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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
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Diccionario de los símbolos
Desde la prehistoria, el ser humano ha sido un creador de símbolos, que constituyen un puente hacia sus orígenes, el cosmos y el destino. Las entradas de este Diccionario de los símbolos, seleccionadas del vasto repertorio en dieciséis volúmenes de The encyclopedia of religion, dirigida por Mircea Eliade en colaboración con Ioan Petru Couliano y redactada por destacados expertos internacionales, subrayan la emergencia y la persistencia de esta creatividad. Durante siglos, los símbolos se han vivido como portadores de un sentido capaz de romper los horizontes de los límites humanos para proyectarse más allá. Así, resulta que incluso los objetos más habituales -una llave, un tejido, un espejo, una joya- o los gestos más banales -comer, dormir, ofrecer un regalo, jugar- no son aspectos evidentes de nuestra vida: de hecho, en la historia de la humanidad se han cargado de una densidad que quizás hemos olvidado, pero que atestigua hasta qué punto la búsqueda de sentido está impresa en las profundidades del deseo humano.
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Mujeres, arte y poder y otros ensayos
«He escrito estos ensayos a lo largo de casi veinte años, veinte años en los que he presenciado el nacimiento y el desarrollo de una historia del arte feminista. Cuando en 1970 empecé a trabajar en «¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?», la historia del arte feminista no existía: como cualquier otra forma de discurso histórico, había que construirla.» Así comienza Mujeres, arte y poder y otros ensayos, el recopilatorio en el que la gran historiadora del arte Linda Nochlin presenta siete artículos sobre mujeres artistas y la figura femenina en la historia del arte, cuya influencia fue determinante para el desarrollo posterior de la crítica del arte feminista y los estudios de género. Los artículos aquí reunidos son: «Mujeres, arte y poder» (1988), «La nodriza de Morisot: la noción del trabajo y el ocio en la pintura impresionista» (1988), «Perdida y Encontrada: otra vez la mujer caída» (1978), «Algunas pintoras realistas» (1974), «Florine Stettheimer: el Rococó subversivo» (1980), «Erotismo e imaginería femenina en el arte decimonónico» (1972), y «¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?» (1971). Mujeres, arte y poder y otros ensayos revela la amplia perspectiva y conocimiento del trabajo pionero de Nochlin y nos invita a interpretar la historia del arte feminista como una práctica transgresora contra el establishment que pone en tela de juicio muchos de los principales preceptos de la disciplina todavía vigentes en la actualidad.
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El gato y el pájaro
El poeta José Ángel Valente y el cineasta Gonzalo Suárez, reunidos por Susana Chillida para reflexionar en torno al arte, el artista, la obra y el proceso creador. Un verso de un poema de Valente, «el gato es pájaro», les da pie para armar este diálogo en torno a «esa cuestión intangible que podemos llamar arte», que a veces, recuerdan ambos, es «una bofetada», una llamada a mirar y «ver cosas que se quedan en la sombra». En esta conversación estos dos creadores tienen de fondo a Eduardo Chillida, a quien ambos conocieron en distintos momentos de su vida y al que admiraban profundamente. Las palabras de ambos mantienen plena vigencia y nos recuerdan que, en el arte, como en todo en la vida, hay que «seguir el vuelo de los grandes».
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En la estela de Linda Nochlin
El libro no solo revisa la trayectoria de Nochlin, sino que también la honra de la mejor manera posible: continuando con su legado de cuestionar y desafiar el statu quo, promoviendo una estela infinita de preguntas y descubrimientos en el campo de la historia del arte. De manera amena ofrece una perspectiva fresca y necesaria sobre la historia del arte. A través de una mirada interdisciplinar, explora cómo el legado de Linda Nochlin ha evolucionado y sigue influyendo en la investigación contemporánea. Es una obra fundamental para aquellos interesados en enfoques innovadores y críticos dentro de la teoría del arte. Este libro reúne a una destacada selección de académicas y profesionales cuyas trayectorias aportan una riqueza única a sus reflexiones sobre la figura de Linda Nochlin y su impacto en el pensamiento contemporáneo. Procedentes de reconocidas universidades e instituciones museísticas, las autoras aquí reunidas no solo trabajan desde los estudios de género como especialistas en feminismos y arte contemporáneo, sino que provienen de diferentes disciplinas como la música, la literatura, la práctica curatorial y artística, lo que enriquece las aportaciones del presente volumen. Sus experiencias en la docencia sobre estas cuestiones amplían aún más el alcance y la profundidad de este trabajo. Además, la dedicada labor de las editoras, Carmen Gaitán Salinas, Esther Romero Sáez y Vanesa Villarejo Hervás, ha sido fundamental para coordinar esta colaboración multidisciplinar y garantizar la calidad y cohesión del resultado final. Todas ellas se encuentran unidas afectiva e intelectualmente a la figura de Linda Nochlin, cuya influencia sigue vibrando en el contexto contemporáneo de la historia, el arte y los feminismos.
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Guía esencial del dibujo anatomía artíst
Manual de introducción al estudio de la anatomía según una dirección teórica y práctica, ricamente ilustrado con fotografías y dibujos. Destinado a los alumnos de las escuelas o academias artísticas y a los artistas que tienen intención de dedicarse al dibujo y la pintura de la figura humana. El libro incluye: - Información general sobre el estudio de la anatomía - Anatomía del aparato locomotor: componentes articulares, musculares y esqueléticos. - Aparato tegumentario, venas superficiales, tejido adiposo. - Anatomía sistemática y de superficie: cabeza, tronco y extremidades superiores e inferiores. - Repertorio iconográfico.
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Arte y creatividad en Reggio Emilia
Este libro explora la contribución de las artes y de la creatividad en Educación Infantil. Además estudia el papel de los talleres de artes y del profesorado de educación artística en las escuelas de Educación Infantil de Reggio Emilia. Lo hace a través de la experiencia de Vea Vecchi una de las primeras especialistas de educación artística en Reggio Emilia. Esta obra construida como memoria, conversación y reflexión proporciona una perspectiva única del trabajo pedagógico de este proyecto que sigue siendo una fuente de inspiración para todo el profesorado de Educación Infantil así como para quienes planifican las políticas educativas en cualquier parte del mundo. El texto de Vea está lleno de ejemplos muy significativos, atrapa a sus lectoras y lectores con la narración de la historia de estos talleres y la evolución del papel del profesorado. Algunos temas clave tratados en el libro son: - Procesos de aprendizaje y construcción del conocimiento, - La teoría de los cien lenguajes de la infancia y el papel de las poesías, - La importancia de la organización, de los métodos de trabajo y de las herramientas, - La contribución del ambiente físico, - La relación entre talleres, especialistas en artes, la escuela y el profesorado. Esta obra tan clarificadora es una lectura muy recomendada para estudiantes, profesionales, responsables de la Administración Educativa, para quienes investigan en Educación Infantil y también para quienes trabajando en otros campos educativos estén interesados en la relación entre las artes y el aprendizaje. Vea Vecchi trabajó como profesora en la Escuela Municipal Infantil Diana, en Reggio Emilia durante más de treinta años, realizando investigación pedagógica y documentación en todos los lenguajes de los niños y niñas. En la actualidad trabaja como asesora de la asociación y proyecto educativo “Reggio Children”
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Publicar inaugura una línia editorial del departament d’Educació del MACBA sorgida del dia a dia de les pràctiques educatives en relació amb l’art contemporani i els museus. Aquest primer número del Quadern d’educació obre un temps per pensar en el que s’ha viscut, distribuir els aprenentatges i interpretar l’edició com una pràctica artística i pedagògica. D’aquesta manera, fanzins, adhesius, mapes conceptuals, llibres-àlbum i etiquetes emergeixen en forma de gestos que ens fan reflexionar sobre com, per què i per a qui es fa pública la dimensió educativa. Per què cal publicar? Com ens podem fer públics? Què s’ha publicat fins ara? Un conjunt d’assajos proposa possibles respostes a aquestes preguntes. Aida Sánchez de Serdio Martín rastreja l’educació en museus mitjançant una genealogia de pensament i referències, Macarena García i Belén Soto exploren canals concrets per al «publicar». La primera, amb un text que indaga sobre un artefacte singular, el llibre-àlbum desafiador i, la segona, obre el significat del «publicar» en el context d’internet i les xarxes socials, Lluc Mayol i Alba Oller fan un recorregut per l’experiència de Massa Salvatge amb processos editorials entesos com a treballs educatius o a la inversa, processos educatius que també són editorials, i Camila González Simon centra la mirada sobre els fanzins com a mitjà que construeix comunitat a través de la creació i la pedagogia. Finalment, un conjunt d’imatges amb notes al peu, que utilitzen com a pretext diferents activitats del departament d’Educació del MACBA, s’intercalen en el quadern com una eina de treball per pensar aquestes mateixes preguntes.
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España veloz y toro futurista
El impacto que le produjo la visión de España quedó reflejado en esta singular y deslumbrante composición futurista.
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A Garden Eden. Masterpieces of Botanical Illustration. 40th Ed.
En la búsqueda del placer por el conocimiento y la belleza, el arte de la ilustración botánica siempre ha requerido una meticulosa técnica de delineado y una rigurosa comprensión científica. Esta nueva edición, que incluye nuevas imágenes, repasa toda la tradición botánica y sus talentos, con una selección de las mejores obras de la Biblioteca Nacional de Viena.Desde manuscritos bizantinos hasta obras maestras del siglo XIX, a través de peonías, lirios y crisantemos, estas exquisitas reproducciones deslumbran por su precisión y su estética. Sea con hojas cuidadosamente enrolladas, texturas de frutas dibujadas con precisión o la belleza pura y la variedad de los colores, esta forma de arte es tan delicada como precisa, e incluso despierta nuestra conciencia sobre el entorno ecológico y sobre la preciosa flora natural tan amenazada.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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Décadas de valiosas imágenes, resumidas ahora en 512 páginas de fotografías que constituyen la retrospectiva definitiva de la obra de Nobuyoshi Araki, seleccionadas por el propio artista.Publicada originalmente como edición limitada y ahora disponible en un nuevo formato para celebrar el 40 aniversario de TASCHEN, esta selección profundiza en los temas más conocidos de Araki: escenas callejeras de Tokio, rostros y comidas, sensuales flores de colores intensos, genitales femeninos y el kinbaku, el arte japonés de atar con cuerdas. Mientras las muchachas yacen sujetas pero en posición desafiante y pétalos de colores brillantes adoptan sugerentes formas a su alrededor, Araki juega constantemente con los motivos de la subyugación y la emancipación, la muerte y el deseo, al tiempo que combina imágenes serenas e impactantes.Araki, que describe sus fotografías de mujeres atadas como “,una colaboración entre los personajes tratados y el fotógrafo”,, busca acercarse a sus personajes femeninos a través de la fotografía, subrayando el papel que juegan las conversaciones entre las modelos y él mismo. En su tierra natal, Japón, muchas mujeres rinden culto a Araki al sentirse liberadas por su disposición a fotografiar la expresión de su deseo.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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Miró-Picasso aborde depuis différents angles les affinités artistiques entre Joan Miró et Pablo Picasso, deux artistes incontournables du XXe siècle, avec, en toile de fond, lamitié quils partagèrent pendant 50 ans.
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Utagawa Hiroshige (1797-1858) fue uno de los últimos grandes artistas de la tradición japonesa del ukiyo-e. La palabra significa literalmente «pinturas del mundo flotante» y designa un género artístico que floreció entre los siglos xvii y xix y simbolizó la imagen de Japón en el mundo occidental. Las escenas del ukiyo-e, que en muchos aspectos eran de tipo hedonista, representaban a menudo la brillante luminosidad y las atracciones de Edo: mujeres hermosas, actores y luchadores de sumo, la vida urbana y panorámicas espectaculares.Pese a abarcar una gran variedad de temas, Hiroshige se hizo famoso sobre todo por sus paisajes. De hecho, su obra maestra fue una serie de grabados conocida como Cien famosas vistas de Edo (1856-1858), que reproduce varias escenas de la ciudad en el curso de las estaciones, desde las animadas calles comerciales hasta las espléndidas huertas de cerezos.Esta reimpresión, encuadernada en tradicional estilo japonés, está compuesta por una de las mejores series de xilografías originales completa perteneciente al Ota Memorial Museum of Art en Tokio. Cada una de las 120 ilustraciones viene acompañada por una descripción que permite a los lectores sumergirse en estas hermosas y vibrantes vistas que se convirtieron en paradigmas del japonismo e inspiraron por igual a artistas impresionistas, postimpresionistas y del art nouveau, desde Vincent van Gogh hasta James McNeill Whistler.
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Las estaciones. Hokusai / Hiroshige
Grandes viajeros y entusiastas de la naturaleza, Hokusai e Hiroshige revolucionaron el grabado japonés a partir de finales del siglo xviii, llevando el paisajismo a su apogeo. A través de las estaciones, estos artistas y sus sucesores rinden homenaje a una naturaleza deslumbrante y eterna que se encuentra en el corazón del pensamiento y la cultura japoneses, y nos invitan a redescubrir la belleza sencilla del cerezo en flor, a saborear la frescura de una tarde de otoño, a contemplar las primeras nieves inmaculadas, a dejarse sorprender por el ligero vuelo de un pájaro... en suma, a «vivir el momento presente». Inserto en un bonito cofre, este volumen en forma de acordeón, a modo de antiguo libro japonés, reúne una antología de los grabados más famosos de los grandes paisajistas, desde la época de Hokusai hasta la de Hasui, y acompañados por un opúsculo explicativo.
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Vajillistas
VAJILLISTAS ES UNA HISTORIA VISUAL de 275 años de moda en el arte de la mesa, con fotografías de más de 100 servicios originales que recorren desde la porcelana de la época de Maria Antonieta hasta el Duralex de los setenta, pasando por la cerámica ''degenerada'' de la Alemania de entreguerras o los juegos de café Art Decó de las flappers de los felices años veinte. Pero también es la historia de las mujeres que inspiraron, fabricaron y disfrutaron esas vajillas, y de cómo sus vicisitudes acabaron reflejándose en el plato: Emperatrices de Francia, alfareras húngaras acusadas de intentar asesinar a Stalin, pintoras vanguardistas y cabareteras de Berlín, todas desfilan por Vajillistas para contarnos esta historia de señoras fieras y platos bonitos.
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Arte anotado
Un impresionante libro de arte que abarca más de 3000 años Una selección de obras de arte para los que desean aprender más: cómo pintaba Miguel Ángel los desnudos, qué es el cubismo o cómo surgió la abstracción. Un libro que apasionará a todos los amantes del arte. Con obras de todo el mundo y de los periodos más importantes. Con explicaciones de los símbolos, los detalles y las técnicas para entender cada obra. Desde los frescos el Antiguo Egipto hasta Joan Miró o Banksy. En este maravilloso libro de arte encontrarás: -Obras de todo el mundo. -Elementos clave como la composición, el color, la técnica y el simbolismo. -Más de 450 artistas de numerosas culturas diferentes. -Abarca todos los periodos y movimientos artísticos importantes. -Sitúa las obras en su contexto histórico. Repleto de información y lleno de inspiración, este libro te muestra las mejores pinturas y esculturas de todos los tiempos. Es el libro de consulta definitivo para todos los amantes del arte.
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Los acrílicos se han convertido en el material artístico más adaptable a la era moderna. Los avances en la industria de los pigmentos han dado a los acrílicos una paleta notablemente permanente, rica y abundante, convirtiéndolos en el medio favorito de muchos artistas contemporáneos. A medida que se desarrollan los colores, también se mejoran sus componentes químicos para lograr una mejor textura y manipulación.Los vendedores de materiales de arte ahora ofrecen medios acrílicos para diluir, espesar, glasear, moldear, verter, texturizar y docenas de otros usos. Incluso los pintores acrílicos experimentados pueden sentirse confundidos e incluso intimidados por esta asombrosa diversidad de productos. El pintor y experto en materiales artísticos Rhéni Tauchid simplifica este tema desalentador, explicando claramente cada tipo de medio y sugiriendo formas en que puede mejorar su práctica de pintura.Más de veinte demostraciones paso a paso le enseñarán cómo aplicar medios para crear colores vibrantes, superficies sensuales y efectos visuales sorprendentes. Cientos de hermosas fotografías ilustran el potencial casi ilimitado de los medios y le muestran cómo otros artistas, tanto abstractos como realistas, están empleando medios para impulsar su arte en nuevas direcciones creativas. El primer libro de este tipo, esta referencia esencial pertenece al estante de todo pintor acrílico.
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La obra de arte
* El arte puede ser tan fascinante como frustrante. Una sola obra puede tener varios significados, y existen muchas formas de entenderla, interpretarla y apreciarla. * Este libro claro y accesible descompone grandes obras de arte en diez elementos sencillos para ayudarle a comprenderlas y apreciarlas mejor. * Además, le permitirá responder a algunas preguntas obvias, pero complicadas: «¿Cómo crea Yayoi Kusama la sensación de infinito en Luces resplandecientes de almas?» o «¿Por qué las capas de pintura de La noche estrellada de Van Gogh son tan gruesas?». Este libro presenta las diez características clave que le ayudarán a analizar y entender mejor el arte. Desde el color, la técnica y el tamaño hasta el lugar donde se sitúa la obra y el artista que la creó, aprenderá qué es importante y qué no lo es tanto. Ya sea estudiante, profesor o simplemente un aficionado al arte, este libro dilucidará las grandes obras de arte para conseguir que su próxima visita a un museo sea más enriquecedora.
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Antoni Tàpies. La práctica del arte
El catálogo Antoni Tàpies. La práctica del arte, editado junto con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, recoge los textos del comisario, Manuel Borja-Villel, la conservadora del Buffalo AKG Art Museum, Cathleen Chaffee, el comisario y crítico de arte Carles Guerra, y el historiador del arte y comisario de exposiciones Pedro de Llano Neira, así como fragmentos de las entrevistas realizadas al artista por Manuel Borja-Villel y Barbara Catoir en los años 1995 y 1988, respectivamente.
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Historia irreverente del arte
Este libro no es una historia del arte al uso. No es un recorrido por las consideradas grandes obras del arte universal y que habitualmente aparecen en los manuales escolares. Tampoco es un recetario de cómo distinguir el arte románico del gótico.Esta historia irreverente del arte se centra en la Europa occidental y el Mediterráneo, desde la caída del imperio Romano de Occidente hasta el siglo XV, para recorrer en un extraordinario viaje artístico lugares como Roma, Constantinopla, Damasco, Granada o Florencia y explorar la sensibilidad de aquellos artistas que, con su desempeño, han construido la cultura en la que vivimos.
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El arte de la fantasía
El arte de la fantasía es un libro de consulta visual de todo lo fantástico, que presenta una fascinante y reflexiva selección de obras de arte inspiradas en lo irreal.Los artistas llevan siglos explorando mundos imaginarios y criaturas fantásticas, pero ¿qué les atrae de lo imposible, lo místico y lo desconocido? ¿Es una mera evasión de la realidad? ¿O buscan una mayor comprensión de la existencia humana, tal vez incluso del significado mismo de la vida?Desde los monstruos imposibles a los reinos olvidados y los países de las maravillas, desde la fe y la filosofía a cómo salvar el mundo, S. Elizabeth explora con su perspicaz texto cómo han cambiado a lo largo del tiempo estos vuelos visuales de la fantasía y la imaginación. Una colección inspiradora para los aficionados a los mitos, la magia, la fantasía y la historia del arte.
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Cuaderno de dibujo para exploradores de la naturaleza
OBSERVA Y DIBUJA EL MUNDO Ideal para exploradores curiosos y futuros artistas, este libro de dibujo enseña a los niños a observar y dibujar sus animales favoritos y la naturaleza con un estilo divertido e interactivo. El popular profesor de dibujo en YouTube Brad Woodard, responsable del programa Brave Kids Art Club, comparte de forma sencilla lecciones, consejos y trucos para salir ahí fuera y dibujar cosas guais. En este cuaderno de dibujo encontrarás: - Exploración guiada: Anima a los más pequeños a descubrir la flora y la fauna, enseñándoles qué observar y dónde buscar. - Libertad creativa: Enseña a los niños a confiar en lo que crean y a ser libres para descubrir su propio estilo dibujando y pintando. - Animales impresionantes: 40 ejercicios para dibujar paso a paso todos tus animales favoritos, así como árboles, flores y plantas. - Diario de exploración: Incluye decenas de páginas en blanco para que cada joven artista guarde sus observaciones y dibujos. ¡¡Esta es una guía esencial para niños de entre 6 y 12 años que quieran explorar la naturaleza y aprender a dibujar! Acerca del ilustrador Brad Woodard es un diseñador, ilustrador y creador de contenidos que dirige una agencia creativa llamada Brave the Woods. También es el administrador del programa online The Brave Kids Art Club, donde no solo enseña técnicas básicas de dibujo, sino también cómo explorar y conocer el fascinante mundo que nos rodea.
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Guía visual de la arquitectura en la Edad Media II
Arte. Grandes temas Cátedra
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El color de la pintura
José María González Cuasante es catedrático de pintura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Coautor de la obra Introducción al color, ha realizado diversos trabajos de investigación, ha dictado cursos monográficos y ha impartido conferencias sobre este tema. Como pintor siempre ha estado interesado en los aspectos cromáticos de la pintura, la interacción de los pigmentos y las dificultades que plantean las mezclas de los mismos, en los fascinantes y diversos resultados que se obtienen según la clase de pigmento y la proporción que se utilice en la mezcla, siendo éste un problema matérico al que hay que sumar la dimensión perceptual, «la plasmación o manipulación de la materia está condicionada por la sensación visual». Este libro muestra y desarrolla esta interesante problemática: «Todas las pruebas y reflexiones que sobre el color de la pintura se exponen en este libro son fruto de aproximadamente veinte años de investigación».
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Diseños tradicionales japoneses
Edición inspirada en el libro original Tomon Hyakka (Cien diseños de cosas hermosas de la capital), de 1891, conservado en el Gabinete de dibujos, estampas y fotografíasdel Museo Nacional del Prado. El Tomon Hyakka es un espléndido conjunto de diseños p
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Un neurocientífico en el Museo del Prado
En Un neurocientífico en el Museo del Prado, Fernando Giráldez, catedrático emérito y experto en neurociencias, nos redescubre el arte clásico a través de la neurociencia y nos revela cómo los grandes maestros de la pintura desentrañaron, sin saberlo, los misterios del cerebro humano.Por algún motivo u otro, todos nos hemos quedado embelesados delante de una obra de arte. Pero ¿qué es lo que provoca tal atracción? ¿Dónde está el secreto que cautiva nuestros sentidos? Fernando Giráldez, neurocientífico, nos guía a través de las grandes obras del Museo del Prado y nos revela cómo los maestros de la pintura han explorado el cerebro para llegar al fondo de la mente humana. Giráldez nos sumerge en la magia con la que estos artistas descubrieron la manera de lograr dos imposibles: representar el espacio y la vitalidad sobre un lienzo que es plano y estático. La visión es algo tan natural a nosotros que nos hace creer que el mundo es tal cual lo que vemos, pero realmente está llena de mecanismos profundamente contraintuitivos. Y es que técnicas pictóricas como el sfumato, la pintura de manchas o la perspectiva aérea no hacen otra cosa que hurgar eficazmente en los complejos mecanismos de la percepción visual para encontrar la manera de engañar al cerebro para persuadirlo de ver realidades inexistentes. Así, en esta obra descubriremos cómo artistas tan diversos como el Bosco, Leonardo, Tiziano, Velázquez o Sorolla desarrollaron una magistral ingeniería inversa de la percepción visual para provocar ilusiones de realidad. Un neurocientífico en el Museo del Prado nos propone un diálogo fructífero entre arte y ciencia para responder a la pregunta de cómo el arte seduce a la mente humana. Y, con ello, ofrece también una reflexión acerca de nuestra relación con el mundo y cómo lo experimentamos. En este fascinante recorrido, los aficionados y curiosos del arte podrán disfrutar de una nueva perspectiva de la pintura clásica y profundizar en los mecanismos de la creación artística.
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Leonardo, Hilma, Yayoi, Salvador, Frida y los demás
* Una historia de la pintura accesible y entretenida. * Una presentación cronológica y de los artistas clasificados por movimientos, escuelas o estilos. * Focos temáticos para identificar los movimientos artísticos, reconocer los símbolos y descubrir los entresijos de los museos. Una historia de la pintura narrada a través de los artistas y sus obras, que se descifran paso a paso: salpicada de paréntesis instructivos y paralelismos gratificantes, para comprender cómo se ha construido este gran fresco universal ininterrumpido, desde Giotto hasta Banksy. Un trabajo clave que reúne los fundamentos y conocimientos que permiten descifrar una pintura cargada de referencias.
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El diario de Frida Kahlo
Publicado en su totalidad, el diario de Frida Kahlo refleja los últimos diez años de una vida turbulenta. Este documento, a veces apasionado, otras sorprendente e íntimo, custodiado bajo llave durante aproximadamente cuarenta años, revela nuevos rasgos de la compleja personalidad de esta destaca-da artista mexicana. Editado por la Vaca Independiente, este personal documento editado en un facsímil a todo color, aporta un nuevo enfoque para comprender mejor la original y enérgica visión del mundo de esta mexicana.El facsímil está acompañado por una introducción del prestigioso escritor mexicano Carlos Fuentes y una transcripción del contenido del diario. Finalmente, el libro incluye un ensayo de Sarah M. Lowe sobre la importancia de estas memorias en la obra total de Frida Kahlo y en la historia del arte en general, así como una serie de comentarios de la escritora sobre las imágenes.
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Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España
Publicado con motivo de la exposición Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 10 de junio y el 14 de septiembre de 2025.La imagen de la Virgen de Guadalupe se difundió masivamente entre 1650 y 1790, convirtiéndose en un símbolo religioso clave en España, Italia, Filipinas y América Latina. Se consideraba una imagen milagrosa, con su belleza y técnica sirviendo como prueba del favor divino hacia los habitantes de la Nueva España. Fue la imagen más reproducida y copiada por artistas novohispanos, asociada a la idea de un ''icono revelado''. La exposición y el catálogo que la acompaña exploran su circulación en España, el impulso del culto en la Edad Moderna, las relaciones entre la Virgen de Guadalupe de Extremadura y la mexicana, y el papel de los artistas en su difusión. Presenta unas 70 obras, la mayoría provenientes de España y México, incluyendo impresos de Madrid y Sevilla.El catálogo, que se abre con una introducción a cargo de los dos comisarios de la exposición, Jaime Cuadriello, profesor de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México, y Paula Mues Orts, profesora del Instituto Nacional de Antropología e Historia de México, repasa el culto a esta Virgen en seis ensayos de la mano de diversos especialistas: El «icono moderno» ante la era del arte (Javier Portús), Tipología figural, construcción visual y articulación devocional (Jaime Cuadriello), La Virgen de Guadalupe, un icono entre dos orillas (Francisco Javier Pizarro Gómez y Angelika García Manso), La Virgen de Guadalupe de México y de cómo los pintores novohispanos intentaron retratarla (Paula Mues Orts y Rocío Bruquetas Galán), Agentes, dinámicas y espacios de la recepción guadalupana en España (Francisco Montes González) y La Virgen, los «señores indianos mexicanos» y el rey católico (Iván Escamilla González). El libro se cierra con una bibliografía y un índice antroponímico y de obras reproducidas.
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Dibujar flores
SI BUSCAS UNA ACTIVIDAD SENCILLA Y CONSCIENTE PARA DESARROLLAR TU CREATIVIDAD, ESTE ES TU LIBRO.Es muy fácil dibujar pequeñas fl ores con unos cuantos trazos y crear con ellas todo tipo de estampados, ramos, coronas... Todas las fl ores que encontrarás en este libro se desglosan en elementos simples que podrás reproducir sin problemas, y se acompañan de consejos para superar el miedo al papel en blanco e ideas para que puedas aplicar tus creaciones en cualquier proyecto que te propongas.Flores para dibujar paso a paso: Brezo, Espliego, Cosmos, Áster, Tulipán, Hortensia, Azucena, Paniculata, Anémona, Peonía, Maravilla, Narciso, Rosa, Margarita, Girasol, Violeta… y muchas más.
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Panáfrica. Arte e imaginarios políticos para la construcción de un planeta negro
El MACBA publica Panáfrica. Arte e imaginarios políticos para la construcción de un planeta negro, una recopilación de textos de diversos autores que abordan el panafricanismo desde diferentes perspectivas con la voluntad de crear un imaginario sociopolítico y cultural vinculado no solo a la raza sino también a la solidaridad. El objetivo es desvelar el carácter plural del proyecto panafricano que es también una parte ineludible -aunque tangencial- de la historia y el imaginario sociopolítico de la ciudad de Barcelona y de la historia de España.El libro incluye textos históricos, contemporáneos y nuevos ensayos que reivindican el panafricanismo parar entender parte de nuestra historia.La publicación consta de dos ediciones separadas en catalán y en castellano.
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Maestros antiguos
Conviene volver a mirar y, especial mente, disfrutar (una vez más) de los “maestros antiguos”, sin miedo a ser tildado de “viejuno”. Flaubert decía que el primer propósito del arte era hacer que vieras (faire voir) y después hacerte soñar (faire rêver). No importa que la “mano del arte” no agarre nada, porque su “cacería” lo que hace es revelar el fondo.
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Visor
Visor. Escritos de arte y cultura, de Chus Tudelilla, reúne una selección de artículos dedicados a determinados episodios centrales en la historia reciente de la cultura y del arte en Aragón, denostados en su mayoría por su decidida vocación renovadora. Un relato en los márgenes de la cultura oficial atento a los creadores que, con sus aportaciones, lograron sobrevivir al olvido hasta convertirse en luminarias de una historia que hoy nos representa.
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El arte clásico
Mary Beard y John Henderson nos descubren en este libro el mundo antiguo de Grecia y Roma como nunca lo habíamos imaginado, con sus esculturas pintadas de brillantes colores y sus edificios totalmente decorados con frescos y mosaicos.Su análisis, revelador y emocionante, recorre las delicadas pinturas de las villas pompeyanas, aventura cómo debieron ser las estatuas en todo su esplendor cromático, revela cuál era el sentido de la desnudez femenina en el mundo clásico y nos sorprende con la utilidad que tuvieron los monumentos. Así, nos demuestra cómo las innovaciones artísticas de la Antigüedad se han convertido hoy en las convenciones de nuestra cultura.Nuevo prólogo a esta edición de Mary Beard.
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Soberanía visual
Las imágenes construyen formas de vida: nuestras formas de vida. Sin que seamos conscientes de ello, en el origen de muchos de nuestros estados de ánimo, expectativas y renuncias se encuentran los mensajes que estas nos transmiten. Las imágenes son, por lo tanto, dispositivos de poder, herramientas que generan mecanismos de autoridad, fundamentalmente en nosotras mismas. Haciéndonos cargo de este poder, hemos partido del concepto de soberanía alimentaria para llevarlo hacia el consumo de imágenes: si la soberanía alimentaria consiste en el derecho a decidir cómo nos alimentamos, la soberanía visual consiste en el derecho a decidir nuestro propio sistema de consumo de productos visuales. A partir de los conceptos de consciencia, autogestión y autocuidado visual, así como lo que hemos denominado «semiótica interseccional», atendiendo de manera explícita a los ejes de género, raza y clase, este libro constituye una guía para aprender a autogestionar las imágenes que consumimos, en definitiva, para que seamos nosotras las que decidamos sobre las imágenes y que no sean ellas las que decidan por nosotras.
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Vacío y plenitud
Vacío y plenitud es una de esas obras fundamentales que permiten acceder a la comprensión de la pintura china. Su autor, François Cheng, conocido especialista en poesía y pintura chinas, expone el desarrollo que, a lo largo de quince siglos, ha tenido la pintura en China, pero su estudio no es de carácter histórico sino filosófico. La primera parte explora el sistema de la pintura en relación con la filosofía taoísta a partir de la noción de vacío que todo artista debe conocer, eje fundamental de la concepción china del universo y su comprensión del mundo objetivo, ligado a la idea del aliento vital y al estado supremo al que el hombre debe tender. Cheng explica también al lector occidental la adscripción de este arte a la concepción taoísta, incorporando fragmentos de pintores y tratadistas chinos sobre elementos y momentos de la actividad pictórica.
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Guía completa dibujo. Anatomía, modelos, figuras y poses
* Repleta de consejos útiles y detalladas lecciones, esta guía es el recurso perfecto para aquellos artistas que busquen pulir el estilo y la técnica. * ¿Quiere aprender a dibujar la anatomía humana de manera rápida, segura y con éxito? * Conocimientos básicos e instrucciones prácticas con información completa sobre el material, la observación correcta, la colocación y posicionamiento de sus modelos o sujetos y la composición de la imagen adecuada. Debido a que los conocimientos básicos de anatomía resultan imprescindibles para el dibujo de la figura humana, se proporciona la información fundamental sobre ella, así como sobre las proporciones, en un capítulo especialmente destinado a ello. En la amplia sección de ejercicios encontrará una gran variedad de retratos de niños y adultos, personas en reposo y movimiento, desnudos interesantes y detalles de la boca, la nariz, el cabello, y un largo etcétera. Incluye numerosos ejercicios paso a paso, tanto para principiantes como para aquellos que ya cuentan con un nivel más avanzado, quienes podrán aplicar con facilidad diversas técnicas, desde ejercicios con los dedos hasta obras de arte magistrales. Completa el libro una breve pero fascinante introducción al mundo del manga.
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