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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
![Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [castellano]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dw57853e1c/images/large/1531933.94.jpg?sh=240 "Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [castellano]")
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Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [castellano]
Eclecticismo, acumulación, superposición, relación, celebración… estas son algunas de las palabras que sirven para describir la publicación de Jordi Colomer (Barcelona, 1962). Jordi Colomer. Façana Foto Festa Futur Fideus (Fachada Foto Fiesta Futuro Fideos) hace un recorrido por el universo artístico y vital del artista a través de unas sesenta obras que van desde finales de los años ochenta hasta la actualidad y que se materializan en forma de esculturas, collages, fotografías, instalaciones, vídeos y acciones en vivo.El libro incluye una selección de textos de Elvira Dyangani Ose, Martí Peran, Benedetta Casini, Ignasi Duarte, Carolina Olivares y Núria Gómez Gabriel, que ayudan a poner el foco en diferentes aspectos de su práctica, y reúne una amplia selección de imágenes de las acciones y obras del artista, así como vistas de sus diferentes instalaciones. La intención final es conseguir dinamitar el orden cronológico de la narrativa y establecer una contaminación de relatos que ayuden a entender su universo.La publicación consta de tres ediciones separadas en catalán, castellano e inglés.
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A Catalunya, durant la Guerra Civil espanyola, un reduït grup de polítics, tècnics i amants de l'art van maldar per salvaguardar el patrimoni cultural dels perills de la revolució i de la guerra, van ser els nostres Monuments Men. Un d'ells va ser Joaquim Folch i Torres, en aquells moments director general dels Museus d'Art de Barcelona. El llibre que teniu a les mans se centra en la seva estada a París entre el febrer de 1937 i el setembre de 1939, enviat per la Generalitat republicana per organitzar L'Art Catalan du Xe. au XVe. siècle, dues exposicions temporals celebrades al Jeu de Paume i al palau de Maisons-Laffitte que van mostrar al món les obres més significatives de l'art medieval català. Durant aquesta llarga estada parisenca, l'historiador de l'art i museòleg barceloní mantingué contactes amb persones vinculades als sollevats, que de res li van servir en tornar a Catalunya el setembre de 1939: la dictadura li va aplicar la trilogia de la repressió franquista, que el va acusar del delicte d'auxili a la rebel·lió militar, el condemnà a una pena de tres anys de presó menor i l'obligà a jubilar-se amb només 55 anys.
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Materialidad y técnica
El estudio autónomo del objeto de arte se remonta al siglo XVIII europeo cuando quedó fijada la expresión ''bellas artes'', pero desde mediados del siglo XX ha sido progresivo el desplazamiento hacia el estudio del contexto. En consecuencia, sin dejar de apreciar el valor estético, la obra de arte se entiende como un artefacto cultural resultado de la materia (prácticamente toda obra de arte posee un cuerpo material), de la técnica (el conocimiento de las destrezas y herramientas para trabajar la materia en ese constante devenir de incorporación de nuevos materiales y tecnologías) y del comportamiento del artista. La riqueza que ofrece esta nueva aproximación es la que ha hecho posible este libro en el que se trata de la técnica y la materia como una metodología para conocer el modo de hacer, la práctica artística en su devenir como conocimiento heredado y transmitido donde tienen lugar las rupturas, cambios e innovaciones en los usos de materiales y herramientas, novedades que se incorporan a su vez enriqueciendo el legado.
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Athanasius Kircher
Athanasius Kircher (1601-1680) es uno de los últimosgrandes ejemplos del sabio universal que domina todaslas ciencias de su época y el más característico delsiglo XVII. En sus obras abarca temáticas tan diversas como la egiptología, la sinología, el magnetismo,la vulcanología, la óptica, la mecánica, la acústica,la lógica combinatoria y la scientia universalis.
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Rembrandt Seguido De Chardin Y Rembrandt
En estos textos Marcel Proust (1871-1922) se vale dedos artistas para ilustrar lo que para él son los fines del arte: enseñar a mirar lo que nos rodea con frescura y admiración, sabiendo hallar su belleza ocultaincluso entre los sencillos objetos, y el poder delgenio para crear con sus pinturas un cosmos cerrado yperfecto.
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Códice Maya de México: entendiendo el libro más antiguo que ha sobrevivido de la América precolombina
Los antiguos escribas mayas registraron profecías y observaciones astronómicas en las páginas de libros pintados. Aunque la mayoría se perdieron por descomposición o destrucción, se sabe que sobrevivieron tres códices mayas prehispánicos cuando, en la década de 1960, un cuarto libro que difería de los demás apareció en México bajo misteriosas circunstancias. Después de cincuenta años de debate sobre su autenticidad, investigaciones recientes utilizando análisis científicos e históricos del arte de vanguardia determinaron que, El Códice Maya de México, (anteriormente conocido como Grolier Codex) es de hecho el más antiguo libro de las Américas, anterior a todos los demás, al menos doscientos años. Este volumen proporciona una introducción multifacética a la creación, descubrimiento, interpretación y autenticación científica del Códice Maya de México. Además, un facsímil a todo color y una guía página por página de la iconografía hacen que el códice sea accesible a una amplia audiencia. Los temas adicionales incluyen los usos y la importancia de los libros sagrados en Mesoamérica, el papel de la astronomía en las antiguas sociedades Mayas, y la continua relevancia del códice para las comunidades mayas contemporáneas.
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Marias, entre la adoración y el estigma
Se focaliza el discurso histórico-artístico en la representación visual de mujeres, cuyos comportamientos han sido codificados comomodelos de moral cristiana, desde unamirada androcéntrica.
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Falsificaciones y fetiches
El objeto, o el discurso, que no se ajusta a lo que debería ser, que es manipulado, desviado y modificado, es muy típico de los tiempos que nos ha tocado vivir. Muchos aspectos culturales, estéticos o, simplemente, vitales de nuestra época parecen, en efecto, estar atrapados en un proceso, más o menos voluntario y generalizado, de adulteración y falsificación.
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El retorno de lo real
Tras los paradigmas del arte-como-texto de los años setenta y el arte-como-simulacro de los ochenta, Hal Foster sostiene que somos testigos de un «retorno de lo real», un retorno del arte y la teoría que buscan asentarse en los cuerpos reales y en los sitios sociales.A lo largo de sus páginas se presenta una lectura original del arte y de la teoría de las últimas décadas, con especial atención a las polémicas conexiones entre ambos, al tiempo que reflexiona sobre la relación entre las vanguardias históricas y las neovanguardias. El resultado es una genealogía acreditada del arte y la teoría desde el minimalismo y el pop hasta el presente.Como señala Miguel Ángel Cajigal en el prólogo que ha preparado para esta edición conmemorativa, este libro clave de la historiografía artística contemporánea «se afirma como una lectura comprometida del arte, sus tensiones y conflictos, que se consolida como testimonio fundamental en la historia del arte de aquel tiempo en el que quisimos ser modernos».
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Orgullo y prejuicios. En torno al arte de las mujeres
Lejos de quedarse en la queja o la constatación de cómo las mujeres fueron excluidas sistemáticamente de la esfera del arte a lo largo de siglos de desdén y dominio patriarcal, las dos autoras de este volumen van más allá: no solo nos explican con extremo rigor y documentación de qué forma precisa se llevó a cabo este «ocultamiento de la voz femenina en la historia», sino que nos ofrecen, con propuestas concretas, hacia el presente y el futuro, la manera en que a partir de ahora deberían organizarse y plantearse las cosas para que la igualdad real de los seres humanos artistas se haga posible, desterrando prejuicios, paternalismos, concesiones caballerosas y principios de autoridad masculinos. El reto es «elaborar modos, clasificaciones y jerarquías que todavía no existen». Hay mucho de reparación sanadora en este libro, pues, como se dice, no está guiado solo por un afán intelectual, sino también por un empeño ético.
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La imagen digital
En la televisión, en la cabina de los jets, en las salas de cine, en los quirófanos, los estudios de arquitectura y los laboratorios de física, las imágenes digitales son omnipresentes. Han revolucionado las formas de representación del mundo y la mirada que ponemos sobre las cosas y nuestro entorno. Transforman las artes plásticas, el cine... Este libro nos enfrenta a cuestiones sobre el modo de fabricación de las imágenes digitales y sus campos de aplicación. Su lectura no requiere de conocimientos en informática y su ambición es la de otorgar las claves necesarias para ayudar a comprender la nueva cultura visual, y permitir una reflexión estética y epistemológica.
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Mueca:s
En este libro queremos mostrar las maniobras de un tipo de escritura fusiforme y quizá, inesperada. Formado por un conjunto de conversaciones entre docentes, investigadorxs y estudiantes, el resultado es un texto multiforme donde las experiencias singulares y subjetivas, y las propuestas desde lo individual y lo colectivo, se ponen al servicio de la discusión sobre metodologías torcidas en el ámbito de la investigación en estudios culturales y artes visuales desde perspectivas críticas (feministas y cuir/queer/kuir).El libro no pretende ser un vademécum metodológico (¡sería una contradicción!). Al contrario, se expone al debate y busca propiciar otras contra-fabulaciones que cuestionen los dogmas de la academia desde sus entresijos. Su estructura se compone de seis gestos que dan buena cuenta de la heterogeneidad de nuestras muecas. La introducción, presentada como desmarque teórico, transparenta las costuras que sostienen la propuesta. A esta la siguen una conversación tentacular con diez extremidades, un texto escrito a cuatro manos, una tentativa al fracaso atomizada en cinco vivencias, un boomerang que va y viene entre los saltos de sus jugadorxs, y una ficción especulativa a cinco voces.La lectura puede empezar por cualquier lado. También puede terminar en cualquier momento. Esperamos que este modo de exposición logre, como los cuerpos fusiformes, desarrollar su capacidad dinámica, y que nuestra resistencia atraviese, al menos, la pulpa de la celulosa.
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Artesanía de China
En Artesanía de China podemos encontrar la larga historia de los objetos artesanos, desde las piezas laqueadas, pasando por hermosos ropajes y adornos con piel de pescado, elegantes cerámicas tricolor hasta las espléndidas telas estampadas al índigo, bolsas perfumadas... Paseo por los cuatro puntos cardinales.
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La nostalgia de la belleza
La nostalgia de la belleza reúne varios ensayos del escritor napolitano Raffaele La Capria, recientemente fallecido a los 99 años. El derecho a no renunciar a un ideal de Belleza en el arte, a reivindicar cierto sentido del límite, junto a su defensa apasionada de la nostalgia por una Belleza natural maltratada, desaparecida, arrasada, constituyen el núcleo sensible del libro.Porque la de La Capria no es la vieja añoranza de los románticos: «Es una nostalgia que sirve para armar la memoria contra la resignación, es un combustible para alimentar la no adaptación. Es una nostalgia que sabeque las ciudades, las costas, los ríos, los paisajes, los cielos, los mares y las tierras han cambiado y se han degradado, y que la vulgar adaptación de los no-nostálgicos encuentra normal esta catástrofe. Contra este desencanto empuño mi nostalgia».
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Cuadernos de La Alhambra 46-47
Este número doble de la revista ''Cuadernos de la Alhambra'' reúne los trabajos relativos al extenso programa de intervención en el patio de los Leones. Este proceso, necesario por el delicado estado de conservación en que se encontraba, se inició en 2002 con la restauración del león número 4, tras una profunda investigación histórico-documental del espacio y la aplicación de una metodología científica, que permite garantizar su preservación.La nueva entrega de la revista parte de una exposición del proceso de intervención, a la que complementan un estudio de la evolución de la imagen de la fuente de los Leones, y de su iconografía e iconología, que tiene en la documentación gráfica histórica y en las fuentes escritas un fiel testigo de la transformación de su fisonomía.
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Accesus ad veritatem
Una corriente oculta de pensamiento ha avivado las llamas de la creatividad y del arte durante siglos, impulsando la creación de obras que conectan y dialogan con distintas ramas del conocimiento esotérico y de la filosofía oriental. Accesus ad veritatem nos ofrece una puerta privilegiada de entrada a estas fuentes de inspiración y reflexión, mediante un abanico de estudios que arrancan en la primera mitad del XIX (con la figura visionaria de William Blake) hasta llegar a los últimos compases del siglo XX (con la inspiradora combinación de tecnología y Budismo Zen en la obra de Nam June Paik).Entre medias, Iñigo Sarriugarte alumbra la estrecha conexión de las Vanguardias Históricas con la teosofía y la antroposofía, el potente vinculo de ciertos artistas con el ámbito de la mediumnidad y el espiritismo, o la atrevida exploración de la cuarta dimensión en el Cubismo o en el legado de Mondrian o Malevich. Además, este volumen ilustra la continua experimentación de otros muchos creadores, marcados por la interrelación del arte, la ciencia y la espiritualidad. Y ofrece también una aproximación a la pintura sanadora de Emma Kunz, el chamanismo performativo de Joseph Beuys o el influjo determinante del pensamiento oriental en el movimiento Fluxus, entre otros.
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Posmo
En enero de 2015, a Iván de la Nuez le fue extendido en La Habana, desde los Servicios Necrológicos de una funeraria, su certificado de defunción. Un hecho insólito, atribuido a un «error burocrático». Después del shock inicial ,¿cómo se puede salir del país estando muerto, qué mente enferma es capaz de fraguar una broma así, cómo «volver» legalmente a la vida?
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Sorolla a través de la luz (exposición Valencia)
Esta nueva muestra sobre el pintor Joaquín Sorolla ofrecerá una combinación inédita hasta ahora y que se ensaya aquí por primera vez: una exquisita selección de un interesante conjunto de pinturas originales -muchas de ellas pertenecientes a colecciones particulares y, por tanto, apenas vistas antes- y los nuevos formatos de exposición que, utilizando los recursos técnicos de última generación -multipantallas LED y realidad virtual- sumergen al visitante en un espectáculo de imágenes en movimiento y sonidos que amplían e intensifican el efecto sensorial de la pintura y nos permiten viajar cien años atrás a la época del pintor. Ninguna otra pintura podría prestarse mejor a esta fusión que la de Sorolla, que tiene en la luz y el color su principal soporte.
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Utagawa Hiroshige (1797-1858) fue uno de los últimos grandes artistas de la tradición japonesa del ukiyo-e. La palabra significa literalmente «pinturas del mundo flotante» y designa un género artístico que floreció entre los siglos xvii y xix y simbolizó la imagen de Japón en el mundo occidental. Las escenas del ukiyo-e, que en muchos aspectos eran de tipo hedonista, representaban a menudo la brillante luminosidad y las atracciones de Edo: mujeres hermosas, actores y luchadores de sumo, la vida urbana y panorámicas espectaculares.Pese a abarcar una gran variedad de temas, Hiroshige se hizo famoso sobre todo por sus paisajes. De hecho, su obra maestra fue una serie de grabados conocida como Cien famosas vistas de Edo (1856-1858), que reproduce varias escenas de la ciudad en el curso de las estaciones, desde las animadas calles comerciales hasta las espléndidas huertas de cerezos.Esta reimpresión, encuadernada en tradicional estilo japonés, está compuesta por una de las mejores series de xilografías originales completa perteneciente al Ota Memorial Museum of Art en Tokio. Cada una de las 120 ilustraciones viene acompañada por una descripción que permite a los lectores sumergirse en estas hermosas y vibrantes vistas que se convirtieron en paradigmas del japonismo e inspiraron por igual a artistas impresionistas, postimpresionistas y del art nouveau, desde Vincent van Gogh hasta James McNeill Whistler.
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Color y significado
¿Es el color tan sólo una reacción psicológica, o una pura sensación física? ¿Tiene un efecto en nuestros sentimientos o estados de ánimo? John Gage examina desde una perspectiva nueva y extraordinaria el fenómeno del color, convencido de que, como el lenguaje, es un hecho históricamente determinado cuyo significado reside en los diversos contextos en los que se experimenta e interpreta. Así, su erudita investigación-ilustrada con más de cien imágenes, treinta y siete de ellas en color-abarca temas tan diversos como las mezclas ópticas en una técnica como el mosaico, la simbología medieval de los colores, la sintaxis de los colores y sus usos en Latinoamérica en tiempos de la conquista, la temprana historia de la óptica y el prisma, o las ideas sobre el color en la obra de Goethe y Runge, Blake y Turner o Seurat y Matisse. Un texto lleno de ideas, tan esencial como ameno.
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Esta é a historia dunha escola que se propuxera ser o xerme dun novo mundo, dun xeito diferente de entender e aplicar a arte as nosas vidas. Pero, sobre todo, é a crónica das mulleres da Bauhaus, fundamentais para alentar o ímpeto revolucionario co que naceu e a intensidade duns ideais que eran rompedores para a época.
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Imagínatelo
Las poderosas ideas de Bang respecto al efecto que tiene la composición de las imágenes sobre nuestras emociones y la manera como una obra de arte logra contar una historia, permanecen insuperables por su simplicidad y genialidad. ¿Por qué las diagonales transmiten tensión? ¿Por qué las curvas tranquilizan? ¿Por qué el rojo se siente cálido y el azul frío? Publicado inicialmente en 1991, Imagínatelo ha cambiado la manera en que ilustradores, especialistas, críticos y lectores observan y comprenden el arte visual.
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Pechos
Tirando de inocencia podríamos sorprendernos de que los pechos sigan recibiendo todavía tantos tabús, fantasmas, estereotipos, obligaciones sociales...Los pechos femeninos saturan el imaginario y, sin nunca confesarlo, son el eje de mil representaciones interesadas que participan en objetualizarlos y reprimirlos, dejándolos al margen de una dinámica de liberación que sin embargo sí parece haber llegado a otras partes del cuerpo. Camille Froidevaux-Metterie apostará aquí por sacarlos del ocultamiento, conversar abiertamente sobre ellos, retratarlos, pensarlos. Desde la experiencia directa de una cuarentena de mujeres, desde los 5 hasta casi los 80 años, revisitaremos la corporeidad de nuestra existencia, su inalienable materialidad, su sorprendente variabilidad, tanto entre diferentes personas como en un solo cuerpo a lo largo del tiempo. Desafiaremos aquí cualquier prohibición de mostrar y hablar de tetas, pezones y areolas. Tetas como rostros que condensan el conjunto de la experiencia vivida de lo femenino , pechos como un paisaje desde el que reconstruir nuestra historia de sometimiento y desde el que forjar también una historia colectiva de liberación.
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Apocalipsis. Alberto Durero
Este cuidado Art Book incluye la explicación detallada de cada una de las 15 xilografías del Apocalipsis (Incunable n.º 1 de la Biblioteca Nacional de España (BNE)) a cargo de Concepción Huidobro Salas. En la parte final del libro se reproducen, en alta resolución, todas y cada una de las imágenes, que permiten maravillarnos de la genialidad y la perfección técnica de Alberto Durero, todo ello apoyado por el texto correspondiente que refleja el momento. El complemento perfecto a esta obra obra especial, impactante, tanto por la iconografía como por la forma de presentarla, haciendo una crítica de los poderes fácticos tanto políticos como religiosos.
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¡Maldita pintura! 1001 ideas para amarla y entenderla
¿Eres una de esas personas que se sienten perdidas en un museo o entre las piezas de una exposición? ¿No sabes qué mirar cuando miras un cuadro? ¿En qué consiste un comisariado? O, si te gusta pintar, ¿acaso no has sentido pánico frente al lienzo en blanco? ¿Es necesaria la técnica? ¿Es el arte una mera construcción intelectual? ¿Dónde quedan las sensaciones? ¿Me gusta, no me gusta...? ¿Lo entiendo o me emociona? ¿Cómo miran el mundo los y las artistas? Este libro atesora respuestas para quienes se hacen estas preguntas, para todos y todas las que intuyen que algo interesante y atractivo sucede más allá de la imagen evidente, bajo la última capa del cuadro. Aun así, no esperéis en estas páginas un libro de instrucciones, ni pautas a seguir, ni obligaciones que asumir, ni fechas, nombres o acontecimientos que recordar. Simple y llanamente, encontraréis sugerencias que estimulan y facilitan la experiencia y el conocimiento de la pintura. Una bendita y placentera maldición, de la que no podemos ni queremos escapar.
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L'artista sud-africà William Kentridge no es refia d'aquells que abracen cegament les pròpies certeses sense tenir en compte els dubtes i les paradoxes. L'ambigüitat i les contradiccions són al centre de la seva obra, que ha crescut i s'ha transformat al ritme de la polièdrica Sud-àfrica. El setembre del 2020, la periodista Gemma Parellada va entrevistar William Kentridge al seu estudi de Johannesburg amb motiu de l'exposició que l'artista preparava per al CCCB. Kentridge va parlar de segregació, de les repercussions del colonialisme i de la lluita antiracista, dels desequilibris i dels abusos de poder, del privilegi i del paper de l'art a l'hora de repensar els relats dominants.
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Assaig teatral on es recrea un programa radiofònic habitat de personatges que repassen algunes de les obres de Txékhov per esbrinar si, més de cent anys després, ens hem acostat a aquest futur meravellós que presagiava l'escriptor.
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No es sólo rock & roll
«Vamos, caballeros, vuestro amor es todo lo que ansío. Estaréis todavía en el circo cuando yo esté riendo, riendo en mi tumba». Estos versos quedarían plasmados para la posteridad en Memo From Turner donde un joven Mick Jagger reflejaba, ya a finales de la década de los sesenta, su estrategia para mantenerse en el negocio de la música. Era perfectamente consciente de que, en el momento en que la legión de seguidores que arrastraban no se sintiera identificada con la imagen de su grupo, todo se vendría abajo. Los Rolling Stones se mostraron siempre al público como triunfadores de clase media, de aires gamberros, hastiados de sexo y drogas, que rompían con ello las pautas establecidas para alcanzar tal estatus, sirviendo así una identificación fantasiosa y narcisista a la vez. Incluye unos apéndices con las portadas y las canciones de todos los singles y LPs de los Rolling Stones publicados en España, además de un repaso a todos los conciertos ofrecidos en nuestro país (incluyendo canciones, número de asistentes, precios...). Un libro con el que más allá de análisis sociológicos, el coleccionista disfrutará.
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Tocar el mundo
A estas alturas es difícil decir algo original sobre la pintura. Pero sí es posible, en un momento en el que muchos de los discursos en torno al arte se han vuelto indescifrables, decirlo, al menos, de una forma clara. En la pintura figurativa, la comprensión venía dada por el objeto representado, ya fuese un retrato, un paisaje, una escena bíblica o mitológica o una naturaleza muerta. Bastaba con identificar el tema para entenderla. Pero la pintura moderna, en particular la abstracta, ha roto con todas estas pautas. Siguiendo a Marcel Duchamp, que criticaba a los «artistas olfatorios» –aquéllos atraídos por el olor de la pintura al óleo–, ésta busca desmarcarse de la concepción tradicional del arte. Pero ¿cómo definir entonces esa pintura moderna, la pintura de la abstracción? Trabajar en lo abstracto es, aunque resulte paradójico, trabajar lo concreto. La abstracción no puede servirse del efecto espejo propio de la pintura de la representación, ni recurrir a la rápida corriente de comprensión que se crea entre el autor y el espectador ante pinturas como las de Hopper, Magritte o Warhol, en las que encontramos un reflejo del mundo y de nosotros mismos. Sin el efecto espejo, la obra es un objeto en sí mismo, y es el objeto en sí, no las imágenes que en él aparecen, lo que debe impresionarnos. La pintura abstracta ha de ganarse, no sin dificultad, nuestro interés. Pero ¿cómo? ¿Basta con que nos atraiga estéticamente o existen otros criterios que debe cumplir para ser considerada «arte»? Dice Eugenio d’Ors que hay cuadros que parecen responder inmediatamente a nuestras preguntas. No es el caso de los abstractos: Rothko, Miró, Stella no pintaban para satisfacer nuestro deseo de comprensión instantánea. Si embargo, prescindiendo del lenguaje de la crítica, los comisarios de exposiciones y los directores de museos, podemos concentrarnos en indagar en la expresión del arte mismo, en aquello que nos dice la obra del artista.
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Lo que hacen los artistas
Desde que nuestros antepasados dibujaran los primerosbisontes sobre una piedra o hicieran sonar por primera vez una flauta de hueso, no hemos dejado de cuestionar qué es y para qué sirve realmente el arte. Milesde años después, la pregunta sigue en el air
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Otra historia del arte
La Historia del Arte con uno de los grandes divulgadores de España: @ElBarroquista. Cualquiera que haya visitado un museo o haya hojeado un libro sobre arte habrá escuchado o leído frases rimbombantes y categóricas como «Nos encontramos ante la gran obra maestra del siglo XX», «Este artista es un genio» o «Aquella pintura cambió el mundo». Esta concepción de la creación artística -basada en la aceptaciónde un canon preestablecido que privilegia unos estilos específicos y encumbra unas firmas concretas-, lejos de favorecer el aprendizaje y hacer el arte más accesible, ha encorsetado el placer del público generaly ha condicionado su gusto. En este libro, elhistoriador del arte Miguel Ángel Cajigal Vera -conocido como El Barroquista en su labor divulgativa- propone una nueva manera de acercarnos a esta disciplina y nos invita a disfrutar del arte sin prejuicios y con total libertad. Otra historia delarte es un ensayo estimulante que nos abre las puertas al museo particular del autor, donde conoceremos historias fascinantes y obras personalísimas, como las de Maurizio Cattelan, Teresa Margolles, Piero Manzoni o Fiona Banner, junto a piezas muy reconocidas de Guo Xi, Frida Kahlo o Artemisia Gentileschi. Y tras finalizar la lectura comprenderemos por qué no pasa nada si no nos gustan Las meninas.
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Nueva Babilonia
El artista holandés Constant Nieuwenhuys (1920-2005), conocido simplemente como Constant, concibió entre 1956 y 1974 una de las utopías más audaces del siglo XX. Su proyecto ''New-Babylon'' esbozaba el sueño de un hábitat artificial para una humanidad nómada, completamente libre para vivir donde quisiera y como quisiera. En esa sociedad liberada de la necesidad de trabajar gracias a las máquinas, los neobabilonios podrían dedicar todo su tiempo al juego y al desarrollo pleno de su creatividad. Con este nuevo diseño se superarían los problemas derivados de la concepción de las ciudades y de los dos sistemas económicos enfrentados del capitalismo y el ''socialismo real''. Esta original utopía, que desafiaba todas las convenciones del urbanismo y de la arquitectura de su época, creció en el clima idealista de los años sesenta y tuvo mucho que ver con los intelectuales que inspiraron la revuelta estudiantil de Mayo del 68. Constant plasmó su idea en una extensa obra artística, pero también en un manuscrito que había permanecido inédito hasta ahora y que se publica por primera vez, en castellano, con un estudio introductorio que lo sitúa en las coordenadas de su tiempo. Sin duda, muchas de las ideas que plantea siguen siendo válidas en nuestros días.
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En busca del pueblo
El mapa de nuestras ciudades está repleto de museos que contienen las más diversas colecciones de objetos, obras de arte y especímenes. Separados por disciplinas y prácticas, son un fiel reflejo del modo en el que los Estados de la Europa colonial, confiados en el libre intercambio de ideas y la necesidad de espacios de socialización (y civilización) de los pueblos, fragmentaron y ordenaron saberes, sujetos y cosas.Tomando como base el estudio de las colecciones de veintitrés museos de Madrid, Aurora Fernández Polanco y Pablo Martínez proponen una arqueología de la modernidad a partir de aquello que se muestra (y se oculta) en las colecciones públicas. Confiados en que no existen «ni museos pequeños, ni grandes hombres», elaboran una historia del arte «desde abajo», orientada a desvelar las narrativas latentes en imágenes y objetos aparentemente marginales. En un contexto de embates contra la memoria y discursos monolíticos sobre el pasado, este libro aporta una mirada inédita sobre una de las instituciones más importantes en la configuración de la esfera pública. Más allá de los museos de la capital, este apasionante ensayo escrito a cuatro manos invita a desafiar los relatos de autoridad heredados, a detenerse en los objetos aparentemente irrelevantes y a construir, en definitiva, otras formas de mirar.
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El arte de entender el arte
Un acercamiento al caprichoso mundo artístico para que todos podamos disfrutarlo. ¿Qué es el arte, dónde puedo encontrarlo? Cuando lo tengo delante ¿cómo se supone que debería mirarlo? Kate Brian es una adicta confesa al arte y lleva más de veinte años trabajando en el sector. Sin embargo, antes de ponerse a estudiar Historia del Arte en la universidad, solo había estado en una galería en dos ocasiones y no tenía ni idea de que estaba a punto de adentrarse en un mundo elitista. Ahora, su misión es ayudar a todo el mundo a acercarse al arte. Ya sea escuchando música, cocinando, leyendo, comiendo platos deliciosos o viendo películas, hacer o contemplar arte es algo que debe enriquecer nuestras vidas. En El arte de entender el arte encontrarás una ingeniosa vía para acercarte al universo artístico con tus propias reglas. Descubrirás dónde encontrarlo y cómo entenderlo, así como indicaciones sobre cómo disfrutar de obras tan conocidas como la Mona Lisa. Aprenderás también a poseer arte y a desarrollarlo en casa, y encontrarás buenos consejos para orientar una carrera como artista e, incluso, para hacer que tu perro parezca más culto. El arte de entender el arte ofrece arte a todo el mundo de una manera entretenida. El libro cuenta con ilustraciones inéditas de David Shirgley, un grandísimo artista con los pies en la tierra.La crítica ha dicho «Igual que la comida, el arte cuenta con esa maravillosa capacidad de traernos alegría. Kate es la perfecta profesional que nos ayudará a todos a desarrollar una relación más estrecha con el arte». Jamie Oliver «Toda una lección de arte en un solo libro. Escrito con un lenguaje accesible, nos explica la belleza que tiene el arte y nos enseña a hacerlo y a disfrutarlo. Es lo que el mundo del arte necesita». Philippa Perry «Un texto increíblemente maravilloso para aprender a disfrutar del arte. Un libro sorprendente, fácil de leer, que sitúa el arte en nuestras vidas, nuestras cabezas y corazones». Richard Curtis«El libro que tienes en tus manos contiene una serie de claves luminosas hacia las infinitas puertas del mundo del arte». Es Devlin «El arte es una parte fundamental de estar vivo, y el libro de Kate ayuda a todo el mundo a relacionarse con él». Russell Tovey, actor y presentador de Talk Art «La guía definitiva para no verte intimidado por el mundo del arte y los artistas. Un libro que nos brinda incluso algo más importante: alegría». Maria Balshaw, directora del Tate
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Pablo Rubens (1577-1640). De él salieron cuadros enteramente suyos (los más valorados por el propio pintor y por sus contemporáneos) y otros que son el resultado de diversos grados de participación de los miembros de su taller en el proceso creativo.En el libro se explica la mecánica de la colaboración del maestro con sus ayudantes y se analizan las diferencias que permiten distinguir los cuadros originales de Rubens de los de taller.A cargo de Alejandro Vergara, jefe de Conservación del Área de Pintura flamenca y escuelas del Norte. El libro incluye una conversación entre el pintor Jacobo Alcalde Gibert y Alejandro Vergara sobre la forma de pintar de Rubens y su colaboración con los ayudantes.
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En este libro se recorre la trayectoria de Choi Ok Yeung, prolífico artista coreano, quien interpreta el paisaje de forma espiritual para traspasar los límites del arte convencional y de los espacios artísticos tradicionales. Para Choi, el paisaje es su taller en el que reinterpreta la naturaleza para, finalmente, volver a ella.Un ciclo regenerativo permanente que expande los límites y difumina los bordes del arte más ortodoxo. Las series que contiene este libro abarcan escultura, pintura, dibujo, obra pública y Land Art, todas atravesadas de intensidad y espiritualidad.• Un libro especialmente atractivo para amantes del arte oriental contemporáneo.• Con textos del crítico de arte Christian Viveros-Fauné.
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