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Llibres d'art
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Adéntrate en el fascinante mundo de la artista visual Eliza Ivanova. Eliza comparte los secretos de sus evocadoras creaciones y muestra cómo compone las líneas, las formas, los colores y las texturas que hacen que su obra sea tan dinámica. Original y sofisticado, el arte de Eliza ofrece nuevas revelaciones cada vez que se mira. Con pasión, combina herramientas tradicionales y digitales para capturar el movimiento y la narrativa propios del dibujo al natural. Con tutoriales paso a paso e información detallada sobre el proceso creativo y su trayectoria profesional, explicada por la propia Eliza, esta es una oportunidad única para ahondar en la cautivadora obra de esta talentosa artista..
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Cuadernos de arte Cátedra
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L'art en joc és una col·lecció de llibres perquè els infants descobreixin l'art dels segles xx i xxi. A mesura que passem les pàgines, una obra del Centre Pompidou se'ns revela a través d'imatges, preguntes, sorpreses gràfiques, jocs... Una invitació a mirar de manera lúdica l'art actual. Com en un decorat d'òpera, David Hockney escenifica L'arribada de la primavera a Woldgate en un bosc misteriós. Al llarg de les pàgines, l'infant adopta la mirada dels animals que l'habiten: què veu la formiga amagada entre l'herba? I la guineu arraulida al sotabosc? I l'ocell que s'enfila a la capçada dels arbres?
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A través de un fragmentario conjunto de fotografías, recuerdos e intuiciones, Rodrigo Hernández reconstruye en Conchita la historia de su abuela materna, nacida en el País Vasco, a la que la Guerra Civil llevó de muy niña a México, apartándola de su familia y de un origen al que jamás volvió. A través de un juego de espejos invertidos, teje una biografía escindida y el paisaje común transitado por abuela y nieto, que, como en un sueño que quisiéramos atrapar, se dibuja y desdibuja a golpe de memoria.El artista comienza en el callejero de Durango («El nacimiento de Conchita aparece ligado al número 25 de la calle de Barría en Durango, provincia de Vizcaya. El año es poco claro si se comparan todos sus documentos, cada uno dotado de alguna incongruencia con respecto al resto, quizás 1932, el 30 de noviembre o el primero de diciembre. Nadie sabe a ciencia cierta») y termina visitando a su abuela en la residencia donde pasa sus últimos años: «Recuerdo que en alguna ocasión entramos a su cuarto y nos sentamos juntos al borde de su cama. Sacaba una cajita con fotos, cartas y pequeños recuerdos que mirábamos mientras ella los describía uno a uno. No sabía entonces —ni sé ahora tampoco— qué pasaba realmente en el corazón de mi abuela, qué o quién era lo primero que aparecía en su mente cuando despertaba en esa habitación pequeñita, en ese edificio lleno de personas solitarias. Me preguntaba qué la hacía o la había hecho feliz durante su vida, cuál era su idea del amor. A quién recordaba. Qué provocaba ese recuerdo en el presente».
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The ultimate gift for gardeners and art-lovers, featuring 300 of the most beautiful and pioneering botanical images ever.Now available in a chic compact format, this visually stunning survey from Phaidon’s Explorer series celebrates the extraordinary beauty and diversity of plants. It combines photographs and cutting-edge micrograph scans with paintings, drawings, and prints, to bring this universally popular and captivating subject vividly to life. Carefully selected by an international panel of experts and arranged in a uniquely structured sequence to highlight thought-provoking contrasts and similarities, this stunning compilation of botanically themed images includes iconic work by celebrated artists, photographers, scientists, and botanical illustrators, as well as rare and previously unpublished images. Winner of the Council on Botanical and Horticultural Libraries 2025 Award of Excellence in Series, this is the perfect gift for every plant lover and gardener.
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El trabajo de Rodríguez-Méndez nace del lenguaje de la escultura, desde donde ha evolucionado en direcciones que lo vinculan con la materialidad, la semántica, la temporalidad o la fisicidad, configurando un cuerpo de obra escurridizo, difícilmente clasificable y altamente sugerente, que ha ido desmaterializándose a lo largo de casi treinta años hasta un punto en que la ausencia, la oquedad o lo omitido hallan estructura para reivindicarse, erigirse y sostenerse. Humores y Espesores se configura mediante una doble vía: por una parte, articula un recorrido sucinto a su ya extensa carrera como artista, por otra, aporta una selección de series fotográficas, instalaciones o acciones de reciente creación, algunas de ellas inéditas hasta la fecha.Humores y Espesores confirma la relevancia de un cuerpo de obra que se ha materializado en instalaciones planteadas desde un rigor y un entendimiento del espacio poco habituales, de trabajos específicos que han condicionado durante largos periodos su día a día y el de su estudio, o de series alargadas durante más de una década, que han convivido con el desarrollo de otras y que han abierto nuevas vías de investigación, siempre desde el lenguaje escultórico, que es al que el artista consagra su práctica, sea cual sea el modo en que cobra forma.
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William Morris (1834-1896) fue una de las más importantes figuras creativas del siglo XIX. En su papel de diseñador visionario, así como de fabricante, escritor, artista y activista socialista, fue un pionero del movimiento Arts and Crafts de la era vi
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UN RECULL DE TEXTOS RELACIONATS AMB LES ARTS I ELS SEUS CREADORS. Eulàlia Bosch ens ofereix un recull de textos relacionats amb les arts i els seus creadors. L'art pot ser objecte d'admiració i d'estudi, però encara més, segons la seva experiència personal, quan l'art forma part de la vida quotidiana, pot mostrar la bellesa, ensenyar a veure les coses de manera diferent i copsar allò indefinible que batega en el dia a dia. Aquests textos són una invitació estimulant i entusiasta per no desconnectar l'art de la vida. «Les històries que he reunit en aquest llibre han estat escrites al dictat de l'experiència viscuda i juntes volen ser un homenatge a aquesta presència del món de les arts que em permet ampliar els horitzons de la meva vida quotidiana. És quan recordo el Giacometti desesperat per no trobar la manera d'aconseguir l'expressió del rostre que busca des de fa anys, o quan noto com m'interroga Rembrandt des de la paret del museu on viu la seva eternitat, o quan sento què pot passar en esdevenir per un moment un personatge teatral, és quan recordo la mirada de llop de Jorge Oteiza, els versos de Jorge Luis Borges o les pel·lícules de Carlos Saura..., és aleshores quan m'adono que cada dia tot torna a començar de bell nou.»
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El músico y productor Raül Refree nos ofrece su visión del acto creativo. «La creación artística es un camino apenas señalizado, no hay indicaciones en los desvíos ni un cielo estrellado que ilumine las coordenadas. Pero el final del camino ofrece una inmensa satisfacción». Compositor, músico y productor, Raül Refree ha dedicado gran parte de su trayectoria a colaborar con algunos de los talentos más destacados de la música española e internacional. Reconocido por encontrar caminos inesperados en el proceso artístico, su particular acercamiento al acto creativo lo convierte en una voz indispensable para todos aquellos que en algún momento han sentido la pulsión de dar forma a una obra. En este libro, Raül se propone sacar conclusiones de sus experiencias, y sugiere una aproximación a la creatividad que nos invita a perder el miedo, escuchar a nuestra intuición y confiar en la llegada de ese momento en el que todo encaja.La crítica ha dicho: «Joan Miró decía que él trabajaba como un hortelano y así, con intuición pero con paciencia, lo hace Raül Refree. Como novelista, siempre me interesan los libros sobre los procesos creativos de pintores o músicos. Y aquí Raül enseña la galería de recuerdos que lo ha llevado a ser el músico que es: fuerte a partir de la fragilidad y rebelde desde el esmero. Un libro cálido e inspirador como la galería de cristal esmerilado de la casa de sus padres, donde él tocó el piano por primera vez».Miqui Otero «Sin lugar a dudas, estamos ante uno de los músicos más interesantes e inquietos del panoramanacional, con una influencia muy importante en muchos artistas y trabajos icónicos de la última década».Mondosonoro
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La Tauromaquia est une collection de scènes représentant divers épisodes du combat de taureaux. Goya était un aficionado consommé, et il passait une grande partie de son temps avec les toreros. Aussi était?il l’homme le plus compétent du monde pour traiter à fond la matière.
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La Estética de lo Cotidiano es una rama surgida recientemente dentro de la disciplina estética que ha puesto en valor aspectos poco tenidos en cuenta en la reflexión estética moderna. Es el caso de los objetos funcionales con los que tratamos a diario y los espacios y ambientes que solemos frecuentar, cuyo componente estético ha sido desatendido por la hegemonía del objeto artístico en tanto objeto a-funcional y de experiencia extraordinaria. Al poner en evidencia el artecentrismo de la estética moderna, esta nueva subdisciplina se ha guiado, sin embargo, por un espíritu conciliador: se ha limitado a hacer constar la belleza mundana como belleza stricto sensu junto a la indiscutible belleza artística. Este libro nace con una voluntad similar, bajo esa misma impronta inclusiva que lleva a querer restablecer la simetría entre el arte y el no-arte, lo excepcional y lo común, en un espacio tan familiar y conocido por todos como el espacio cotidiano.
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Este libro está ordenado por palabras claves temáticas (Parejas, Comida, Arte Moderno) y no en orden cronológico o geográfico (Prehistoria, Greciaà / España, Japón) que se conectan entre sí potenciando tantas lecturas de este libro como lectores se enfrenten a él. Repasa más de 800 obras maestras de la pintura, arquitectura, escultura, caligrafía y orfebrería de todas las partes del mundoContiene más de 160 ensayos comisionados para contextualizar las piezas que además se incluyen en una línea temporal desplegable que se puede separar del libro.La publicación coincide con el 150 Aniversario del museo
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El concepto de calidad siempre ha resultado escurridizo. La relatividad de los juicios de valor en estética es algo que desde Aristóteles hasta Kant y Croce ha quedado bien establecido en el pensamiento europeo, lo que suponía un freno a cualquier intento de definir y establecer con claridad conceptual en qué consiste la calidad en el arte. Alejandro Vergara se enfrenta a la difícil tarea de cercar este concepto convencido de la importancia de ese esfuerzo intelectual y para ello primero expondrá el recorrido sinuoso y esquivo de la idea de calidad a lo largo de la historia del pensamiento occidental y posteriormente, basándose en su amplio y reconocido conocimiento de la pintura europea de los siglos XV al XVIII, se adentrará en una exposición práctica, acompañándonos a descubrir, como si se tratara de una indagación detectivesca, qué se entendió en Europa por calidad durante tres largos siglos en los que se produjo gran parte de la mejor pintura europea.
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40 mensajes de arte urbano Al igual que los antiguos jeroglíficos egipcios, el arte de Banksy comunica mensajes complejos a través de imágenes icónicas. La obra de Banksy invita a reflexionar a quienes la encuentran: sobre los acontecimientos actuales, el papel de una persona en la sociedad, a observar la realidad con un ojo crítico y a hacerse preguntas sobre uno mismo y los demás. Así, este kit de Banksy ofrece 40 símbolos divertidos, relevantes y modernos con los cuales extrapolar mensajes de oráculo. Un kit innovador, que incluye un mazo de cartas y un libro, para plantear las preguntas más amplias y matizadas sobre la vida y nuestro lugar en ella.
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El arte español vinculado con las corrientes pop de los años sesenta ha sido visto, tradicionalmente, como una anomalía tanto en el panorama internacional como en la España del desarrollismo. Su carácter político es el que tanto en su momento como en la actualidad parece haberle dado un carácter especial y distintivo. Sin embargo, como se pregunta el autor de este ensayo, ¿qué pasaría si pensáramos en el pop no como un estilo, sino como un modo crítico de aproximarse a la realidad a partir de las estructuras y medios de la cultura de masas? Así, un nuevo modo de entender el Pop (como estrategia, y no como estilo) permite poner en duda la creación del canon anglosajón, y preguntarse por las preocupaciones que el recurso a los medios de masas pone al descubierto en las prácticas artísticas de nuestro país. Partiendo de las obras de arte y los diseños pop de Estampa Popular, el movimiento Crónica de la Realidad, los Nuevos Comportamientos Artísticos o los movimientos críticos Neo-Pop, Julio Pérez Manzanares recorre de manera brillante los años del Desarrollismo y la Transición, rastreando, en última instancia, un análisis de la imagen de sí misma que España ha venido creando tanto hacia el exterior como el interior a través del arte, su crítica y su poder y límites para transformar la sociedad.
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El luthier de Delft es una obra que analiza la música (aunque también el arte y la ciencia) del siglo xvii, especialmente centrada en la cultura neerlandesa. El libro gira en torno a tres personajes centrales, el pintor Jan Vermeer, el filósofo Baruch Spinoza y el músico Jan Pietrszoon Sweelinck. A partir de ellos, el lector se encontrará con la construcción de instrumentos musicales, sus maderas y barnices, así como con el papel de la mujer en el arte y la música, la vida de los pintores y el mundo simbólico de sus obras y los estudios científicos destinados a la óptica y la difusión del telescopio. Un libro lleno de resonancias y armonías, sabiduría y sutileza.
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Sopa de tomate contra un Van Gogh, manos pegadas a los marcos de un Goya. ¿Vandalismo ciego o el acto de protesta más lúcido de nuestro tiempo? En este ensayo tan deslumbrante como provocador, el historiador del arte Manu Martín argumenta con una contundencia arrolladora que la profanación de los símbolos no es un sacrilegio, sino una herramienta histórica de protesta y crítica sin parangón. «Una herejía ilustrada» que demuestra que, para rescatar el arte, a veces hay que «atacarlo». Con la precisión de un bisturí, Martín disecciona el concepto de «Patrimonio» para revelarlo como lo que a menudo es: una poderosa «religión civil». Una fe que nos enseña a venerar una cultura de élites mientras esteriliza las obras en templos-museo. Frente a esta liturgia, reivindica un patrimonio vivo, y por lo tanto político, que lejos de ser un panfleto se muestra como un riguroso recorrido histórico que va desde las «hogueras de las vanidades» del florentino Savonarola, hasta las sufragistas que acuchillaron la «Venus del espejo» para defender los cuerpos reales de las mujeres, llegando a los activistas que hoy usan el Prado y otros museos como altavoces globales. Martín demuestra que estas acciones no atacan el arte, sino que lo utilizan -además, sin dañarlo de manera real- para devolverle la vida que la institución les ha arrebatado. «Contra el patrimonio» es un manifiesto que nos invita a cometer el acto más liberador: dejar de rezar ante la cultura para empezar a usarla. Una obra valiente, polémica y destinada a convertirse en una referencia ineludible para entender las batallas culturales de nuestro presente.
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* Una caja que abre la puerta al vasto mundo de los pigmentos, perfecta para quienes aman el color en todas sus dimensiones: técnica, histórica y artística. * Cada una de las 52 tarjetas presenta en su anverso un color, su historia, composición química, producción y uso, y en el reverso, una obra de arte relevante que destaca dicho pigmento. Cada pigmento va acompañado de una muestra de color visual, sumamente práctica para los artistas. * A través de una presentación variopinta de la historia de la pintura, constituye una experiencia fascinante para quienes disfrutan del arte y también para quienes lo practican. Incluye pigmentos históricos y culturales diversos, empleados desde la prehistoria hasta el arte contemporáneo. Facilita una comprensión íntima e inmediata de los materiales que los grandes artistas han utilizado a lo largo del tiempo. Ideal para artistas que quieren conocer el trasfondo de sus materiales, aficionados al arte que disfrutan explorando historia y técnica, o estudiantes de Bellas Artes y museos como herramienta didáctica.
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«Me llevó toda una vida aprender a dibujar como un niño». Esta confesión de Picasso no constituye una frase ingenua, representa el código secreto que abre la bóveda de la modernidad. ¿Qué misterio custodian los trazos de un niño para que los grandes maestros de la vanguardia dedicaran décadas a intentar descifrarlos?A menudo, los primeros grafismos infantiles terminan olvidados en la puerta de la nevera como simples anécdotas escolares. Sobre arte infantil propone un viaje electrizante hacia el origen de la creación, allí donde el instinto desafía a la academia.Raúl Herrero convoca a figuras de la talla de Gauguin o Paul Klee en un diálogo vibrante donde la psicología, la filosofía y la historia del arte colisionan con movimientos como:-El dadaísmo y el surrealismo.-El postismo y el art brut.-El grupo CoBrA o la Escuela de Altamira.Enriquecido por la mirada pura y elocuente de Hermes Antonio Herrero Martín, este libro funciona como una brújula entre el aula y el museo. Representa una lectura imprescindible para educadores, progenitores, amantes del arte y cualquier persona dispuesta a redescubrir el mundo a través de la mirada más libre, pura y visionaria que existe.Sobre arte infantil no permanece en el estante como un ensayo más, se manifiesta como un recorrido visual y conceptual que nos lanza la pregunta definitiva: ¿En qué momento dejamos de pintar paredes para empezar a levantar muros?
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Un libro inspirador para todos los creadores, artistas y soñadores, ya estén comenzando su camino o buscando una nueva perspectiva. A través de su experiencia como novelista y mentora creativa, Amie McNee (@inspiredtowrite) comparte por qué el mundo necesita tu arte y cómo puedes hacerlo realidad. Propone un plan de dos semanas para recuperar el hábito y conectar con tu propósito. No se trata de escribir una novela en un mes ni de pintar una obra maestra de la noche a la mañana, sino de dar pequeños pasos constantes cada día que te permitan construir una práctica sólida. La autora aborda los grandes retos de cualquiera que se enfrente a su obra (el síndrome del impostor, el perfeccionismo, la procrastinación o la autocrítica) y nos invita a realizarnos como artistas y a reivindicar el derecho a crear con orgullo, sin miedo y sin pedir permiso.
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Joan Miró va trobar als Estats Units un espai de reconeixement i llibertat creativa. Aquest volum, igual que l’exposició que l’acompanya, situa l’experiència nord-americana de l’artista en un eix central de la seva trajectòria.Així, s’explica com, en els seus set viatges als Estats Units, Miró va artistes de diverses generacions que admiraven la seva obra i es van influenciar mútuament, tant en les seves obres com en les formes de treballar. A més, els encàrrecs que va realitzar a Cincinnati o Harvard, les dues exposicions monogràfiques al MoMA, així com també el suport i la complicitat del seu marxant Pierre Matisse i el seu amic Josep Lluís Sert, van ser fonamentals per a la trajectòria de Miró en aquell país.Amb textos de: Dawn Ades, Beatriz Cordero Martín, Marko Daniel, Matthew Gale, Patricia Juncosa, Robert Lubar Messeri, Teresa Montaner, Dolors Rodríguez Roig, Élisa Sclaunick, Elsa Smithgall i Anne Umland.
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Oro y estiércol reúne una selección de textos -traducidos por primera vez al castellano- en torno a la retablística, el barroco y la forestalidad. El autor no cree posible el culto a una imagen tallada en madera sin venerar al árbol que la encarna. Y es así como nace este libro de escritura arbórea en que la palabra y la madera se suplantan constantemente. El nacimiento sucede en el intersticio que implica todo encuentro, el del sujeto y el árbol, el del sujeto y el retablo recubierto con el oro que vistió la madera y que nos alerta acerca de su encarnación. No es este un estudio sobre retablística. Es un ejercicio de escritura en el que, del mismo modo que la madera encarna la imagen, la palabra encarna al bosque que está «detrás» del retablo. El autor dice que el libro gira fértil y exhausto a la vez sobre estas dos certezas y es que, en efecto, la exuberancia y la extremosidad de la palabra lo caracterizan. Pero se trata de palabras «rumiadas», como quería san Bernardo que sucediera en la meditación. Nos encontramos ante un ensayo -en el sentido etimológico de «acto de sopesar»- en el que se mide el valor de la palabra: no es un retablo, no es un bosque, sino un libro, aunque estas tres realidades se encuentran en una relación de perfecta equivalencia. El lector paseará entre los árboles de un bosque, entre las molduras doradas de los retablos y entre las palabras que dan nueva vida a bosques y retablos.
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Tothom ha sentit a parlar dels famosos volcans d’Olot, com el Croscat o el Santa Margarida. Però sabies que a Catalunya n’hi ha prop de 150? Més enllà de la Garrotxa, trobem cons volcànics i colades de lava a l’Empordà, el Gironès, la Selva i ns i tot al Maresme. Aquesta guia et convida a explorar aquest ric patrimoni geològic des d’una mirada excursionista i naturalista, per redescobrir un paisatge sorprenent i, sovint, oblidat.
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La escultura es la gran aportación de India al arte universal y constituye el arte que con mayor vehemencia refleja su peculiar forma de ver y de pensar el mundo. En este libro la autora reflexiona sobre los ideales que la sustentan y las consecuencias plásticas de éstos durante su periodo de máximo esplendor, que abarca nada menos que mil años de su historia (desde el siglo quinto hasta el siglo quince aproximadamente). La escultura, además de ser un espejo para adentrarse en el conocimiento de una cultura tan extraordinaria como la india, es un ejemplo de elocuencia formal, un catálogo de los riquísimos materiales naturales que evidencia la capacidad de los escultores para extraer de ellos una expresividad inaudita y un paradigma de la vitalidad de la connivencia de forma y contenido. Así mismo, a través de la estatuaria, se pone de manifiesto el talento de los artistas para hacernos sentir de una forma física las historias, mensajes y emociones que las obras pretender transmitir. Un arte, en definitiva, de una enorme capacidad empática que, como quiere reflejar el título de este libro, tiene la habilidad de convertir las obras del hombre en instrumentos para la vivencia de la naturaleza material y hacerse uno en la materia del mundo.
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Esta edición actualizada contiene 10 entradas nuevas referentes a las obras más importantes realizadas a partir del 2015 (Fecha de publicación del último formato). Obras desde el 28.000 a.c hasta nuestros días.El libro contiene 600 de las mejores obras de arte en cualquier disciplina (pintura, escultura, textil, metal o cerámica), desde obras maestras icónicas a obras menos conocidas. Las obras aparecen en orden cronológico y las parejas nos muestran un mismo punto temporal y un distinto lugar geográfico.Los textos están escritos por 35 comisarios, académicos y arqueólogos de todo el mundo.Contiene un glosario de términos artísticos y una línea temporal ilustrada con las obras que aparecen en el libro.
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Los monumentos son reflejo del pasado, de los valores de la sociedad que encargó y sufragó la obra, y retratan el imaginario de la memoria colectiva. Por lo general, no constituyen sino un elemento más del paisaje por el que paseamos o un atractivo turístico que visitar y ante el que fotografiarse. Pero, en ocasiones, cuando se produce un profundo giro de mentalidad o una aguda agitación política, estos monumentos estorban. Ocurre entonces que estas obras, en el peor de los casos, son objeto de vandalismo y reciben la violencia que está dirigida contra aquellos valores o personalidades que representan.En esta historia de los monumentos públicos, en la que se contextualiza el uso que se ha hecho –y se hace– de ellos para construir un discurso, se pone de relieve que la actual cancelación histórica es el último eslabón de una larga secuencia que se inicia en la Antigüedad. En sus páginas, asistiremos a la ocultación, sustitución, modificación o destrucción de estatuas para comprender que la reacción social de distintas épocas ante sus monumentos es cualquier cosa menos inocua. Tampoco en esto resultamos particularmente originales.
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Una mujer desvalija los almacenes de los museos madrileños tras la guerra civil. LLeva una tarjeta de visita con un título aristocrático que se ha inventado. Expolia tapices de seis metros, cientos de cuadros y todo tipo de bienes culturales. No es la única, también lo hacen los vigilantes del arte, monjas, anticuarios, directores de museos... Esta es una increíble historia real sobre el mayor robo de obras de arte sucedido en España, que la ficción no se había imaginado y en la que aparece una presunta espía soviética, que vende al Museo del Prado por una millonada el autorretrato falso de un gran pintor holandés. Aquí tienes un episodio oculto de la posguerra.
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Si estás pensando en hacerte un tatuaje japonés y quieres saber más sobre esta expresión artística de raigambre histórica, ¡no busques más! Este libro sigue los pasos de la historia del tatuaje japonés, situando en su contexto la iconografía y los símbolos. No solo encontrarás tatuajes tradicionales a tebori (hecho a mano) e inspiradoras imágenes de los clásicos dragones, tigres y flores, sino también trabajos modernos inspirados en el anime y mucho más. Incluye entrevistas con artistas especializados en tatuaje japonés y perfiles de clientes tatuados que hablan de lo que significa para ellos el tatuaje japonés. Este libro otorga el respeto y la reverencia que el sagrado y atemporal arte de la tinta merece.
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Esta guía es obra del grupo de trabajo Museus i Gènere, que tiene como objetivo transmitir una socialización de los géneros que elimine los aspectos negativos y las jerarquías de los modelos vigentes y abra camino al pleno desarrollo de una sociedad igualitaria, democrática y justa en el mundo del patrimonio y de los museos. Así, la guía ofrece algunas pistas de reflexión y algunas propuestas de actuación para aplicar la perspectiva feminista en el trabajo diario en el museo.
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En la China clásica el arte se ha expresado a través de la tinta, el papel y el pincel, y la poesía, la caligrafía y la pintura formaron una unión inseparable llamada las «tres perfecciones».En este libro, la autora hace un recorrido por las diferentes dinastías Imperiales presentando a las mujeres pintoras chinas más importantes cuyas obras han sido seleccionadas por su riqueza y variedad para ser analizadas y contempladas. La vida de estas artistas estuvo íntimamente vinculada a sus orígenes sociales y a tradiciones como el confucionismo que limitaron en gran medida su espacio de actuación. En la soledad de sus hogares o rodeadas de numerosos admiradores, indiferentes a la fama o resueltas a encontrarla, todas llegaron a la madurez técnica y supieron captar el verdadero espíritu de la naturaleza que representaron con una belleza ilimitada y un delicioso estilo poético.Las Grandes Damas de la Pintura China, llegarán al corazón de todos los seres sensibles sin obstáculos y cuando contemplen sus obras, comprenderán inmediatamente los misterios que ante ustedes se revelarán, y su huella será tan fuerte como el trueno que logra romper el arte de pintar en silencio.
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Razones y sin razones por las que el mejor torero que hemos visto se convirtió en fenómeno de masas, en ídolo contracultural y en representación artística extrema.Morante de la Puebla no es solo un torero. Es un acontecimiento. Una categoría. Una religión civil. Un artista que ha atravesado el tiempo y el toreo hasta convertirse en una figura social, política, estética y cultural de primer orden. La conversión de Morante de la Puebla en fenómeno de masas, en ídolo contracultural, en icono transversal ha coincidido con su temporada más arrebatadora, la de 2025. Rubén Amón ha querido capturar el instante antes de que se disuelva. Narrar lo que ha pasado sin que nadie haya sido capaz de explicarlo del todo. Porque el morantismo no es una moda: es un síntoma, un misterio, una forma de entender el arte, la identidad y la nostalgia. El resultado es una obra viva, literaria, crítica y apasionada, que no pretende domesticar a Morante, sino acompañar su enigma. Hay reflexión pero también urgencia informativa. Morante, punto y aparte es una sugestiva y trepidante mezcla de crónica periodística y de ensayo concienzudo.
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Cinco décadas en espiral es una retrospectiva inversa del trabajo de la artista mexicana Magali Lara.La exposición al MUAC (Ciudad de Mexico abril-octubre 2025) inicia con los murales que realizó para la muestra y concluye con sus primeros dibujos de las décadas de 1980 y 1970.Como la línea inconclusa -en fuga- de la espiral, la muestra revisa la búsqueda artística y espacial de Lara a lo largo de su producción, es decir, cómo genera un lugar formal, plástico y afectivo para proponer un territorio propio. Su obra, a partir de una configuración concreta, manifiesta una pulsión por aprehender una asociación arrolladora de formas. Desde el inicio de su trabajo se ha interesado por la noción del espacio opuesto, el remanente que subyace en ausencia. Su investigación ha abordado de qué manera significar el blanco del lienzo y del papel, y cómo denotar las pausas y los silencios imperceptibles entre pinceladas y gestos, así como los vacíos minúsculos que sobresalen entre palabras e imágenes. Su experimentación artística es la exploración de un lugar que nunca concluye, que se prolonga en espiral, esbozando un rastro en negativo que se abre y amplía hacia otras narrativas. La muestra enfatiza la indagación en ese ritmo que emerge desde los márgenes y que conforma su propia perspectiva: ''Es posible que un dibujo contenga un relato de la misma manera que una frase dice en lo no dicho''. Los intervalos e intersticios sobresalen entre los elementos compositivos dentro del soporte y, también, entre el propio marco y la pared que lo enmarca. La pieza siempre está en relación con, detenida en un contexto expandido que la connota y la sitúa, palpitando de forma permanente entre el afuera y el adentro.
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Obras, notas y procesos | Works, notes and processes
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Primer volumen de la famosa Historia de la estética del gran teórico polaco. El libro incluye numerosos textos originales que -siempre presentados en edición bilingüe- constituyen el fundamento teórico de la obra.
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Sorprendente mezcla de dulce locura, de humor, de audacia, de curiosidad, de sutileza, de gusto literario, de propensión a la risa, de amor ciego por el arte, de virulencia y de sencillez, de vitalidad y de neurosis, de fantasía y de capacidad de análisis, el belga Félicien Rops (1833‐1898), personaje intrépido, de irreprochable nobleza, es un artista sin igual y, probablemente, sin sucesor.
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Splashing Mies recoge un proyecto de Alberto Peral en el Pabellón Alemán (Pabellón Mies van der Rohe) de Barcelona, construido por Mies van der Rohe y Lilly Reich para la Exposición Internacional de Barcelona de 1929. La intervención de Alberto Peral parte de los elementos constitutivos más reconocibles del edificio —los reflejos presentes en las piedras, vidrios, metales y superficies de agua, la mítica rigidez estructural y constructiva del genio alemán— para poner en crisis lo comúnmente aceptado. Con prácticamente un único elemento que ubica en distintos lugares y al que dota de diversos usos (vigas que no soportan, pilares que no son tal, cañerías como fuentes que rompen la quietud de los estanques), se plantea resignificar el mito, despojándolo de la sacrosanta frialdad, y así acercarlo al goce mediterráneo de las contradicciones que se muestran y del agua que fluye y nos salpica.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.
