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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
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Pedro Reyes: Escultura Social / Social Sculpture
Ofrece una visión integral de la vasta colección de obras de Pedro Reyes, uno de los artistas contemporáneos más innovadores y comprometidos socialmente de México.Presenta impresionantes imágenes y textos provocadores que ofrecen una exploración intelectual del impacto de Reyes en el arte contemporáneo y la sociedad.Muestra una fusión única de arte y activismo: Reyes combina escultura, arquitectura, psicoterapia, teatro, literatura y activismo, ofreciendo una singular intersección entre la investigación estética y la práctica social.Este libro fue publicado con motivo de la exposición Pedro Reyes: Escultura Social, realizada en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, en Nuevo León, México. Reúne una amplia selección de obras del artista mexicano Pedro Reyes, cuya práctica vincula la exploración estética con el compromiso social. Reyes transita sin esfuerzo por los campos de la escultura, la arquitectura, la psicoterapia, el teatro, la literatura y el activismo. Invita al público a convertirse en participantes activos, transformando espacios más allá de los muros del museo. La publicación resalta las diversas estrategias que Reyes implementa, desde la exploración del potencial terapéutico de la dinámica grupal hasta los esfuerzos de desarme, redefiniendo la escultura como un medio expandido y participativo: una escultura social.
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Ensayo sobre el genio japonés
El orgullo nacional, la disciplina y la sensibilidad, son principios característicos que tienen su origenen la vida religiosa, que estructuran la vida socialy que han armado al arte japonés con energías y hermosas rarezas que se desarrollan plenamente en la vidadel espíritu. El culmen de este magnífico edificio moral es, de hecho, una cultura de un orden superior.
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Museos galerias y rarezas
Este estudio, completamente novedoso en el ámbito dela investigación, ahonda en la visión del arte ilustrado y en la necesidad de proporcionar al viajero y curioso un sinfín de datos y lugares que pudieran serreconocidos por sus colecciones y bellezas artísticas. Así, la Dra. Alicia Vallina señala cómo la riquezade este tratado es, en sí misma, asombrosa, pues recoge las principales colecciones de bienes culturales de todo el mundo, junto con el nombre de algunos de los más ilustres coleccionistas de la historia de Europa.
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El mensaje de la obra de arte en los museos
¿Qué es el arte? ¿Por qué objetos con siglos de antigüedad siguen fascinándonos en la actualidad? ¿Qué misión poseen las instituciones de los museos, dedicadas a su conservación y difusión?El arte es un medio de conexión cultural con nuestro legado. A través de las obras artísticas, las civilizaciones precedentes se expresaron a sí mismas y nos transmitieron un mensaje, mensaje que actualmente se lee en clave de cohesión social, promoción de valores universales y construcción de una cultura para la paz.El arte se convierte, así, en una herramienta didáctica fundamental para lograr una educación integral y por competencias del alumnado. Por ello, este libro presenta al lector un análisis de las instituciones encargadas actualmente de la conservación y difusión de dichas piezas, los museos, así como de las posibilidades didácticas que estos poseen para hacer legible el mensaje de la obra de arte.El lector descubrirá en esta obra los entresijos del mundo del arte y sus diversos agentes, y encontrará una propuesta de reformulación del mundo del arte a partir de diversas teorías, que, más que dar respuestas cerradas, abrirán un marco de posibilidades para la reflexión sobre el arte en la actualidad.
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Sorolla en 100 objetos
A través de estas páginas Sorolla se nos desvela a través de la materialidad de objetos que le acompañaron en vida. Su colección de enseres despierta varios relatos, anécdotas e historias fragmentadas. Una amena biografía del artista a través de pequeñas narraciones contadas a través de los bienes con los que Sorolla rodeó su existencia.
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De lo espiritual en el arte
Aparecido en 1911, nos encontramos ante el texto teórico más difundido de Kandinsky, un discurso estético que desemboca en la práctica de la abstracción no figurativa. Lejos de ser un texto pragmático -no pretende apelar a la razón y al cerebro-, se expresa en un lenguaje de claras resonancias orientales, lleno de analogías, y busca resolver las dificultades de la expresión escrita por medio de asociaciones sensoriales y lingüísticas. Una obra que, gracias a su gran poder comunicativo, ha acabado ejerciendo una influencia profunda e indiscutible.
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Un llibre per descobrir l'originalitat i la diversitat de la pintura catalana d'avantguarda sota el franquisme.Entre el 1940 i el 1975, a Catalunya, l'art i les posicions estètiques modernes esdevenen un acte de resistència caracteritzat per l'originalitat, la llibertat i l'experimentació. La figuració expressionista o primitiva, les diferents formulacions de l'art abstracte, l'impacte de la cultura pop o l'expansió de la pintura cap a nous materials, són les principals declinacions d'una etapa que va ser testimoni de la maduresa dels grans noms -Miró, Dalí i Tàpies- però també de l'empenta d'un estol de fins a vuitanta artistes -Guinovart, Mari Chordà, Hernández Pijuan, Esther Boix, Brotat...- que un ampli equip d'especialistes, dirigits per Àlex Mitrani, mostren i analitzen en aquest llibre.
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![Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [castellano]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dw57853e1c/images/large/1531933.94.jpg?sh=240 "Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [castellano]")
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Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [castellano]
Eclecticismo, acumulación, superposición, relación, celebración… estas son algunas de las palabras que sirven para describir la publicación de Jordi Colomer (Barcelona, 1962). Jordi Colomer. Façana Foto Festa Futur Fideus (Fachada Foto Fiesta Futuro Fideos) hace un recorrido por el universo artístico y vital del artista a través de unas sesenta obras que van desde finales de los años ochenta hasta la actualidad y que se materializan en forma de esculturas, collages, fotografías, instalaciones, vídeos y acciones en vivo.El libro incluye una selección de textos de Elvira Dyangani Ose, Martí Peran, Benedetta Casini, Ignasi Duarte, Carolina Olivares y Núria Gómez Gabriel, que ayudan a poner el foco en diferentes aspectos de su práctica, y reúne una amplia selección de imágenes de las acciones y obras del artista, así como vistas de sus diferentes instalaciones. La intención final es conseguir dinamitar el orden cronológico de la narrativa y establecer una contaminación de relatos que ayuden a entender su universo.La publicación consta de tres ediciones separadas en catalán, castellano e inglés.
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A Catalunya, durant la Guerra Civil espanyola, un reduït grup de polítics, tècnics i amants de l'art van maldar per salvaguardar el patrimoni cultural dels perills de la revolució i de la guerra, van ser els nostres Monuments Men. Un d'ells va ser Joaquim Folch i Torres, en aquells moments director general dels Museus d'Art de Barcelona. El llibre que teniu a les mans se centra en la seva estada a París entre el febrer de 1937 i el setembre de 1939, enviat per la Generalitat republicana per organitzar L'Art Catalan du Xe. au XVe. siècle, dues exposicions temporals celebrades al Jeu de Paume i al palau de Maisons-Laffitte que van mostrar al món les obres més significatives de l'art medieval català. Durant aquesta llarga estada parisenca, l'historiador de l'art i museòleg barceloní mantingué contactes amb persones vinculades als sollevats, que de res li van servir en tornar a Catalunya el setembre de 1939: la dictadura li va aplicar la trilogia de la repressió franquista, que el va acusar del delicte d'auxili a la rebel·lió militar, el condemnà a una pena de tres anys de presó menor i l'obligà a jubilar-se amb només 55 anys.
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Materialidad y técnica
El estudio autónomo del objeto de arte se remonta al siglo XVIII europeo cuando quedó fijada la expresión ''bellas artes'', pero desde mediados del siglo XX ha sido progresivo el desplazamiento hacia el estudio del contexto. En consecuencia, sin dejar de apreciar el valor estético, la obra de arte se entiende como un artefacto cultural resultado de la materia (prácticamente toda obra de arte posee un cuerpo material), de la técnica (el conocimiento de las destrezas y herramientas para trabajar la materia en ese constante devenir de incorporación de nuevos materiales y tecnologías) y del comportamiento del artista. La riqueza que ofrece esta nueva aproximación es la que ha hecho posible este libro en el que se trata de la técnica y la materia como una metodología para conocer el modo de hacer, la práctica artística en su devenir como conocimiento heredado y transmitido donde tienen lugar las rupturas, cambios e innovaciones en los usos de materiales y herramientas, novedades que se incorporan a su vez enriqueciendo el legado.
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El sketchbook de Loish, proceso creativo
Lois Van Baarle (Loish) recoge en este libro una mirada única de su proceso creativo y la importancia que desempeñan los bocetos en su obra. Descubre cómo la autora explora la gestualidad, la estilización y da vida a sus personajes utilizando diferentes técnicas tradicionales y digitales. El libro incluye detallados tutoriales sobre la construcción de personajes y paisajes que te mostrarán cómo Loish captura el espíritu de su obra final gracias a un exquisito trabajo preliminar. Déjate llevar por la magia de Loish a través de sus bocetos, de las obras de arte exclusivas que presenta en este libro y del capítulo especial donde se exploran los conceptos personales de la autora para ofrecerte una visión en profundidad de cómo sus ideas iniciales evolucionan hasta culminar en logrados diseños conceptuales. Inspirador y divulgativo, con El Sketchbook de Loish ¡desearás ponerte a dibujar! Libro estilo The art of con grandes dibujos
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No es sólo rock & roll
«Vamos, caballeros, vuestro amor es todo lo que ansío. Estaréis todavía en el circo cuando yo esté riendo, riendo en mi tumba». Estos versos quedarían plasmados para la posteridad en Memo From Turner donde un joven Mick Jagger reflejaba, ya a finales de la década de los sesenta, su estrategia para mantenerse en el negocio de la música. Era perfectamente consciente de que, en el momento en que la legión de seguidores que arrastraban no se sintiera identificada con la imagen de su grupo, todo se vendría abajo. Los Rolling Stones se mostraron siempre al público como triunfadores de clase media, de aires gamberros, hastiados de sexo y drogas, que rompían con ello las pautas establecidas para alcanzar tal estatus, sirviendo así una identificación fantasiosa y narcisista a la vez. Incluye unos apéndices con las portadas y las canciones de todos los singles y LPs de los Rolling Stones publicados en España, además de un repaso a todos los conciertos ofrecidos en nuestro país (incluyendo canciones, número de asistentes, precios...). Un libro con el que más allá de análisis sociológicos, el coleccionista disfrutará.
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Tocar el mundo
A estas alturas es difícil decir algo original sobre la pintura. Pero sí es posible, en un momento en el que muchos de los discursos en torno al arte se han vuelto indescifrables, decirlo, al menos, de una forma clara. En la pintura figurativa, la comprensión venía dada por el objeto representado, ya fuese un retrato, un paisaje, una escena bíblica o mitológica o una naturaleza muerta. Bastaba con identificar el tema para entenderla. Pero la pintura moderna, en particular la abstracta, ha roto con todas estas pautas. Siguiendo a Marcel Duchamp, que criticaba a los «artistas olfatorios» –aquéllos atraídos por el olor de la pintura al óleo–, ésta busca desmarcarse de la concepción tradicional del arte. Pero ¿cómo definir entonces esa pintura moderna, la pintura de la abstracción? Trabajar en lo abstracto es, aunque resulte paradójico, trabajar lo concreto. La abstracción no puede servirse del efecto espejo propio de la pintura de la representación, ni recurrir a la rápida corriente de comprensión que se crea entre el autor y el espectador ante pinturas como las de Hopper, Magritte o Warhol, en las que encontramos un reflejo del mundo y de nosotros mismos. Sin el efecto espejo, la obra es un objeto en sí mismo, y es el objeto en sí, no las imágenes que en él aparecen, lo que debe impresionarnos. La pintura abstracta ha de ganarse, no sin dificultad, nuestro interés. Pero ¿cómo? ¿Basta con que nos atraiga estéticamente o existen otros criterios que debe cumplir para ser considerada «arte»? Dice Eugenio d’Ors que hay cuadros que parecen responder inmediatamente a nuestras preguntas. No es el caso de los abstractos: Rothko, Miró, Stella no pintaban para satisfacer nuestro deseo de comprensión instantánea. Si embargo, prescindiendo del lenguaje de la crítica, los comisarios de exposiciones y los directores de museos, podemos concentrarnos en indagar en la expresión del arte mismo, en aquello que nos dice la obra del artista.
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Lo que hacen los artistas
Desde que nuestros antepasados dibujaran los primerosbisontes sobre una piedra o hicieran sonar por primera vez una flauta de hueso, no hemos dejado de cuestionar qué es y para qué sirve realmente el arte. Milesde años después, la pregunta sigue en el air
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Otra historia del arte
La Historia del Arte con uno de los grandes divulgadores de España: @ElBarroquista. Cualquiera que haya visitado un museo o haya hojeado un libro sobre arte habrá escuchado o leído frases rimbombantes y categóricas como «Nos encontramos ante la gran obra maestra del siglo XX», «Este artista es un genio» o «Aquella pintura cambió el mundo». Esta concepción de la creación artística -basada en la aceptaciónde un canon preestablecido que privilegia unos estilos específicos y encumbra unas firmas concretas-, lejos de favorecer el aprendizaje y hacer el arte más accesible, ha encorsetado el placer del público generaly ha condicionado su gusto. En este libro, elhistoriador del arte Miguel Ángel Cajigal Vera -conocido como El Barroquista en su labor divulgativa- propone una nueva manera de acercarnos a esta disciplina y nos invita a disfrutar del arte sin prejuicios y con total libertad. Otra historia delarte es un ensayo estimulante que nos abre las puertas al museo particular del autor, donde conoceremos historias fascinantes y obras personalísimas, como las de Maurizio Cattelan, Teresa Margolles, Piero Manzoni o Fiona Banner, junto a piezas muy reconocidas de Guo Xi, Frida Kahlo o Artemisia Gentileschi. Y tras finalizar la lectura comprenderemos por qué no pasa nada si no nos gustan Las meninas.
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Nueva Babilonia
El artista holandés Constant Nieuwenhuys (1920-2005), conocido simplemente como Constant, concibió entre 1956 y 1974 una de las utopías más audaces del siglo XX. Su proyecto ''New-Babylon'' esbozaba el sueño de un hábitat artificial para una humanidad nómada, completamente libre para vivir donde quisiera y como quisiera. En esa sociedad liberada de la necesidad de trabajar gracias a las máquinas, los neobabilonios podrían dedicar todo su tiempo al juego y al desarrollo pleno de su creatividad. Con este nuevo diseño se superarían los problemas derivados de la concepción de las ciudades y de los dos sistemas económicos enfrentados del capitalismo y el ''socialismo real''. Esta original utopía, que desafiaba todas las convenciones del urbanismo y de la arquitectura de su época, creció en el clima idealista de los años sesenta y tuvo mucho que ver con los intelectuales que inspiraron la revuelta estudiantil de Mayo del 68. Constant plasmó su idea en una extensa obra artística, pero también en un manuscrito que había permanecido inédito hasta ahora y que se publica por primera vez, en castellano, con un estudio introductorio que lo sitúa en las coordenadas de su tiempo. Sin duda, muchas de las ideas que plantea siguen siendo válidas en nuestros días.
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En busca del pueblo
El mapa de nuestras ciudades está repleto de museos que contienen las más diversas colecciones de objetos, obras de arte y especímenes. Separados por disciplinas y prácticas, son un fiel reflejo del modo en el que los Estados de la Europa colonial, confiados en el libre intercambio de ideas y la necesidad de espacios de socialización (y civilización) de los pueblos, fragmentaron y ordenaron saberes, sujetos y cosas.Tomando como base el estudio de las colecciones de veintitrés museos de Madrid, Aurora Fernández Polanco y Pablo Martínez proponen una arqueología de la modernidad a partir de aquello que se muestra (y se oculta) en las colecciones públicas. Confiados en que no existen «ni museos pequeños, ni grandes hombres», elaboran una historia del arte «desde abajo», orientada a desvelar las narrativas latentes en imágenes y objetos aparentemente marginales. En un contexto de embates contra la memoria y discursos monolíticos sobre el pasado, este libro aporta una mirada inédita sobre una de las instituciones más importantes en la configuración de la esfera pública. Más allá de los museos de la capital, este apasionante ensayo escrito a cuatro manos invita a desafiar los relatos de autoridad heredados, a detenerse en los objetos aparentemente irrelevantes y a construir, en definitiva, otras formas de mirar.
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El arte de entender el arte
Un acercamiento al caprichoso mundo artístico para que todos podamos disfrutarlo. ¿Qué es el arte, dónde puedo encontrarlo? Cuando lo tengo delante ¿cómo se supone que debería mirarlo? Kate Brian es una adicta confesa al arte y lleva más de veinte años trabajando en el sector. Sin embargo, antes de ponerse a estudiar Historia del Arte en la universidad, solo había estado en una galería en dos ocasiones y no tenía ni idea de que estaba a punto de adentrarse en un mundo elitista. Ahora, su misión es ayudar a todo el mundo a acercarse al arte. Ya sea escuchando música, cocinando, leyendo, comiendo platos deliciosos o viendo películas, hacer o contemplar arte es algo que debe enriquecer nuestras vidas. En El arte de entender el arte encontrarás una ingeniosa vía para acercarte al universo artístico con tus propias reglas. Descubrirás dónde encontrarlo y cómo entenderlo, así como indicaciones sobre cómo disfrutar de obras tan conocidas como la Mona Lisa. Aprenderás también a poseer arte y a desarrollarlo en casa, y encontrarás buenos consejos para orientar una carrera como artista e, incluso, para hacer que tu perro parezca más culto. El arte de entender el arte ofrece arte a todo el mundo de una manera entretenida. El libro cuenta con ilustraciones inéditas de David Shirgley, un grandísimo artista con los pies en la tierra.La crítica ha dicho «Igual que la comida, el arte cuenta con esa maravillosa capacidad de traernos alegría. Kate es la perfecta profesional que nos ayudará a todos a desarrollar una relación más estrecha con el arte». Jamie Oliver «Toda una lección de arte en un solo libro. Escrito con un lenguaje accesible, nos explica la belleza que tiene el arte y nos enseña a hacerlo y a disfrutarlo. Es lo que el mundo del arte necesita». Philippa Perry «Un texto increíblemente maravilloso para aprender a disfrutar del arte. Un libro sorprendente, fácil de leer, que sitúa el arte en nuestras vidas, nuestras cabezas y corazones». Richard Curtis«El libro que tienes en tus manos contiene una serie de claves luminosas hacia las infinitas puertas del mundo del arte». Es Devlin «El arte es una parte fundamental de estar vivo, y el libro de Kate ayuda a todo el mundo a relacionarse con él». Russell Tovey, actor y presentador de Talk Art «La guía definitiva para no verte intimidado por el mundo del arte y los artistas. Un libro que nos brinda incluso algo más importante: alegría». Maria Balshaw, directora del Tate
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Pablo Rubens (1577-1640). De él salieron cuadros enteramente suyos (los más valorados por el propio pintor y por sus contemporáneos) y otros que son el resultado de diversos grados de participación de los miembros de su taller en el proceso creativo.En el libro se explica la mecánica de la colaboración del maestro con sus ayudantes y se analizan las diferencias que permiten distinguir los cuadros originales de Rubens de los de taller.A cargo de Alejandro Vergara, jefe de Conservación del Área de Pintura flamenca y escuelas del Norte. El libro incluye una conversación entre el pintor Jacobo Alcalde Gibert y Alejandro Vergara sobre la forma de pintar de Rubens y su colaboración con los ayudantes.
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En este libro se recorre la trayectoria de Choi Ok Yeung, prolífico artista coreano, quien interpreta el paisaje de forma espiritual para traspasar los límites del arte convencional y de los espacios artísticos tradicionales. Para Choi, el paisaje es su taller en el que reinterpreta la naturaleza para, finalmente, volver a ella.Un ciclo regenerativo permanente que expande los límites y difumina los bordes del arte más ortodoxo. Las series que contiene este libro abarcan escultura, pintura, dibujo, obra pública y Land Art, todas atravesadas de intensidad y espiritualidad.• Un libro especialmente atractivo para amantes del arte oriental contemporáneo.• Con textos del crítico de arte Christian Viveros-Fauné.
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MiróMatisse. Més enllà de les imatges, catàleg de lexposició homònima concebuda per la Fundació Joan Miró de Barcelona i el MuséeMatisse de Niça, explora les relacions entre les obres dHenri Matisse i Joan Miró, uns vincles que restaven encara rela
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Las mujeres que inventaron el arte indio
Este libro es un intento coral de aproximarse al arte de la época de las vanguardias desde una perspectiva invisibilizada en la historiografía tradicional: la de la lucha por la emancipación de sus mujeres y la de la importancia que en ello tuvo el contacto con el mundo indio, con la difusión de su pensamiento, la formulación de su imaginario y con su proceso descolonizador.
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Buñuel en el laberinto de las tortugas
El gran momento de Luis Buñuel.Una de las obras maestras del cómic español del siglo XXI.En 1932 Luis Buñuel rodó en Extremadura su tercer trabajo como director, Las Hurdes, tierra sin pan, una de las películas malditas de su filmografía y documental pionero en nuestro país.Fermín Solís retrata, en esta magnífica novela gráfica, un momento decisivo en la vida de Buñuel y quizá de todo gran creador: el dilema entre cultivar el arte por el arte o servirse de él como un medio para transformar la sociedad.Nueva edición a todo color.Incluye extras.
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Wagnerismo
Para bien o para mal, Wagner es la figura más influyente en la historia de la música. Creaciones tan colosales como El anillo del Nibelungo, Tristán e Isolda y Parsifal sirvieron en el arte comomodelos de obras osadas en la forma, como ejemplos enla creación de mitos, la libertad erótica y especulación mística. En Wagnerismo, Alex Ross restaura la magnífica confusión de lo que significa ser wagneriano: un pandemonio de genios, locos y profetas queluchan por el legado multifacético del compositor, yconvierte la experiencia de lectura en un constantedescubrimiento a través de esas figuras, de Nietzsche, Van Gogh, Dalí y Buñuel a Baudelaire, Virginia Woolf o Proust. En muchos sentidos, Wagnerismo cuenta una historia trágica. Un artista que podría haber rivalizado con Shakespeare en alcance universal se ve arruinado por una ideología de odio. Aun así, su sombra perdura sobre la cultura del siglo XXI ysus motivos míticos recorren películas de superhéroesy fantasía. Ni una apología ni una condena, Wagnerismo es una obra de apasionante descubrimiento,que nos ofrece una idea más honesta de cómo actúa elarte en el mundo.
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NUEVA BABILONIA
«Nueva Babilonia: designar o no un trabajo como arte es una decisión táctica» es el catálogo de una exposición que busca evitar el aplanamiento de la heterogeneidad de la obra de Marcelo Expósito durante las últimas casi cuatro décadas. La concepción teórica y la materialización formal son inseparables en su trabajo que hace uso de referencias que no son solo estéticas, sino también críticas, filosóficas, literarias, dramaturgas, historiográficas y políticas, traducidas en modelos de producción artística que incorporan una dimensión pedagógica. Su repertorio de intervenciones públicas incluye acciones políticas, documentalismo y la elaboración de(contra)narrativas, siempre procurando poner al día las invenciones de las históricas vanguardias artísticas.
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Breve historia del Renacimiento
Un gran viaje histórico artístico desde el quattrocento de la Florencia de los Medici y la época dorada del cinquecento, con los grandes genios Leonardo, Miguel Ángel o Rafael hasta la propagación del Renacimiento por toda Europa y su florecimiento en España en el siglo XVI con la poesía mística, la picaresca, el Quijote o El Greco. Conozca una de las épocas más interesantes de la historia, el inicio de la Edad Moderna y el desarrollo de la cultura humanista, que desde Italia se extiende por toda Europa occidental llegando hasta América a través del descubrimiento y la conquista del Nuevo Mundo. Una época de cambios, con el desarrollo de la ciencia y la astronomía, así como la Reforma protestante iniciada por Lutero, que produjo una división en la Iglesia que perdura hasta hoy. Breve historia del Renacimiento le acercará al genio de los grandes artistas del quat-trocento y el cinquecento, en el que brillaron grandes mentes como Leonardo da Vinci, Rafael o Miguel Ángel, así como su influencia en Flandes, los Países Bajos, Francia y España en los tiempos en los que en el Imperio español «nunca se ponía el Sol». Una época en la que desarrollaron su obra grandes creadores como el Greco -,que superó el manierismo para alcanzar la modernidad-, y hubo un auge de la literatura manifestado tanto en la poesía mística como en el teatro, la novela pastoril, la picaresca, así como la aparición de la obra más importante de la literatura española, el Quijote. Su autor, Carlos J. Taranilla de la Varga, experto en el tema, le presentará con un estilo ágil, ameno y riguroso, una información completa sobre esta época tan importante de la historia, que sentó las bases del desarrollo científico del mundo actual.
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Darwin y la botánica
Charles Darwin es conocido principalmente por su trabajo sobre la evolución de los animales, pero gran parte de su contribución a las ciencias naturales se centra en el reino vegetal. Descubre cómo se desarrollaron conceptos clave que han sido esenciales para el avance científico actual en la anatomía y funciones de las plantas. ¿Cómo se lleva a cabo la polinización? ¿Por qué trepan las vides? ¿Cuáles son los procesos digestivos que tienen que llevar a cabo las especies carnívoras? «Darwin y la botánica» recopila fragmentos de seis obras diferentes a menudo pasadas por alto, dedicadas completamente a estos seres vivos, y empareja cada extracto con ilustraciones de la biblioteca de la Fundación Oak Spring Garden, creando un bello volumen diferente a todo lo visto hasta ahora. James T. Costa, experto en historia de la ciencia y botánico evolutivo, aporta su experiencia a cada entrada, situando las palabras del célebre británico en el contexto del conocimiento y la investigación de la época. Mientras que la ilustradora Bobbi Angell acompaña cada capítulo de hermosas imágenes que reflejan la delicadeza y complejidad de los especímenes sobre los que el naturalista nos habla. El resultado es una nueva forma de visualizar el trabajo de uno de los mayores eruditos de todos los tiempos y una mayor comprensión de cómo sus hallazgos han moldeado nuestro mundo. «Una apasionada y equilibrada celebración de la obsesión por la investigación que sostuvo Darwin durante toda su vida… Costa logra su objetivo de exponer la visión del científico y la importancia que aún tienen sus métodos a día de hoy», Nature
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Pasarela 2
Un retrato de Madrid desde diversas ópticas, con textos de Victoria Acebo, Berta Gutiérrez, Gonzalo del Val, Carlos Copertone y Patxi Eguiluz. Entrevista de Paula García-Masedo al estudio Burr, reseña de Lluís Alexandre Casanovas Blanco sobre el último libro de Uriel Fogué. Un proyecto de María Langarita y Víctor Navarro, y un colegio de Andrés Jaque. En el ámbito de la escena artística, Julia Spínola se encuentra con José Diaz y Yaby nos muestran un retrato posible de lo que significa generación en la capital.
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Lluís Domènech i Montaner, un dels grans referents del moviment modernista i del catalanisme polític al tombant del segle XX, va desenvolupar una intensa tasca de recerca del patrimoni artístic. A fi de documentar-se sobre les arrels de l'arquitectura catalana, des del 1900 fins al 1906 va fer nombroses expedicions científiques pels racons més amagats del país, que havien de culminar amb la redacció de la primera història de l'art romànic a Catalunya. Malauradament, per raons polítiques, professionals i personals, l'obra va quedar inconclusa. Aquest quadern revisita, a tall de pelegrinatge artístic, alguns dels indrets més emblemàtics que l'arquitecte va recórrer en les seves campanyes pel Pirineu i recull també la transcripció d'una part de la seva introducció històrica sobre el romànic, un text -fragmentari i inacabat, però també programàtic- que, juntament amb centenars de fitxes, dibuixos, plànols i fotografies dels monuments estudiats, ha perviscut com un vestigi del llibre que no va arribar a escriure.
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Color
En este vívido y cautivador viaje a través de los colores de la paleta de un artista, Victoria Finlay nos lleva a una apasionante aventura alrededor del mundo y a través de los tiempos, iluminando cómo los colores que elegimos valorar han determinado la historia de la propia cultura. ¿Cómo viajó el preciado color azul desde las remotas minas de lapislázuli de Afganistán hasta el pincel de Miguel Ángel? ¿Cuál es la relación entre la pintura marrón y las antiguas momias egipcias? ¿Por qué Robin Hood vestía de verde Lincoln? En Color, Finlay explora los materiales físicos que colorean nuestro mundo, como los minerales preciosos y la sangre de los insectos, así como los significados sociales y políticos que el color ha tenido a lo largo del tiempo. Los emperadores romanos solían llevar togas teñidas de un color púrpura que se fabricaba con un oloroso marisco libanés, lo que probablemente significaba que su olor les precedía. En el siglo XVIII, el tinte negro se llamaba logwood y crecía a lo largo del Meno español. Algunas de las primeras plantaciones de índigo fueron iniciadas en América, sorprendentemente, por una chica de diecisiete años llamada Eliza. Y el popular cuadro de Van Gogh Rosas blancas de la Galería Nacional de Washington tuvo que ser rebautizado después de que un investigador descubriera que las flores estaban hechas originalmente con una pintura rosa que se había desvanecido hacía casi un siglo. El color está repleto de personas, acontecimientos y anécdotas extraordinarias, pintadas de forma aún más deslumbrante por el atractivo estilo de Finlay. Embárquese en una emocionante aventura con esta intrépida periodista mientras viaja en burro por las antiguas rutas comerciales de la seda, con los fenicios que navegaban por el Mediterráneo en busca de una concha especial de color púrpura que cosechaba riqueza, sustento y prestigio, con los modernos agricultores chilenos que crían y desangran insectos por su viscosa sangre roja. Los colores que elaboran nuestro mundo nunca han sido tan brillantes.
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Verse morir. En el interior de Barbazul
Este libro se adentra en los entresijos del cuento de tradición oral La Barbe Bleue, fijado por Charles Perrault en 1697. La intención que rige la interpretación del profesor Puelles ha sido la de tomarlo como umbral de un modo del horror moderno irreductible al género «goticista» que a partir del siglo XVIII ostentará la hegemonía del miedo literario. Publicado en el gozne entre el clasicismo y el rococó, y llevándonos al paroxismo del terror visual, Barbazul abre el camino a una narrativa traumática, testimonial, de pura supervivencia, cuyos extremos alcanzan a Primo Levi, entre otros muchos. El macabro cuento que nos ocupa es también la ocasión para situarnos en un enclave en el que la experiencia del lector u oyente transita -quizá por primera vez- hacia territorios como lo sublime y lo siniestro en la ambivalencia entre el placer estético de la representación del horror y el conocimiento -más «antropológico» que estético- de la pura crueldad humana. Barbazul es, además, un espléndido contrapunto a la doctrina del cogito cartesiano, dándosele prevalencia al terror propio (y no lo hay más atroz que el de «verse morir») sobre aquellas otras condiciones en las que sí será posible ganar la distancia reflexiva. «Tengo miedo, luego existo», escribió Roland Barthes.
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![Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [català]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dw6eda647f/images/large/1531941.16.jpg?sh=240 "Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [català]")
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Eclecticisme, acumulació, superposició, relació, celebració… aquestes són algunes de les paraules que serveixen per descriure la publicació de Jordi Colomer (Barcelona, 1962). Jordi Colomer. Façana Foto Festa Futur Fideus fa un recorregut per l’univers artístic i vital de l’artista mitjançant una seixantena d’obres que van des de finals dels anys vuitanta fins a l’actualitat i que es materialitzen en forma d’escultures, collages, fotografies, instal·lacions, vídeo i accions en viu.El llibre inclou una selecció de textos d’Elvira Dyangani Ose, Martí Peran, Benedetta Casini, Ignasi Duarte, Carolina Olivares i Núria Gómez Gabriel, que ajuden a posar el focus en diversos aspectes de la seva pràctica, així com una àmplia documentació gràfica de la seva obra. La intenció final és aconseguir dinamitar l’ordre cronològic de la narrativa i establir una contaminació de relats que ajuden a entendre el seu univers.La publicació consta de tres edicions separades en castellà, català i anglès.
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De Fuentidueña a Manhattan
Mientras tenía lugar la producción y estreno de ''Bienvenido Mr. Marshall'' (Luis García Berlanga, 1953), otros insignes representantes norteamericanos visitaban la pequeña localidad segoviana de Fuentidueña con un objetivo: adquirir su iglesia románica de San Martín. El ábside del templo era una excelente construcción idónea para completar una de las salas del museo The Cloisters (la sección de arte medieval del Metropolitan Museum of Art de Nueva York, erigida gracias a John D. Rockefeller Jr.). El director del citado museo, James J. Rorimer (integrante durante la II Guerra Mundial del conocido grupo Monuments Men del ejército estadounidense), retomó en 1952 una idea de 1935: adquirir y trasladar a Manhattan aquel ábside románico español. Halló entonces condiciones óptimas para llevar a cabo una iniciativa que en los años treinta resultó inviable. El nuevo horizonte venía dado por la dictadura franquista, en un momento en el cual esta trataba de salir del aislamiento internacional, contando para ello con el apoyo de Estados Unidos. ¿Cómo fue posible la exportación de un monumento nacional? Esa es la pregunta a la que tratan de dar respuesta las páginas de este libro. El acceso a documentación inédita, tanto en España como en Estados Unidos, ha permitido reconstruir los episodios que se sucedieron hasta la firma del acuerdo en 1957 y la final presentación del monumento en Nueva York en 1961, como una cesión absolutamente excepcional en el ámbito internacional. Los agentes que promovieron y facilitaron la operación, los pagos de diversa naturaleza que mediaron en el acuerdo, las fórmulas para sortear la legislación, los hilos movidos por representantes públicos y por respetados miembros de la élite cultural, así como las voces críticas, constituyen piezas clave de una historia que hasta ahora desconocíamos y era preciso desvelar.
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Teoría del arte y cultura digital
Este libro aborda las principales cuestiones y retos de la estética y de la teoría del arte en el cada vez más complejo contexto de la cultura digital. Ofrece un amplio, profundo y detallado estudio de los nuevos interrogantes, categorías y conceptos emergidos en el campo artístico a consecuencia de las transformaciones provocadas por la revolución informática, poniendo especial énfasis en lo acontecido en las dos primeras décadas del siglo XXI.La perspectiva de análisis filosófico de las nuevas prácticas artísticas entabla en este escrito un continuo y muy personal diálogo con las metodologías de los Estudios visuales y de la Historia del arte. Con ello se trata de facilitar la comprensión de las principales estrategias artísticas más comprometidas con la reflexión crítica sobre la era digital, así como atisbar sus líneas de evolución en el futuro.El texto hace hincapié en problemáticas centrales en el arte reciente, como la producción de subjetividad, la diferencia, la identidad, la participación , analizándolas en su relación específica con algunos de los nuevos desarrollos tecnológicos (redes sociales, inteligencia artificial, realidad aumentada, realidad virtual, blockchain ).Un libro, en definitiva, fundamental para la compresión del impacto que la evolución digital está teniendo sobre el desarrollo de la creación artística en nuestro presente, así como acerca de los nuevos caminos que se abren para su teorización, difusión y comercialización.
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Melancolía
Memento mori. En los momentos victoriosos, años se recordaba al militar romano su finitud. Sentimos a diario los avisos de la muerte y del (paso del) tiempo sobre ellos se edifica buena parte de la actividad artística, filosófica y narrativa del ser humano a la largo de la Historia. El propio transcurso del tiempo es capaz de provocar tristeza, pero la memoria es el proceso mental que activa el dolor, ese sufrimiento provoncado por la dificultad para olvidar y borrar, y que convierte a muchos personajes cinematográficos en seres anclados en el pasado, con el que se torturan morbosamente, incapaces de vivir en el presente o entrever un futuro esperanzador.
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Rituales de la percepción
Lo que percibimos no es algo dado. Máquinas fotográficas, cinematográficas, ordenadores, no son solo modos técnicos para distribuir lo sensible a domicilio, sino también objetos rituales que prescriben el límite de la experiencia en el mundo contemporáneo.El autor analiza así los modos en que se organiza el común estético occidental, y la dimensión política de este fenómeno, a través de lo que llama rituales de la percepción. Con una perspectiva latinoamericana como alternativa, traza un recorrido por el trabajo de varios artistas para mostrar los mecanismos con los cuales las artes desarticulan ese patrón estético develando formas de existir que no se dejan programar y que los devenires técnicos no pueden imaginar.
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