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Llibres d'art
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Este volumen recoge una amplia selección de obras maestras del Museo de Arte Moderno de París, que conforman un espectacular recorrido por las vanguardias artísticas del primer tercio del siglo XX. Las obras, que pueden verse en el Museo Guggenheim Bilbao entre febrero y mayo de 2022, abarcan distintos movimientos: desde el fauvismo y el cubismo, que revolucionaron a principios de siglo la representación tradicional del paisaje, la figura o la naturaleza muerta, hasta el surrealismo, que en los años 20 reivindica el inconsciente, el azar y los sueños frente al orden y la razón. Sin olvidar la llamada Escuela de París, formada por los artistas que llegaron a la capital francesa en el periodo de entreguerras atraídos por su efervescencia cultural y que contribuyeron a la eclosión de una nueva escena artística. El fauvismo continúa la estela del impresionismo y el puntillismo, deshaciendo las formas en colores muy vivos, y entre sus representantes encontramos en el libro a Vlaminck, Derain o Matisse. El cubismo, que nace por el empeño de Picasso y Braque de representar la realidad bajo multitud de ángulos a la vez, se representa con obras de estos artistas junto a las de Juan Gris, Natalia Goncharova, Delaunay y Léger. De la Escuela de París, están presentes artistas rusos como Marc Chagall o Chaïm Soutine, búlgaros como Jules Pascin, italianos como Modigliani o Gino Severini, españoles como María Blanchard, holandeses como Kees Van Dongen o japoneses como Leonard Foujita. De la etapa del surrealismo y los años posteriores encontramos obras de Man Ray, Max Ernst, Francis Picabia, Wilfredo Lam, Claude Cahun, Vera Pagava o Léonor Fini. Así, el conjunto de obras recogidas en el libro conforma un recorrido imprescindible e inolvidable por uno de los periodos más fascinantes en la historia del arte
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Esta es la crónica de una mudanza. Del texto a la acción. De la página al cuerpo, de la palabra al espacio, de la frase al suceso, de la ficción a la vida escenificada. Este sugerente libro es un ejercicio de crítica de arte que es una obra de arte que se puede leer como una novela. Al recorrer sus páginas nos encontramos ante el campo expandido de una literatura sin palabras, habitado por las obras y semblanzas de personajes (¿escritores o artistas visuales?) como Vito Acconci, Ulises Carrión, Sophie Calle (fabulada por lanarración del escritor Paul Auster), Marcel Broodthaers y Öyvind Fahlström, a los que se suma la propia autora, Verónica Gerber Bicecci, que nos entrega un mapa y una genealogía con las que descubrir nuevas maneras de recorrer el lenguaje y sus orillas.
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y la celebración de la belleza». Preocupado desde siempre por las relaciones entre el hombre y la indagación artística en cualquiera de sus disciplinas como una vía hacia el conocimiento, nos propone esta vez un viaje a través de veintidós estaciones, en las que nos encontraremos, entre otros personajes y lugares, a Miguel Ángel, Honoré de Balzac, Goethe, Lucrecio, Dante, Thomas Mann, Víctor Hugo, Montaigne, Shakespeare, Durero, Picasso, Nietzsche, Rilke, Dostoievski, Mantegna, la Cappella Sansevero, la nave Soyuz, la piedra del escultor, lo espectral, las montañas o el silencio. Un libro lleno de ecos convocados con sabiduría por uno de nuestros escritores más brillantes.
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En este libro se muestra la capacidad compositiva de la improvisación libre y se describen otras cualidades que desarrollan los músicos y artistas que la practican. Es un intento de equilibrar la balanza entre la improvisación libre y la composición escrita, recuperar el valor que se le ha negado a la improvisación. A través de los escritos de diferentes autores, de las entrevistas personales a un número importante de compositores e improvisadores del panorama internacional, así como del análisis de su experiencia práctica (las relaciones entre la improvisación libre/composición y el free jazz, la poesía escénica, la sensibilización artística de personas con discapacidad intelectual y las orquestas de improvisadores), Chefa Alonso investiga las similitudes y diferencias entre la improvisación libre y la composición escrita. La historia musical occidental se ha centrado en las composiciones escritas y ha sobrevalorado la importancia de la partitura, que ha terminado por convertirse en el objeto central de la actividad musical oficialmente reconocida. Por otro lado, es comprometido estudiar y analizar algo que no está escrito, es difícil entender comportamientos donde las reglas no son transparentes, como es el caso de la improvisación libre. El mundo académico infravalora la formación de los improvisadores y desconfía de los resultados musicales de una negociación artística y social espontánea que implica tolerancia y habilidad para tomar decisiones dentro de un contexto colectivo. Las razones que justifican el rechazo de la improvisación no están basadas en cuestiones de “forma” o de “poética” musical, sino que obedecen más a prejuicios ideológicos derivados de condiciones históricas y sociales.
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Paul Durand-Ruel (París, 1831-1922) es el marchante de arte que, ayudando a su padre, difundió las obras de los pintores de 1830 (Delacroix, Courbet, Daumier...) y de la Escuela de Barbizon (Corot, Millet, Diaz...), que, solo y asumiendo grandes riesgos, apostó por los Impresionistas (Monet, Pissaro, Manet, Sisley...) y que, junto con sus hijos, internacionalizó la difusión de la pintura francesa.
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From 1964 to 1974 Lygia Clark and Hélio Oiticica, had an extraordinary correspondence which has now been translated into English.
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Nuestra casa debería ser siempre nuestro hogar, transmitir lo que somos y aportarnos esa seguridad de estar en nuestra ''zona de confort''. Sin embargo, a veces vivimos en continua pelea con nuestro lugar de descanso, intentando adaptarnos a sus limitaciones y deseando otro espacio mejor o más grande. Este libro te enseña todos los trucos para conectarte emocionalmente con tu hogar y crear espacios adecuados y perfectos para ti partiendo de distintos supuestos. Partiremos de todos los casos, desde cómo elegir el lugar donde construir una casa, qué mirar cuando vas a comprar algo ya construido o cómo modificar tu propio hogar, cuando ya lo tienes. Con sencillos pasos y trucos, Kike te da las claves para que algo tan sencillo como cambiar un mueble o usar un color en un espacio concreto, pueda cambiar la percepción de las cosas y hacerte sentir más feliz y a gusto en tu casa.
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¿Por qué los niños del pasado nos parecen tan distintos a los del presente?, ¿por qué no sonríen en sus retratos?, ¿qué relación tenían con sus progenitores? Este libro pretende responder estas y otras muchas preguntas, acercando al lector a la historia de la infancia en España durante la Edad Moderna y a los cambiantes modos de representarla. En quince capítulos se abordan distintas infancias: niños nacidos con anomalías, niños pertenecientes a la familia real, niños aristocráticos, niños de familias humildes, huérfanos o incluso, tristemente, niños esclavos. Aunque se utilice el plural neutro en aras de facilitar la lectura todos esos grupos están atravesados por el género, pues nunca fue la misma infancia para ellos que para ellas. A través de imágenes de todo tipo de soportes y medios (estampas, pinturas, medallas, exvotos, etcétera) y una gran riqueza de fuentes textuales (literatura, prensa, correspondencia o escritos médicos y pedagógicos, entre otros), Gemma Cobo explora las distintas dimensiones vinculadas a la infancia, como el embarazo y la lactancia, el traje infantil, el juego, la educación, las relaciones familiares o la muerte. A través de todas estas cuestiones se rastrean, pese a los cambios en los modos de representación, continuidades en la realidad que subyace a la imagen: en aspectos positivos como es el amor hacia los más pequeños, pero también en aquellos más negativos como es la instrumentalización de la infancia.
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Este libro propone un delicioso recorrido sobre numerosos temas relacionados con el arte: paisajes, edificios arquitectónicos, esculturas, pinturas, fotografías y diseños. Y aunque en estas páginas no se pretende demostrar nada, sí se ponen en cuestión recalcitrantes lugares comunes sobre el interminable debate entre (la mal llamada) abstracción y la figuración. Todas las obras de las que aquí se habla, sin complejos ni cortapisas, son obras muy amadas, y todas ellas son figurativas o son objetos útiles (o ambas cosas a la vez), pues, como señala Oscar Tusquets: En el arte no figurativo no consigo encontrar, por mucho que me esfuerce, el amor, el sexo, el pecado, la divinidad, la amistad, el paso del tiempo, la muerte, el humor, los recuerdos fugaces... en fin, todo lo que me apasiona y me ayuda a seguir viviendo». Insistiendo (que no repitiendo) en las ideas estéticas que el autor ha defendido siempre en sus libros, esta obra se combina con las imágenes y comentarios incluidos en la atractiva serie Art with Oscar que la fotógrafa Eva Blanch comparte en Instagram.
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¿Hacia dónde camina el museo del siglo XXI? Este ensayo hace un breve repaso de los orígenes y evolución del museo clásico desde el siglo XVIII al XXI. En ese recorrido se centra en la trasformación de la institución museística de templo de la cultura en centro que compite con el resto de la oferta de ocio de su ciudad, desdibujando los ideales que lo sustentaron en origen, mermando el potencial de comunión sublime que puede ofrecer el gran arte, y rindiéndose, además, al poder, las exigencias y manipulaciones de los nuevos cánones imperantes.
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Pablo Picasso fue posiblemente el artista más importante del siglo xx. Revolucionó la pintura y abrió nuevos caminos expresivos. Pero además destacó como escultor, ilustrador de libros, ceramista y grabador, incluso escribió una obra de teatro y un libro de poesía. Pocas personas de su tiempo gozaron de tanta popularidad. Su vida resulta apasionante y su asombrosa obra ha quedado para siempre. Esta caja incluye un libro en el que muestra su vida y obra, así como 40 fichas comentadas con otras tantas de sus más representativas obras.
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El museo occidental es un campo de batalla ideológico, político y económico. Mientras que hoy día casi todo el mundo quiere ''repensar el museo'', pocos tienen la audacia de cuestionar los presupuestos mismos del museo universal, producto de la Ilustración y del colonialismo, de una Europa que se presenta como guardiana del patrimonio de toda la humanidad.Recorriendo la historia del Louvre, discutiendo los callejones sin salida de la representación de la esclavitud y examinando los intentos fallidos de subvertir la institución museística, Françoise Vergès esboza un horizonte radical: descolonizar el museo significa poner en marcha un programa de desorden absoluto, inventar otras formas de aprehender el mundo humano y no humano que alimenten la creatividad colectiva y devuelvan la justicia y la dignidad a las poblaciones desposeídas de ellas.
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La Madonna Sixtina (1514) de Rafael Sanzio es uno de los lienzos más sugerentes del Renacimiento. Las misteriosas miradas de la Virgen y el Niño han venido interpelando a los espectadores, suscitando las más diversas lecturas. ¿Cómo interpretar tamaña belleza e inocencia? ¿Son esas miradas el fruto de la desolación o la asunción del destino trágico humano?El cuadro está expuesto en la Galería de Dresde, y allí acudió, de manera preferente, buena parte de la inteligentsia rusa de los siglos XIX y XX, para la cual esas miradas ayudan a entender el sentido de la trascendencia o la ausencia de la misma, a la vez que permiten aproximarse a la comprensión de los aspectos más cruciales de la realidad, entre la desolación y la belleza. Gentes ateas como Herzen y Bakunin, y teólogos como Serguei Bulgakov y Pavel Florensky han dejado su testimonio. El cuadro de Rafael subyugó obsesivamente a Dostoievski e irritó a Tolstoi… Algunos intelectuales alemanes dejaron también su interpretación al respecto, como es el caso de Schlegel, Richard Wagner o Nietzsche.Al fin de la Segunda Guerra Mundial el cuadro fue “raptado”, ocultado por los soviéticos y devuelto al cabo de los años a Alemania. Antes fue expuesto en Moscú, donde mereció un amplio abanico de comentarios, llegando incluso a compararse las miradas de la Madonna y el Niño con las de algunos de los supervivientes de los campos de concentración nazis.
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Sirva Picasso para recorrerlo con la pregunta que rige estas páginas: la que indaga en las fuerzas con las que la pintura conquista su saber más propio —ni recibido ni transferible—, el que consiste en resistirse con furia y determinación al sentido verbalizado. ¿Qué saben, entonces, las obras de Picasso de tal modo que su voluntad de poder radique en no prestarse a decirse? Saben poseerse en sus fuerzas páthicas, trágicas, plásticas. Tres nociones —y tres regímenes sucesivos en el conjunto de su obra— referidas a cómo aprenden a hacerse presencias. Para confrontarse con las mañas del usurpador, para «quitarse de encima» —pintar para quitar— cuanto no contribuya a la culminación plástica de las líneas, las formas, los colores, arrancando las figuras a la figuración, para conseguir que los profanadores permanezcamos fascinados y ofuscados, rebajados a no poder entender. Las imágenes emergen, así, plenas de insolencia, soberbias, vengadoras, dionisíacas, demoníacas, destructoras del sentido y sus distancias. Enloquecedoras de todo atisbo de racionalidad definitoria. Heráclito, Aristóteles, Kant, Nietzsche, Bachelard, Deleuze, Lyotard…, nos prestarán sus útiles para merodear el corpus ingente de Picasso, resultando de estos encuentros entre lo plástico y los teóricos una potencia inexpugnable, dichosamente ajena a las retóricas del museo. Un Picasso imprevisto.
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* ¡Acompañe a Leila Duly en su paseo por el bosque! * Una apacible travesía a lo largo de las estaciones, en primavera, verá como emergen los primeros brotes, resplandecen las hojas y los pájaros se muestran laboriosos en la construcción de sus nidos. En verano, los paisajes están repletos de flores silvestres, follaje y polinizadores que se mueven, revolotean y zumban por el bosque. * Ejemplos otoñales en los hongos, el musgo, las bellotas y las inflorescencias, con criaturas forestales en búsqueda de alimento en la cosecha de la naturaleza. Y finalice con el aire frío del invierno y atractivos adornos de brillantes piñas y bayas. Celebre la gama cromática de la naturaleza durante todo el año y haga suya la profunda calma del bosque con estas obras hechas a mano, para colorear y valorar, acompañadas de hermosa poesía. El verde es gala y ornato del bosque en la primavera. Entre sus siete colores brillante el iris lo ostenta. Las esmeraldas son verdes, verde el color del que espera y las ondas del océano y el laurel de los poetas. Rimas y leyendas, Gustavo Adolfo Bécquer
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Una exploración de las ideas, las técnicas y las creaciones que han marcado el devenir del arte desde la prehistoria hasta nuestros días. ¿Cuál es la diferencia entre una pintura del barroco y una del rococó? ¿A qué movimiento pertenecen Los Nenúfares de Monet y Los Girasoles de Van Gogh? 50 cosas que hay que saber sobre arte es una perfecta introducción al conocimiento sobre movimientos, simbología y artistas más destacados de la historia del arte. Un libro indicado para aquellos incapaces de discernir entre un Degas o un Monet o entre Dalí y Duchamp, y que te sumerge de lleno en la historia de la disciplina, desde la prehistoria al tiempo presente.
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Desde adorables mascotas hasta animales exóticos, Lorna Scobie te ayudará a capturar toda la maravilla del reino animal en cada página. Descubrirás los consejos y trucos de Lorna para crear animales llenos de energía y personalidad, sea cual sea tu nivel de habilidad artística. Ya sea que quieras crear una jirafa usando un collage, dibujar a tu gato dormido o pintar algunos pingüinos, Lorna te inspirará a encontrar al artista que llevas dentro y, lo más importante, ¡a divertirte un montón mientras lo haces! De la creadora de 365 Días de Arte.
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¿Qué ocurre cuando nos detenemos ante un cuadro? En las salas del Museo del Prado se conservan algunas de las obras más extraordinarias de la historia del arte. Millones de personas las contemplan cada año. Pero comprender una pintura va mucho más allá de conocer su autor, su fecha o la historia que representa. Alejandro Vergara, conservador del Museo del Prado, invita al lector a recorrer 18 obras maestras para descubrir cómo mirarlas y, sobre todo, cómo disfrutarlas. Con una escritura cercana y una extraordinaria capacidad para hacer accesibles las grandes ideas de la historia del arte, nos acompaña en el fascinante recorrido que va de observar un cuadro a comprenderlo. De Van der Weyden a Goya, de Rubens al Bosco o Velázquez, cada capítulo revela cómo los pintores dialogan entre sí a través de los siglos y cómo la pintura transforma la realidad para hablarnos de la belleza, la emoción y la condición humana. Lejos del manual académico y también de la divulgación superficial, este libro comparte el conocimiento y el entusiasmo de quien lleva toda una vida conviviendo con estas obras y quiere transmitir al lector el mayor de los placeres: descubrir que cuanto más entendemos un cuadro, más intensamente lo disfrutamos.
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La cerámica es, quizá, el tipo de objeto que más representa la evolución cultural del ser humano, que a lo largo de los milenios ha ido plasmando en ella sus necesidades, sus conocimientos técnicos y sus ideales estéticos. A lo largo de este trabajo intentaremos desentrañar las causas que impelían a una persona a decidir uno u otro destino para sus recipientes de cocina agrietados o su vajilla de lujo rota o desportillada. También desvelaremos las distintas técnicas y materiales que han llegado hasta nosotros, estableciendo una clasificación y tipología mediante la que podamos comparar e identificar nuevos hallazgos.
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¿Qué es un comisario de arte? Una aproximación lúdica y divulgativa a partir de la vida y la obra de algunos de los artistas más destacados del siglo XX. Si como decía Joseph Beuys todo el mundo es artista, ¿también todo el mundo es curator? ¿Qué es un curator, un comisario de exposiciones? ¿El comisario es un autor? ¿Y qué tipo de autor es?David G. Torrres, profesor y comisario, propone diversos recorridos por el arte contemporáneo desde el advenimiento de la modernidad en un libro ameno y sugerente en forma de collage de historias e itinerarios. Y desvela que tal vez todos han sido comisarios.En sus páginas van asomando Baudelaire el paseante de la ciudad, Marcel Duchamp frente a Picasso, Joseph Beuys desnudo en una playa africana, Michel Foucault consumiendo LSD en el Death Valley, Guy Debord el visionario alcoholizado, un Pollock enfadadísimo y Niki de Saint Phalle disparando alegremente a sus pinturas, el rostro siniestro de Carl Andre frente a Ana Mendieta, Carolee Schneemann, Marjorie Strider, Tracey Emin, Chiara Fumai y un Francis Bacon que dijo aquello de que pintar es una forma de comunicarse y una forma de hacer amigos a través del tiempo y el espacio.
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«Nunca he escrito un libro con mayor sensación de urgencia.» Alfaguara recupera esta joya del ganador del Premio Booker John Berger, uno de los autores fundamentales de la literatura contemporánea. Así define el gran John Berger El tamaño de una bolsa, una de sus obras más lúcidas y conmovedoras, hoy más pertinente que nunca: «La bolsa en cuestión es una pequeña bolsa de resistentes. Una bolsa se forma cuando dos o más personas se ponen de acuerdo y se unen. Se unen para resistir contra un nuevo orden económico mundial que no puede ser más inhumano. Nos reunimos tú --el lector--, yo y todos aquellos de quienes se habla en los ensayos que contiene este libro: Rembrandt, los pintores de las cuevas rupestres, un campesino rumano, los antiguos egipcios, un experto en la soledad de ciertas habitaciones de hotel, unos perros en la media luz del crepúsculo, un locutor de radio. Y este intercambio refuerza inesperadamente nuestra convicción de que lo que está sucediendo hoy en el mundo es perverso y que las explicaciones que se nos suelen ofrecer al respecto son un montón de mentiras. Nunca he escrito un libro con mayor sensación de urgencia». En la cubierta de esta edición se reproduce un dibujo inédito que el propio Berger regaló a su traductor al alemán Hans Jürgen Balmes: tan personal, único y expresionista como cada página de este libro excepcional. Reseñas:«Una de las voces esenciales para comprender el estado de nuestra sociedad [...]. Combina a la perfección compromiso y reflexión.»El Confidencial «Un autor esencial. [...] Una mirada humanista, rebelde y serena al mismo tiempo, la de un renacentista.»Pedro Antonio Curto, El Comercio «Fue la voz de los frágiles, residuos del mundo moderno a los que su obra otorgó dignidad de reyes.»Javier Rodríguez Marcos, El País «Su obra parece labrada con una precisión de relojero, y una intimidad que podría confundirse con ternura.»The New York Times Book Review «Desde D. H. Lawrence no ha habido un escritor como Berger, capaz de ofrecer al mundo tal atención sobre los problemas humanos más disímiles, con una sensualidad que no renuncia a los imperativos de la conciencia y la responsabilidad.»Susan Sontag «Fue el Leonard Cohen de otra clase de rotunda melancolía: la de la tristeza (social, íntima) que provoca el auténtico saber en mitad de la sociedad capitalista de fauces abiertas y hambre incansable.»Diego Medrano, El Comercio «Los libros de Berger poseen la peculiar cualidad de parecer libros solo por azar. Hechos de palabras, las portan, sin embargo, con indulgencia, casi a regañadientes, como si igual pudieran estar hechos de lienzo y pintura o, aún mejor, de polvo y paja, barro y hueso.»Herald Tribune «Un faro de luz tenue pero inagotable, constante, esperanzada.»Àlex Susana, Ara
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En estos textos Marcel Proust (1871-1922) se vale dedos artistas para ilustrar lo que para él son los fines del arte: enseñar a mirar lo que nos rodea con frescura y admiración, sabiendo hallar su belleza ocultaincluso entre los sencillos objetos, y el poder delgenio para crear con sus pinturas un cosmos cerrado yperfecto.
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Inspirado en el libro del Génesis, cuenta el mito originario de Urizen, encarnación de la sabiduría convencional y de la ley, creador de un mundo de alienacióny opresión en el que, tras sucesivas caídas, acabaránaciendo la forma humana y con ella la promesa de laemancipación y la revolución.El libro tendrá ocho ediciones distintas entre 1794 y 1818, todas ellas iluminadas a mano por el propio Blake, con ese lenguaje visual plano que anticipa la libertad expresiva del arte contemporáneo.
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Cuando la armonía y la composición estética se unen a sesgos de género, procedencia o clase social, modelan inconscientemente nuestra mirada. Deconstruir estas imágenes nos permite ver que hay otros modos de composición, otros encuadres y planos que forjan una realidad más amable con los otros, compartida. No solo la creatividad de las mujeres ha sido ignorada y expropiada, sino que siglos de educación visual han jerarquizado nuestros modos de ver, acostumbrándonos a identificar lo vertical, ordenado y heroico con lo sólido, duro, seco y masculino y lo blando, horizontal, fragmentado, húmedo y subalterno con lo femenino. Este libro reivindica la necesidad de una alfabetización visual que nos enseñe a ver ''más allá'' para liberarnos del relato artístico hegemónico. Y, como alternativa, nos propone un encuentro con la práctica artística y un conocimiento del proceso de creación incluyente, cognitivo y corporal, sensorial, contextualizado. En suma, deconstruir el arte violento para reconstruir el arte como vinculación humana.
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LA EXPERIENCIA DE UNA APERTURA RADICAL DEL HORIZONTE POLÍTICO COLECTIVOEn 1993 un grupo de personas okupa todas las casas de la calle londinense Claremont Road, tratando de evitar su demolición para construir una carretera. El lugar se llena de elementos estéticos que en el momento del desalojo se vuelven barricadas. En 1995, también en Londres, el colectivo Reclaim the Streets comienza a organizar grandes fiestas callejeras ilegales. Durante un breve espacio de tiempo, se instauran un régimen de absoluta gratuidad y creatividad colectiva. Este tipo de celebraciones van a ir creciendo hasta confluir a finales de la década en el movimiento antiglobalización. En mayo de 2011, una multitud toma la plaza madrileña de la Puerta del Sol, llevando a Europa una forma de proceder que viene directamente de la Primavera Árabe. La Acampadasol configura toda una ciudad dentro de otra, con sus puestos de enfermería, su huerto o su Comisión de Artes.Utopías artísticas de revuelta trata de analizar la dimensión estética y utópica de diversas formas de activismo comunitario. En el libro puede verse cómo, en ocasiones, el sueño social se manifiesta de forma física, en contextos de confrontación política. Cómo, a veces, lo artístico puede ser el lenguaje en el que se expresa la voluntad de cambio colectivo, la posibilidad de afrontar de otros modos y maneras nuestra vida en común.
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La exploración de Kader Attia sobre las complejidades de la experiencia poscolonial resuena con las discusiones contemporáneas sobre identidad cultural y narrativas históricas.Las exposiciones en el MUAC de Ciudad de México y en el Museo Amparo de Puebla presentan un enfoque artístico multidisciplinario, ofreciendo instalaciones, esculturas y obras multimedia. muac.unam.mxSus obras han sido exhibidas en importantes instituciones internacionales como el MoMA de Nueva York, el Tate Modern de Londres y el Centre Pompidou de París, reflejando su influencia global y la relevancia universal de sus temas. Durante años, Kader Attia ha investigado cómo las sociedades comprenden su historia, especialmente en relación con experiencias de privación, supresión, violencia y pérdida, y cómo estas experiencias influyen en la evolución tanto de naciones como de individuos, todos entrelazados por una memoria colectiva. Su obra articula erudición y crítica, al adentrarse en la experiencia poscolonial y revelar los vínculos profundos entre trauma y estética en la historia moderna. Attia desafía las visiones convencionales sobre culturas, tradiciones y objetos, proponiendo la reparación como una fuerza social y estética fundamental dentro del entramado global. Este catálogo de la exposición presenta una narrativa concisa pero profundamente sugestiva del trabajo más reciente del artista, atravesada por una lectura político-teológica del concepto de modernización. A través de sus obras, Attia entrelaza historias que abordan cuestiones tan diversas como el animismo o las formas de creatividad que emergen en contextos marcados por la colonización. Estas piezas evocan imágenes de redención provenientes de múltiples tradiciones espirituales, al tiempo que desmantelan críticamente los mitos fundacionales de la modernidad.
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La valoració i la percepció simbòlica que se li concedeix a l'art romànic català ha viscut canvis substancials des de finals del segle XIX a l'actualitat. La Renaixença va marcar l'inici d'un interès creixent per posar en valor l'estudi del patrimoni romànic, considerat el bressol de la nació. Des d'aleshores, aquest estil ha viscut un procés de patrimonialització constant, entès com l'apropiació simbòlica d'una determinada manifestació artística en clau identitària. Però més enllà de constituir una font d'identitat, actualment el romànic és un patrimoni amb un «principi d'ús», al qual la societat atorga diferents valors: artístic i estètic, de commemoració o de memòria, històric, econòmic, cognitiu, pedagògic, espiritual i fins i tot terapèutic. Aquest llibre vol resseguir els episodis més importants de la història del patrimoni romànic català, com ara la descoberta, la salvaguarda i la diàspora, l'interès del col·leccionisme americà, la turistització, els agents socials i institucionals, i el paper dels museus i les noves tecnologies,temes que ajudaran a entendre perquè encara avui, el romànic català és objecte de desig.Es tracta d'un relat sobre la construcció social del patrimoni, que explora la relació entre la història i la memòria, en el que s'aborden diversos aspectes de l'ús públic del passat.
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El museo como espejo del alma humana En los gabinetes de curiosidades del Renacimiento y en las vitrinas de los museos contemporáneos late una misma pregunta: ¿qué significa reunir, ordenar y mirar el mundo? En Museología, Adalgisa Lugli nos invita a pensar el museo no solo como un lugar donde se conservan objetos, sino como un espacio donde la humanidad se contempla a sí misma, un espejo de su deseo de comprender y dar forma a su experiencia. A través de una prosa lúcida y reflexiva, recorreremos la historia del museo desde el Renacimiento hasta el siglo XX para entender cómo esta institución, antaño cuestionada por las vanguardias, se ha convertido en uno de los centros morales y estéticos del mundo moderno: el último refugio de la diferencia y de la maravilla. Un clásico indiscutible de la museología italiana y una joya del pensamiento contemporáneo.
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Un complejo léxico ilustrado de términos relacionados con el arte y la arquitectura, en una presentación manejable y práctica para estudiantes, profesores y aficionados a las artes visuales. Cada entrada incluye notas etimológicas, historia, dibujos y ejemplos de los términos descritos.
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Un clásico revolucionario, necesario nesta realidade de saturación visual que reivindica que ollar con atención é o acto político máis urxente do noso tempo.Vivimos inundados polas imaxes, pero quen nos ensinou a miralas? Cada día consumimos miles de estímulos visuais: desde a publicidade que asolaga as nosas pantallas ata as obras mestras da arte que enchen os museos. Mais, que nos din en realidade? Neste ensaio breve e abraiante, John Berger desposúe a historia da arte da súa linguaxe elitista e desmonta os mecanismos ocultos da nosa cultura visual. Coa clara intención de devolver a capacidade de mirar ás persoas, percorre cinco séculos de pintura europea para preguntarse e preguntarnos: quen mira?, quen é mirado?, quen posúe as imaxes e como actúan estas co noso desexo? Da Venus de Urbino de Tiziano ás imaxes publicitarias, do museo ao escaparate, os sete capítulos de Maneiras de ollar revelan que aprender a mirar doutro xeito é o primeiro paso para vivir doutra forma. A obra chega a conectar o Renacemento co consumismo moderno para demostrarnos unha verdade incómoda: ningunha imaxe é inocente, todas agochan unha relación de poder. Publicado orixinalmente en 1972 a partir da soada serie británica da BBC, este ensaio, agora editado por primeira vez en galego no ano no que se celebra o centenario do nacemento do seu autor, transformou para sempre a forma en que pensamos a arte e a mirada. Medio século despois, nunha época saturada de estímulos visuais, as súas preguntas resultan máis necesarias ca nunca.
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«Unas jóvenes santas presentan en Sevilla un desfilede alta costura. Bellas como andaluzas, los ojos negros, el pelo negro, lucen vestidos largos, con o sin capa […,] El corte de los vestidos, la elegancia de los tafetanes o de las sedas bordadas en oro y plata, la audaz combinación de los colores […,], el refinamiento de los detalles […,], todo contribuye a crear la ilusión de un desfile de alta costura en el Siglo de Oro […,] Pero la ilusiónse disipa en cuanto nos acercamos». A través de una selección de cuadros de santas realizados por Zurbarán, Florence Delay nos descubre la secreta relación entre la majestuosa indumentaria con que las retrató elpintor extremeño y la existencia que las elevó muy por encima del común de los mortales. Un ensayo refinado y erudito sobre la sutil relación entre arte y moda.
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El tao, los jardines zen, la pintura a la tinta, lacaligrafía, los haikus o La gran ola de Hokusai se encuentran en el origen de los movimientos vanguardistas del siglo xx, de la arquitectura moderna, de las performance de artistas tan icónicas como Marina Abramovic o Yoko Ono o del arte urbano de Banksy. Encorsetados por academicismo decimonónico, los artistas occidentales necesitaban un nuevo lenguaje para expresar el imaginario contemporáneo y lo encontraron en la fusión de las vanguardias artísticas con la filosofía, la estética y las tradiciones centenarias de Asia Oriental, que insuflaron una nueva vida a la creatividadartística de Occidente. Pilar Cabañas y Matilde Ariasrastrean estas interacciones creativas y nos ofrecenuna investigación multidisciplinar y detallada sobrela decisiva influencia que el taoísmo, el budismo zen y el ukiyo-e han ejercido en las representaciones artísticas de Occidente.
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Pese al título, este libro no ofrecerá ni consejos nirecetas para saborear la pintura, es más, el deseo del autor es sembrar o mejor dicho consolidar una duda, la duda sobre la capacidad de poder '' saborear ''una obra de arte en ausencia de su comprensión. Esdecir, que el placer de una obra aumenta con el conocimiento del contexto de su creación es uno de sus postulados. Las obras que se analizan en este texto fueros realizadas en épocas diferentes y emplean estrategias de seducción diferentes: unas son imágenes hechaspara príncipes ( '' La Fiesta de Venus '' , de Tiziano), otras para la Corte absolutista ( '' La Rendición de Breda '' , de Velázquez), y también para el público '' people '' (las serigrafías de Warhol), otrasincluso para el propio artista (los autorretratos deRembrandt). La capacidad de interpelación de la obrade arte es grande y acercarnos a ella significa dejarse llevar por el juego de la interpretación. Interpretar para comprender, para degustar, para gozar. La manzana que el amorcillo de '' La Fiesta de Venus ''de Tiziano huele, muerde o se dispone a lanzar al espectador es una señal de complicidad. Una señal, tansensual, tan comestible. Pero hay otras, menos evidentes, más secretas. Este libro pretende ayudar a descubrirlas.
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Al analizar las tensas relaciones entre producción cultural, capitalismo y ciertas ideologías actuales, Carlos Granés ofrece un certero diagnóstico del presente y una original mirada al arte contemporáneo. «La gracia del arte radica en que es la actividad libre por excelencia. Pero esta actividad libérrima y creativa ha sido rondada permanentemente por dos amantes peligrosas. La política y el capitalismo han tratado de multiplicar sus fuerzas fundiéndose con ella.» Comerciantes de arte roban paredes y puertas con obras de Banksy, un festival erótico disecciona los males políticos de España para estimular el consumo de pornografía, un autobús tránsfobo hace las veces de instalación itinerante, se estetiza el espacio público en Cataluña para hacer invisible al adversario... En los últimos años la cultura hatrabado una relación asfixiante con el capitalismo ycon la política. Pareciera que el destino de toda expresión artística es acabar convertida en una mercancía cultural, en un incentivo para el turismo o en un arma estratégica en las batallas ideológicas. Este estupendo ensayo examina las tensiones entre la cultura, el mercado y el populismo contemporáneo. Carlos Granés ofrece un certero diagnóstico del presentey nos muestra con contundentes ejemplos el modo en que, paradójicamente, mientras el arte se vuelve políticamente correcto y renuncia a las estrategias de la vanguardia, la política opta por tácticas transgresoras y escandalosas para captar la atención del otro. La crítica ha dicho...«No creo que nadie haya trazado un fresco tan completo, animado y lúcido sobre todas las vanguardias artísticas del sigloXX. Lo he leído con la felicidad y la excitación conque leo las mejores novelas.»Mario Vargas Llosa,sobre El puño invisible
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* La comprensión de los símbolos, ya sean animales, objetos, plantas, formas o gestos, es crucial en la apreciación del arte. * Una acreditada guía que aborda más de cincuenta de los símbolos visuales más comunes e interesantes de todo el mundo desde el año 2300 a. C. hasta la actualidad. * Si bien los símbolos atraviesan dialectos y fronteras nacionales, sus significados pueden variar y suelen ser complejos y culturalmente específicos, por lo que esta vibrante introducción, de clara redacción y bien documentada, posee un incalculable valor. Accesible y absorbente, el amplio enfoque de este libro demuestra con destreza la evolución de los símbolos utilizados por los artistas a lo largo de miles de años. Un análisis de las sutiles implicaciones y los significados explícitos y encubiertos del simbolismo, que nos proporciona una indispensable herramienta para la interpretación. En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos..
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La trilogía de Carlos del Amor sobre ''las otras vidas'' de los cuadros: Emocionarte, Retratarte y Amarte. Con un estilo literario y profundamente divulgativo, seductor y personal, Carlos del Amor nos ofrece un viaje por grandes obras de arte de todos los tiempos a través de texturas, colores, claroscuros, historias, miradas, vidas, abrazos, besos.... Las emociones, los retratos, el amor y el desamor protagonizan un caleidoscopio donde se aúnan verdad y ficción, historia del arte, imaginación y emoción. En Emocionarte, Carlos del Amor explora las emociones humanas que se esconden tras las obras de arte y cómo estas nos ayudan a comprender y contextualizar las creaciones de los artistas que las concibieron. En Retratarte, se centra en el retrato, un género que le permite recrear las vidas de los retratados y de los artistas, y cómo estos últimos también se retratan en su forma de pintar. En Amarte, recrea historias de amor romántico y posmoderno, de pasiones y desencuentros amorosos, obsesiones y celos, felicidad y tristeza que se ocultan detrás de cada obra y nos ayudan a entenderla y contextualizarla. «El arte es una celebración. Un cuadro no se acaba en lo que encierra su marco, un cuadro vive antes y después de que lo miremos. El marco lo acota y nosotros debemos cruzar esa frontera para hacer que su existencia siga saltando siglos y vidas, y se renueve con cada mirada. Cada cuadro es un cuento, una novela, un relato, y eso he pretendido reflejar en estas páginas: romper el marco y expandir el lienzo hasta donde sea posible».
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.