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Llibres d'art
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En Piedrabuena (Ciudad Real), hace ciento y pico añospasaban cosas muy raras: un tal Sánchez se fue a Estados Unidos y al volver montó en el pueblo una fábrica revolucionaria (porque fabricaba un aparato para ver a la gente por dentro y porque pagaba sueldos justos, una de estas dos cosas es revolucionaria todavía hoy). Por esos años cundió también la monomanía de diseñar y fabricar el submarino perfecto: con periscopioo sin él, a hélice o a brazo, para recuperar el imperio o para mariscar. La cosa, en el caso de Peral, Monturiol y otros, acabó en naufragio, aunque tuvierana Julio Verne de su parte. No nos olvidamos tampoco de un sabio llamado Cervera que, hasta donde sabemos,es posible que inventara la radio. Y ya puestos a innovar, nada como lo de aquel señor cura de Segorbe (Castellón) que hacía música electrónica y diseñaba sintetizadores mientras Franco andaba por ahí bajo palio.Ni santos, ni visionarios, ni locos: genios españoles. En medio de la nada, o en un país que los saludó como a reyes y los olvidó como a mendigos. Con una historia que merece ser contada y leída… por aquello deconocer el pasado y repetirlo un poco menos.
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Arte y política son ámbitos fuertemente interconectados, se atraen y se repelen, dibujan continuidades y provocan rupturas, y los ensayos que se recogen en el presente volumen se hallan sujetos a la tensión entre estas fuerzas. Ya sea como reflexión sobre la condición contemporánea, sobre la práctica artística o sobre los límites y la potencialidad del museo, cada uno de los escritos se halla situado en el tiempo y el espacio, y todos ellos reflejan la trayectoria intelectual de Manuel Borja-Villel al frente de importantes instituciones museísticas, así como algunas de sus inquietudes curatoriales como responsable de numerosas exposiciones o programas públicos a lo largo de los últimos treinta años. Defensor de la hibridación y el trasvase de saberes frente a la compartimentación estanca del conocimiento y su forma de organización, este libro apuesta por la investigación extradisciplinar y la interrelación de múltiples campos. Y es ante todo una invitación a reflexionar sobre el arte, sus organizaciones y sus actores.
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Se suele decir que el ideal de libro de Benjamin era un texto compuesto enteramente de citas, en que el autor fuese solo el compaginador, en el sentido cinematográfico del término, estrictamente una cuestión de montaje en la cual la autoría pareciera borrarse. El trabajo de Benjamin es expurgado por motivos ideológicos, atribuibles a la oportunidad, por Horkheimer, pero también por Adorno en la primera versión publicada en alemán y en este caso lo es por divergencias en la consideración de ciertos fenómenos del arte popular. Los textos se complementan con todas las variantes, las notas, apuntes bibliográficos e incluso los pasajes desechados por el autor.Es el único libro que reúne las cuatro versiones de este texto tan leído y tan estudiadio.
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Este libro no es una historia del arte al uso. Tampoco es un recorrido por las grandes obras del arte universal que habitualmente aparecen en los manuales escolares. Ni un recetario para distinguir el arte románico del gótico.Esta es una historia del arte irreverente y rompedora que se centrá en la Europa occidental y el Mediterráneo, desde la caída del Imperio romano de Occidente hasta el siglo XV.Alberto Garín, arqueólogo e historiador del arte, ofrece al lector un sorprendente viaje artístico por lugares como Roma, Constantinopla, Damasco, Granada o Florencia, con el objetivo de explorar y observar, con agudeza y erudición, la sensibilidad de aquellos artistas que con su desempeño han contribuido a construir la cultura y el mundo en el que vivimos.
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Leonardo da Vinci (1452-1519), uno de los seres humanos más brillantes que haya existido jamás, sigue siendo el paradigma del genio renacentista. La presente obra es un compacto catálogo razonado de todas las obras maestras pictóricas del artista, y constituye el acompañante ideal de la edición Leonardo da Vinci. Obra gráfica. Este libro, realizado a partir de nuestra edición XXL, nos acerca al Leonardo hombre y a su época a través de 10 capítulos, reúne sus pinturas y dibujos más conocidos, sus cartas, contratos, anotaciones de diario y escritos. En sus páginas podrá admirar con todo lujo de detalles los más grandes tesoros de los mejores museos del mundo, ya sea del Louvre, del Prado o de la National Gallery, de Londres. Desde la Virgen de las Rocas y Santa Ana, la Virgen y el Niño hasta la famosa Mona Lisa, así como obras de Leonardo perdidas en el tiempo, pero no menos sorprendentes en su precisión y fuerza.
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Un retrato de Madrid desde diversas ópticas, con textos de Victoria Acebo, Berta Gutiérrez, Gonzalo del Val, Carlos Copertone y Patxi Eguiluz. Entrevista de Paula García-Masedo al estudio Burr, reseña de Lluís Alexandre Casanovas Blanco sobre el último libro de Uriel Fogué. Un proyecto de María Langarita y Víctor Navarro, y un colegio de Andrés Jaque. En el ámbito de la escena artística, Julia Spínola se encuentra con José Diaz y Yaby nos muestran un retrato posible de lo que significa generación en la capital.
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En este libro concebido para el público general aficionado al arte y al estudiante que da sus primeros pasos en la materia, Dana Arnold proporciona un conocimiento básico sobre los aspectos fundamentales de la cultura visual y permite al lector equiparse con las herramientas básicas necesarias para tanto para el estudio como para el disfrute del arte.
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* El mundo del arte contemporáneo puede resultar desconcertante hasta el extremo: enormes sumas de dinero y una nómina mundial de artistas que abordan una gama ilimitada de enfoques. ¿Por dónde empezar a desentrañar este panorama? * La comisaria y escritora Natalie Rudd se abre paso a través de la jerga artística para explicar diversos aspectos del arte contemporáneo (incluida la variedad de enfoques, disciplinas y temas) y cuestiones como la personalidad del artista, la ética de la creación y el potencial del arte para mejorar el mundo y provocar cambios políticos. * Una perspectiva internacional y multinarrativa que comienza por resumir y contextualizar el importante legado artístico del siglo XX que conforma la práctica reciente. En cada capítulo se aborda una cuestión central con el apoyo del análisis de obras relevantes y visualmente atractivas. En la sección de referencia se ofrece una serie de recursos de valor incalculable, entre ellos consejos sobre cómo interpretar el arte contemporáneo, dónde encontrarlo y cómo relacionarse con la escena artística de su entorno. Explicaciones sucintas, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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La historia del arte desde el Renacimiento como nunca se ha contado.¿Cuántas mujeres artistas conoce? ¿Quién hace la historia del arte? ¿Hubo mujeres que trabajaron como artistas antes del siglo XX? ¿Cuáles fueron las pioneras que abrieron el camino para las creadoras actuales? ¿Cuántas mujeres forman parte de las colecciones permanentes de los grandes museos?En una apasionante historia del arte, Katy Hessel, historiadora del arte y fundadora del podcast @thegreatwomenartists, presenta, entre otros, los deslumbrantes cuadros de la pintora renacentista Sofonisba Anguissola, las radicales obras de Harriet Powers en el siglo XIX, o la historia de la fascinante baronesa Von Freytag-Loringhoven, que inventó el concepto de arte encontrado mucho antes que Duchamp. Viajaremos por la Edad de Oro holandesa, contemplaremos el asombroso trabajo de las artistas latinoamericanas de posguerra y conoceremos a las mujeres que están definiendo qué es el arte en la actualidad.Prepárese a cambiar para siempre su perspectiva sobre la historia del arte y a abrir los ojos a muchas formas de arte antes ignoradas o menospreciadas. Desde la costa de Cornualles a Manhattan, Nigeria o Japón, esta es una historia del arte como jamás se ha visto.
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Las corporalidades, identidades y orientaciones no-heterosexuales, trans e intersexuales han estado tradicionalmente alejadas del ámbito de la educación formal, como si la vida y la escuela fuesen dos realidades disociadas entre sí. Con la llegada de la educación afectivo-sexual, se abrió una oportunidad para que estas formasen parte de la cotidianeidad escolar, pero los contenidos ligados a los riesgos en torno a las infecciones de transmisión sexual y los embarazos no deseados, junto con su prevención, han acaparado el tratamiento que se hace de la sexualidad en nuestros centros. Son contenidos que, además de desplazar al colectivo LGTBIQ hasta su borrado en este campo educativo, esconden mensajes discriminatorios que reproducen y legitiman las distintas violencias que sufren las personas que no se ajustan a los parámetros normativos de sexualidad (binarismo, ciscentrismo, heterocentrismo, monosexualidad, LGTBIQfobia, etc.). Así, mientras que las formas no hegemónicas de transitar la sexualidad están siendo cada vez más visibles entre las generaciones más jóvenes, en el ámbito de la educación escolar existen múltiples dificultades para atender a esta diversidad de manera profunda e integral. En este sentido, el presente libro explora esta relación entre educación afectivo-sexual y colectivo LGTBIQ -más caracterizada por sus desencuentros que por sus encuentros-, trazando un recorrido por distintas dimensiones de la realidad sociocultural, desde el foco en lo que el autor denomina sistema normativo de sexualidad hasta el marco escolar y la educación afectivo-sexual. Seguidamente, se plantean los resultados de un estudio y se finaliza con algunas propuestas que permiten orientar la práctica docente hacia el logro de una educación afectivo-sexual diversa e igualitaria.
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El nacimiento del movimiento DadáHugo Ball y su compañera Emmy Hennings ya venían improvisando -él al piano, ella recitando y cantando- veladas en algún local de Zúrich, cuando en enero de 1916 decidieron abrir su propio Cabaret donde exponer obras de arte, organizar lecturas de poesía y montar espectáculos de música y baile, todo con el ánimo de denunciar la violencia desatada en Europa con la Gran Guerra y denigrar los supuestos valores en nombre de los cuales se combatía.Desde el mismo día de la inauguración, se asomaron al local artistas que, huyendo de la guerra, se habían refugiado en la neutral Suiza. Especialmente un poeta rumano, Tristan Tzara, adquirirá protagonismo en cuanto acontecerá en el Cabaret Voltaire, tanto que pronto liderará una revolución que desde esas paredes no tardaría en estallar: la revolución DADÁ.
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Un martes de mayo de 1891, en el número 89 de la pari- sina rue de Rome, tuvo lugar uno de los encuentros que a la postre constituirían el que probablemente fuera el cená- culo más singular y fructífero de la modernidad. Tres personajes, el pintor Odilon Redon, el compositor Claude Debussy y el poeta Stéphane Mallarmé, anfitrión de la velada, tres figuras cardinales del panorama artístico finisecular, enfrentaron sus reflexiones en torno a los lí- mites de la representación de la realidad -ahondando en conceptos cruciales como «sugerencia » y «evocación»- y dieron paso a la formulación de campos de exploración y contagio entre disciplinas tradicionalmente separadas. ¿Es posible una pintura musical? ¿Una música hecha con palabras? ¿Superar, en última instancia, la especificidad de cada disciplina? Fue en las sucesivas reuniones del ce- náculo donde muchas de estas cuestiones, que hoy en día son claves para comprender el desarrollo de las prácticas artísticas contemporáneas, se formularon por primera vez. Entreverando historia cultural e historia del pensa- miento, Sonsoles Hernández Barbosa nos adentra en una época fascinante y plantea un análisis de las teorías esté- ticas discutidas durante dichas reuniones, auténtico la- boratorio que finalizaría en la Europa de las vanguardias.
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La teoría poscolonial ha influido muy significativamente en la historiografía actual y en la evolución de la crítica arquitectónica contemporánea en particular. Este volumen estudia la contribución de Homi K. Bhabha al discurso y el proyecto de arquitectura. Sus conceptos y sus frecuentes analogías con la arquitectura hacen que su obra resulte atractiva para los arquitectos y los profesionales de otras disciplinas creativas. Centrado en la publicación más aplaudida de Bhabha, El lugar de la cultura, el presente libro explica de manera sencilla parte de la terminología que Bhabha emplea en sus escritos -traducción, ambivalencia, hibridez y Tercer Espacio, junto con lo performativo y lo pedagógico-.Este libro es una introducción perfecta a las teorías de Bhabha y a su utilidad para desafiar muchos supuestos sobre la arquitectura contemporánea. Nos invita a reflexionar sobre la arquitectura contemporánea en general, no sólo en los contextos colonial y poscolonial.
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Aprenda a dibujar la figura humana en distintas poses y actividades. Hombres, mujeres, niños y adultos toman forma en esta guía paso a paso. Incluso los principiantes podrán crear grandes dibujos y los artistas con experiencia encontrarán mucho en lo que inspirarse. SUSIE HODGE es una apasionada de la enseñanza del arte e imparte talleres y da clases de Historia del Arte desde hace más de 17 años. Ha escrito e ilustrado numerosos libros de dibujo. También trabaja para la Royal Academy, la Tate (National Gallery of British Art) y el Victoria and Albert Museum realizando folletos y catálogos para visitantes, profesores y estudiantes. Vive en Westcliff-on-Sea, Essex.
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A Erwin Panofsky (1892-1968) se le debe la sistematización de una metodología de trabajo, el método iconográfico-iconológico, que es uno de los puntales más sólidos de la disciplina y uno de los grandes logros intelectuales del siglo XX. Panofsky, alemán
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La conservación de los bienes culturales ha centrando la actividad de los museos desde sus orígenes. En ese contexto los públicos que visitaban los museos no cumplían ningún papel relevante. Sin embargo, a lo largo del s. XX, el rol pasivo del público cambia a medida que la democratización de la cultura y la democracia cultural se asientan en nuestra sociedad. Este cambio acarrea dos novedades en las actividades museísticas: los museos se van a interesar por quienes los visitan o los usan, y usuarios y comunidades locales y museísticas van a querer participar en las actividades de los museos. El lector de esta obra encontrará un análisis de los públicos de los museos y las comunidades vinculadas a ellos, y descubrirá las diversas posiciones que, ante los museos, se pueden encontrar en la sociedad.
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Luchon Saint-Lary -2 Mapes 1:30000 + Carpeta Desplegable
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Libro pensado para la introducción práctica en el ámbito de la traducción directa e inversa entre el español y el inglés. Aunque puede servir de apoyo a cualquier profesional de la traducción entre estos dos idiomas, se adapta particularmente al listado de competencias que requieren los alumnos hispanohablantes del Grado en Estudios Ingleses, en su disciplina de traducción de textos generales y literarios.Cada capítulo se estructura con una serie de objetivos, numerosos ejemplos y tareas, con sus claves de resolución y abundante bibliografía de consulta. Esta segunda edición se ha ampliado con tareas de práctica adicionales para facilitar el autoestudio.
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Esta obra detalla la historia de todos esos seres intermedios que están entre los pajaritos y los pajarracos, es decir: de todas las variedades de aves que se han dejado caer en las distintas civilizaciones humanas, simbolizando cosas, sirviendo de condumio o de adivinadores del futuro. En este simpático libro se cuentan todos esos mitos que nos hablan de la lechuza que acompañaba a Minerva, del cisne que se muere en La muerte del cisne, del fénix que renacía de sus cenizas, de los gansos que graznaron para avisar del peligro al Capitolio, del pájaro de fuego que servía para que algunas chicas con menos carne que un telegrama tuvieran un pretexto para bailar de puntillas, de la paloma de la paz, del cuervo que daba repelús a Edgar Allan Poe, de los pájaros hitchcockianos que la tomaban con los veraneantes, de los ibis que se colaron en el alfabeto egipcio o del águila que le comía los higadillos al infeliz Prometeo. Todo ello doctamente contado, pero con grandes dosis de humor.
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Fuertemente vinculada al paisaje y a la historia cultural norteamericana, la obra de Edward Weston (Illinois, 1886 – California, 1958) permite discernir una perspectiva única en el proceso de consolidación de la fotografía como medio artístico y su relevante papel en el contexto del modernismo en las artes visuales. La exposición Edward Weston, está concebida como una antológica que recorre las distintas fases de la producción fotográfica del artista, desde su interés inicial por los planteamientos pictorialistas, hasta su consolidación como una de las figuras centrales en la afirmación del valor poético y especulativo de la fotografía directa. Pionero en el uso de un estilo fotográfico modernista, su trabajo se caracteriza por el uso de cámara de gran formato, dando lugar imágenes en blanco y negro ricamente detalladas y de una extraordinaria nitidez.
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Entre la memòria íntima i la poètica dels objectes, L'imant i les coses és el primer llibre de l'artista Mateu Coll. Amb una escriptura fragmentària i evocadora, però lluny de qualsevol nostàlgia, Coll construeix una obra on les coses —les trobades, les perdudes, les salvades— esdevenen dipositàries de vida i alhora testimonis del pas del temps. Cada objecte conté una història, una absència, un record, i el text s'erigeix al seu costat com un inventari afectiu que reivindica la bellesa i la fragilitat d'allò que resta. Amb fotografies de Jean Marie del Moral i un epíleg de Sebastià Perelló, a L'imant i les coses les imatges dialoguen amb la paraula escrita i n'intensifiquen la dimensió reflexiva i sensorial. Un llibre que s'inscriu en la tradició de la literatura de l'objecte i de la mirada —de Walter Benjamin a Mario Praz, de Virginia Woolf a Susan Sontag— i que aporta una visió pròpia i contemporània sobre el poder magnètic de la matèria i el desig inefable de retenir allò que s'esvaeix.
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Cuadernos de arte Cátedra
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Este libro recoge la totalidad de textos que el poeta, crítico de arte y simbólogo Juan Eduardo Cirlot le dedicó a Antoni Gaudí entre 1949 y 1966. Se publican cronológicamente para que el lector pueda apreciar los cambios de matiz con los que Cirlot va explicando al arquitecto y cómo dejan traslucir a lo largo de los años las transformaciones de sus propios intereses intelectuales. Podremos apreciar así el paso del surrealismo al informalismo –de la imagen a la materia– y la irrupción de las explicaciones simbólicas que culminarían en su Diccionario de símbolos tradicionales. El Gaudí que nos presenta Cirlot es la personificación del creador por excelencia. Alguien capaz de detener la inercia repetitiva de la tradición, el historicismo del siglo xix y plantear una «arquitectura desencadenada», es decir, una arquitectura que avanzando desde el «origen» no se detiene hasta su conclusión. Además, la obra de Gaudí no es entendida por Cirlot como el final de una época, sino como la semilla de gran parte de la plástica del siglo xx.
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El catálogo Antoni Tàpies. La práctica del arte, editado junto con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, recoge los textos del comisario, Manuel Borja-Villel, la conservadora del Buffalo AKG Art Museum, Cathleen Chaffee, el comisario y crítico de arte Carles Guerra, y el historiador del arte y comisario de exposiciones Pedro de Llano Neira, así como fragmentos de las entrevistas realizadas al artista por Manuel Borja-Villel y Barbara Catoir en los años 1995 y 1988, respectivamente.
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Estilo Escandinavo es un homenaje a la arquitectura y el diseño interior escandinavos, en constante diálogo con la naturaleza. A través de una selección curada de hogares y espacios, el libro revela cómo el espíritu nórdico transforma paisajes escarpados, climasdramáticos y luz fugaz en fuentes de inspiración duraderas. Desde cabañas en el bosque hasta refugios costeros contemporáneos, cada proyecto encarna un espíritu de simplicidad, funcionalidad y profunda conexión con el aire libre. Los materiales naturales, las líneas limpias y las paletas de colores suaves evocan una sensación de calma y autenticidad. Creado para los admiradores del estilo nórdico y la vida consciente, este libro ofrece un viaje visual sereno pero poderoso a través de una de las culturas de diseño más veneradas del mundo, donde la arquitectura fluye con latierra y la luz se convierte en parte de la estructura.
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The ultimate gift for gardeners and art-lovers, featuring 300 of the most beautiful and pioneering botanical images ever.Now available in a chic compact format, this visually stunning survey from Phaidon’s Explorer series celebrates the extraordinary beauty and diversity of plants. It combines photographs and cutting-edge micrograph scans with paintings, drawings, and prints, to bring this universally popular and captivating subject vividly to life. Carefully selected by an international panel of experts and arranged in a uniquely structured sequence to highlight thought-provoking contrasts and similarities, this stunning compilation of botanically themed images includes iconic work by celebrated artists, photographers, scientists, and botanical illustrators, as well as rare and previously unpublished images. Winner of the Council on Botanical and Horticultural Libraries 2025 Award of Excellence in Series, this is the perfect gift for every plant lover and gardener.
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El trabajo de Rodríguez-Méndez nace del lenguaje de la escultura, desde donde ha evolucionado en direcciones que lo vinculan con la materialidad, la semántica, la temporalidad o la fisicidad, configurando un cuerpo de obra escurridizo, difícilmente clasificable y altamente sugerente, que ha ido desmaterializándose a lo largo de casi treinta años hasta un punto en que la ausencia, la oquedad o lo omitido hallan estructura para reivindicarse, erigirse y sostenerse. Humores y Espesores se configura mediante una doble vía: por una parte, articula un recorrido sucinto a su ya extensa carrera como artista, por otra, aporta una selección de series fotográficas, instalaciones o acciones de reciente creación, algunas de ellas inéditas hasta la fecha.Humores y Espesores confirma la relevancia de un cuerpo de obra que se ha materializado en instalaciones planteadas desde un rigor y un entendimiento del espacio poco habituales, de trabajos específicos que han condicionado durante largos periodos su día a día y el de su estudio, o de series alargadas durante más de una década, que han convivido con el desarrollo de otras y que han abierto nuevas vías de investigación, siempre desde el lenguaje escultórico, que es al que el artista consagra su práctica, sea cual sea el modo en que cobra forma.
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Tothom ha sentit a parlar dels famosos volcans d’Olot, com el Croscat o el Santa Margarida. Però sabies que a Catalunya n’hi ha prop de 150? Més enllà de la Garrotxa, trobem cons volcànics i colades de lava a l’Empordà, el Gironès, la Selva i ns i tot al Maresme. Aquesta guia et convida a explorar aquest ric patrimoni geològic des d’una mirada excursionista i naturalista, per redescobrir un paisatge sorprenent i, sovint, oblidat.
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La Tauromaquia est une collection de scènes représentant divers épisodes du combat de taureaux. Goya était un aficionado consommé, et il passait une grande partie de son temps avec les toreros. Aussi était?il l’homme le plus compétent du monde pour traiter à fond la matière.
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40 mensajes de arte urbano Al igual que los antiguos jeroglíficos egipcios, el arte de Banksy comunica mensajes complejos a través de imágenes icónicas. La obra de Banksy invita a reflexionar a quienes la encuentran: sobre los acontecimientos actuales, el papel de una persona en la sociedad, a observar la realidad con un ojo crítico y a hacerse preguntas sobre uno mismo y los demás. Así, este kit de Banksy ofrece 40 símbolos divertidos, relevantes y modernos con los cuales extrapolar mensajes de oráculo. Un kit innovador, que incluye un mazo de cartas y un libro, para plantear las preguntas más amplias y matizadas sobre la vida y nuestro lugar en ella.
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Segunda edición, esta vez en tapa dura, de Feminist Art, con una nueva introducción de Valentina Grande dedicada al público español, y una nueva ilustración de Eva Rossetti para la contracubierta. Los sesenta y los setenta son los años de los movimientos por los derechos civiles, de las manifestaciones estudiantiles y de la segunda ola feminista. Son los años en los que surge el Feminist Art, un movimiento complejo y fundamental para entender la historia del arte contemporáneo. A través de las palabras y los monólogos interiores de Judy Chicago, Faith Ringgold, Ana Mendieta y de las Guerrilla Girls. «El arte feminista no es un estilo ni un movimiento, sino un sistema de valores, una estrategia revolucionaria, un modo de vida». -LUCY R. LIPPARD «El arte feminista no es el arte realizado por mujeres, no es un movimiento que se caracteriza por ciertas elecciones técnicas o por adoptar formas innovadoras, es más bien un movimiento artístico y político en el que las artistas son activistas que reivindican los derechos de las mujeres y que usan el arte como una herramienta de lucha». -VALENTINA GRANDE
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Sopa de tomate contra un Van Gogh, manos pegadas a los marcos de un Goya. ¿Vandalismo ciego o el acto de protesta más lúcido de nuestro tiempo? En este ensayo tan deslumbrante como provocador, el historiador del arte Manu Martín argumenta con una contundencia arrolladora que la profanación de los símbolos no es un sacrilegio, sino una herramienta histórica de protesta y crítica sin parangón. «Una herejía ilustrada» que demuestra que, para rescatar el arte, a veces hay que «atacarlo». Con la precisión de un bisturí, Martín disecciona el concepto de «Patrimonio» para revelarlo como lo que a menudo es: una poderosa «religión civil». Una fe que nos enseña a venerar una cultura de élites mientras esteriliza las obras en templos-museo. Frente a esta liturgia, reivindica un patrimonio vivo, y por lo tanto político, que lejos de ser un panfleto se muestra como un riguroso recorrido histórico que va desde las «hogueras de las vanidades» del florentino Savonarola, hasta las sufragistas que acuchillaron la «Venus del espejo» para defender los cuerpos reales de las mujeres, llegando a los activistas que hoy usan el Prado y otros museos como altavoces globales. Martín demuestra que estas acciones no atacan el arte, sino que lo utilizan -además, sin dañarlo de manera real- para devolverle la vida que la institución les ha arrebatado. «Contra el patrimonio» es un manifiesto que nos invita a cometer el acto más liberador: dejar de rezar ante la cultura para empezar a usarla. Una obra valiente, polémica y destinada a convertirse en una referencia ineludible para entender las batallas culturales de nuestro presente.
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En la China clásica el arte se ha expresado a través de la tinta, el papel y el pincel, y la poesía, la caligrafía y la pintura formaron una unión inseparable llamada las «tres perfecciones».En este libro, la autora hace un recorrido por las diferentes dinastías Imperiales presentando a las mujeres pintoras chinas más importantes cuyas obras han sido seleccionadas por su riqueza y variedad para ser analizadas y contempladas. La vida de estas artistas estuvo íntimamente vinculada a sus orígenes sociales y a tradiciones como el confucionismo que limitaron en gran medida su espacio de actuación. En la soledad de sus hogares o rodeadas de numerosos admiradores, indiferentes a la fama o resueltas a encontrarla, todas llegaron a la madurez técnica y supieron captar el verdadero espíritu de la naturaleza que representaron con una belleza ilimitada y un delicioso estilo poético.Las Grandes Damas de la Pintura China, llegarán al corazón de todos los seres sensibles sin obstáculos y cuando contemplen sus obras, comprenderán inmediatamente los misterios que ante ustedes se revelarán, y su huella será tan fuerte como el trueno que logra romper el arte de pintar en silencio.
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Este libro presenta un extenso panorama de viajeros británicos en Sevilla desde principios del siglo XVIII hasta mediados del XIX. Personajes conocidos como el poeta Lord Byron, el artista David Roberts o el hispanófilo por excelencia, Richard Ford, aparecen junto a otras figuras identificadas aquí por primera vez, y juntos forman un grupo más variado en género, edad, clase social y ascendencia que el que había servido hasta ahora para definir la percepción británica del rico patrimonio arquitectónico sevillano. Más allá del repertorio visual de los libros de viaje de la época y sus dibujos originales, este estudio pone de relieve cartas y diarios inéditos para sustentar un catálogo que reúne las experiencias de una veintena de viajeros, dando voz a varias mujeres y a algunos hombres jóvenes cuyos itinerarios y vivencias eran prácticamente inéditos.
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Made by MSCHF es un estudio del trabajo del colectivo de arte MSCHF, con sede en Brooklyn, conocido por sus proyectos eclécticos que critican las mismas áreas de la cultura popular que habitan. Desde una línea de bolsos de diseño que solo son visibles bajo un microscopio hasta un juego de citas anime que ayuda a los jugadores a generar una declaración de impuestos funcional, las obras de MSCHF son incisivas, a menudo virales y siempre están imbuidas de su estilo único de humor subversivo.Con imágenes nunca antes vistas, este libro presenta estudios de casos que exploran en profundidad 12 de los proyectos de MSCHF, brindando a los lectores un modelo de cómo se desarrollan sus trabajos desde la idea hasta el lanzamiento. Escrito por dos de los cofundadores del colectivo, el libro presenta 6 ensayos temáticos adicionales y un archivo de todas las obras de arte del MSCHF hasta la fecha, que en conjunto revelan el alcance y la evolución del grupo experimental.Los proyectos incluyen: Big Red Boot, un par de botas de goma grandes y caricaturescas, Jesus Shoes, sus zapatillas de deporte de marca llenas de agua bendita, ATM Leaderboard, un cajero automático instalado en Art Basel Miami Beach que clasificaba a los usuarios por saldo bancario, y Severed Spots, en el que recortaron manchas de grabados de Damien Hirst y las vendieron como obras de arte individuales.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.