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Llibres d'art
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Desde un vestido de alta costura de Dior y una Barbie adornada con rosas hasta mosaicos antiguos y tarjetas de San Valentín victorianas, esta colección curada de más de 200 impresionantes imágenes celebra la flor más emblemática del mundo. Descubra las ex
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Torna Javier Sierra amb un llibre apassionant i ple d'enigmes on es disputa quins han de ser els legítims guardians de l'art.El 1989 Javier Sierra va ser abordat a les sales del Museu del Prado per un estrany personatge que li va ensenyar a interpretar els símbols més ocults de l'art. Aquell incident va donar lloc a El maestro del Prado, on va compartir la visió d'aquell desconegut amb centenars de milers de lectors arreu del món. Sierra es va obsessionar amb aquell individu i ha passat mitja vida tractant de trobar-lo de nou. En el seu camí, ha descobert que hi ha un subtil «pla mestre» que dona a la invenció de l'art un sentit transcendental. L'art, juntament amb coneixements com l'agricultura, l'astronomia o la filosofia, ens van ser revelats per altres mestres misteriosos, els mestres instructors. Aquests tenen en comú que les seves idees han transformat la nostra espècie d'una manera profunda i irreversible. El seu particular mestre va formar part d'aquesta genealogia. Però qui són realment i quin és el seu pla per a nosaltres?
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REEDICIÓN AMPLIADA DEL PRIMER VOLUMEN DE INFORME MADELMAN! Los Madelmanes fueron durante su intensa vida un referente en el mundo de los muñecos articulados, y el sueño de miles de niños que jugábamos con ellos. Este libro recopila la información referente a los Madelman fabricados entre 1968 y 1976, el comienzo de su historia. Podréis contemplar los modelos comercializados, sus variaciones, su evolución, conocer detalles del diseño, documentos de todo tipo y la publicidad... Y también queremos homenajear a quienes participaron de algún modo en su creación y distribución. Para quienes los conocisteis, será un viaje nostálgico al pasado, y para quienes los conocéis ahora, os sorprenderéis por su riqueza de detalles y su calidad.
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Catalunya és una nació plena d història, escenari de fets importants en el vell continent europeu, lloc per on han passatdiferents civilitzacions i cultures, que han deixat una empremta palpable en la nostra geografia. El llibre que el lector téent
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El aprendizaje de la contemplación de determinadas obras de arte y la formación del gusto artístico a través de su disfrute pueden suscitar algunas preguntas. ¿Qué se sostendrá dentro de un siglo si la humanidad persiste cien años más? ¿Habrá algún canon fuera del que ordena distinguirse de los demás, de la originalidad? Los contemporáneos, ¿somos capaces de distinguir lo bello de lo bonito, la pintura del diseño? El personal recorrido de Juan-Ramón Capella da pie a reflexiones críticas como estas: sobre la mercantilización de la obra de arte convertida en objeto de inversión, los museos o las tendencias del arte contemporáneo. En su itinerario el autor deja a un lado las materias «poco gratas» a las que ha venido dedicándose (la filosofía del derecho y la filosofía política) para pensar, dice, «en las emociones que han suscitado en mí algunas obras de arte, y así rememorarlas, volver a experimentar, en lo posible, lo que sentí al contemplarlas, y compartirlo». No es este, por tanto, el libro de un especialista en las artes plásticas, sino el de un lego. Pero de un lego que «no puede soportar el mal gusto». Una invitación, en definitiva, a comprobar que no todo vale.
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A lo largo de la historia las joyas no sólo han servido como elemento decorativo fruto del despilfarro o la frivolidad con las que alimentar la vanidad humana,sino que han sido y son objetos íntimamente ligadosa la vida de las personas por otras muchas razones. Se consideran como una fuente para la explicación de la sociedad, donde aspectos fundamentales en la consecución de los acontecimientos, como las relaciones sociales, comerciales o políticas, el comportamiento delos seres humanos, las modas y las tendencias, las costumbres o la propia religiosidad, quedan perfectamente reflejados en las mismas, pudiéndose comprender sus particularidades a través de ellas. Las alhajas hanactuado como testimonio primordial de devoción paralos fieles con respecto al caso particular de las imágenes marianas, así como de la religiosidad popular vista desde un punto de vista global. Para ello el exvoto ha jugado un papel imprescindible como herramienta de correspondencia y agradecimiento al favor recibido, tras las oraciones de súplica del fiel a la imagen venerada. Estos objetos ofrecidos a María, van a ejercer de complemento a la iconografía de la Madre deDios como Reina del Cielo, que junto con sus ricas vestimentas y el resto de aditamentos y atributos propios de su poder terrenal, ayudarán a presentarnos a laVirgen en Majestad, exultante, como Mujer perfecta yModelo de creyentes. AUTOR LUIS PRIETO SÁNCHEZ, es Arquitecto Técnico y Grado en Edificación por la Universidad de Sevilla. Es Gemólogo por el Instituto Gemológico Español y Artífice joyero por vocación. En la actualidad desarrolla su actividad profesional como Arquitecto Técnico, aunque comparte con Isabel un proyecto empresarial, la firma de joyas elOribe, de la queella es su ALMA MÁTER. La marca desarrolla sus colecciones siguiendo una línea de joyería contemporánea yactual, basada en piezas de plata y piedras de color. Sin embargo, se ha especializado en la restauraciónde alhajas antiguas. Actualmente combinan este trabajo con la realización del inventariado y catalogaciónde colecciones particulares de joyas, teniendo cierto conocimiento y un gran interés por la Joyería Histórica Española en general. Además, se prestan a participar en todo tipo de actos o colaboraciones que tengan que ver con el estudio, la conservación y la divulgación del mundo de la joyería histórica, siendo autores de varios artículos de investigación al respecto.ISABEL NÚÑEZ DÍAZ es Técnico Especialista en AnatomíaPatológica y en Prótesis Dental, con Máster en Cerámica Dental. Sin embargo, desde 2005 lleva a cabo su GRAN PASIÓN como creadora y diseñadora de joyas. Paraello se ha formado como sacador de fuego y modelista,con especialidad en engaste y grabado a buril. Además, tiene varios cursos de especialización en piedrasde color y diamantes
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Fábulas, recuerdos de lecturas, imágenes y anécdotas -algunas reales, otras desplazadas o inventadas-, los textos y las historias reunidos en esta obra tienen en común el tema del retrato y las curiosas correspondencias que se han dado a lo largo de la historia entre retratistas y retratados.
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« ,La pression sentie claire et prête, la main de Manet énonçait dans quel mystère la limpidité de la vue y descendait, pour ordonner, vivace, lavé, profond, aigu ou hanté de certain noir, le chef-dÆúuvre nouveau et français. ,»a.s ideas de este genial psicoterapeuta, que no fue un recolector neutral de datos, sino un buscador de soluciones. Erickson demostró que el poder cambiar está latente en el paciente, quien tiene que ser despertado, ayudándolo a reconocerse tal cual es. Propuso la utilización de anécdotas para establecer empat¡a con un paciente y con los procesos que están o no dentro de su conciencia inmediata. En lugar de producir ericksonianos ortodoxos, muchos terapeutas de diferentes orientaciones recibieron inspiración de él, quien estimuló avances que se ramificaron en múltiples direcciones. ,s. Como en las danzas de la muerte medievales nadie se salva en este epistolario de las pasiones humanas. Y, desde luego, el toque de gracia corresponde a una ardilla.
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Considero que mi taller es como un huerto. Por allí hay alcachofas. Por aquí, patatas. Trabajo como un hortelano. las cosas lleganlentamente. siguen su curso natural. Crecen, maduran. Hace falta injertar. Así maduran en mi espíritu. En 1958 el artista
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¿Cuál es la distancia que separa una obra de arte valiosa de la que no lo es? ¿Acaso es una mera cuestión de gusto, de bagaje, de canon, de accesibilidad, de marketing? Juan Cárdenas aventura en este libro una teoría: «Todo gran arte trae consigo la marca de la ligereza». No es tan fácil distinguir lo ligero de lo pesado, pero hay algo que está claro: la fuente primordial de la ligereza es el placer. El arte da placer no porque imite a la vida, sino porque es capaz de traducir sus leyes secretas al lenguaje de las formas sensibles. Y la vida es ligera, fugaz, esquiva, grácil, vulnerable y resistente de un modo inexplicable. En su afán por desentrañar este concepto, el autor nos lleva de la mano por una serie de cuestiones esenciales para reflexionar sobre lo que hoy consideramos digno de admiración, ya sean las modas, lo militante, las inercias del mercado, la posibilidad de la utopía o el lado oscuro de uno de los mantras de la sensibilidad contemporánea: la búsqueda de la autenticidad. Un recorrido original que acaba por ser, además, una manera de esclarecer los mecanismos de su propia escritura. La precisión y la afabilidad de su prosa, la plasticidad de sus ideas y su deslumbrante capacidad para exponerlas de una forma tan sencilla como profunda hacen de La ligereza un ensayo estimulante y fértil, una grieta luminosa en el imperturbable territorio de lo mayoritario.
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Una profesora de danza se sienta ante su escritorio de madrugada para trazar su última coreografía, aquella que le permita no bailar nunca más. Ha abandonado una relación, su profesión, su posible maternidad. Propone una aventura a su madre, una mujer que una tarde decidió dejar de caminar. Un baile en forma de paseo. Ambas recorren su ciudad de provincias en dirección a oriente, hacia la luz. Conforme el viaje avanza, el trayecto se convierte en el protagonista. Un camino en línea recta que atraviesa la ciudad. Que cruza este libro. Que sigue más allá. Un libro íntimo y poético que a través de este peregrinaje nos introduce en los deseos, ausencias y penas, muchas veces no desveladas, de una madre y su hija. De trasfondo, la ciudad, el trayecto compartido, personajes que las acompañan, una historia de la danza y coreografías icónicas. Pómulo y lejanía, de movimientos suaves, es el brillante debut novelesco de la periodista y docente Stefanía Caro.
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En este polémico y desafiante conjunto de ensayos, Bourriaud construye herramientas imprescindibles para comprender las claves del arte actual.Nicolas Bourriaud, el ex director del Palais de Tokyo parisino, define el sistema de ideas y el funcionamiento de un nuevo paradigma artístico destinado a interactuar en la esfera de las relaciones sociales.Las teorizaciones que recorren «Estética relacional» surgen del conocimiento profundo de la obra de los más importantes artistas internacionales de los años noventa, hoy en plena actividad, y de exponer los principios que estructuran sus pensamientos. El libro responde, entre otras, a la pregunta «¿de dónde viene esta obsesión por lo interactivo que atraviesa nuestra época?». Uno de los motivos que deslumbran al lector de «Estética relacional» es la eficacia de estos ensayos, el modo en que se vuelven herramientas imprescindibles para comprender las claves del arte actual.
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El best seller del crítico de arte más importante del mundo: un manual que todos los artistas, expertos y aficionados deberían leer.Ingenioso, apasionado y ganador del Premio Pulitzer, Jerry Saltz -crítico de arte de New York Magazine-, es contactado a menudo por artistas, comisarios, galeristas, profesionales y todo tipo de aficionados al arte para pedirle consejos. Basándose en su experiencia durante décadas de inmersión en el mundo del arte, Jerry Saltz ha logrado reunir todas las respuestas y las ha ordenado en un manual imprescindible para defenderse en el mundo del arte. Cómo ser un artista está repleto de consejos, reglas y ejercicios diseñados para dejar atrás los bloqueos creativos, incentivar la motivación y saber cómo defender una voz y lenguaje propios. Este libro ayudará a cualquier persona creativa a trabajar sus rutinas, mejorar los procesos, entender cómo funciona el mundo del arte y lograr sus sueños.¿A qui va dirigit el llibre Cómo ser un artista?Aquest llibre s'adreça a qualsevol persona amb inquietuds creatives, tant artistes professionals com aficionats. Es presenta com una guia útil per a aquells que busquen millorar els seus processos creatius, superar bloquejos artístics i comprendre millor el funcionament del món de l'art. Independentment del nivell d'experiència, el llibre ofereix eines i consells per desenvolupar una veu artística pròpia i aconseguir els objectius professionals. Està especialment indicat per a aquells que busquen orientació i suport en el seu camí artístic.Temes que tracta el llibre Cómo ser un artistaEl llibre aborda una àmplia gamma de temes rellevants per al desenvolupament artístic. Es centra en proporcionar consells pràctics i exercicis per:Superar bloquejos creatius: L'autor ofereix estratègies i tècniques per desbloquejar la creativitat i mantenir la motivació. S'emfatitza la importància de la perseverança i la pràctica regular.Desenvolupar una veu artística pròpia: El llibre guia el lector en el procés de definir el seu estil personal i desenvolupar un llenguatge visual únic. S'anima a l'experimentació i a la recerca de la pròpia identitat artística.Millorar els processos creatius: S'ofereixen eines per optimitzar les rutines de treball, millorar l'eficiència i desenvolupar una metodologia efectiva per a la creació artística.Comprendre el món de l'art: El llibre proporciona informació sobre el funcionament del mercat de l'art, les relacions entre artistes, galeristes i col·leccionistes, i les estratègies per promocionar el propi treball.Assolir els objectius artístics: Es proporciona orientació sobre com establir metes realistes, desenvolupar un pla de treball i perseverar en el camí cap a l'èxit artístic.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre Cómo ser un artistaEncara no hi ha opinions o crítiques disponibles públicament sobre Cómo ser un artista.
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Descubre la belleza de los cambios de estación a través de la acuarela botánica. Tras el éxito de su primer libro, en esta ocasión la artista Harriet de Winton nos guía paso a paso a través de más de 30 proyectos para pintar con acuarela la belleza de la naturaleza en las distintas estaciones. Desde cerezos en flor y flores silvestres hasta ratoncitos de campo y campanillas de invierno, en este práctico libro no solo encontraremos instrucciones detalladas para pintar con acuarelas, también algunas otras maravillas que nos ofrece el mundo natural, como las recetas de pesto de ajo de oso o el delicioso licor de flor de saúco.
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L'exposició «Un altre fi. LA RESTA. Art i antifranquisme», celebrada a El Born CCM entre el novembre de 2022 i l'abril de 2023, posà l'èmfasi en la resistència cultural d'aquella societat tot reunint obres de dinou creadors contemporanis de diverses generacions que converteixen en matèria artística la memòria dels silenciats pel règim. L'art com a expressió del que no podem oblidar. L'art com a mecanisme per imaginar altres possibilitats. La publicació que teniu entre les mans és el resultat de la reflexió d'un conjunt d'autores i autors a l'entorn d'aquelles realitats que han quedat al marge de la història i sense les quals el relat històric no és complet. Són una al·lusió a les dissidències i a històries personals lligades a la fal·làcia de la transició, la pervivència de la repressió i la injustícia. La memòria històrica ens hauria de servir per suturar els nostres relats personals i col·lectius i per poder-los concretar políticament, més enllà de l'espectacle, i començar, així, a consolidar nous desenllaços.
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Una recopilación de pensamientos e investigaciones sobre las prácticas perfomativas y el mundo de la cultura contemporánea. Uno de los procesos más relevantes en el mundo de la cultura contemporánea ha consistido en el increíble auge de las prácticas perfomativas.Surgidas a mediados del siglo XX, pero con antecedentes en las vanguardias incluso antes, las performances se desarrollaron en todo tipo de espacios: calles, galerías, teatros, cines, universidades.No obstante, es muy reciente su introducción en los museos como espacios de consagración cultural.¿Qué tipo de transformaciones supone este traslado al museo de la performance?, ¿qué efectos produce en las obras y, más importante aún, hacia dónde apunta el museo de lo vivo? Nunca lo vivo ha estado tan presente en la museología contemporánea, un proceso que contrasta con la casi total desaparición de las iniciativas independientes que, hace no tanto, le sirvieron de plataforma.¿Qué modelos temporales e historiográficos permite y produce este auge del performance en el museo? ¿Es quizás el deseo de contener lo que se desvanece en el aire lo que genera nuevos modelos de mercancía fácilmente consumible, de inmediato museificable? Los seis ensayos que componen este libro abordan estas cuestiones desde diferentes puntos de vista incidiendo en la necesidad de abrir un debate que en la actualidad está modificando la concepción de las prácticas artísticas y las instituciones que las contienen.
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El primer libro de Claramore: una historia del arte contada como la Súper Pop.El arte, esa disciplina venerada por muchos, repudiada por otros tantos. El arte puede ser sinónimo de erudición, de universo intelectual, pero también puede ser emoción, historia, cultura. Lo que muchos no saben es que el arte es para todo el mundo, solo hay que encontrar la forma de entrar en él.Un Van Gogh en el salón es el primer libro de la historiadora del arte Clara González Freyre de Andrade, conocida en redes como Claramore. Contado como si fueran las páginas de la mismísima Súper Pop, la autora no deja cuadro sin artista para explicarnos múltiples anécdotas y secretos de las obras más icónicas y descubrirnos otras que nadie nos había mostrado hasta hoy. Un recorrido en el que el arte y la cultura pop conviven.Este es un libro para aprender y divertirse: conoceremos los salseos artísticos imprescindibles, las rivalidades más escandalosas entre artistas famosos, las mentes femeninas más brillantes o las obras que causaron más polémica, entre muchas otras cosas. Narrado con naturalidad y sencillez, Un Van Gogh en el salón nos permite disfrutar del arte desde la comodidad de nuestra casa.¿A qui va dirigit el llibre Un Van Gogh en el salón?Aquest llibre està dirigit a un públic ampli, interessat en l'art però que potser no se senti còmode amb els enfocaments acadèmics tradicionals. Es presenta com una opció accessible i amena per a aquells que desitgen aprendre sobre història de l'art d'una forma divertida i atractiva, sense necessitat de coneixements previs extensos. El seu estil informal i proper el fa ideal per a lectors joves, estudiants o qualsevol persona que busqui una aproximació diferent i menys formal al món de l'art. La inclusió de referències a la cultura pop facilita la comprensió i connexió amb el material per a un públic més ampli.Temes que tracta el llibre Un Van Gogh en el salónEl llibre UN VAN GOGH EN EL SALÓN explora la història de l'art a través d'anècdotes, secrets i curiositats d'obres icòniques i altres menys conegudes. Es centra en:Aspectes poc coneguts d'obres famoses: El llibre revela dades curioses i detalls ocults darrere de les obres d'art més famoses, oferint una perspectiva més íntima i humana dels artistes i les seves creacions.Rivalitats i escàndols artístics: S'aborden les disputes i controvèrsies entre artistes, mostrant el costat més humà i a vegades conflictiu del món de l'art.Artistes femenines i LGTBIQ+: El llibre destaca la contribució d'artistes dones i pertanyents al col·lectiu LGTBIQ+, contribuint a una visió més inclusiva i igualitària de la història de l'art.Context social i cultural: Les obres d'art es contextualitzen en la societat i cultura de la seva època, mostrant la influència de l'entorn en la creació artística.Art i cultura pop: El llibre estableix connexions entre l'art clàssic i la cultura popular, facilitant la comprensió i l'interès per a un públic més ampli.Desmitificació d'artistes: Es presenten alguns artistes de forma més humana, allunyant-se de la imatge idealitzada que a vegades es projecta sobre ells.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre Un Van Gogh en el salónLes opinions sobre UN VAN GOGH EN EL SALÓN són variades. Alguns lectors destaquen el seu enfocament amen, divertit i accessible, que facilita l'aprenentatge sobre història de l'art. S'elogia la capacitat de l'autora per desmitificar alguns artistes i revelar aspectes poc coneguts de les seves obres. L'estil informal i proper, amb referències a la cultura pop, és apreciat per molts. No obstant això, altres lectors consideren que algunes de les opinions feministes o les referències a la cultura pop resulten excessives o fora de lloc. Alguns assenyalen que part de la informació ja havia estat compartida per l'autora a les xarxes socials. Malgrat aquestes opinions divergents, la majoria dels lectors coincideixen que el llibre és una lectura entretinguda i interessant, que ofereix una nova perspectiva sobre la història de l'art.
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* El recurso perfecto para aquellos artistas que busquen pulir el estilo y la técnica: una guía completa para aprender a dibujar de forma rápida y segura. * Unsistema paso a paso para crear esbozos y dibujos llenos de encanto. * Incluye dibujos de hombres, mujeres, niños, ancianos, dibujos anatómicos, personas enreposo o en movimiento, desnudos y consejos prácticospara detalles como la nariz, la boca, los ojos o elcabello. Ser capaz de dibujar la figura humana de manera realista es divertido para uno mismo y para laspersonas a las que se retrata: con este libro, ¡aprenderá a hacerlo! La introducción explica los materiales, la perspectiva y las sombras correctas, el trabajo con líneas auxiliares y la estructura correcta dela imagen. ¡Además de eso! Cualquiera que pueda dibujar la figura humana con destreza querrá probar nuevosámbitos, tales como motivos sofisticados, técnicas inusuales, manga, dibujos animados y fantasía.
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Charles Darwin es conocido principalmente por su trabajo sobre la evolución de los animales, pero gran parte de su contribución a las ciencias naturales se centra en el reino vegetal. Descubre cómo se desarrollaron conceptos clave que han sido esenciales para el avance científico actual en la anatomía y funciones de las plantas. ¿Cómo se lleva a cabo la polinización? ¿Por qué trepan las vides? ¿Cuáles son los procesos digestivos que tienen que llevar a cabo las especies carnívoras? «Darwin y la botánica» recopila fragmentos de seis obras diferentes a menudo pasadas por alto, dedicadas completamente a estos seres vivos, y empareja cada extracto con ilustraciones de la biblioteca de la Fundación Oak Spring Garden, creando un bello volumen diferente a todo lo visto hasta ahora. James T. Costa, experto en historia de la ciencia y botánico evolutivo, aporta su experiencia a cada entrada, situando las palabras del célebre británico en el contexto del conocimiento y la investigación de la época. Mientras que la ilustradora Bobbi Angell acompaña cada capítulo de hermosas imágenes que reflejan la delicadeza y complejidad de los especímenes sobre los que el naturalista nos habla. El resultado es una nueva forma de visualizar el trabajo de uno de los mayores eruditos de todos los tiempos y una mayor comprensión de cómo sus hallazgos han moldeado nuestro mundo. «Una apasionada y equilibrada celebración de la obsesión por la investigación que sostuvo Darwin durante toda su vida… Costa logra su objetivo de exponer la visión del científico y la importancia que aún tienen sus métodos a día de hoy», Nature
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Una guía amena para entender cómo funciona el mercado del arteEn 2019, una tabla que una anciana tenía olvidada en su cocina de París se vendió en subasta por 24 millones de euros. La mujer pasó años sin saber que aquel trozo de madera a priori irrelevante, hoy expuesto en el Museo del Louvre, era en realidad el Cristo burlado, del pintor italiano Cimabue. Por supuesto, no es normal encontrarse con semejante tesoro en una cocina, pero es un ejemplo fascinante de la importancia de conocer, valorar y dedicar tiempo al arte. Rodeado de un halo de lujo y exclusividad, el mundo del coleccionismo se antoja inalcanzable para la mayoría de los aficionados. Sin embargo, es más accesible de lo que parece y una actividad gratificante siempre que concurran dos características fundamentales: la pasión artística y el conocimiento del mercado. María Sancho-Arroyo lleva treinta años trabajando con artistas, coleccionistas e inversores y durante dos décadas trabajó en la famosa casa de subastas Sotheby's. Desde la trastienda de ese universo de sofisticación abre la puerta a los lectores con esta guía que da acceso al rico ecosistema de ferias, galerías y colecciones. ¿Inversión o pasión? desgrana de manera entretenida los canales de venta, los secretos de la tasación, las interacciones entre los museos y el mercado, y las posibilidades del arte como bien de inversión para todos los bolsillos. Un libro, en definitiva, que busca proporcionar «las herramientas esenciales para maniobrar hábilmente en el mercado del arte y asegurar que cada adquisición sea no sólo gratificante, sino que también añada valor y satisfacción a tu experiencia como coleccionista».
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En esta antología completa de sus ensayos sobre artistas, John Bergernos revela su forma de ahondar en una obra de arte. Sus textos no solonos sumergen en la singularidad de cada creación artística, sino que vanmucho más allá y nos conducen con maestría entre lo personal, locultural y lo político. No en vano Berger es considerado uno de losintelectuales europeos más importantes de nuestro tiempo y uno de loscríticos que ha sacudido los cimientos de nuestra concepción del arte yel lenguaje visual reformulando su papel en la cultura contemporánea.En este segundo y último volumen dedicado a los artistas, el críticobritánico nos introduce en el advenimiento de la modernidad con la obrade Claude Monet hasta llegar a Randa Mdah, una artista palestina nacidaen 1983. Al igual que en el primer volumen, que arrancaba con laspinturas prehistóricas de la cueva de Chauvet hasta llegar a PaulCezánne, los ensayos han sido compilados por Tom Overton a partir de losarchivos que Berger donó aun en vida a la British Library. Del conjuntode textos se desprende nuevamente la mirada incisiva y siempresorprendente de Berger, una mirada que se materializa en una prosaigualmente directa e iluminadora. En definitiva, una ediciónimprescindible para conocer el gran legado teórico y vivencial de JohnBerger.
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? Pintar no es tan difícil como parece. Y, además, esdivertido. ? Este libro desmonta las anticuadas ideas de cómo trabajar con óleo, pintura acrílica y acuarela y le ayuda a conocer las ilimitadas posibilidades que ofrece la pintura. ? Una guía indispensable, del autor de Lea este libro si quiere hacer buenos dibujos, que ofrece consejos prácticos y claros mediantediagramas y actividades, junto a inspiradoras obrasde los más grandes pintores de todos los tiempos. Este libro se ocupa de los tres medios principales de la pintura: óleo, acuarela y acrílico, porque en realidad la pintura es pintura, da igual lo que utilice. Algunas técnicas son completamente diferentes según elmedio, pero muchas son parecidas: ningún medio es mejor que otro, solo depende de lo que quiera hacer. Pintar, más que un viaje, es una aventura. Adónde se dirija en esta aventura dependerá totalmente de usted.Se incluyen obras de los siguientes pintores: DavidHockney, Paul Cézanne, Maggi Hambling, J. M. W. Turner, Lucian Freud, Edward Hopper, John Constable, Caspar David Friedrich, Edgar Degas, Edward Lear, Claude Monet, Stanley Spencer, John Singer Sargent, Edvard Munch y Vincent van Gogh.
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El primer defensor del informalismo en España fue elcrítico de arte Juan Eduardo Cirlot. Los textos de esta antología profundizan en la obra de artistas comoAntoni Tàpies, Antonio Saura, Modest Cuixart, ManoloMillares, Luis Feito o Rafael Canogar, y de Rothko, Fautrier, Fontana o Manzoni. Cirlot esclarece las ideas que unen a artistas que en un principio parecían muy alejados los unos de los otros.
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Un maestro de la crítica nos guía por el arte del siglo XX En las críticas aquí reunidasse dan cita diversos artistas, personajes y movimientos artísticos. J. F. Yvars prodiga sus amplios conocimientos de historia del arte y ofrece una magníficaretrospectiva del arte moderno en la que nos invitaa reflexionar sobre el hedonismo y la sensualidad en la obra de Matisse, la deformación pictórica en lade Bacon, la estética visionaria de Balthus, el genio creador de Picasso o las provocaciones de Duchamp.Además, el discurso de Yvars dialoga con pensadoresde la talla de Benjamin, Adorno o Clark. Sobre el autor y su obra:«Yvars lleva más de medio siglo descifrando la experiencia estética en palabras.»ABC «Yvars no habla solo de arte, sino que lo inserta siempre en el mundo culturalcontemporáneo.»Josep Maria Castellet, El País
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Pablo Picasso fue posiblemente el artista más importante del siglo xx. Revolucionó la pintura y abrió nuevos caminos expresivos. Pero además destacó como escultor, ilustrador de libros, ceramista y grabador, incluso escribió una obra de teatro y un libro de poesía. Pocas personas de su tiempo gozaron de tanta popularidad. Su vida resulta apasionante y su asombrosa obra ha quedado para siempre. Esta caja incluye un libro en el que muestra su vida y obra, así como 40 fichas comentadas con otras tantas de sus más representativas obras.
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Cambiar el mundo, cambiar la vida'' era el mensaje utópico que el arte moderno transmitía abierta o veladamente, un mensaje que a comienzos del siglo XXI puede parecer a muchos obsoleto pero que formulado en los términos de Walter Benjamin adquiere una actualidad insospechada.A partir de ahora el lector en español dispone del texto mas completo de este ensayo de Benjamin, pues esta nueva edición recoge los principales pasajes de las diferentes versiones que resultan excedentes o divergentes respecto de la versión básica.
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¿Siempre te ha gustado dibujar y te gustaría desarrollar tu habilidad con técnica profesional? Sigue esta guía paso a paso y sorpéndete de lo que eres capaz de hacer* Repleto de ejercicios bien estructurados que le enseñarán las diversas técnicas de dibujo desde cero, muy fáciles de seguir. * Con plantillas que le proporcionan el espacio suficiente para hacer sus propios dibujos. Tómese su tiempo y siga las lecciones paso a paso, para asegurar el éxito en el aprendizaje. * Mejore sistemáticamente sus habilidades, desde ejercicios simples hasta actividades de dibujo magistrales. La gama de temas abarca desde flores, árboles, animales, paisajes y arquitectura hasta retratos y bodegones. Una obra cuidadosamente recopilada desde un punto de vista didáctico. El único requisito necesario para el aprendizaje es la paciencia para seguir esta guía de dibujo paso a paso.
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El Museo del Prado no es solamente la mejor pinacoteca del mundo es también el álbum familiar de las dinastías españolas, los Austrias y los Borbones, que han regidolos destinos deEspaña desde hace cinco siglos. En este libro, Juan Eslava Galán
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El silencio en torno a la actividad artística femenina es una realidad posterior a sus creaciones. Tras las guerras, las historias las escriben los vencedores, y los manuales de historia sólo se escribieron desde una perspectiva masculina. Pero, ¿acaso no pintarony esculpieron las mujeres de la Prehistoria? El historiador Manuel Jesús Roldán nos deja este libro a modo de pequeño gran diccionario biográfico que sigue elorillado rastro de la mujer en la Historia del Arte,desde la Prehistoria y hasta nuestros días. Ante lafamosa sentencia de Gombrich sobre la definición delArte: ''No existe, realmente, el Arte. Existen los artistas'', quizás habría que puntualizar: “Y las artistasö.
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Aquest volum inèdit aplega quinze assaigs breus de Colm Tóibín, triats d'entre els més de quaranta que ha escrit sobre artistes i les seves obres els darrers vint anys. És un llibre sobre art, especialment sobre una determinada manera de mirar i de deixar-se captivar, una manera de llegir i de narrar. Tota obra de creació, ja sigui plàstica o literària, té un punt de partida, de vegades tot just una marca en una tela o una paraula en un full en blanc, un desllorigador per deixar volar la imaginació. Miró, Calder, Barceló, Tàpies, Bacon, Arbus, Freud, Sargent, Lotto, Tintoretto, Goya... evidencien que la imaginació, quan treballa, està sempre sola, i que aquell moment inicial de concentració furiosa i única de l'acte creatiu només la intel·ligència pot decantar-lo o moderar-lo. Al prefaci que obre el llibre, Tóibín suggereix que segurament deu a la pintura el fet d'haver-se posat a escriure.Deixa't seduir per la bellesa i el misteri que s'amaguen darrere de cada pinzellada i cada obra d'art amb La mirada captiva, una col·lecció d'assajos de l'aclamat escriptor irlandès Colm Tóibín. En aquest volum, que aplega quinze textos inèdits escrits al llarg de vint anys, Tóibín ens convida a un viatge íntim i personal per l'univers de la creació artística. No es tracta d'un manual d'història de l'art, sinó d'una exploració apassionada sobre l'acte de mirar, de deixar-se atrapar per una imatge i de com aquesta experiència pot transformar la nostra percepció del món.Amb una prosa elegant i propera, l'autor ens guia a través de les vides i les obres de grans mestres. Des de la relació entre Miró i Calder fins a la intensitat de Bacon o la carnalitat de Lucian Freud, passant per la genialitat de Goya, Tintoretto o Tàpies. Tóibín s'endinsa en el moment precís de la creació, aquell instant de concentració furiosa on l'artista es troba sol davant la tela en blanc, donant forma a la seva imaginació. És una reflexió profunda sobre com neix l'art i com, a través de la seva mirada, podem connectar amb les emocions i les circumstàncies vitals dels creadors. El mateix autor suggereix al prefaci que, probablement, va ser la pintura el que el va impulsar a començar a escriure, una confessió que revela la profunda connexió entre les diferents formes d'expressió artística.A qui va dirigit el llibre La mirada captiva?Aquesta obra és ideal per a qualsevol persona amb sensibilitat artística, ja siguin amants de la literatura, la pintura o simplement curiosos per entendre el procés creatiu. No cal ser un expert en art per gaudir d'aquests assajos; només cal tenir ganes de descobrir una nova manera de mirar i d'apropar-se a les obres amb una perspectiva fresca i humana. És un llibre perfecte per a lectors que busquen una lectura estimulant, que combini la profunditat de l'assaig amb el plaer d'una narració propera i personal.Temes que tracta el llibreLa mirada captiva explora una sèrie de temes interconnectats que giren al voltant de l'art i la seva relació amb la vida:El procés creatiu: Tóibín analitza l'instant solitari i decisiu en què l'artista inicia la seva obra, explorant la barreja d'imaginació, intel·ligència i emoció que defineix l'acte de crear.La relació entre art i vida: El llibre indaga en com les circumstàncies personals, les amistats i el context històric dels artistes, com la relació entre Miró i Calder, influeixen directament en les seves creacions.L'acte de mirar: Més enllà de la tècnica, l'autor posa l'accent en la importància de la mirada de l'espectador, en com ens deixem captivar per una obra i en la narrativa que construïm a partir d'aquesta experiència.Anàlisi de grans artistes: S'ofereixen radiografies humanes i artístiques de figures clau com Francis Bacon, Lucian Freud, Goya i Diane Arbus, entre d'altres, des d'una perspectiva íntima i reveladora.El simbolisme del color: Un dels assajos més destacats explora la història i l'evolució del color blau, des de l'antiguitat fins a l'actualitat, en un text que combina l'erudició amb el relat autobiogràfic.En general, la crítica coincideix a descriure La mirada captiva com una col·lecció d'assajos d'alt voltatge que, amb un estil vigorós i accessible, aconsegueix apropar el lector a l'art d'una manera sorprenent i profundament humana.
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El título Siempre rojo no implica que nunca fuera a cambiar. Quería decir con ello que nunca comprometería mi oposición a la cultura y la sociedad burguesas. Publicados por primera vez en 1960, los ensayos reunidos en este libro fueron escritos entre 1954 y 1959 en forma de artículo para la revista marxista New Statesman, con la que John Berger colaboró durante más de una década. En evidente oposición al gusto burgués -de ahí el título-, el crítico de arte nos acerca de forma íntima y cálida a varios artistas, algunos de ellos minoritarios o desconocidos en ese momento, para hablarnos de sus dificultades y sus luchas, sus éxitos y sus fracasos. Una nueva mirada muy lejana a la de la historiografía convencional de quien comprende el arte y el artista en el contexto cambiante de la historia.
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En esta historia alternativa del «largo siglo XX», Raunig analiza las concatenaciones entre arte y política, desde la Comuna de París de 1871 hasta las turbulentas protestas contra la globalización en Génova en 2001, pasando por Sergei Eisenstein, Bretch y Benjamin, los situacionistas, el accionismo vienés y el teatro transgresor del PublixTheatreCaravan, con una coda hasta el 15M y las acciones feministas de la última década. En esta investigación sobre qué ocurre exactamente cuando durante cierto tiempo se desarrollan zonas de solapamiento entre las máquinas revolucionarias y las máquinas artísticas (sobre qué ocurre a lo largo de la línea de fuga de arte y revolución), siguiendo el arte de fabricar conceptos preconizado por Deleuze y Guattari, Raunig desgrana momentos en los que arte y revolución se suceden sin apenas contacto, otros de concatenaciones negativas de oposición y momentos en los que priman las relaciones jerárquicas de subordinación. Son las concatenaciones transversales, cuando los métodos de la acción política y la práctica artística se infiltran mutuamente y se solapan temporalmente, las que pueden poner en marcha un devenir revolucionario, una máquina revolucionaria con todos sus componentes de resistencia, insurrección y poder constituyente. Y es que al analizar las concatenaciones de arte y revolución, Raunig despliega además una propuesta concreta de revolución, una que no se limita a la toma del Estado, a partidos que se convierten en aparatos del cierre de la revolución en las instituciones: la música de la revolución social se empieza a tocar en el terreno maquínico-social y consiste en recolectar y ensamblar, inventar y componer socialidad, cooperación social, ecología social.
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En la intensa diversión que ofrecía París a finales del siglo XIX, encontró Toulouse-Lautrec su tema favorito: la fiesta de los music-halls, cafés, cabarets, casas de citas y circos las mujeres que daban vida a todos esos lugares: bailarinas, cantantes,
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Moriremos mirando recoge todos los textos del fotógrafo Alberto García-Alix, escritos entre 1987 y 2020, que abarcan diferentes géneros e intenciones: guiones, ensayos, cuentos, reflexiones y artículos sobre las grandes pasiones que le han acompañado la fotografía, los amigos, las motos, los tatuajes, la música, que conforman una obra marcada por un sangrante carácter autobiográfico. Más de 50 textos que van desde su primera colaboración en la revista Sur Exprés hasta el guion del vídeo De donde no se vuelve, pasando por los ensayos escritos para sus libros o sus textos para la revista El canto de la Tripulación. Un volumen imprescindible para conocer esta faceta del artista, un pacto con la palabra que corre paralelo a su evolución como fotógrafo.
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Per mitjà de breus anotacions -sovint tan sols per mitjà d'enginyosos aforismes-, Valéry ens convida en aquest llibre a una festa per a l'intel·lecte, un lluminós estat de la qüestió sobre la nostra civilització,sobre l'evolució o el retrocés intel·lectual de la humanitat i, principalment, sobre el paper de la literatura en la formació de l'esperit de les persones.
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Le peintre inquiétantLes superstitions, les peurs, les follies, les hallucinations qui hantèrent les cerveaux flamands et brabançons à la fin du Moyen Âge n’empêchèrent pas chez eux — constatation étrange et d’apparence paradoxale — l’esprit caustique et gouailleur.La complète expression de cette mentalité, nous la trouvons dans les œuvres de Jérôme Bosch qui la reflètent, dans son incohérence, avec la fidélité d’un miroir.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.