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Llibres d'art
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Pepe Espaliú es una de las figuras clave del panorama artístico de finales del siglo XX, así como un pionero en la lucha por la visibilidad de las personas con VIH en nuestro país.En una época en la que el silencio social e institucional con respecto a la pandemia del sida era sinónimo de muerte, este artista cordobés se convirtió en la primera persona pública en verbalizar en España su estado a través de un medio de comunicación. El artículo que publicó en El País el 1 de diciembre de 1992 fue acompañado de su famosa intervención artística Carrying, una acción que evidenció la necesidad de las personas con VIH de sentirse apoyadas tanto por su entorno como por los organismos públicos, que en aquellos momentos miraban hacia otro lado.Pero este libro no solo celebra al gran artista que fue Pepe Espaliú. También es un lugar para testimonios personales, algunos de ellos alejados del eurocentrismo reinante, además de para enunciar otras formas de representación cultural del VIH con artistas como Alberto Cardín, las Yeguas del Apocalipsis, Wojnarowicz o La Radical Gai, entre otros.Pepe Espaliú. Visibilidad, experiencias y construcciones culturales en torno al VIH es una obra que pretende reivindicar el papel del arte en la lucha contra el silencio y darle su lugar dentro de la memoria histórica de las minorías. No en vano, estas expresiones artísticas fueron la semilla, en colaboración con otras disciplinas, para que muchas personas, incluso hoy, hayan conseguido plantarle cara al estigma que acompaña al VIH.
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Célebre tanto por su ambición como por su belleza, la condesa de Castiglione, oren- tina a ncada en la París de Napoleón III, se convirtió en una heroína de Italia. Aman- te del emperador, desempeñó un papel de- cisivo en la uni cación italiana de 1 8 6 1, aunque quizá su mayor legado fueron los más de setecientos retratos para los que posó en el estudio de Pierre-Louis Pierson a lo largo de su vida. La narradora de este singular y hechizante relato topa por ca- sualidad con una de las fotografías de «la Castiglione» e inicia una indagación sobre el destino de una mujer que se convirtió en un absoluto enigma a fuerza de mos- trarse hasta la extenuación. Y al examinar las fotografías para revelar su secreto, va descubriendo todo lo que se ha ocultado a sí misma y exponiendo su historia per- sonal. Nathalie Léger nos ofrece así una auto cción que es también una re exión sobre el espacio de lo femenino.
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Los textos reunidos en este libro representan secciones a través de una carrera de especulación, investigación y experimentación cuya ferocidad y asunción de riesgos no tiene parangón en la historia de la arquitectura de los últimos 50 años. Sin duda, los textos seleccionados para este volumen tienen un único foco que encaja muy bien con el de la carrera que, de algún modo, sintetizan: la dificultad y la necesidad de colocar el pensamiento arquitectónico en una plataforma formalista defendible. Este ha sido, en suma, el Santo Grial de la obra y de los textos de Peter Eisenman. Las antologías retroactivas de textos tienen la habilidad especial de colocar un volumen de trabajo en una perspectiva específica para proporcionar ángulos de percepción no disponibles en el período en el que fue creada, ya solo por esto, estas antologías no tienen precio.
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Una estatua ecuestre del dictador que se expuso en Barcelona en la plaza del Born en 2016 en el marco de una exposición se independizó de las referencias que la encuadraban y comenzó su propio periplo singular de interacción con los ciudadanos. La reflexión sobre los acontecimientos, que se desencadenaron de forma imparable durante cuatro días con un clima de violencia increscendo que terminaron con la retirada de la estatua, es de donde parte la arquitecta Julia Schulz-Dornburg para iniciar su particular Odisea siguiendo los pasos de las nueve esculturas ecuestres del dictador destinadas a glorificar la imagen de Franco como Caudillo y salvador de España que hay distribuidas por Madrid, Zaragoza, Valencia, Santander, Toledo, Segovia, Ferrol y Melilla, además de la propia Barcelona.
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El catálogo Antoni Tàpies. La práctica del arte, editado junto con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, recoge los textos del comisario, Manuel Borja-Villel, la conservadora del Buffalo AKG Art Museum, Cathleen Chaffee, el comisario y crítico de arte Carles Guerra, y el historiador del arte y comisario de exposiciones Pedro de Llano Neira, así como fragmentos de las entrevistas realizadas al artista por Manuel Borja-Villel y Barbara Catoir en los años 1995 y 1988, respectivamente.
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Si pensamos en una imagen que simbolice la creación artística de Japón, sin duda nos vendrá a la cabeza, aunque desconozcamos el nombre del autor, la estampa de una ola azul que se alza y, en su movimiento, creael marco para una montaña mítica, el monte Fuji. Esta imagen, La gran ola de Kanagawa, la creó en torno a1830 un septuagenario: para entonces llevaba más demedio siglo experimentando técnicas y estilos y habíaproducido treinta mil pinturas, bocetos y dibujos para grabados. Katsushika Hokusai nació en 1760 y vivió en el Periodo Edo, el tiempo de los shogunes. La época, quizás la más asombrosa en la historia de Japón,comenzó en 1603 y se extendió hasta 1868, con el inicio de la era Meiji. El clan dominante ?la poderosa familia Tokugawa? decretó el cierre del archipiélago al exterior y condujo al país a un hermetismo sin parangón. Este aislamiento propició el desarrollo de costumbres distintas a las del resto del mundo. De esa época proceden algunas de las creaciones culturales más originales de Japón, como el teatro kabuki y el grabado ukiyo-e. Y también, algunas de las tradiciones más célebres ?y estereotipadas y mal contadas? como elmundo de las geishas. ¿Qué papel tenía la mujer en ese mundo? ¿Qué supuso el ascenso social de la nueva clase urbana? ¿Cuándo perdieron los samuráis sus privilegios? En este libro nos introducimos de lleno en el Japón del Periodo Edo. Un fascinante viaje a una época remota para conocer al artista que firmaba como Hokusai, y lo que hay de cierto y de mito en las costumbres y protagonistas de un tiempo y una cultura irrepetibles.
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Tres ensayos de William Morris (Cómo vivimos y cómo podríamos vivir Trabajo útil o esfuerzo inútil. El arte bajo la plutocracia.) acompañados del prólogo de Estela Schindel «William Morris: la técnica, la belleza y la revolución»
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No queda más que una salida del laberinto en el que andamos tropezando a ciegas: seguir la tenue luz de la razón, que nos devolveráal compromiso entre ver y saber, entre las percepciones de la retina y las visiones conceptuales, que constituyen la b
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¿Dónde están las mujeres en el mundo del arte? ¿Qué papel tienen? ¿Cómo se ha trasmitido su historia? ¿Cuántas mujeres artistas sabrías enumerar? ¿Has visto muchas de sus obras expuestas en museos? Helena Sotoca es la creadora de Femme Sapiens, una cuenta de Instagram que recorre la Historia del Arte con perspectiva de género y un humor muy sagaz. Con ironía, sátira y un punto de vista feminista, la autora reflexiona sobre cuestiones como el arte, la mujer y su papel en la cultura, los cánones de belleza o la sexualidad femenina, de una manera insumisa y didáctica a partes iguales.
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¿Qué es para Mieke Bal el análisis cultural? La respuesta pasa por adoptar, en primer lugar, un concepto de cultura amplio para, a partir de él, leer categorías teóricas, obras de arte y prácticas sociales por igual como objetos culturales. Para descubrirlo, este libro, concebido a modo de léxicón, permite seguir letra a letra, concepto a concepto, el proceso de trabajo de la autora. Bajo la ficción de un orden alfabético, estos breves ensayos no sólo representan importantes aportaciones a los debates actuales en torno a lateoría de la cultura, sino que constituyen una aproximación accesible al análisis cultural y el pensamiento interdisciplinar de una de las teóricas más relevantes del panorama internacional.
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La gestión cultural, es sabido, vive desde hace años una etapa de notorio auge. Esta circunstancia obedece a la necesidad de armonizar el ingente campo de las Humanidades con las innovaciones que conllevan las nuevas tecnologías. Por dicha razón, ha crecido de manera exponencial la demanda de profesionales bien formados y capaces de gestionar un patrimonio de singular riqueza desde el respeto al pasado, al legado artístico, pero con la mirada puesta asimismo en el futuro inminente. Ahora bien, ¿qué hace exactamente un gestor cultural? ¿Dónde desarrolla su labor? ¿Qué formación requiere para ejercer con garantías de éxito su imprescindible labor? Este libro da cumplida y amena respuesta a todas esas preguntas. Una correcta gestión cultural supone el desempeño de una tarea multidisciplinar, en la que confluyen ámbitos muy diversos (la comunicación, la gestión administrativa, la tecnología...). Así pues, en función del entorno concreto donde se desarrolle, las funciones del gestor cultural habrán de contemplar elementos dispares. No son pocas las diferencias existentes entre hacerlo en un ayuntamiento o en un museo. Pero ambos tienen un elemento en común: la figura del gestor cultural. ''Este libro ofrece ideas, conceptos, estrategias y propuestas generados a partir de la propia experiencia de su autor. Expresados de forma amena, ayudarán sin duda al gestor cultural en el inicio de su carrera profesional, pudiendo aportar también una nueva visión al profesional en activo''. ANA VELASCO, presidenta de la Federación Estatal de Asociaciones de Profesionales de la Gestión Cultural ''Aborda la gestión cultural de forma clara y precisa, con aproximaciones acertadas a casos concretos. Este manual será de enorme utilidad para los profesionales del sector''. RAFAEL LÓPEZ GUZMÁN, Catedrático en Historia del Arte
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El cuerpo es últimamente centro de interés creciente de las ciencias humanas. Sus secretos están lejos de ser completamente desvelados. Estudios recientes insisten en que el cuerpo tiene una historia y que esta historia abarca apariencia y profundidad, deseo y poder, caída y apoteosis, vida y muerte. Este es el contexto en el que el presente libro pretende adentrarse, apelando a los instrumentos del historiador de las imágenes. Hasta hoy, el comentario estético tradicional se ha situado esencialmente en el terreno de las apariencias, escamoteando la confrontación con lo que las supera, lo visible no es únicamente cuestión de superficie. El cuerpo es una representación, inseparable de la mirada que lo elabora y de los ''media'' que lo exhiben, indisociable de su propio envoltorio cutáneo (maquillajes, incisiones, armaduras, velos, adornos) y traducido por palabras, letras, películas de color, bloques de mármol, pantallas de proyección. Este libro estudia el papel que desempeñan en la construcción del imaginario del cuerpo las creencias, los efectos de conciencia, los gustos estéticos, los deseos, los caprichos, las obstrucciones y los temores.
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Un gran viaje histórico artístico desde el quattrocento de la Florencia de los Medici y la época dorada del cinquecento, con los grandes genios Leonardo, Miguel Ángel o Rafael hasta la propagación del Renacimiento por toda Europa y su florecimiento en España en el siglo XVI con la poesía mística, la picaresca, el Quijote o El Greco. Conozca una de las épocas más interesantes de la historia, el inicio de la Edad Moderna y el desarrollo de la cultura humanista, que desde Italia se extiende por toda Europa occidental llegando hasta América a través del descubrimiento y la conquista del Nuevo Mundo. Una época de cambios, con el desarrollo de la ciencia y la astronomía, así como la Reforma protestante iniciada por Lutero, que produjo una división en la Iglesia que perdura hasta hoy. Breve historia del Renacimiento le acercará al genio de los grandes artistas del quat-trocento y el cinquecento, en el que brillaron grandes mentes como Leonardo da Vinci, Rafael o Miguel Ángel, así como su influencia en Flandes, los Países Bajos, Francia y España en los tiempos en los que en el Imperio español «nunca se ponía el Sol». Una época en la que desarrollaron su obra grandes creadores como el Greco -,que superó el manierismo para alcanzar la modernidad-, y hubo un auge de la literatura manifestado tanto en la poesía mística como en el teatro, la novela pastoril, la picaresca, así como la aparición de la obra más importante de la literatura española, el Quijote. Su autor, Carlos J. Taranilla de la Varga, experto en el tema, le presentará con un estilo ágil, ameno y riguroso, una información completa sobre esta época tan importante de la historia, que sentó las bases del desarrollo científico del mundo actual.
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Amb un to despreocupat i una mica irreverent, aquest llibre està pensat per apropar l'art als infants, que aprendran que pot ser molt i molt divertit i esbojarrat. Sota la guia del gat Roc, descobriran que en l'art tot s'hi val, només calen ganes de passar-s'ho bomba. El text es complementa amb una magnífica combinació d'il·lustració i fotografia.
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Desplazada del centro de atención por la actual avalancha de estímulos audiovisuales, la imagen cinematográfica puede erigirse todavía como espacio fronterizo privilegiado, una grieta, más que una ventana, cesura fértil a través de la que vislumbrar el misterio fundacional de la imagen en movimiento: su carácter fantasmagórico. Pues el cine se nutre de nuestra sombra y captura como ningún otro arte nuestra condición de mortales. Ni mentira analgésica ni retrato fidedigno de una supuesto mundo exterior, el cine que nos interesa y del que trata este ensayo se acerca más a un sueño lúcido, aquel lo suficientemente autoconsciente como para no desactivar nuestro espíritu crítico, pero también lo bastante evocador como para seguir fascinándonos. El cine (el buen cine) solo persistirá si se mantiene más fiel que nunca a esta esencia.
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«He escrito estos ensayos a lo largo de casi veinte años, veinte años en los que he presenciado el nacimiento y el desarrollo de una historia del arte feminista. Cuando en 1970 empecé a trabajar en «¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?», la historia del arte feminista no existía: como cualquier otra forma de discurso histórico, había que construirla.» Así comienza Mujeres, arte y poder y otros ensayos, el recopilatorio en el que la gran historiadora del arte Linda Nochlin presenta siete artículos sobre mujeres artistas y la figura femenina en la historia del arte, cuya influencia fue determinante para el desarrollo posterior de la crítica del arte feminista y los estudios de género. Los artículos aquí reunidos son: «Mujeres, arte y poder» (1988), «La nodriza de Morisot: la noción del trabajo y el ocio en la pintura impresionista» (1988), «Perdida y Encontrada: otra vez la mujer caída» (1978), «Algunas pintoras realistas» (1974), «Florine Stettheimer: el Rococó subversivo» (1980), «Erotismo e imaginería femenina en el arte decimonónico» (1972), y «¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?» (1971). Mujeres, arte y poder y otros ensayos revela la amplia perspectiva y conocimiento del trabajo pionero de Nochlin y nos invita a interpretar la historia del arte feminista como una práctica transgresora contra el establishment que pone en tela de juicio muchos de los principales preceptos de la disciplina todavía vigentes en la actualidad.
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Un texto para reivindicar una literatura que levante las banderas de las viejas vanguardias y una crítica sagaz a la industria editorial. Un ensayo donde nada sobra.Durante el siglo XX las vanguardias estéticas y políticas soñaron con traer al centro a lo que sobra: restos, desechos, mingitorios, pero también el proletariado, los marginados. En la actualidad, bajo el régimen de acumulación neoliberal, ya nada de eso ocurre: lo que sobra está librado a su suerte. Solo. No tiene ni siquiera nombre. En la estela de Literatura de izquierda y Fantasma de la vanguardia, Damián Tabarovsky, transita en Lo que sobra de la literatura a la filosofía contemporánea, de la teoría estética al ensayo de crítica cultural, para pensar los riesgos del vanguardismo académico, la posibilidad de estar viviendo una guerra civil solapada, la necesidad de una justicia radical y las posibilidades de la literatura y el arte en este escenario.
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Libro-disco con pinturas a tinta de Juan Manuel Uría y música de Ángel Unzu.El libro-disco Impromptu es un fascinante encuentro entre dos lenguajes poéticos: la pintura y la música. Las sugerentes pinturas de Juan Manuel Uría y la inspirada música de Ángel Unzu, 60 pinturas a tinta y 21 temas musicales improvisados con el guzheng, junto con una serie de “pentagramas intervenidos” y algunas notaciones musicales manuscritas, hacen de Impromptu una maravillosa obra de arte.
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Tras los paradigmas del arte-como-texto de los años setenta y el arte-como-simulacro de los ochenta, Hal Foster sostiene que somos testigos de un «retorno de lo real», un retorno del arte y la teoría que buscan asentarse en los cuerpos reales y en los sitios sociales.A lo largo de sus páginas se presenta una lectura original del arte y de la teoría de las últimas décadas, con especial atención a las polémicas conexiones entre ambos, al tiempo que reflexiona sobre la relación entre las vanguardias históricas y las neovanguardias. El resultado es una genealogía acreditada del arte y la teoría desde el minimalismo y el pop hasta el presente.Como señala Miguel Ángel Cajigal en el prólogo que ha preparado para esta edición conmemorativa, este libro clave de la historiografía artística contemporánea «se afirma como una lectura comprometida del arte, sus tensiones y conflictos, que se consolida como testimonio fundamental en la historia del arte de aquel tiempo en el que quisimos ser modernos».
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This catalog presents the works of the Hochschild Collection, one of the most important in Peru, and the only one that so far has been devoted almost exclusively to the production of Modern and contemporary art of the Andean country. The Collection will be shown in an exhibition, taking place in Madrid at the Sala Alcalá 31 from the 21st of February.
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«…,los logros del arte moderno tienen que entenderse como logros filosóficos de una cierta clase, aun cuando las obras de arte visual no sean ni tesis discursivas ni tengan relevancia filosófica por “,contener”, o “,implicar”, afirmaciones filosóficas. Mis principales ejemplos en este libro, Manet y Cézanne, son figuras consideradas a menudo respectivamente el abuelo y el padre de la modernidad en pintura. Hay en juego algo de importancia filosófica en los logros pictóricos incluso si no son –,precisamente porque no son–, filosofía en sí mismos. Es decir, la idea no es que estas obras de arte sean obras de filosofía, o filosofía incompleta, sino que encarnan una forma distinta de inteligibilidad estética, o una manera estética de hacer inteligible y atrayente una variedad de asuntos de la más profunda importancia para la filosofía.» Según Pippin, la pintura sería, como el cine, «filosofía por otros medios», una forma de conocimiento y autoconocimiento sensible afectivo. Desde este punto de vista se analiza, contra la idea de que el arte es algo del pasado, la pintura a partir de Manet y Cézanne como un modo adecuado y específico de representación de los problemas de la sociedad moderna desde el propio medio pictórico.
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Con motivo de los 100 años del nacimiento del artista, reeditamos su único libro de escritos. - Esta nueva edición celebra el centenario del nacimiento de Eduardo Chillida recogiendo numerosos escritos, reflexiones relacionadas con en el arte o sus convicciones morales. - Todo ello ha sido recopilado en este volumen como testimonio de su pensamiento, que ilumina la intención latente detrás de toda su obra, y se acompañan de reproducciones de diversas obras suyas, como la que ilustra la cubierta. - Un delicioso volumen, totalmente agotado, que ahora se reedita para conmemorar a la figura fundamental de la escultura del siglo XX incluyendo una biografía ilustrada que nos muestra los aspectos personales de su vida.
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Este libro contiene tres ensayos escritos (y dictados) entre 1882 y 1889: Lección para estudiantes de arte, Decoración del hogar y Modelos londinenses. Reflejan el interés y profundidad del autor acerca del arte y la belleza: en ellos no solo aborda la composición, el color y los materiales, sino también la universalidad de lo bello en la decoración, en el vestuario y en el mero existir.
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¿Alguna vez has tenido una gran idea, pero no sabías por donde comenzar? Aquí tienes la herramienta para dar rienda suelta a tu creatividad. Con humor y pautas simples pero juguetonas, Guy Armitage te proporciona las claves para desbloquear tu potencial sin importar qué tipo de creatividad prefieras. Los escritores, artistas, alfareros y fotógrafos nos enfrentamos constantemente a situaciones en las que requerimos de inspiración que nos incentive. En este libro, el autor te da las herramientas necesarias para que permitas que la creatividad brote en tu vida, y puedas así crear tu propia inspiración para de este modo planear tu proyecto de manera eficiente y con la retroalimentación adecuada de aquellos que de verdad puedan ayudarte.Críticas:«Todas las personas somos creativas y este libro nos muestra cómo desbloquear aquella creatividad a través de una lectura entretenida y pertida».Tabish Khan, crítico de arte, Londonist «Justo el libro que necesito cuando quiero estimular mis fluidos creativos».Lulu Mayo
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El colapso del Imperio ruso y el advenimiento de la Revolución bolchevique comportaron una transformación vertiginosa en todos los ámbitos de la cultura. Los escritos teóricos de Várvara Stepánova (1894-1958) permiten reseguir los cambios en las ideas sobre el papel de las prácticas artísticas durante un periodo convulso de la historia, de la mano de una de las artistas más significativas e interdisciplinares del momento. Con una esclarecedora introducción a cargo de la profesora Irina Aristarkhova, así como un apéndice en el que se incluyen textos de Olga Rozánova, Natalia Gonchárova, Liubov Popova y Esfir Shub (parte de las denominadas “amazonas de la vanguardia rusa”), las autoras incluidas en este libro fueron sin duda protagonistas y fuerzas motrices de este estallido, que quizá todavía hoy no ha agotado sus capacidades de resonancia.
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Ramón Gómez de la Serna glosa aquí la figura de ocho pintores, entre ellos, Santiago Rusiñol, Darío de Regoyos, Toulouse-Lautrec, Marc Chagall, Juan Gris o Dalí.“Un pintor es un punto de vista biográfico muy interesante para un escritor. Si lo ha conocido, si lo ha visto –a él además de su pintura–, tiene delante un personaje humano en pleno afán por detener la muerte, por salvar con más o menos delirio lo que se mira cuando aún se tienen ojos y se goza de esa pequeña inmortalidad que es la contemplación.”
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- Descubra las obras de arte que se atrevieron a ser diferentes, que arriesgaron reputaciones y que pusieron en peligro carreras profesionales. - Las fascinantes historias que hay detrás de la creación, la recepción y el legado de 50 obras transgresoras.
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Estas Rondas del Prado proponen una aproximación gradual y diversa a la obra de arte, a lo más concreto de su existencia material y también a sus valores narrativos, simbólicos y litúrgicos. La experiencia inmediata y sensorial de la contemplación se une así al examen de las conexiones culturales que las obras tuvieron para sus contemporáneos y al modo en que el oficio del artista y el lugar de la pintura se han ido modificando a lo largo de los siglos, desde la iglesia o el palacio, el espacio público o privado, hasta la disposición ordenada y pedagógica, pero también uniformadora, de las salas del museo.
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Después de doctorarse en 1813 con su tesis filosófica Sobre la cuádruple raíz del principio de razón suficiente, Arthur Schopenhauer se ocupó un tiempo de la ciencia, a pesar de tenerla por actividad menor frente al arte y más aún a la filosofía. Lo hizo a raíz de su encuentro con Johann Wolfgang von Goethe, el cual, tras haber leído dicha tesis doctoral, se interesó por el joven filósofo, al que introdujo durante 1814 y 1815 en su todavía reciente Teoría de los colores (1810), así como en sus observaciones y experimentos al respecto. En esos años, se encontraron en alguna ocasión y mantuvieron una viva correspondencia que fue volviéndose cada vez más escasa tras la publicación de la obra de Schopenhauer fruto de todo ello: Sobre la visión y los colores.
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Un libro que profundiza en el cine del gran director desde su primera incursión en el séptimo arte, hasta su testamento cinematográfico, El inocente.Pedro García Cueto va detallando los argumentos de sus películas, donde sobresale un gusto esencial por la estética, por el mundo clásico, por una aristocracia a la que perteneció.El libro está divido en varias partes y dedica una atención especial a una obra cumbre del director, que adaptó varias novelas importantes: Muerte en Venecia, basada en la novela de Thomas Mann, La muerte en Venecia. Pedro García Cueto se detiene en muchos detalles tanto de la novela como de la película en un afán comparativo, para señalar semejanzas y diferencias en dos obras maestras, tanto de la literatura como del cine.
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El revolucionario de la escultura, el precursor de Rodin.La emoción es un instante, se vislumbra y enseguida huye, y el artista la persigue y la llama para que no se vaya, como hace el niño que va tras su madre.Mi obra es una concepción de luz, de emoción, de una perspectiva móvil, ilimitada, no es algo estatuario, muerto, sino que está marcada por la vibración del estado de ánimo y por las diferentes coloraciones de la naturaleza.
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Compendio de trabajos de Oteiza. Poesía, prosa, cartas, escritos, todos ellos inéditos y sorprendentes como el propio autor. ElíasáAmézagaáha sido capaz de expresar su trayectoria en unas líneas: ''Oteiza no es la paz, ni la concordia, ni el conformismo, ni el triunfo, ni el dinero, ni la gloria. Es la lucha, los nervios, la inquietud, la cólera de Dios, la reencarnación de Lope de Aguirre con sus furores épicos''. El mismo Jorge se definió como ''un utopista, no creo más que en una utopía yáesaáha sido mi desgracia. Creer en la revolución, siguiendo una utopía, unos programas, unos sueños''.
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A guide to the art, artists, and culture of graffiti from the 1970s to today, as told by the taggers themselves.This major co-publication with the Museum of Graffiti chronicles the worldwide graffiti movement from its birth in the 1970s, through the street and train painting of the 1980s, to its emergence as an artistic genre admired in museums and sold at auction. With hundreds of never-before-seen photographs of graffiti art from the 1970s to today, many of which have been provided exclusively for this volume by the artists themselves, the book gives an insider’s view through multiple interviews with celebrated graffiti artists, including Roger Smith of Sane Smith, Hotboy Hert, DESA, Shirt King Phade, RIME, MadC, Saber, AURA, and others.Told through essays, hundreds of images, and interviews with the artists – both the underground outlaws and the writers who went mainstream – The Wide World of Graffiti will become the standard-bearer of the art form’s history and life today, a unique contribution from the first and only museum dedicated to graffiti as an art form.
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Con un enfoque transversal dividido por temas, ofrecemos una nueva perspectiva de comprensión en este volumen que presenta el arte del shunga como un fenómeno artístico, histórico y social. Como expresión de un período específico en la historia del arte japonés, los grabados eróticos continúan fascinando, quizás por su apariencia a veces sobrenatural, otras por su violencia, pero siempre por su sensualidad.
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Fábulas, recuerdos de lecturas, imágenes y anécdotas -algunas reales, otras desplazadas o inventadas-, los textos y las historias reunidos en esta obra tienen en común el tema del retrato y las curiosas correspondencias que se han dado a lo largo de la historia entre retratistas y retratados.
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Paul Durand-Ruel (París, 1831-1922) es el marchante de arte que, ayudando a su padre, difundió las obras de los pintores de 1830 (Delacroix, Courbet, Daumier...) y de la Escuela de Barbizon (Corot, Millet, Diaz...), que, solo y asumiendo grandes riesgos, apostó por los Impresionistas (Monet, Pissaro, Manet, Sisley...) y que, junto con sus hijos, internacionalizó la difusión de la pintura francesa.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
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