protección de diferentes personajes de la curia papal, entre ellos el cardenal Alessandro Albani con el encargo de la célebre pintura mural del Parnaso. En 1761 entraría al servicio de Carlos III, quedando el resto de su vida amparado por el mecenazgo del rey de España y de las Indias.En este catálogo de exposición se aborda el estudio de su actividad artística y teórica en las diferentes etapas de su vida, a través de los mejores ejemplos de su producción reunidos en la muestra. Al rico conjunto de obras de Mengs en España, repartidas entre el Museo del Prado y las Colecciones Reales de Patrimonio Nacional, se han incorporado destacadas pinturas venidas de Europa y de América. Esta excepcional conjunción se enriquece en Madrid con la cercana presencia de sus pinturas murales en el Palacio Real.El volumen constituye un importante avance en el conocimiento del pintor y una puesta al día de las investigaciones sobre su figura y su obra, con aportaciones de especialistas que analizan su actividad en Dresde, Roma y España, su pensamiento artístico, su devoción por la Antigüedad clásica y, finalmente, con el novedoso estudio de su técnica, tanto en la pintura de caballete como en la mural.
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Sumérgete en el fascinante mundo del dibujo y el color junto a Jessica Smith y su fantástico imaginario creativo. Descubre las maravillas que puedes llegar a crear cuando dibujo y color se dan la mano. A través de 50 proyectos, sencillas instrucciones y claras indicaciones, la autora te ofrece todo lo que necesitas para zambullirte de pleno en un bello mundo colorista. Desde flores y animales hasta divertidos objetos y personas, para cada uno de estos ejercicios de dibujo encontrarás además su muestrario de color y plantillas para empezar. Deja atrás el miedo a la página en blanco y encuentra la inspiración que necesitas para dar rienda suelta a tu creatividad y lanzarte a dibujar y colorear libremente.
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El profesor Esteban Lorente ha realizado un trabajo sólidos y rigurosoque alude al significado profundo de la obra de arte desde unaperspectiva global histórica y artística en el ámbito del Occidenteeuropeo. Con un sentido investigador y didáctico renovador el autor nospresenta algo más que un simple manual. su vasto conocimiento en muchasparcelas del saber dota al libro de una proyección más amplia. Enpalabras de Gonzalo M. Borrás: Esta obra está destinada a convertirse enun clásico del temaDisponibilidad
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Publicar inaugura una línea editorial del departamento de Educación del MACBA surgida del día a día de las prácticas educativas en relación con el arte contemporáneo y los museos. Este primer número del Quadern d’educació abre un tiempo para pensar lo vivido, distribuir lo aprendido y contemplar la edición como práctica artística y pedagógica. De esta manera, fanzines, pegatinas, mapas conceptuales, libros-álbum y hashtags emergen como gestos que nos hacen reflexionar sobre cómo, por qué y para quién se hace público lo educativo.¿Por qué publicar? ¿Cómo hacerse público? ¿Qué se ha publicado hasta ahora? Un conjunto de ensayos propone posibles respuestas a estas preguntas. Aida Sánchez de Serdio Martín rastrea la educación en museos mediante una genealogía de pensamiento y referencias, Macarena García y Belén Soto exploran canales concretos para el «publicar». La primera con un texto que indaga en un artefacto singular, el libro-álbum desafiante y, la segunda, abre el significado del «publicar» en el contexto de internet y las redes sociales, Lluc Mayol y Alba Oller hacen un recorrido por la experiencia de Massa Salvatge con procesos editoriales entendidos como trabajos educativos o a la inversa, procesos educativos que son también editoriales, y Camila González Simon centra la mirada sobre los fanzines como medio que construye comunidad a través de lo creativo y lo pedagógico. Finalmente, un conjunto de imágenes con notas al pie, que utilizan como pretexto distintas actividades del departamento de Educación del MACBA, se intercalan a lo largo del cuaderno como herramienta de trabajo para pensar esas mismas preguntas.
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Abocat als vasos, o a punt de ser servit de les gerres o ampolles que el contenen momentàniament, el vi fa de testimoni dels costums domèstics dels ciutadans amb alguna sensibilitat artística. Entre els objectes que caracteritzen els bodegons o les natures mortes, els artistes sovint hi han fet aparèixer el vi, ja sigui envoltat d'altres aliments o de diaris, guitarres, violins i jocs de cartes o d'escacs, ...
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La columna de la Lleona se ha ganado un lugar de honor entre los símbolos de la ciudad de Girona y es muy conocida tanto entre sus habitantes como entre los turistas. Aun así, su popularidad contrasta con lo que realmente sabemos. Hay que buscar su origen en la época medieval, hacia mediados del siglo XIII, pero su pasado, significado, autoría, ubicación, simbolismo, etc., siguen siendo, en buena parte, una incógnita. La revisión de todas las informaciones conocidas sobre la columna, además de la obtención de datos inéditos, y la descripción cuidadosa y analítica de la pieza que plantea este libro, suponen una actualización imprescindible para su conocimiento. Esta es la segunda edición revisada.
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¿No acabas de entender tu nómina? ¿Te cobran comisiones que no sabes de dónde salen? ¿Te pierdes entre alquileres, contratos, herencias o trámites bancarios? Tranquilo: no es culpa tuya. A todos nos han liado alguna vez... hasta ahora. En este libro, la abogada y divulgadora Ariadna López convierte el mundo legal en algo por fin comprensible. Con humor, cercanía y ejemplos del día a día, te guía por todo lo que nadie te enseñó: cómo distinguir una deuda buena de una mala, detectar abusos en préstamos y tarjetas, entender tu hipoteca, reclamar comisiones ilegales, leer tu nómina, proteger tu herencia o defender tus derechos como consumidor y viajero. Ariadna te acompañará paso a paso para que dejes de sentirte perdido y empieces a tomar decisiones informadas. Al terminarlo, serás un auténtico SuperLawyer: un ciudadano al que nadie puede engañar, porque sabe qué firmar, qué reclamar y cómo protegerse. La guía definitiva para moverte por la vida adulta sin morir en el intento... y sin que nadie te tome el pelo.
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Las luchas del pasado aún contienen plusvalía partisana para hoy.Cuando el fascismo no era una amenaza parlamentaria, sino el sistema de gobierno, tomar las armas resultó la opción elegida por miles de personas. De aquella lucha total nos quedan sus fotografías desfilando, posando armadas o merendando en la clandestinidad, sus panfletos representándose como un verdadero ejército, con sus enemigos arrodillados, o realizando sabotajes y emboscadas. Las imágenes de este libro fueron producidas por quienes lucharon contra el fascismo, y hoy resultan relevantes dada la criminalización a la que se les sometió. Fueron acusados de bandoleros y terroristas, sus cadáveres eran mostrados públicamente y se reproducían las fotografías de sus rostros desfiguradosen la prensa. Décadas después, el horror ha vuelto con las imágenes de sus esqueletos exhumados de las fosas comunes, como sus verdugos lo hubieran deseado. No son esas las imágenes que se encontrarán en este libro, que rompe tanto con la criminalización como con el victimismo y apuesta por rescatar las imágenes de la guerrilla hoy olvidadas en los archivos. No es un ejercicio de memoria sino de conciencia histórica. Pero cuidado, recordar la guerrilla no es hacer la guerrilla. Los caminos del antifascismo y de la revolución no son los de elucubrar con dibujos, fotografías ni obras de arte, convirtiendo melancólicamente las luchas sociales en luchas por la memoria. Al contrario, con este libro se cuestiona si estas imágenes aún tienen la capacidad de servir como recursos de inspiración y esperanza, frente a la institucionalización y la neutralización del recuerdo.
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Todos podemos dibujar, y con este libro... ¡lo dibujaremos absolutamente todo! En esta extensa y simpática guía, la ilustradora japonesa Kamo te enseña a dibujar de forma fácil y divertida todo tipo de motivos de la vida cotidiana: desde animales, personas, insectos y flores hasta alimentos, muebles, vehículos y todo tipo de edificios (¡también los más famosos del mundo!). Con breves y facilísimas instrucciones paso a paso, consejos sobre la práctica del dibujo y un sinfín de trucos de valor inestimable, esta enciclopedia de dibujo es una herramienta ideal para ponerte manos a la obra y empezar a crear todo aquello que se te pase por la cabeza.
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Desde los 80, el arte se ha convertido en el movimiento cultural por excelencia. Varias generaciones de artistas han contribuido a que así fuera, pero eso no es suficiente para explicar su lugar preponderante. En paralelo, un mercado que ya estaba desarro
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Los acrílicos se han convertido en el material artístico más adaptable a la era moderna. Los avances en la industria de los pigmentos han dado a los acrílicos una paleta notablemente permanente, rica y abundante, convirtiéndolos en el medio favorito de muchos artistas contemporáneos. A medida que se desarrollan los colores, también se mejoran sus componentes químicos para lograr una mejor textura y manipulación.Los vendedores de materiales de arte ahora ofrecen medios acrílicos para diluir, espesar, glasear, moldear, verter, texturizar y docenas de otros usos. Incluso los pintores acrílicos experimentados pueden sentirse confundidos e incluso intimidados por esta asombrosa diversidad de productos. El pintor y experto en materiales artísticos Rhéni Tauchid simplifica este tema desalentador, explicando claramente cada tipo de medio y sugiriendo formas en que puede mejorar su práctica de pintura.Más de veinte demostraciones paso a paso le enseñarán cómo aplicar medios para crear colores vibrantes, superficies sensuales y efectos visuales sorprendentes. Cientos de hermosas fotografías ilustran el potencial casi ilimitado de los medios y le muestran cómo otros artistas, tanto abstractos como realistas, están empleando medios para impulsar su arte en nuevas direcciones creativas. El primer libro de este tipo, esta referencia esencial pertenece al estante de todo pintor acrílico.
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En este cautivador artbook, la talentosa artista Ashleigh Izienicki -nacida en Colorado y conocida mundialmente bajo su marca, MissUpacey- nos invita a explorar su proceso creativo único, en el que combina hábilmente temas oscuros y macabros con un toque de delicadeza y feminidad. Con más de 603.000 seguidores en Instagram, un exitoso Patreon y una tienda online que ofrece productos de diseño exclusivo, como pines, fundas para teléfonos, calcomanías y artículos de papelería, Ashleigh ha logrado cautivar a una audiencia global con su estilo inconfundible. Actualmente radicada en California, Ashleigh trabaja tanto en medios tradicionales como digitales, y comparte en este libro una serie de tutoriales en ambos formatos, ofreciendo a los amantes del arte y sus seguidores una ventana íntima a su proceso, el diseño de su estudio y sus fuentes de inspiración. Además, abre su corazón sobre los retos y las alegrías de gestionar un negocio artístico, aportando consejos valiosos para los creativos que comienzan su camino. Hellebore: The Art of Missupacey refleja los valores de producción de excelencia que caracterizan a la editorial: papel de alta calidad y una exquisita edición en tapa dura con acabados especiales. Un verdadero tesoro para los seguidores de MissUpacey y para los amantes del arte en general, que disfrutarán de tener esta joya en su estantería por muchos años.
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Este catálogo se publica con motivo de la exposición ''José María Yturralde, Una línea de papel'' en el Museo Fundación Juan March de Palma del 18 de febrero al 24 de mayo de 2025 y en el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca del 12 de junio al 12 de octubre de 2025.Dedicada al dibujo y los demás trabajos con y sobre papel de José María Yturralde (Cuenca, 1942), la exposición recoge la línea ininterrumpida trazada por el artista sobre el papel desde los comienzos de su carrera artística. Incluye dibujos, maquetas, proyectos y ensayos, cometas, dibujos preparatorios para las diversas series en las que el artista ha ido articulando su trabajo, pruebas de delineación y color, maquetas para carteles, fotografías y sus experimentos con distintas técnicas de impresión, desde los realizados en computadores en el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense hasta las recientes impresiones digitales de su serie Enso.
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El arte en juego es una colección de libros para que los más pequeños descubran el arte de los siglos xx y xxi. Página tras página, mediante imágenes, preguntas, sorpresas gráficas o juegos, se da a conocer una obra del Centre Pompidou. Es una invitación para acercarse de forma lúdica al arte actual. Como si de un decorado de ópera se tratara, David Hockney escenifica La llegada de la primavera en Woldgate en un bosque misterioso. A medida que van pasando las páginas, adoptamos la mirada de los animales que lo habitan: ¿qué ve la hormiga escondida entre la maleza? ¿Y el zorro que acecha entre los arbustos? ¿Y el pájaro posado en la copa del árbol?
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El mundo mágico de Pandora regresa a las pantallas de cine en diciembre de 2025 y esa magia se muestra ampliamente en este diccionario visual bellamente ilustrado. Con gran cantidad de nuevos personajes, de flora y fauna, de información importante sobre la forma de vida, las pertenencias y el entorno, este es un libro totalmente imprescindible tanto para los incondicionales como para los nuevos fans.
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Arte. Grandes temas Cátedra
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Edmund de Waal ha creado un libro sobre archivos que es a su vez un archivo, una reunión de sus reflexiones sobre archivos a lo largo de una década dispuestos en orden cronológico. El libro es también cíclico, comienza en Odesa en 2009 y termina en París en 2021 encontrándose con archivos familiares en ambos lugares. Entre medias aparecen sus reacciones a archivos de poetas, artistas y lugares que ama.An Archive ofrece la oportunidad de leer textos de de Waal originalmente incluidos en publicaciones que ya no están disponibles para el lector. El esfuerzo de reunir todo este material no es únicamente un trabajo archivístico sino que compone un ensayo sobre este tema, ofreciendo distintos acercamientos a la definición y la experimentación de un archivo tanto por el observador como por su creador.Como la mayoría de los trabajos de de Waal, este libro se acerca a su interés sobre el coleccionismo y las colecciones: cómo los objetos son reunidos, se pierden, son robados o se dispersan. Este libro forma parte de la serie Ivorypress Archives, cuyo objetivo es poner a disposición del público material inédito, perdido o descatalogado.
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Nadie duda de que los visitantes sean una variable esencial para gestionar, de forma acorde con nuestros tiempos, los museos y otros equipamientos patrimoniales. Por ello, tendrían que ponerse sobre el tapete y exprimirse todas las posibilidades para que la interacción entre ambos sea totalmente positiva. Entre las muchas maneras de abordar y suavizar la relación entre los visitantes y los recursos patrimoniales abiertos al público, la difusión preventiva es una de las estrategias comunicativas que los gestores deberían explorar y explotar si se quiere una interacción sostenible con un recurso tan frágil y vulnerable como el patrimonio cultural. A sus bondades como herramienta de conservación preventiva, añade una dimensión corporativa nada desdeñable: su aplicación demuestra que el equipamiento está claramente orientado al visitante, lo que sin duda ayuda a construir en la mente de este una imagen corporativa positiva. La difusión preventiva del patrimonio cultural presenta esta doble herramienta de conservación preventiva y comunicación corporativa, una nueva estrategia de comunicación que considera a los visitantes como aliados capaces de ayudar en la difícil tarea de conservar los bienes culturales.
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¿Es el verde un color querido? Las respuestas a esta pregunta están divididas. En Europa, aproximadamente una de cada seis personas tiene el verde como color favorito, pero a casi la misma cantidad, tanto hombres como mujeres, les disgusta el verde. El verde es un color ambivalente, por no decir ambiguo: símbolo de vida, savia, suerte y esperanza por un lado, y por otro, asociado al veneno, la desgracia, el diablo y sus criaturas. Verde. Historia de un color recorre la larga historia social, artística y simbólica del verde en las sociedades europeas, desde la antigua Grecia hasta nuestros días. Subraya hasta qué punto este color, que durante mucho tiempo ha sido difícil de producir y aún más difícil de fijar, no es sólo el de la vegetación, sino también, y sobre todo, el del destino. Químicamente inestable, el verde se ha asociado simbólicamente a todo lo transitorio: la infancia, el amor, la suerte, el juego, el azar, el dinero. No fue hasta el Romanticismo cuando se convirtió definitivamente en el color de la naturaleza, luego de la salud, la higiene y finalmente de la ecología. Hoy, Occidente le ha confiado la misión imposible de salvar el planeta. La presente edición aporta la representación de distintas tonalidades de verde para acompañar la lectura fascinante de la historia de este color. «La atractiva historia cultural del color verde de Pastoureau aborda la historia del arte y la teoría del color... Sus anécdotas son perspicaces, las referencias en ocasiones deliciosamente esotéricas y aporta a este sustancial debate una mayor relevancia contemporánea». Publishers Weekly
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Amb les primeres avantguardes, Catalunya surt al món i transforma la història universal de l'art amb pintors com Picasso, Miró o Dalí. Però també molts altres artistes de gran nivell, com Togores, Torres-García o Barradas, que assoliran un prestigi majúscul en els centres de decisió de l'art europeu i nord-americà. Dirigit pel doctor Joan Maria Minguet i amb textos dels principals especialistes, Pintura catalana. Primeres avantguardes, reuneix, per primera vegada, una amplíssima selecció d'obres de 40 pintors i pintores avantguardistes de Catalunya, actualitzant els coneixements sobre els artistes més coneguts i reivindicant-ne molts d'altres que també van participar d'aquella gran revolució cultural: Garcia Lamolla, Ángeles Santos, Joan Massanet, Àngel Planells, Artur Carbonell o Joan Sandalinas, entre d'altres.
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Y, por otro lado, ¿qué revela el poshumanismo sobre la arquitectura que hacemos? Este libro documenta un proceso de investigación alrededor de estas cuestiones, y sugiere una hipótesis para pensar sobre ellas. Defiende que estamos ante un nuevo Romanticismo, un espíritu de trabajo y posicionamiento crítico que reconoce las interdependencias entre personas, animales, astros, tecnologías y minerales, entre otras y todas las partes que constituyen el cosmos, y que este espíritu se articula en una práctica interespecie. Los artefactos compilados en este libro —proyectos de arquitectura, textos literarios, aparatos tecnológicos, réplicas de fenómenos naturales, materiales de construcción, productos, obras de arte o de diseño, maquetas o prototipos— reflexionan sobre nuestra interdependencia con otros lugares, especies, materias e inteligencias.Textos de Mariana Pestana, Anna Bertmark, Bernardo Gaeiras, Carlos Pastor, Fernanda Costa, Katerina Iglezaki, Mariana Simões, Mathilde Gouin, Valentina Demarchi, Coletivo FIELD, Coletivo Frame, KWY.studio, Studio Ossidiana, SUPERFLEX
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Edición en inglésNueva edición del Libro del Prado en un nuevo formato y con todas las imágenes actualizadas por el Archivo Fotográfico del Museo Nacional del Prado. El Museo del Prado es el libro definitivo para conocer a fondo la colección de una de las pinacotecas más importantes del mundo. Reúne en un solo volumen unas 400 obras presentadas al lector cronológicamente, desde las esculturas romanas hasta las últimas pinturas de Sorolla, ya en los comienzos del siglo XX. El libro propone un diálogo entre los más importantes artistas y las obras maestras que crearon, cómo unos inspiraron a otros de la misma época o posterior, los nexos existentes entre géneros y escuelas, por ejemplo entre el Renacimiento italiano y el flamenco, o entre artistas de la talla de Velázquez y Rubens, etc. Es a través de ese diálogo constante entre maestros y obras como este libro nos muestra la evolución del arte en pinturas, dibujos, esculturas y artes decorativas. Una valiosa lección de la historia del arte resumida en la colección que conserva el Prado, a su vez conformada a través de los gustos de la Corona española a lo largo de varios siglos de coleccionismo. El Museo del Prado es una publicación indispensable en la biblioteca de cualquier amante de la historia del arte, un libro con grandes fotografías que recorre una de las colecciones más impresionantes y completas del arte antiguo europeo.
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El vínculo entre el Atlas Mnemosyne y las artes performativas puede que no sea obvio a primera vista. Sin embargo, no deja de ser Warburg mismo quien lo plantea. Su semilla está en el ritual antiguo, según él, la forja originaria de los símbolos. Por otro lado, el ritual supuso para Grotowski el origen y, a la vez, la fuente inagotable del acto performativo a lo largo de la historia de la cultura. Desde aquí comienza el recorrido al que este libro invita.
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La exposición Oro tejido con paja es el resultado de una invitación por parte del equipo de La Casa Encendida a la comisaria Beatriz Alonso a trabajar con artistas activos en España que, debido a su fecha de nacimiento, anterior a 1965, no pudieron aplicar a la convocatoria de Generaciones, destinada a artistas menores de 35 años. La muestra presenta la obra de Elena Mendizabal y Joan Rom, dos artistas cuya práctica es principalmente escultórica, muy activos en sus respectivos contextos, el País Vasco y Cataluña, en las décadas de los años ochenta y noventa del pasado siglo. La exposición reúne una selección de sus trabajos más recientes, algunos inéditos, en diálogo con una pieza de una etapa más temprana. Con textos de Beatriz Alonso, Caterina Almirall, Oihana Garro, Manel Clot, Elena Mendizabal y Joan Rom.
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El monte Fuji ha sido durante mucho tiempo un elemento central del imaginario cultural japonés, y nada lo ha representado con más virtuosismo que la histórica serie de xilografías Treinta y seis vistas del monte Fuji de Katsushika Hokusai (1760-1849). El famoso grabador documenta el Japón del siglo XIX con un talento y devoción excepcionales, y rinde homenaje al campo, a las ciudades, a la gente y a su serena belleza natural. Producida en la cima de la ambición artística de Hokusai, la serie es una obra fundamental del ukiyo-e que le valió el reconocimiento mundial como maestro indiscutible de su oficio.Los grabados ilustran la obsesión de Hokusai con el monte Fuji y el florecimiento del turismo doméstico a finales del período Edo. Del mismo modo que la vista de la montaña era muy apreciada por los viajeros que se dirigían por la carretera Tōkaidō a la capital Edo (Tokio en la actualidad), el monte Fuji se erige como telón de fondo infalible de cada una de las escenas de la serie. Hokusai captura el paisaje distintivo y el encanto provincial de cada escenario con colores vívidos y detalles exquisitos. La serie, que incluye la famosa estampa La gran ola de Kanagawa (también conocida como La gran ola), es un tesoro de la historia del arte internacional apreciado en todo el mundo.Esta edición XL, una de las pocas reimpresiones de toda la serie, rinde homenaje a los llamativos colores y las composiciones de Hokusai con un cuidado y magnitud sin precedentes. Encuadernada siguiendo la tradición japonesa, Treinta y seis vistas del monte Fuji reúne las 36 estampas originales y otras 10 que el propio artista añadió posteriormente. El presente volumen presenta una imagen encantadora del Japón preindustrial y es un monumento impresionante al arte de la xilografía.
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C'est une grande date dans l'histoire de l'art que celle où la peinture cesse d'avoir un rôle cérémonial ou décoratif, mais commence, sans parti pris, à braquer sur la réalité un objectif intelligent. En ce sens, l'artiste hollandais n'est plus une volonté qui exécute un plan préconçu et qui lui subordonne les moyens et les mouvements, c'est un œil qui choisit et qui saisit, c'est un miroir qui peint, tout ce qu'il fait est le résultat d'une réflexion.
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¡La historia del arte es tendencia! Un libro para divertirnos aprendiendo de la mano de una de las divulgadoras más queridas de las redes. ¿Sabías que en el Paleolítico ya practicaban el arte abstracto? ¿Y que las pirámides de Egipto no son ni las más antiguas ni las más colosales? ¿Me creerías si te digo que muchos de los artistas más admirados en la actualidad sufrieron un rechazo tras otro en su momento? ¿Te gustaría comprender, por fin, por qué el arte ha pasado de representar la realidad a trabajar con imágenes y artefactos que parece que solo entiende el propio artista? Soy Carla Serrano, historiadora del arte, y a través de estas páginas te voy a guiar para que veas que los movimientos artísticos no son solo un montón de cuadros en un museo, sino una ventana abierta a las emociones, las luchas y las revoluciones de cada época. Y lo voy a hacer muy rápido. Te proporcionaré pistas para que puedas distinguir fácilmente los diferentes estilos, conoceremos a los artistas más top de cada época, descubriremos pintoras o fotógrafas injustamente olvidadas, cuestionaremos algunos mitos y, además, te explicaré muchas cositas para que no te pierdas entre tantos movimientos artísticos y puedas ponerlo todo en su contexto. Desde las pinturas rupestres hasta el arte digital, este libro será la mejor introducción para comprender el arte de una forma lúdica, alternativa y muy divertida. No esperes más para aprender de una manera completamente nueva: aquí el arte se vive, se siente y se disfruta en cada página.
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Rudolf Koch escribió una auténtica epopeya gráfica cuyos héroes son los signos. Fue un diseñador de tipografía alemán. También fue conocido por su trabajo como letrista calígrafo, tipógrafo e ilustrador. Trabajó muchos años para Klingspor Type Foundry donde diseñó tipos que lo lanzaron a la fama y continúan usándose hasta hoy. Los más conocidos son Neuland y Kabel.
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Caprichos barrocos que curan el ánimo. Juegos pictóricos en el Hospital y Basílica de San Juan de Dios de Granada.Las páginas de este libro brotan del descubrimiento de un principio innegable: que la caridad puede pensarse, leerse y contemplarse como una forma de belleza. En el panorama granadino, el Barroco hospitalario se consolida con una personalidad propia, en que el arte no adorna, sino que cuida. No deslumbra por exceso, sino que conforta. El Hospital y la Basílica de San Juan de Dios se funden aquí en un solo cuerpo simbólico, donde la pintura, la arquitectura y el ornamento componen una gramática destinada a sostener al enfermo y motivar al curioso, a educar la mirada y a persuadir el ánimo. Estas páginas invitan a recorrer un universo de mensajes que han permanecido olvidados durante tres siglos, haciéndolo como quien atraviesa un espacio pensado para fascinar y sanar al mismo tiempo: un lugar donde la imagen enseña sin imponer, el esplendor se vuelve cercano y la belleza actúa, silenciosamente, como una forma de caridad.El presente estudio ha sido reconocido con el II Premio Hábitat Barroco de investigación histórico-artística en su convocatoria de 2024.
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Del lienzo al plato: la historia del arte contada a través de la gastronomía. Una naranja en un bodegón puede contar un conflicto geopolítico y la imagen de una copa de vino tiene la capacidad de convertirse en la puerta de entrada a un mundo de significados simbólicos antiguos. La representación de una sopa puede explicar un mundo, una cosmogonía, una forma de vida. La gastronomía ha impregnado toda la historia del arte. Lo que comemos y cómo lo hacemos habla de nosotros, al igual que los platos, los ingredientes y los utensilios que encontramos en las pinturas o el hecho de que el cocinero lleve una chaquetilla blanca, un delantal de rayas o una camiseta negra. Ahí están nuestra historia y nuestra cultura, como lo ha estado en otros tiempos y otros lugares en los que la comida, la bebida y la forma de relacionarse alrededor de la mesa estuvieron siempre presentes, cargados de la capacidad de contar historias.
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Esta obra detalla la historia de todos esos seres intermedios que están entre los pajaritos y los pajarracos, es decir: de todas las variedades de aves que se han dejado caer en las distintas civilizaciones humanas, simbolizando cosas, sirviendo de condumio o de adivinadores del futuro. En este simpático libro se cuentan todos esos mitos que nos hablan de la lechuza que acompañaba a Minerva, del cisne que se muere en La muerte del cisne, del fénix que renacía de sus cenizas, de los gansos que graznaron para avisar del peligro al Capitolio, del pájaro de fuego que servía para que algunas chicas con menos carne que un telegrama tuvieran un pretexto para bailar de puntillas, de la paloma de la paz, del cuervo que daba repelús a Edgar Allan Poe, de los pájaros hitchcockianos que la tomaban con los veraneantes, de los ibis que se colaron en el alfabeto egipcio o del águila que le comía los higadillos al infeliz Prometeo. Todo ello doctamente contado, pero con grandes dosis de humor.
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Ramón dibujante. El lápiz atrevido es un amplio recorrido por una de las facetas menos conocida y estudiada del escritor vanguardista Ramón Gómez de la Serna (Madrid, 1888-Buenos Aires, 1963), la de su labor como dibujante de sus propios artículos y libros y, sobre todo, de su creación más singular en el campo de la literatura, las greguerías. Eduardo Alaminos López ha estudiado en estas páginas los hitos más relevantes de aquella forma compulsiva y singular de dibujar que tenía Ramón así como su manera de entender y reflexionar sobre la naturaleza de sus dibujos: sus comienzos en la revista escolar El Postal (1901-1903), sus ilustraciones en el periódico La Tribuna (entre 1920 y 1922), en los libros que definen su personal y diferenciador ismo, el ramonismo, desarrollado en libros «ilustrados por él» como Variaciones Iª Serie (1922), Ramonismo (1923), Caprichos (1925), Gollerías (1926) y Trampantojos (1947), pero sobre todo en Las Greguerías ilustradas (1930-1935), cima de su obra dibujística, así como la presencia del dibujo en la tertulia de Pombo y en los dos libros dedicados a ella (1918 y 1924). Este ensayo trata de responder a varias preguntas, entre otras, a: ¿por qué acompañó Ramón buena parte de sus escritos con dibujos propios? ¿Por qué sus dibujos obedecen al deseo de amplificar y aclarar lo escrito y funcionan como una llamada de atención al lector? ¿Por qué obedecen a una necesidad interna para ir más allá de lo estrictamente literario? ¿Por qué el dibujo afloró en su obra como una parte integrante más de su humorismo? La contestación a estas y otras preguntas desembocan en lo que el autor ha llamado, tras estudiar y glosar muchos de aquellos dibujos, su «poética gráfica», caracterizada, en palabras de Ramón por «lápices, tallos de iniciativas, para diseñar el mal dibujo». Un libro que descubrirá al lector muchas de las claves de los dibujos realizados por Ramón Gómez de la Serna para «ilustrar» sus artículos y libros, faceta del escritor poco conocida.
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Aquesta obra ens ofereix una visió planera, personal i rigorosa, de l'evolució de l'art català a través dels segles, des de la Prehistòria fins avui. Per ajudar a entendre la creació d'ara i dels darrers decennis, l'autor dedica una atenció especial a l'art del segle XX i els inicis del XXI. El lector trobarà en aquest llibre, a més de les claus per entendre l'art i l'arquitectura que l'envolten quotidianament, l'explicació de molts altres aspectes del patrimoni, des de les transformacions de la natura degudes a l'home fins a les festes populars, la fotografia, el cinema, el disseny industrial o les arts gràfiques. L'autor, un dels més reconeguts especialistes europeus en la matèria, ens lliura un assaig personal en el qual l'art és entès en un sentit molt ampli i en què l'acte creatiu és examinat en funció dels condicionants socials que l'acompanyen, amb una atenció especial al paper que representa el paisatge i l'environament històric en l'obra d'art de cada època.
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21 hitos que, con humor y claridad, nos ayudan a entender lo que ha ocurrido en el convulso mercado del arte en el primer cuarto del siglo XXI. «Un ensayo vibrante y lleno de sentido que captura el pulso de un arte que ya no quiere ni puede parecerse al del pasado». Joan Fontcuberta La periodista y crítica de arte Laura Revuelta indaga en las claves para entender por qué un plátano pegado a la pared con cinta aislante expuesto en un museo, cuya foto da la vuelta al mundo, puede llegar a subastarse por cifras millonarias pese a que casi todos se ríen de él. Esta obra de Maurizio Cattelan es heredera directa del urinario con el que Marcel Duchamp nos sorprendió el siglo anterior. Ya es hora de dar réplica a la manida frase de «esto lo haría mi hijo», a la que un avispado creador una vez contestó con: «El arte contemporáneo son los padres». Arte parece, plátano es se propone bajar el arte contemporáneo de su pedestal de esnobismo y acercarlo al público para que se ría con él y no de él. O, al menos, para que sepa de qué nos reímos exactamente, y nadie se quede con cara de tonto. En sus páginas no sé da nada por sentado y se repasan y explican algunos de los principales acontecimientos de estos veinticinco años: desde la primera cancelación de Picasso por sus comportamientos machistas hasta la aparición de los NFTS y la Inteligencia artificial. Revuelta no se olvida de creadores fundamentales que siguen muy vivos, como Duchamp y Warhol, de otros que dan que hablar aunque no pasen por su mejor momento, como Damien Hirst y de quienes han producido las imágenes más icónicas de lo que llevamos de siglo (Yayoi Kusama, Alicia Framis, Banksy...). En ese deseo de no dejar ningún charco sin pisar, también se zambulle en temas tan controvertidos como la decolonización de los museos o al activismo climático que pone en el foco mediático las grandes obras.Críticas:«Laura Revuelta nos guía con maestría y precisión por las múltiples capas que conforman el sistema del arte actual, de las guerras culturales a la omnipresencia de las redes sociales, del feminismo al movimiento decolonial».Manuel Borja-Villel «Laura Revuelta ha comprendido enseguida que la gran transformación del siglo XXI es la incorporación de la IA en el arte. Este libro es, sobre todo, una herramienta valiosa para los nuevos creadores y las posibilidades del siglo XXII».Alicia Framis«Un ensayo vibrante y lleno de sentido que captura el pulso de un arte que ya no quiere ni puede parecerse al del pasado».Joan Fontcuberta «Laura ha contribuido a entrenar la mirada, facilitar la comprensión del hecho artístico contemporáneo alejándose de la jerga para hacernos partícipes de la escena e invitarnos a formar parte del entorno y disfrutar plenamente de las manifestaciones artísticas desde sus reflexiones críticas, siempre documentadas, sin apriorismos».Rosina Gómez-Baeza «Laura Revuelta se ha acercado a los procesos culturales desde una perspectiva interdisciplinar en la que ha mezclado la alta y baja cultura concualquier manifestación artística para defender que la cultura es esencial en la formación de ciudadanos críticos».Gloria Moure
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El libro que presentamos ahora, Con ojos de niño, tiene su origen, precisamente, en la exposición «En el aire conmovido», que tuvo lugar muy recientemente en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, 2024) y en el CCCB (Barcelona, 2025). Sus dos capítulos, «La infancia expuesta» y «Poetas en tiempos de miseria», corresponden a las respectivas conferencias inaugurales y son inéditos en castellano.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.
