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Llibres d'art
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Estas páginas pretenden que recorras la historia de uno de los edificios más sublimes de la humanidad y que lo conozcas como si estuvieras paseando entre sus columnas y contemplando sus patios. Hemos querido acercarnos a cada uno de sus rincones y contemplarlos con capacidad de crítica. Escrito por auténticos expertos en Historia del Arte, al-Ándalus y la ciudad de Córdoba, creemos que su lectura resultará tan singular como ella misma: un espacio ecléctico que ha sabido conjugar y aunar lo diferente enriqueciéndolo. Descubre los secretos y los tesoros de una construcción singular, un ejemplo de diálogo artístico entre culturas y religiones, del que podemos aprender muchísimo hoy en día. «Este antiguo y fantástico palacio posee una magia singular, un especial poder para hacer recordar sueños y cuadros del pasado y para presentarnos desnudas realidades con las ilusiones de la memoria y de la imaginación.» Washington Irving
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Un ensayo magnífico, riguroso y muy completo sobre los objetos hermosos, nuestra relación con ellos, y lo que esconde su producción.En esta colección de ensayos lúcidos y contundentes, en los que ciencia, historia y memorias se combinan magistralmente, Kelleher sale en busca de los secretos más inconfesables de nuestros productos favoritos. Con una prosa tan deslumbrante como los objetos que describe, Kelleher nos invita a examinar la relación que mantenemos con los objetos que adornan nuestro cuerpo y decoran nuestros hogares. Y al mismo tiempo argumenta que, aunque tengamos el imperativo moral de comprender nuestra relación con el deseo, tampoco somos malvados por anhelar la belleza. Esta terrible historia de las cosas bellas nos abre los ojos ante las cosas que nos rodean, nos ayuda a comprender cómo surgió, qué precio se pagó y cómo podemos participar de la belleza del mundo de una manera ética.
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La presente edición recoge los textos que Ruskin dedicó al tema de lo grotesco. Lo grotesco se percibe enel estilo y lenguaje de las obras artísticas, pero noes solo una cuestión de estilo y lenguaje. La profunda novedad de Ruskin surge en el análisis de sus orígenes: lo grotesco es una manifestación de la naturaleza humana y, en cuanto tal, no puede ser despreciadoni relegado, tal como había hecho la literatura artística tradicional. La estrecha relación entre Ruskin yDante, la admiración del escritor inglés por el poeta, nos ha sugerido el título de la presente edición,La Medusa de mármol, que responde al canto noveno delInferno en la Comedia dantesca.
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Con el estallido de la Guerra Civil española, Latinoamérica se convirtió en el principal refugio de los exiliados que huían del horror que asolaba el país. Entre ellos se hallaban las artistas republicanas españolas y sobre ellas versa este libro. En sus páginas encontramos creadoras como Maruja Mallo, Remedios Varo,Roser Bru o Marta Palau, junto a otras como Elvira Gascón, Manuela Ballester, Victorina Durán o Mary Martín. A través del estudio de las condiciones socioculturales en que las mujeres desarrollaron su actividadartística y las complejidades que estos procesos conllevaron para ellas, este trabajo propone nuevos relatos que enriquezcan los discursos sobre nuestra historia artística reciente y los estudios en torno a la diáspora republicana. Dentro de sus producciones, a menudo fuera de los parámetros impuestos por las bellasartes, se dan cita la ilustración de revistas y libros, el diseño de moda, la decoración y la docencia delarte, pero también el muralismo y la escenografía, la pintura y el grabado. Aunque compartieron la mismacausa política, estas artistas tuvieron trayectoriasmuy diversas que conformaron diferentes maneras de ver el exilio, la familia, el arte y, en definitiva, lavida.
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Aparecido en 1911, nos encontramos ante el texto teórico más difundido de Kandinsky, un discurso estético que desemboca en la práctica de la abstracción no figurativa. Lejos de ser un texto pragmático — no pretende apelar a la razón y al cerebro
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Este volumen reúne una muestra exhaustiva del trabajo del artista de renombre internacional Leandro Erlich a través de 72 imágenes que representan obras de arte cautivadoras, modernas e interactivas.A lo largo de estas imágenes, ensayos críticos de Dan Cameron, Adrian Dannat, Andrés Duprat y Mari Carmen Ramírez ofrecen observaciones agudas sobre el encuentro de las obras de arte, el espacio y las personas.Publicado como parte de la exposición de Erlich ''Liminal'' en el Perez Art Museum Miami, el catálogo se erige como un camino perspicaz en la mente del artista y como testigo de la experiencia de los visitantes
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Por mucho que conozcamos la genialidad de los grandes artistas del pasado, a menudo, cuando vemos una obra maestra, nos resulta difícil conectar con ella y captar su grandeza. Ossian Ward se enfrenta directamente a este vacío comunicativo y nos brinda algunas de las claves y parámetros con los que volver a mirar las pinturas de los maestros antiguos.El crítico británico toma diversos conceptos que han sido una constante en la historia del arte -como la paradoja, la belleza o el horror- y los convierte en el hilo conductor que conecta nuestra capacidad interpretativa con las mejores obras de la historia de la pintura. Una cautivadora experiencia inmersiva que nos invita no solo a saber de la espectacular teatralidad de El Bosco o de la armonía y simplicidad de Paul Cézanne, sino a aprehenderlas verdaderamente.
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Durante la década de los cincuenta, Dalí anduvo preocupado por el modo, para él servil, en que los críticos se sometían ciegamente a la dictadura de las vanguardias artísticas y, en particular, a la corrientemás moderna: la pintura abstracta. Sorprende comprobar hoy en cuántos aspectos daba Dalí en el blanco, consu peculiar visión paranoico-crítica del arte y exponiéndose a la mofa de los implacables críticos «ditirámbicos» entregados a lo moderno por lo moderno. Según Dalí, desde que los críticos se unieron «a la viejapintura moderna», ésta no ha dejado de ponerles cuernos: con la fealdad, con la técnica y con el arte abstracto. «Pintor, no te empeñes en ser moderno.Es la única cosa que, por desgracia, hagas lo que hagas, no podrás dejar de ser.» Salvador Dalí
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* Tant si planifiques una aventura com si només vols aprendre uns trucs per la vida a l'aire lliure, aquest és el llibre perfecte per a tu! * Aquesta guia senzilla i pràctica explica els conceptes bàsics de l'orientació i el senderisme, històries populars d'animals, la construcció de refugis, les tècniques de primers auxilis... i molt més! * Les imatges dels apartats ''pas a pas'' t'ensenyen les destreses més importants i els primers auxilis més avançats, per exemple, aprendràs a construir un refugi amb malesa i a sobreviure a una allau. Les dues primeres i les dues últimes pàgines inclouen una petita guia de supervivència perquè facis fotos i les duguis sempre a sobre. Desenvolupa les teves capacitats fonamentals per les teves aventures a l'aire lliure!
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'Flora Industrialis incide en los límites que plantea la relación entre la ciencia y el arte, y en cómo lo interpreta el espectador. Y lo vincula por un lado a conceptos como veracidad, realidad, definición o exactitud, y por otro con la percepción y la memoria personal del artista, con ideas de belleza, artificialidad, perfección o muerte. Ante las fotografías que en esta flora industrial nos presenta el artista, podemos explorar las sensaciones ambiguas que nos producen. Descubrir las claves que nos permiten identificar ante qué tipo de fenómeno nos encontramos y al mismo tiempo decidir si nos entregamos a una experiencia de los sentidos sin importar si las flores que nos presenta son industriales o naturales.''
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Acceder al profundo simbolismo del Tarot de Mantegnasólo es posible adentrándonos de lleno en la riquezacultural de la sociedad en la que fue creado: el Renacimiento italiano. Este libro se propone viajar al corazón del humanismo florentino de la mano de pensadores como Marsilio Ficino, Giovanni Pico della Mirandola o el bizantino Plethon. Las estampas del tarot de Mantegna fueron creadas bajo la inspiración de las propuestas mágicas y filosóficas de estos autores. Un halo de misterio ha rodeado desde hace siglos a esta colección de cincuenta grabados: no se sabe cuál es sulugar de origen, la fecha en la que se crearon, ni siquiera quiénes fueron en realidad sus creadores. Estanueva edición del especialista en simbología sagraday tradición hermética Raimon Arola nos permitirá conocer algunos de los secretos de este sorprendente juego de cartas que no sólo servía para el divertimento,sino que podía predecir el futuro y lanzar herméticas profecías.
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Guías singulares Anaya Touring
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Formado artísticamente en Dresde y Roma bajo la disciplina de su padre, el pintor de corte Ismael Mengs (1687-1764), Antonio Raphael Mengs (1728-1779) recibió sus nombres por la admiración que aquel sentía por Antonio Allegri da Correggio (h. 1489-1534) y Raffaello (Raphael) Sanzio de Urbino (1483-1520). Sus comienzos como pintor fueron también en la corte electoral de Sajonia y luego en la pontificia de Roma, bajo la protección de diferentes personajes de la curia papal, entre ellos el cardenal Alessandro Albani con el encargo de la célebre pintura mural del Parnaso. En 1761 entraría al servicio de Carlos III, quedando el resto de su vida amparado por el mecenazgo del rey de España y de las Indias.En este catálogo de exposición se aborda el estudio de su actividad artística y teórica en las diferentes etapas de su vida, a través de los mejores ejemplos de su producción reunidos en la muestra. Al rico conjunto de obras de Mengs en España, repartidas entre el Museo del Prado y las Colecciones Reales de Patrimonio Nacional, se han incorporado destacadas pinturas venidas de Europa y de América. Esta excepcional conjunción se enriquece en Madrid con la cercana presencia de sus pinturas murales en el Palacio Real.El volumen constituye un importante avance en el conocimiento del pintor y una puesta al día de las investigaciones sobre su figura y su obra, con aportaciones de especialistas que analizan su actividad en Dresde, Roma y España, su pensamiento artístico, su devoción por la Antigüedad clásica y, finalmente, con el novedoso estudio de su técnica, tanto en la pintura de caballete como en la mural.
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Obras, notas y procesos | Works, notes and processes
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¿Qué prácticas e historias convocan aquellos espacios ni del todo funcionales ni olvidados del todo, suspendidos entre el abandono y la finalización? Allí donde se interrumpe la secuencia planificación-construccióninauguración, proliferan las promesas, la especulación, el desánimo o el activismo. Estos espacios inacabados pueden cobrar una nueva vida en forma de proyecciones de futuro, recuerdos nostálgicos o formas varias de reapropiación. Lejos de un simple fracaso, cabe pensar la suspensión como un estado de contingencia y posibilidad. Su futuro es desconocido e incognoscible, pero no por ello menos material o experienciable. El carácter incierto de los espacios en suspensión —urbanizaciones truncadas, infraestructuras a medias, proyectos anunciados, pero nunca construidos— puede, de hecho, convertirse en una plataforma para la experimentación e invención de nuevos usos, significados, afectos o colectividades.
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El profesor Esteban Lorente ha realizado un trabajo sólidos y rigurosoque alude al significado profundo de la obra de arte desde unaperspectiva global histórica y artística en el ámbito del Occidenteeuropeo. Con un sentido investigador y didáctico renovador el autor nospresenta algo más que un simple manual. su vasto conocimiento en muchasparcelas del saber dota al libro de una proyección más amplia. Enpalabras de Gonzalo M. Borrás: Esta obra está destinada a convertirse enun clásico del temaDisponibilidad
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Publicar inaugura una línea editorial del departamento de Educación del MACBA surgida del día a día de las prácticas educativas en relación con el arte contemporáneo y los museos. Este primer número del Quadern d’educació abre un tiempo para pensar lo vivido, distribuir lo aprendido y contemplar la edición como práctica artística y pedagógica. De esta manera, fanzines, pegatinas, mapas conceptuales, libros-álbum y hashtags emergen como gestos que nos hacen reflexionar sobre cómo, por qué y para quién se hace público lo educativo.¿Por qué publicar? ¿Cómo hacerse público? ¿Qué se ha publicado hasta ahora? Un conjunto de ensayos propone posibles respuestas a estas preguntas. Aida Sánchez de Serdio Martín rastrea la educación en museos mediante una genealogía de pensamiento y referencias, Macarena García y Belén Soto exploran canales concretos para el «publicar». La primera con un texto que indaga en un artefacto singular, el libro-álbum desafiante y, la segunda, abre el significado del «publicar» en el contexto de internet y las redes sociales, Lluc Mayol y Alba Oller hacen un recorrido por la experiencia de Massa Salvatge con procesos editoriales entendidos como trabajos educativos o a la inversa, procesos educativos que son también editoriales, y Camila González Simon centra la mirada sobre los fanzines como medio que construye comunidad a través de lo creativo y lo pedagógico. Finalmente, un conjunto de imágenes con notas al pie, que utilizan como pretexto distintas actividades del departamento de Educación del MACBA, se intercalan a lo largo del cuaderno como herramienta de trabajo para pensar esas mismas preguntas.
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Catálogo editado con motivo de la exposición “Robert Rauschenberg: el uso de las imágenes”, del 3 de octubre de 2025 al 18 de enero de 2026La Fundación Juan March organizó en 1985 la primera exposición individual en España de Robert Rauschenberg. Cuarenta años más tarde, coincidiendo con el centenario de su nacimiento en 1925 y con la colaboración de la Robert Rauschenberg Foundation de Nueva York, esta nueva muestra vuelve sobre el artista para reinterpretar ahora su obra como una práctica esencial y estructuralmente fotográfica. Fotografiar, usar y reusar imágenes fue la manera habitual de trabajar de Rauschenberg. Este libro-catálogo recoge obras de los momentos clave de los cincuenta años transcurridos entre 1949 y 1999, caracterizados por la incorporación de fotografías en sus piezas. La sobrecubierta se ha diseñado en un plástico flexible y traslúcido, que deja transparentar la imagen de cubierta de los fotógrafos Shunk-Kender, y sobre la que se ha serigrafiado el título de la muestra (la serigrafía es una técnica con la que Rauschenberg trabajó abundantemente, también sobre plástico). La contracubierta es un homenaje al artista: en ella se reproduce el primer párrafo de uno de sus escritos, Note on Painting [Nota sobre la pintura], 1963, en el que Rauschenberg reflexiona sobre su proceso de trabajo. En él, el artista añadió, esparcidas por distintas partes del documento, palabras que nada tienen que ver con el tema que está tratando y que dificultan su comprensión: free ice [hielo gratis], ketchup, heated pool [piscina climatizada] o freightways [transporte de mercancías], por ejemplo. El juego en la contracubierta hace que, si se levanta el plástico, estas palabras, impresas en realidad sobre el papel, se independicen del escrito de Rauschenberg esparcidas sobre un fondo negro en un rauschenbergeriano orden aleatorio.
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Arte. Grandes temas Cátedra
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Ha pasado un ángel. ¿Quién no se ha quedado en silencio, la mirada perdida, ajeno a lo que le rodea, como si estuviera en Babia? Babia, El País de Nunca Jamás, la ínsula de Barataria, El País de las Maravillas, La Ciudad Esmeralda: países o ciudades a los que se sueña ir, cuyo viaje se realiza en sueños o en una ensoñación, y de los que cuesta regresar.Babia es un lugar fascinante, que atrae y atrapa. Alejado, pero no inaccesible, al que se llega a menudo inesperadamente. Por esto mismo, la reflexión sobre lo qué es el arte y la función o el sentido de la obra de arte, que requiere toda nuestra atención, con los sentidos en alerta y la mente dispuesta a descifrar las sensaciones que le llegan, exige que nos alejemos de Babia. Mas, cuando estamos atentos ante una obra de arte, nos aislamos en la contemplación de la imagen, como si la obra nos transportara a Babia. Interrogarse sobre la creación artística e interpretarla para descubrir su razón de ser y su necesidad exige, en un movimiento imposible, estar, a un tiempo, en y lejos de Babia.Babia, a lo lejos es un breviario sobre la enseñanza de la teoría del arte y la arquitectura, sobre cómo, qué y porqué se enseña a interpretar la creación humana. Comprende notas, ordenadas alfabéticamente, tomadas antes y después de las clases. El texto comenta algunos de los criterios o conceptos más habitualmente utilizados a la hora de apreciar y estudiar la creación artística, ayer y hoy, en diversas culturas. Y, al cierre del libro, asume una paradoja: el paso de un ángel, camino de Babia, acontece en silencio, dando la callada por respuesta.
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Un lúcido tratado sobre la percepción artística del niño y su evolución, en la que Lev. S. Vigotsky nos ofrece las claves para entender el despertar del niño a la imaginación y a la creatividad. Una propuesta original, un ensayo deslumbrante, imprescindible, que nos ayudará a comprender el arte y la creatividad, no solo de nuestros pequeños, sino los de todos nosotros.
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Celebre cinco siglos de creatividad femenina con este innovador estudio sobre mujeres artistas en el nuevo formato Compact.Grandes Mujeres Artistas es el estudio ilustrado más completo sobre mujeres artistas jamás publicado. Ahora disponible en un formato compacto y elegante, este volumen esencial refleja una era donde el arte creado por mujeres es más visible que nunca.Organizado alfabéticamente, el libro presenta a más de 400 artistas de 50 países de todo el mundo, cada una representada con una obra a página completa bellamente reproducida y un breve texto ilustrativo sobre su creadora. Los lectores encontrarán obras de artistas icónicas e influyentes, como Artemisia Gentileschi, Mary Cassatt, Georgia O'Keeffe, Frida Kahlo, Agnes Martin, Louise Bourgeois, Yayoi Kusama y Cindy Sherman, así como de nombres menos conocidos que merecen igualmente atención. Inspirador, impresionante y de amplio alcance, Grandes Mujeres Artistas revela una historia del arte paralela pero igualmente atractiva para una época que aboga por una mayor diversidad de voces.
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Las luchas del pasado aún contienen plusvalía partisana para hoy.Cuando el fascismo no era una amenaza parlamentaria, sino el sistema de gobierno, tomar las armas resultó la opción elegida por miles de personas. De aquella lucha total nos quedan sus fotografías desfilando, posando armadas o merendando en la clandestinidad, sus panfletos representándose como un verdadero ejército, con sus enemigos arrodillados, o realizando sabotajes y emboscadas. Las imágenes de este libro fueron producidas por quienes lucharon contra el fascismo, y hoy resultan relevantes dada la criminalización a la que se les sometió. Fueron acusados de bandoleros y terroristas, sus cadáveres eran mostrados públicamente y se reproducían las fotografías de sus rostros desfiguradosen la prensa. Décadas después, el horror ha vuelto con las imágenes de sus esqueletos exhumados de las fosas comunes, como sus verdugos lo hubieran deseado. No son esas las imágenes que se encontrarán en este libro, que rompe tanto con la criminalización como con el victimismo y apuesta por rescatar las imágenes de la guerrilla hoy olvidadas en los archivos. No es un ejercicio de memoria sino de conciencia histórica. Pero cuidado, recordar la guerrilla no es hacer la guerrilla. Los caminos del antifascismo y de la revolución no son los de elucubrar con dibujos, fotografías ni obras de arte, convirtiendo melancólicamente las luchas sociales en luchas por la memoria. Al contrario, con este libro se cuestiona si estas imágenes aún tienen la capacidad de servir como recursos de inspiración y esperanza, frente a la institucionalización y la neutralización del recuerdo.
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Libro en el que se analiza con detalle cómo se desarrolla la gestión de una gran institución como el Museo del Prado.El Museo Nacional del Prado, más allá de la excelencia de su colección, ha sido considerado en múltiples ocasiones un referente en la gestión cultural por el acierto de sus exposiciones temporales, sus cifras de visitantes, su política de adquisiciones, su presencia en las redes sociales o su innovadora página web, por citar algunos de sus principales hitos. En muy pocas ocasiones existe la oportunidad de explicar la gestión que se esconde tras esos logrados éxitos, resultado del buen hacer de todos los profesionales que conforman el equipo del museo.A través de estas páginas, el Museo del Prado, consciente de la conveniencia de compartir buenas prácticas y aprender de la experiencia diaria y ordinaria, busca reforzar su compromiso con la comunidad museística con el propósito de seguir contribuyendo a la profesionalización en la gestión de los museos. Para ello, esta publicación pone a disposición de todo interesado diferentes herramientas, aplicadas previamente en nuestra institución, que pueden ser de suma utilidad e interés.
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Los acrílicos se han convertido en el material artístico más adaptable a la era moderna. Los avances en la industria de los pigmentos han dado a los acrílicos una paleta notablemente permanente, rica y abundante, convirtiéndolos en el medio favorito de muchos artistas contemporáneos. A medida que se desarrollan los colores, también se mejoran sus componentes químicos para lograr una mejor textura y manipulación.Los vendedores de materiales de arte ahora ofrecen medios acrílicos para diluir, espesar, glasear, moldear, verter, texturizar y docenas de otros usos. Incluso los pintores acrílicos experimentados pueden sentirse confundidos e incluso intimidados por esta asombrosa diversidad de productos. El pintor y experto en materiales artísticos Rhéni Tauchid simplifica este tema desalentador, explicando claramente cada tipo de medio y sugiriendo formas en que puede mejorar su práctica de pintura.Más de veinte demostraciones paso a paso le enseñarán cómo aplicar medios para crear colores vibrantes, superficies sensuales y efectos visuales sorprendentes. Cientos de hermosas fotografías ilustran el potencial casi ilimitado de los medios y le muestran cómo otros artistas, tanto abstractos como realistas, están empleando medios para impulsar su arte en nuevas direcciones creativas. El primer libro de este tipo, esta referencia esencial pertenece al estante de todo pintor acrílico.
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Este volumen se propone como una introducción a modo de archipiélago teórico sobre una obra que no dudamos en calificar de oceánica.Hubert Damisch (1928-2017) prestó una atención constante al arte, trabajando no tanto sobre las obras sino con ellas, en la medida en que plantean problemas de interpretación que abren perspectivas singulares sobre las estructuras y el funcionamiento más íntimo de una cultura. Lejos de posiciones puristas, su empeño por constituir un espacio de interrelación entre sus estudios y el conjunto de las humanidades tendría como consecuencia una apertura hacia la sociología, la semiótica o el psicoanálisis. Damisch concebía así la historia del arte como una disciplina filosófica y desde esa posición se nos muestra como una figura clave en la formación de autores como Rosalind Kraus, Yves-Alan Bois o Georges Didi-Huberman.En formato bilingüe y coordinado por Gabriel Cabello, Sabine Guermouche y Daniel Lesmes, contamos aquí con destacados estudiosos de la obra de Damisch, como son Matthew Bowman, Elisa Coletta, Georges Didi-Huberman, Thierry Dufrêne, además de contar con la participación de Teri Wehn-Damisch en conversación con Guillermo G. Peydró, y un texto inédito de Hubert Damisch.
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El arte en juego es una colección de libros para que los más pequeños descubran el arte de los siglos xx y xxi. Página tras página, mediante imágenes, preguntas, sorpresas gráficas o juegos, se da a conocer una obra del Centre Pompidou. Es una invitación para acercarse de forma lúdica al arte actual. Como si de un decorado de ópera se tratara, David Hockney escenifica La llegada de la primavera en Woldgate en un bosque misterioso. A medida que van pasando las páginas, adoptamos la mirada de los animales que lo habitan: ¿qué ve la hormiga escondida entre la maleza? ¿Y el zorro que acecha entre los arbustos? ¿Y el pájaro posado en la copa del árbol?
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![Anton Raphael. Mengs 1728-1779 [inglés]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dwd527d740/images/large/1575831.10.jpg?sh=240 "Anton Raphael. Mengs 1728-1779 [inglés]")
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Edición a cargo de Andrés Úbeda, Jefe de Colección de Pintura Italiana del siglo XVIII y Goya del Museo del Prado, y Javier Jordán de Urríes, Conservador de Patrimonio Nacional.Inglés (también disponible en español). Rústica. 24 x 30 cm. 488 páginas.Catálogo publicado con motivo de la exposición Antonio Raphael Mengs (1728-1779), celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 25 de noviembre de 2025 y el 1 de marzo de 2026.
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Si la memoria es un elemento creativo, que constantemente genera y desmantela semejanzas, en lugar de un mero reconocimiento de lo ya conocido, entonces una gran obra de arte puede siempre parecer extraña, incluso después de un largo periodo en el que el público se ha habituado a ella hasta el punto de la indiferencia: siempre conserva el potencial de convertirse en algo nuevo, extraño y conmocionante cuando es rozada por la memoria creativa. (…) Osip Brik posee un principio rector que le indica siempre de manera infalible qué camino debe seguir: anteponer siempre lo colectivo a lo individual y lo continuo a lo discreto. Michal Mrugalski.Formalismo, productivismo, factografía es una recopilación de los escritos de Osip Brik sobre arte publicados entre los años 1917 y 1944. Los textos han sido seleccionados para ofrecer una visión panorámica lo más amplia posible de las diversas concepciones teóricas del autor, de la evolución de su pensamiento y de su interés por varios géneros artísticos, desde la poesía a la fotografía, el teatro, la pintura, la publicidad, el diseño textil y el cine.
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Una lectura política sobre la cultura com a camp de conflicte, control i resistència.Contra l’obediència. Per acabar amb els consensos de l’art és un assaig crític que analitza com l’art ha estat progressivament neutralitzat pel poder i integrat en relats institucionals que el presenten com a patrimoni, bellesa inqüestionable o espai de consens. A partir de referents de la teoria crítica, la filosofia política i la història de l’art —de Benjamin i Adorno a Rancière, Arendt o Tolstoi—, Joan Maria Minguet qüestiona la submissió cultural amb què mirem l’art del passat i denuncia el paper de museus, acadèmia i discurs patrimonial en la desactivació del conflicte. El llibre defensa el dissens com a condició democràtica i reclama una relació amb l’art no reverencial, no obedient i políticament conscient.Lluny de qualsevol nostàlgia o idealització de la rebel·lia, Contra l’obediència combina pensament teòric i casos concrets de pràctiques artístiques que incomoden el sistema i en posen en evidència les contradiccions: de l’art urbà i la performance política a formes de retirada, interferència i sabotatge simbòlic. Amb una escriptura incisiva, clara i sense concessions, el llibre interpel·la lectors del món de l’art, la cultura i el pensament crític, però també qualsevol persona interessada a entendre com es construeixen els consensos culturals, a qui serveixen i per què qüestionar-los és ara més important que mai.
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Edición en inglésNueva edición del Libro del Prado en un nuevo formato y con todas las imágenes actualizadas por el Archivo Fotográfico del Museo Nacional del Prado. El Museo del Prado es el libro definitivo para conocer a fondo la colección de una de las pinacotecas más importantes del mundo. Reúne en un solo volumen unas 400 obras presentadas al lector cronológicamente, desde las esculturas romanas hasta las últimas pinturas de Sorolla, ya en los comienzos del siglo XX. El libro propone un diálogo entre los más importantes artistas y las obras maestras que crearon, cómo unos inspiraron a otros de la misma época o posterior, los nexos existentes entre géneros y escuelas, por ejemplo entre el Renacimiento italiano y el flamenco, o entre artistas de la talla de Velázquez y Rubens, etc. Es a través de ese diálogo constante entre maestros y obras como este libro nos muestra la evolución del arte en pinturas, dibujos, esculturas y artes decorativas. Una valiosa lección de la historia del arte resumida en la colección que conserva el Prado, a su vez conformada a través de los gustos de la Corona española a lo largo de varios siglos de coleccionismo. El Museo del Prado es una publicación indispensable en la biblioteca de cualquier amante de la historia del arte, un libro con grandes fotografías que recorre una de las colecciones más impresionantes y completas del arte antiguo europeo.
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Stories presenta las voces de algunas de las principales figuras de las artes visuales y, en particular, del campo de los libros de artista. A través del diálogo, Stories busca desentrañar la historia y los problemas actuales que rodean el libro del artista, un medio que históricamente ha sido adoptado por artistas yque solo recientemente ha ganado el reconocimiento de museos y coleccionistas de arte contemporáneo. El libro incluye entrevistas con Marina Abramovic, ManuelBorja Villel, David Campany, Mariana Cook, Juan Cruz, Thomas Demand, Cai Guo-Qiang, Jenny Holzer, Cristina Iglesias, William Kentridge, Maya Lin, Óscar Mariné, Manuela Mena, Shirin Neshat, Hans Ulrich Obrist, Elena Ochoa Foster, Cornelia Parker, Thomas Struth, Richard Tuttle, Isidoro Valcárcel Medina y Ai Weiwei, entre otros.
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SI BUSCAS UNA ACTIVIDAD SENCILLA Y CONSCIENTE PARA DESARROLLAR TU CREATIVIDAD, ESTE ES TU LIBRO.Es muy fácil dibujar pequeñas fl ores con unos cuantos trazos y crear con ellas todo tipo de estampados, ramos, coronas... Todas las fl ores que encontrarás en este libro se desglosan en elementos simples que podrás reproducir sin problemas, y se acompañan de consejos para superar el miedo al papel en blanco e ideas para que puedas aplicar tus creaciones en cualquier proyecto que te propongas.Flores para dibujar paso a paso: Brezo, Espliego, Cosmos, Áster, Tulipán, Hortensia, Azucena, Paniculata, Anémona, Peonía, Maravilla, Narciso, Rosa, Margarita, Girasol, Violeta… y muchas más.
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John Berger deia que l'art no serveix per explicar el que és misteriós, però sí que serveix per descobrir-ho. En aquest llibre Josep M. Fonalleras comparteix amb el lector el que ha vist abans i després de la mirada a les obres d'art que l'acompanyen. «El Pantheon és una construcció humana, com aquell art de Rafael que suplanta la natura, va més enllà de l'evidència, crea un nou referent. S'interroga i ens interroga, forma part de les nostres vides i ens obliga a una mirada diferent. Compartida o solitària. Sortint del Pantheon, em penso que encara es pot anar al Settimio a menjar uns espaguetis amb sostre de tòfona blanca i un polsim de pecorino. No es pot exigir res més. Ni a l'art ni a la vida»
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C'est une grande date dans l'histoire de l'art que celle où la peinture cesse d'avoir un rôle cérémonial ou décoratif, mais commence, sans parti pris, à braquer sur la réalité un objectif intelligent. En ce sens, l'artiste hollandais n'est plus une volonté qui exécute un plan préconçu et qui lui subordonne les moyens et les mouvements, c'est un œil qui choisit et qui saisit, c'est un miroir qui peint, tout ce qu'il fait est le résultat d'une réflexion.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.
