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Llibres d'art
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La cancelación fallida del arte de las vanguardias.“Degenerado, judío y bolchevique.” Así definía Adolph Hitler el arte de vanguardia: el arte de Chagall, de Otto Dix, Paul Klee, Kandinsky, Picasso, Mondrian u Oskar Kokoschka.Con la finalidad de denigrarlas ante el arte del nuevo Reich, los nazis requisaron de colecciones privadas y museos públicos todo tipo de obras adscritas a los distintos movimientos artísticos de principios de siglo y las convirtieron en objeto de mofa en una exposición inenarrable: la exposición del “Arte degenerado” que, inaugurada en Múnich en julio de 1937, emprenderá luego un periplo por todo el país hasta convertirse en una de las exposiciones de arte más visitadas del siglo XX.Paradójicamente, con esta iniciativa, los nazis, antes que ''cancelarla'', acabaron cristalizando la modernidad contemporánea mucho mejor que cualquier otra manifestación artística.
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Un libro de lujo del famoso videojuego.En conmemoración al 15º aniversario de Assassin's Creed se ha llevado a cabo un análisis exhaustivo de la creación de la galardonada franquicia, con magníficas ilustraciones de más de una década y media de desarrollo y entrevistas detalladas con los creadores de los juegos.
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Este libro recoge conversaciones con nueve artistas y colectivos cuya obra no solo diagnostica las tensiones y desafíos actuales, sino que propone alternativas prácticas y conceptuales para habitar nuestro planeta. El libro tiene como inspiración a los hongos, especialmente los matsutake que, como nos recuerda Anna Tsing, prosperan en paisajes devastados, deviniendo en un potente modelo para imaginar formas de vida resilientes y colaborativas. Desde esta perspectiva, las ruinas dejan de ser un símbolo de nostalgia inmovilizadora para convertirse en terreno fértil de posibilidades.A través del género de la entrevista, el libro teje reflexiones sobre la vulnerabilidad, los cuidados y el duelo como formas de estar en el mundo. Las voces de los artistas abordan no solo el qué de la crisis ambiental, sino también el cómo: cómo construir imaginarios alternativos, cómo repensar nuestras relaciones con lo humano y lo no humano, y cómo el arte puede trascender la representación para convertirse en un activismo práctico.Entre Ruinas es un semillero de ideas y prácticas que desafían los imaginarios hegemónicos del capitalismo, el antropocentrismo y el especismo. Una exhortación a ensanchar las posibilidades y a pensar otros mundos posibles desde el arte y la acción colectiva.
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Un dialogue entre l'Orient et l'Occident
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El trabajo de Rodríguez-Méndez nace del lenguaje de la escultura, desde donde ha evolucionado en direcciones que lo vinculan con la materialidad, la semántica, la temporalidad o la fisicidad, configurando un cuerpo de obra escurridizo, difícilmente clasificable y altamente sugerente, que ha ido desmaterializándose a lo largo de casi treinta años hasta un punto en que la ausencia, la oquedad o lo omitido hallan estructura para reivindicarse, erigirse y sostenerse. Humores y Espesores se configura mediante una doble vía: por una parte, articula un recorrido sucinto a su ya extensa carrera como artista, por otra, aporta una selección de series fotográficas, instalaciones o acciones de reciente creación, algunas de ellas inéditas hasta la fecha.Humores y Espesores confirma la relevancia de un cuerpo de obra que se ha materializado en instalaciones planteadas desde un rigor y un entendimiento del espacio poco habituales, de trabajos específicos que han condicionado durante largos periodos su día a día y el de su estudio, o de series alargadas durante más de una década, que han convivido con el desarrollo de otras y que han abierto nuevas vías de investigación, siempre desde el lenguaje escultórico, que es al que el artista consagra su práctica, sea cual sea el modo en que cobra forma.
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Con la sensibilidad y genio de un artista, Frida logra en su diario personal construir para sí misma un camino de autoconocimiento y liberación, utilizando imágenes y palabras, e integrando múltiples formas de expresión: asociación libre de ideas, garabatos, collages, dibujos, pinturas, poemas, cartas, narraciones y relatos -realistas y fantásticos- de su propia vida. Inspirados en el diario de Frida Kahlo, creamos este Cuaderno íntimo, con la intención de ofrecer un espacio de encuentro con uno mismo a través del arte. Este libro no pretende ser un manual técnico para hacer arte, es una invitación a la reflexión, a la creatividad y a la renovación personal.
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Articulado sobre cinco conversaciones entre David Bestué y personas vinculadas a Madrid desde muy diversos ámbitos —los arquitectos María Langarita y Víctor Navarro, el arqueólogo Alfredo González-Ruibal, el periodista Borja Casani, el cineasta y escritor Luis López Carrasco y la poeta Olvido García Valdés—, este trabajo complementa la exposición FLOR HISPANIA, comisariada por Bestué y enmarcada dentro del programa del Museo Centro de Arte Dos de Mayo que invita a artistas a realizar lecturas personales en torno a la colección del museo.Tanto en el planteamiento curatorial como en las piezas de su propia autoría, David Bestué descompone y reinterpreta símbolos, iconos y elementos históricos de Madrid, buscando nuevas formas de reflexión y diálogo con la tradición y las narrativas visuales. El conjunto convierte FLOR HISPANIA en un espacio de interrelación que revela las múltiples facetas, tensiones y riquezas del contexto urbano y cultural madrileño, y sus constantes contradicciones y transformaciones. El catálogo incluye, además de una selección de obras, objetos e imágenes, una entrevista de los editores a Bestué.Madrid es centro geográfico, político, económico y simbólico de España. Hay quien piensa que esa cualidad vincula la ciudad a la pureza de unos valores, de una tradición, y hay quien, sin embargo, cree que su posición la obliga a ejercer de motor de cambio del país. Estas visiones contrapuestas tienen un correlato físico entre los que entienden Madrid como algo estable, invariable, y los que, por el contrario, la conciben como una trama de fuerzas en conflicto.David Bestué
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CryptoPunks es una de las primeras y más buscadas colecciones de criptomonedas del mundo, serie pionera en el arte digital y la cultura web3.CryptoPunks: Free to Claim explora el ascenso meteórico de un coleccionable NFT preeminente: lo que comenzó como un experimento de propiedad digital se ha convertido en el catalizador de un movimiento de arte digital y una subcultura dinámica sinónimo de una nueva era de Internet.Acuñados en la cadena de bloques Ethereum en 2017, los CryptoPunks (10 000 personajes de píxeles generados de forma única) han producido más de 2300 millones de dólares en ventas acumuladas y han entrado en las colecciones permanentes de importantes instituciones, como LACMA y Centre Pompidou, al tiempo que fomentan una comunidad en línea apasionada y descentralizada.Los 10 000 CryptoPunks se presentan en un catálogo razonado especial de más de 400 páginas dentro de este libro, con una lista completa que incluye Punk, número, tipo, colores, atributos y hash de imagen. Una línea de tiempo ofrece una recopilación de publicaciones y tuits de miembros de la comunidad a medida que se produjeron, al estilo de una revista, mientras que un extenso glosario define más de 100 términos e ideas de autoría anónima con contribuciones de invitados como Beeple, Emily Segal, Venkatesh Rao y más.Con una entrevista en profundidad entre Hans Ulrich Obrist (director artístico de Serpentine Galleries) y los fundadores de CryptoPunks, Matt Hall y John Watkinson, este libro de culto y que define una categoría presenta una colección caleidoscópica de textos, entrevistas y ensayos visuales que exploran este mundo emergente de la web3 y la cultura digital en general, inspirando una primera ola de libros visuales sobre este tema innovador.El libro está dirigido a todos los niveles de conocimiento y presenta contribuciones únicas de figuras fascinantes en tecnología, diseño, moda, finanzas y arte contemporáneo, entre ellos: Anika Meier, Alexis Ohanian, Mat Dryhurst, Noam Segal (Guggenheim), Philippe Bettinelli y Marcella Lista (Centro Pompidou), Michael Connor (Rhizome), Mindy Seu, Chris Lyons (a16z), Salome Asega (NEW INC), Simon Denny, Shumon Basar, Martina Tiefenthaler, Jack Butcher, Sean Bonner, 6529, entre otros.
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Entre las muchas y muy diversas influencias de otros maestros que confluyen en la obra de Picasso, la del Greco es quizás la más temprana y decisiva, ya que se inició a finales del siglo XIX, cuando el malagueño, casi adolescente, residía en Madrid. Estudiante de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, sabemos que Picasso pasó más tiempo en el Museo del Prado copiando a los grandes maestros que en la propia Academia. «¡Greco, Velázquez, inspirarme!» o «Yo, el Greco» se puede leer en dibujos de aquellos años de formación. Recuperado del olvido por los jóvenes vanguardistas de aquella época, el Greco, con su audaz desafío al canon de la tradición clásica, aportó las claves a Picasso para romper definitivamente con el arte del pasado y con los pilares de la representación tradicional.El Greco acompañó a Picasso durante toda su trayectoria, pero su influencia fue especialmente crucial para el desarrollo del cubismo y, en particular, del cubismo analítico. En esta primera fase del cubismo, el tema se descompone en fragmentos geométricos que van acumulándose hasta crear una imagen.Picasso crea una ilusión de relieve y profundidad que se basa en el sombreado y en la que destaca la bidimensionalidad del lienzo, al mismo tiempo, recuerda al Greco en el aplanamiento de la perspectiva y el formato vertical, incluso en la pincelada, que evoca los «crueles borrones» –en palabras de Francisco Pacheco– del cretense
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Pocos autores han sabido desentrañar las conexiones secretas entre el arte, la política, la memoria y la muerte con la lucidez de John Berger. Esta colección de ensayos es la mejor puerta de entrada a su pensamiento.Antes de convertirse en uno de los intelectuales más influyentes de nuestra época, John Berger quiso ser pintor, quizá por eso, cuando escribía, más que escribir pintaba con las palabras. Por eso, cuando en estas páginas escribe sobre cubismo, no sólo escribe acerca de Braque, Léger, Picasso y Gris, sino también de ese milagroso momento al inicio del siglo pasado cuando el mundo convergía alrededor de un prodigioso sentimiento de esperanza. Cuando analiza el trabajo de Modigliani, ve el amor infinito que se revela en las alargadas líneas de la figura pintada. Recreándose desde el Renacimiento hasta la conflagración de Hiroshima, desde el Bósforo hasta Manhattan, desde los tallistas de un pequeño pueblo de Francia hasta Goya, Durero y Van Gogh, y desde sus experiencias personales de amor y pérdida hasta los levantamientos políticos que definieron el siglo XX, este libro nos incita a mirar con la misma tolerancia, coraje y compromiso moral con que mira su autor.El sentido de la vista no es una simple antología: es un completo mapa del pensamiento de un verdadero maestro de nuestro tiempo. Con la mirada de un pintor y la voz de un poeta, Berger nos enseña a descifrar y transformar el mundo. Una lección de lucidez, humanidad y compromiso teórico.
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Aquest volum aplega les tres tragèdies de Sòfocles que exploren el destí de la nissaga reial de Tebes. Èdip rei se centra en el moment en què l'home que ha vessat la sang del seu pare i ha entrat al llit de la seva mare pren consciència de la seva situació. Èdip a Colonos ens porta al punt en què el potagonista, cec i exilitat, ha de decidir si es queda a Àtica o retorna a Tebes. I Antígona aborda el conflicte que sorgeix entre Creont i Antígona, per si cal enterrar o no a Polinices, que ha mort lluitant.
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¿Adónde irá el pájaro que no vuele?, comisariada por Ángel Calvo Ulloa y Julia Castelló, reúne a artistas cuyas obras están atravesadas por la idea de la generosidad. La exposición forma parte de la celebración del 25 aniversario de Generaciones, la convocatoria para jóvenes artistas de la Fundación Montemadrid, y presenta el trabajo actual de artistas que han sido parte de la historia del premio. En paralelo, la exposición se expande bajo el título ¿Adónde iré yo que no te lleve? a tres espacios independientes de creación y reflexión contemporánea cercanos a La Casa Encendida: Araña, Conciencia Afro y La Parcería.Con textos de Ángel Calvo Ulloa y Julia Castelló y Laurence Rassel.Incluye colección de 13 posters
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Una compilación de las teorías estéticas elaboradas por la cultura del Medioevo, desde el siglo VI hasta el XV de nuestra era «Umberto Eco cambió nuestra mirada sobre los libros: imprescindibles, pequeños, frágiles, a veces criminales, casi siempre salvadores. Un maestro que nos enseñó a entrelazar la sabiduría y el juego con su estilo sagaz y lúdico, con su asombrosa inventiva y certera lucidez.»Irene Vallejo El concepto de «estética» nace en Europa en el siglo XVII y, por lo tanto, muchas historias de la estética tomaron en escasa consideración las teorías de la belleza y del arte elaboradas antes de estas fechas. Ahora bien, desde hace muchos años la actitud de los historiadores ha cambiado y la Edad Media se ha valorizado como una época rica en especulaciones fascinantes sobre la belleza, el placer estético, el gusto, la belleza natural y la artificial, las relaciones entre el arte y las demás actividades humanas. En este compendio de las teorías estéticas elaboradas por la cultura del Medioevo, desde el siglo VI hasta el XV de nuestra era, Eco reconoce, de forma accesible para el lector no especializado, las etapas de un debate que presenta aspectos dramáticos y apasionantes, y nos permite entender mejor la mentalidad y el gusto artístico del hombre medieval.Reseña:«Un estudio delicioso... Tremendamente lúcido y fácil de leer, el ensayo de Eco está cargado de excelencia y de la energía de un hombre enamorado de la materia.»Boston Globe
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A breathtaking celebration of flowers spanning centuries, cultures, and continents – now available in a compact format.Flower invites readers to explore the endless ways artists and image-makers have employed floral motifs throughout history. Now available in a sleek compact format, this critically acclaimed survey showcases more than 300 gorgeous large-scale images representing a range of styles and media – from fine art, botanical illustrations, and sculptures to floral arrangements, film stills, and fabric designs.Curated by an international panel of art historians, museum curators, botanists, florists, horticulturalists, and more, the wide variety of works are each accompanied by a brief, enlightening description. Pages follow a visually stunning sequence, with unexpected pairings that create connection and contrast. Readers will discover van Gogh’s sunflowers next to a twentieth-century photograph, a delicate Victorian-era diamond bodice ornament juxtaposed with a baroque oil still life, and other surprising spreads, making leafing through this book a joy for anyone who appreciates the beauty of blooms.
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En FLUJO VISUAL se publican un conjunto de reflexiones, desde una perspectiva fluida y dinámica, en donde la realidad es percibida en perfecto cambio y, al mismo tiempo, ese cambio es a su vez, paradójicamente, un continuo.Valerio Rocco introduce el debate desde una perspectiva filosófico-artística atendiendo a la evolución histórica del arte, en una puja constante del creador contra los límites materiales que cada disciplina artística presenta. En esta confrontación se sitúa la reflexión que plantea Ana Marcos.Los autores aportan razonamientos que parten de lugares de reflexión diferentes. Lois Patiño interviene desde su experiencia personal como creador de imágenes en movimiento, y ello le permite pensar sobre los elementos inmateriales que ordenan e impulsan su actividad, desde un sentimiento oceánico, pero también da cuenta de aspectos muy concretos y materiales del mercado audiovisual y de sus condiciones de trabajo.Valentín Vallhonrat, por su parte, nos describe el flujo histórico de la fotografía desde su origen hasta la actual cultura de la imagen, así como la evolución que va desde los propósitos científicos iniciales de los primeros fotógrafos, la necesidad de precisión y exactitud, a la diversidad y el desarrollo proteico y biogenético de la fotografía en estos momentos. La biogénesis creadora subyace ante el reto de la mal llamada “inteligencia artificial”, pues la vida solo se genera desde la vida y el arte es fruto de seres vivos: los seres humanos.
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Sumérgete en el fascinante mundo del dibujo y el color junto a Jessica Smith y su fantástico imaginario creativo. Descubre las maravillas que puedes llegar a crear cuando dibujo y color se dan la mano. A través de 50 proyectos, sencillas instrucciones y claras indicaciones, la autora te ofrece todo lo que necesitas para zambullirte de pleno en un bello mundo colorista. Desde flores y animales hasta divertidos objetos y personas, para cada uno de estos ejercicios de dibujo encontrarás además su muestrario de color y plantillas para empezar. Deja atrás el miedo a la página en blanco y encuentra la inspiración que necesitas para dar rienda suelta a tu creatividad y lanzarte a dibujar y colorear libremente.
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Cada año, cuando llega la noche de San Juan, Alicante se transforma. El fuego toma las calles, la pólvora estalla en el aire y la ciudad entera se entrega a una celebración que es mucho más que una fiesta: es historia, identidad y emoción compartida. Las Hogueras de San Juan son el reflejo de un pueblo que sabe celebrar la vida, honrar sus tradiciones y reinventarse sin perder sus raíces. En este libro, Baltasar Bueno recorre el origen, la evolución y el significado profundo de una de las fiestas más importantes del Mediterráneo. Desde sus antecedentes más antiguos hasta su consolidación como gran evento cultural y turístico, el lector descubrirá no solo cómo son las Hogueras, sino por qué siguen fascinando a quienes las viven. Una obra para entender Alicante... y para sentirla.
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La Década Perdida es un libro que nace del puro interés periodístico, de la necesidad de saber cómo, en un periodo tan corto de tiempo, dos clubes de semejante entidad han seguido caminos tan dispares. Un documento que no busca culpables, sino la confrontación directa de versiones, para que así sea el lector quien saque sus propias conclusiones.
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La obra genial de Freud es esta reforma fundamental, este descubrimiento de un nuevo campo de experiencias, este ensanchamiento formidable del campo de acción del alma. De una sola vez la esfera anímica perceptible multiplica su extensión anterior y ofrece a la ciencia, debajo de la superficie, la profundidad. Merced a esta modificación en apariencia insignificante, todas las medidas del dinamismo psíquico quedan trastornadas, y de golpe las ideas decisivas aparecen sencillas y naturales.
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“Sus locos y sus bufones tienen menos de deformes que de profundamente humanos, a tal grado el sufrimiento y la desgracia no parecen ser, en verdad, para Velázquez, más que motivo supletorio para esquivar lo contingente y profundizar en uno mismo, traspasándose hasta la misma esencia.”René Schwob (1895-1946), escritor y crítico de arte francés de origen judío convertido al catolicismo reúne aquí sus impresiones sobre Madrid, especialmente sobre los cuadros que ahí pudo ver de los grandes maestros de la pintura española: Velázquez, El Greco y Goya.
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Capítulo I. Las palabras y los nombres (Juan José Gómez Molina), Capítulo II. Radiografía de un viaje (Juan José Gómez Molina), Capítulo III. Las palabras del dibujo (Lino Cabezas), Capítulo IV. Las palabras del dibujo: sobre el pensar gráfico (Miguel Copón), Bibliografía.
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“La maestría de Anton Raphael Mengs se distingue por la gracia que imprime en sus obras, esto es, por aquella cosa que se siente mejor que se explica, y consiste en una cierta suavidad en los contornos, facilidad en los movimientos, que no muestran nada forzado, en el escoger aquel preciso movimiento que toman todas las partes cuando se muestran agradables, y en fin en la naturalidad y armonía de composición y colorido.”José Nicolás de Azara, mecenas y diplomático, fue destinado por muchos años a la embajada española en Roma, ciudad en la que coincidió con Mengs, con el que trabó gran amistad. Muerto el artista, editará sus escritos y ensalzará su legado pictórico.
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Atento a la vieja tradición filosófica que pone el cuerpo en lo aparente, lo que aquí se escribe se inserta en esa tradición, pero al tiempo, y en rigor, la lee de otra manera. Porque, efectivamente, el cuerpo es ficción, y como tal se esconde en la apariencia, cambia continuamente, se presenta como lo que no es. El parecer marca su realidad, y parecer es estar en relación con otro, para otro, para el otro. Un cuerpo no tiene en sí. Siempre que se da lo hace en apariencia, aparentando, en imagen, si bien, y dicho de un modo más preciso, ese presentarse no oculta ninguna verdad eludida, ningún ser cierto en otro lugar bajo el camuflaje de la apariencia. Visto así, es una invención. También esto vale para todo cuanto se dice y se pinta sobre él, para este discurso sobre el cuerpo, para estos Corporales que envuelven y se añaden al cuerpo, que lo recogen de algún modo, pero que también lo cubren, lo tapan sin saber jamás lo que encubren. Y todo ello por más lucidez que les obligue y por mucho que el cuerpo sobre el que escriben sea un cuerpo completamente abierto.
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Después del fenómeno mundial Roba como un artista, llega Esto no es arte, el libro No.º 1 en creatividad que te ayudará a desbloquear tu imaginación y volver a crear con la libertad de un niño. De Austin Kleon, arista y autor best seller internacional con más de 2 millones de ejemplares vendidos. ¿Te sientes quemado, disperso y sin una sola idea nueva? Nos pasa a todos: las ideas dejan de fluir, la chispa se apaga y crear ya no se siente tan emocionante como al principio. Da igual en qué momento de la vida estés, todos necesitamos volver de vez en cuando a ese estado de asombro, juego y descubrimiento en el que todo parecía posible. Este libro es un reset creativo para volver a mirar el mundo con curiosidad y soltar las reglas que te bloquean. Inspirado por sus hijos, Kleon comparte diez lecciones que te dan permiso para crear sin temor, tirar las instrucciones, creer en la magia y pensar más allá de tu cabeza. Con su inconfundible estilo que combina ilustraciones, citas creativas, historias y ejemplos, Esto no es arte es un chute de energía que te invita a jugar, ensuciarte y reconectar con el placer salvaje de crear a tu manera.Lo que dicen los expertos sobre Roba como un artista... «A partes iguales manifiesto y manual de instrucciones, este libro pretende introducir a los lectores en la idea de que todo trabajo creativo es iterativo, ninguna idea es original y todos los creadores y su obra son una suma de inspiraciones y héroes...». Forbes«Alarmantemente atractivo». CNN «Una lectura breve, fácil y muy personal, repleta de consejos prácticos para poner en marcha la creatividad». Business Insider «Sumergirse en este libro es la mejor inversión que puedes hacer en la vida de tu mente».The Atlantic
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Publishing is the opening number to a line of publications from MACBA’s Education Department inspired by the day-to-day educational practices within contemporary art and museums. This first edition in the Quadern d’educació (Educational Notebook) provides time to think about our experiences, share what we have learnt and to think about publishing as an artistic and pedagogical practice. As such, fanzines, stickers, conceptual maps, picture books and hashtags become gestures that cause us to reflect on the how, why, and to whom education is made public.Why the need to publish? How can we make ourselves public? What has been published so far? A set of essays proposes possible answers to these questions. Aida Sánchez de Serdio Martín follows the historic tracks of education in museums through a DNA analysis of its thoughts and historical moments, Macarena García and Belén Soto explore concrete methods for ‘publishing’. The first, in a text which investigates a rather singular artefact, the challenging picture book, and the second opens up the meaning of ‘publishing’ in the context of the internet era and social media, Lluc Mayol and Alba Oller review Massa Salvatge’s experiences with editorial processes conceived as educational projects, or conversely, educational processes conceived as editorial ones, and Camila González Simon turns our gaze towards fanzines as a community-building medium as sources of creativity and pedagogy. Finally, a series of footnoted images, which uses as a pretext different activities of MACBA’s Education Department, are interspersed throughout the notebook as a working tool to think about those same questions.
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Entre la memòria íntima i la poètica dels objectes, L'imant i les coses és el primer llibre de l'artista Mateu Coll. Amb una escriptura fragmentària i evocadora, però lluny de qualsevol nostàlgia, Coll construeix una obra on les coses —les trobades, les perdudes, les salvades— esdevenen dipositàries de vida i alhora testimonis del pas del temps. Cada objecte conté una història, una absència, un record, i el text s'erigeix al seu costat com un inventari afectiu que reivindica la bellesa i la fragilitat d'allò que resta. Amb fotografies de Jean Marie del Moral i un epíleg de Sebastià Perelló, a L'imant i les coses les imatges dialoguen amb la paraula escrita i n'intensifiquen la dimensió reflexiva i sensorial. Un llibre que s'inscriu en la tradició de la literatura de l'objecte i de la mirada —de Walter Benjamin a Mario Praz, de Virginia Woolf a Susan Sontag— i que aporta una visió pròpia i contemporània sobre el poder magnètic de la matèria i el desig inefable de retenir allò que s'esvaeix.
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Este libro no es una historia del arte al uso. No es un recorrido por las consideradas grandes obras del arte universal y que habitualmente aparecen en los manuales escolares. Tampoco es un recetario de cómo distinguir el arte románico del gótico.Esta historia irreverente del arte se centra en la Europa occidental y el Mediterráneo, desde la caída del imperio Romano de Occidente hasta el siglo XV, para recorrer en un extraordinario viaje artístico lugares como Roma, Constantinopla, Damasco, Granada o Florencia y explorar la sensibilidad de aquellos artistas que, con su desempeño, han construido la cultura en la que vivimos.
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La Semana Santa siempre ha sido un gran relato que Sevilla se cuenta cada año, como quien abre un libro que nunca termina del todo. Y, la verdad, pocas veces hemos mirado con calma cómo la literatura ha dado forma a ese relato, cómo lo ha sostenido y, además, lo ha reinventado siglo tras siglo. En La Semana Santa literaria, Eugenio J. Vega Geán nos guía por versos, crónicas, romances, novelas y pregones que han ido dibujando la fiesta mayor en la memoria cultural de la ciudad. Hay momentos en que casi vemos pasar una cofradía antigua entre líneas, otros en los que escuchamos el eco de quienes escribieron para salvar del olvido lo que vivieron. Este libro abre puertas a autores que imaginaron la Pasión, a viajeros fascinados, a románticos, modernos y voces contemporáneas que siguen narrando lo que Sevilla siente. Si quieres comprender la Semana Santa desde dentro —desde su emoción más íntima y desde la tradición que la sostiene—, este libro es una llave luminosa. Una invitación a mirar, a leer… y a dejar que la palabra también haga estación de penitencia.
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Sigui quin sigui el motiu pel qual ens endinsem cap als entorns naturals, encara que no siguin «inhòspits» o «extrems», mai hem de descurar tots aquells aspectes relacionats amb la seguretat, ja sigui individual, grupal i del medi, com són: geografia física, perills ambientals, actitud mental, primers auxilis, aigua, foc, orientació, eines, rescat, refugi i recursos alimentaris.Aquest llibre us proporciona explicacions, curtes, però aprofundides, sobre totes aquestes qüestions ben organitzades en deu capítols multitemàtics —que anomenem dies—. Tres quartes parts del text escrit es complementen amb il•lustracions i esquemes, mapes i exemples, llistes i taules.
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Yoshitomo Nara alcanzó la fama a mediados de los años90, la estrella de una generación de artistas Avant-Garde japoneses asociados con el movimiento “superflat” neo-pop. Este libro se ha realizado en estrecha colaboración con el artista y explora detalladamente sus más de tres décadas de producción artística. Está escrito por el historiador de arte Yeewan Koon e incluye varios textos del propio Nara Primer libro serio sobre el artista en más de diez años, incluya fotografías personales y está ordenado cronológicamente. Comienza una retrospectiva en el LACMA en Abril de 2020 que viajará al Guggenheim Bilbao.
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Edición en inglés.El volumen y el color han marchado unidos a lo largo de milenios. Gracias a la policromía la escultura ganó en verosimilitud y vivacidad, convirtiéndose en un eficaz instrumento de persuasión desde los momentos más tempranos de la historia. La escultura devocional, en la que lo divino cobraba una forma tangible y corpórea, aumentaba su eficacia comunicativa cuando se fusionaba con el color, entendido este no como un mero adorno sino como parte imprescindible de la pieza, al otorgarle una apariencia más cercana y real. Escultores y pintores trabajaron al unísono para crear unas obras en las que ambas labores se fundían con perfección. Al mismo tiempo, la escultura pintada se convirtió en un arma doctrinal cuya intensidad se incrementaba al sacar todo el partido a sus valores escénicos, ya fuera al formar parte de una procesión o al ser representada en un lienzo.Este catálogo y la exposición a la que acompaña ilustran la incansable búsqueda de realismo en el arte español del Renacimiento y el Barroco en todo aquello que afectaba a la envoltura de la figura, y muestran a partir de un centenar de obras, pinturas, estampas y esculturas la integración natural de la pintura en la escultura y su triunfo en el mundo hispánico, destacando el valor de lo tridimensional en la transmisión del mensaje sagrado.
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El luthier de Delft es una obra que analiza la música (aunque también el arte y la ciencia) del siglo xvii, especialmente centrada en la cultura neerlandesa. El libro gira en torno a tres personajes centrales, el pintor Jan Vermeer, el filósofo Baruch Spinoza y el músico Jan Pietrszoon Sweelinck. A partir de ellos, el lector se encontrará con la construcción de instrumentos musicales, sus maderas y barnices, así como con el papel de la mujer en el arte y la música, la vida de los pintores y el mundo simbólico de sus obras y los estudios científicos destinados a la óptica y la difusión del telescopio. Un libro lleno de resonancias y armonías, sabiduría y sutileza.
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El culto moderno a los monumentos fue publicada originalmente en 1903 y en ella Riegl, a la sazón presidente de la Comisión de Monumentos Históricos, analiza la problemática del monumento en el horizonte de dos cuestiones fundamentales para el formalismo y la escuela vienesa de historia del arte: el culto a los monumentos es un culto moderno, y la consideración de la modernidad alienta a lo largo de todo el texto, es manifestación de una determinada voluntad de forma, Kunstwollen, concepto que está en la base de toda su argumentación y que adquiere en esta obra matices importantes. El proceso que conduce desde el valor monumental intencionado hasta el valor de antigüedad, pasando por el histórico, no es sino una manifestación de la emancipación del individuo, que ha realizado un fuerte avance, sobre todo desde finales del siglo XVIII y a lo largo del XIX, y que se dispone a sustituir paulatinamente los fundamentos clásicos tradicionales de la cultura por otros completamente distintos
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En la China clásica el arte se ha expresado a través de la tinta, el papel y el pincel, y la poesía, la caligrafía y la pintura formaron una unión inseparable llamada las «tres perfecciones».En este libro, la autora hace un recorrido por las diferentes dinastías Imperiales presentando a las mujeres pintoras chinas más importantes cuyas obras han sido seleccionadas por su riqueza y variedad para ser analizadas y contempladas. La vida de estas artistas estuvo íntimamente vinculada a sus orígenes sociales y a tradiciones como el confucionismo que limitaron en gran medida su espacio de actuación. En la soledad de sus hogares o rodeadas de numerosos admiradores, indiferentes a la fama o resueltas a encontrarla, todas llegaron a la madurez técnica y supieron captar el verdadero espíritu de la naturaleza que representaron con una belleza ilimitada y un delicioso estilo poético.Las Grandes Damas de la Pintura China, llegarán al corazón de todos los seres sensibles sin obstáculos y cuando contemplen sus obras, comprenderán inmediatamente los misterios que ante ustedes se revelarán, y su huella será tan fuerte como el trueno que logra romper el arte de pintar en silencio.
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Me he perdido en Venecia, pero ¿hay algo más mágico que perderse aquí? En el cielo veo una bandada de palomas, por lo que no debo de estar muy lejos de la plaza de San Marcos. Los gatos venecianos me guían por los canales y siento que la realidad va quedando fuera de este laberinto que se disfraza de ciudad... La isla de Burano, el puente de Rialto, Campo San Polo, la plaza de San Marcos… cae el sol sobre Venecia, desde sus edificios más emblemáticos hasta los rincones más desapercibidos, pasando por sus encantadoras plazas. David Pintor está ahí para captar con su lápiz y su paleta de colores cómo la luz languidece. Pero la mirada que nos ofrece está tocada por una suerte de magia que hace que las sombras fluyan sobre el agua de los canales, que los balcones y las terrazas dancen sobre los tejados.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.
