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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
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Estética relacional
En este polémico y desafiante conjunto de ensayos, Bourriaud construye herramientas imprescindibles para comprender las claves del arte actual.Nicolas Bourriaud, el ex director del Palais de Tokyo parisino, define el sistema de ideas y el funcionamiento de un nuevo paradigma artístico destinado a interactuar en la esfera de las relaciones sociales.Las teorizaciones que recorren «Estética relacional» surgen del conocimiento profundo de la obra de los más importantes artistas internacionales de los años noventa, hoy en plena actividad, y de exponer los principios que estructuran sus pensamientos. El libro responde, entre otras, a la pregunta «¿de dónde viene esta obsesión por lo interactivo que atraviesa nuestra época?». Uno de los motivos que deslumbran al lector de «Estética relacional» es la eficacia de estos ensayos, el modo en que se vuelven herramientas imprescindibles para comprender las claves del arte actual.
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L'exposició «Un altre fi. LA RESTA. Art i antifranquisme», celebrada a El Born CCM entre el novembre de 2022 i l'abril de 2023, posà l'èmfasi en la resistència cultural d'aquella societat tot reunint obres de dinou creadors contemporanis de diverses generacions que converteixen en matèria artística la memòria dels silenciats pel règim. L'art com a expressió del que no podem oblidar. L'art com a mecanisme per imaginar altres possibilitats. La publicació que teniu entre les mans és el resultat de la reflexió d'un conjunt d'autores i autors a l'entorn d'aquelles realitats que han quedat al marge de la història i sense les quals el relat històric no és complet. Són una al·lusió a les dissidències i a històries personals lligades a la fal·làcia de la transició, la pervivència de la repressió i la injustícia. La memòria històrica ens hauria de servir per suturar els nostres relats personals i col·lectius i per poder-los concretar políticament, més enllà de l'espectacle, i començar, així, a consolidar nous desenllaços.
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Medio siglo de arte
A través de ocho ensayos, ilustrados con más de cuarenta fotografías, esta obra ofrece una síntesis histórica de lo acaecido en el arte durante el último medio siglo, en el cual las artes han experimentado más cambios de los sufridos en el resto de su la
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Alexanco
En las series los Décimos, Alexanco fue plasmando sus hallazgos cada veinte años . Vista en su totalidad, observamos que la obra del pintor está marcada por momentos de cambio en que, por así decirlo, da carpetazo al trabajo anterior y se embarca en algo totalmente nuevo. Cada una de las series de los Décimos supone el cierre de una etapa y fue pintada cuando Alexanco ya estaba en otra.Asimismo, observamos que lo único que se mantiene constante a lo largo del tiempo en el trabajo de Alexanco son los materiales. La obra cambia y mucho, los materiales no, se recombinan adquiriendo un nuevo sentido. Desde muy joven fue consciente de la necesidad de poner freno al esquilme del planeta y reciclar, y su obra muestra que fue consecuente con esta convicción hasta el final de su vida. Hacer algo nuevo es hacer otra cosa que lo que se viene haciendo, independientemente de los materiales utilizados para ello. La creación no está en la novedad de los materiales, va por otro lado.Además de ser un magnífico pintor, como este volumen refleja, Alexanco impulsó, tan discreta como eficazmente, importantes proyectos artísticos de vanguardia desde finales de los sesenta. A fin de darle a conocer y sabiendo de la conversación que durante más de cuarenta años mantuvimos viva, Rafael Lavenfeld y Valentín Vallhonrat, directores artísticos del MUN, me propusieron que describiese algunas de las investigaciones del artista que conocí de primera mano.Capi Corrales Rodrigáñez.
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La casa en la creación artística visual
La representación visual de la casa en las artes desde el feminismo contemporáneo.Este libro trata sobre la actividad artística relativa a la casa desde su relación con el desarrollo del movimiento feminista iniciado en los setenta hasta hoy. Se profundiza en la importancia de dicha relación y se hace un análisis basado en conceptos creativos, estudiando las causas que subyacen en estas creaciones visuales. Se muestra así una cronografía desde artistas de renombre, obras y acontecimientos sociales. Las reflexiones y propuestas la obra pretende transformar el modelo social actual y conseguir una sociedad más justa e igualitaria a través de todo ello.
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Claudia Joskowicz. Quietud en movimiento / Stillness in motion
El videoarte como acontecimiento: la obra de Joskowicz como espacio de apertura críticaQuietud en movimiento ofrece una visión panorámica de los últimos quince años de producción de la destacada videoartista boliviana Claudia Joskowicz, conocida por su compromiso con la historia, la memoria y el espacio de las realidades sociales latinoamericanas.Con un formato híbrido entrela fotografía y el cine, Joskowicz se aleja de los enfoques documentales, esquivando las narrativas cerradas en las que las conclusiones éticas y políticas están dadas.Por medio de planos secuencia, tomas dobles y oposiciones dialécticas (parálisis-movimiento, silencio-ruido, centro-periferia), cuestiona aquello en lo que tradicionalmente se interesa la cámara y abre un espacio que posibilita la reconfiguración activa de la mirada.Así, su obra invita a una reconsideración profunda de la memoria colectiva, apuntando hacia el rol del espectador en la creación de la narrativa histórica.
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Los aclamados diseñadores Sagmeister y Walsh exploran la esencia de la belleza y el poder transformador del diseño bello.En este libro innovador y muy visual, los diseñadores de renombre mundial Stefan Sagmeister y Jessica Walsh emprenden una misión: averiguar qué es la belleza y las muchas formas en que influye en nuestras vidas. Recurren a la filosofía, la historia y la ciencia para entender por qué nos atrae la belleza y cómo influye en nuestra forma de sentir y comportarnos. Decididos a poner en práctica sus descubrimientos, Sagmeister y Walsh nos muestran cómo la belleza puede mejorar el mundo.
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Mujer y retrato en la Edad Moderna
El retrato en el Renacimiento se le atribuyen múltiples usos y funciones -emotivas, documentales, devocionales o legitimadoras- que lo convierten en uno de los géneros por excelencia de este período. Estas funciones quedarían condesadas en las galerías de retratos: uno de los nuevos espacios de exposición y almacenamiento propios del Renacimiento junto a la cámara de las maravillas y al studiolo. En esta comunicación analizaremos el origen y evolución de estas galerías, sus usos y funciones y sus ejemplos más representativos desde la perspectiva de género. Por eso, en esta ocasión, Felipe II, Francisco I o Fernando II cederán el testigo a Margarita de Austria, María de Hungría, Juana de Austria o Catalina de Austria, mujeres todas ellas que reunieron algunas de las galerías de retratos más significativas de las cortes europeas del siglo xvi, a través de las cuales hicieron presentes a familiares y amigos ausentes en la distancia y en el tiempo, subrayaron su pertenencia a un linaje familiar y legitimaron su posición en la corte y en los círculos reales y nobiliarios.
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Sordo Madaleno
Al cumplir ochenta y cinco años, el estudio de arquitectos fundado en 1937 por un jovencísimo Juan Sordo Madaleno ha querido publicar esta monografía poco convencional en la que se recogen los proyectos más ambiciosos construidos (y no construidos) dentro del contexto de la transformación, y que al mismo tiempo reflejan y determinan la evolución de los paisajes del México posrevolucionario. Desde las primeras construcciones la firma no solo ha sido pionera en la erección de edificios modernos, sino también en diseños arquitectónicos inherentemente urbanos, componentes fundamentales de urbes de escalas superpuestas. Este libro incluye aportaciones de algunos de los principales pensadores de la arquitectura urbana de la actualidad, recalcando el compromiso que ha guiado durante tres generaciones a una familia de arquitectos única.
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Inéditos 2024
La Casa Encendida presenta la exposición de los proyectos ganadores de Inéditos 2024, convocatoria de la Fundación Montemadrid destinada a comisarios menores de treinta y cinco años que, como cada año, pretende servir de impulso al desarrollo profesional de jóvenes comisarios y comisarias en nuestro país. Los dos proyectos expositivos ganadores de esta edición son: Inversión cobra roll, comisariado por Julia Coelho (1990, Salvador de Bahía, Brasil) y Renan Araujo (1987, Santa Rita do Passa Quatro, São Paulo, Brasil), y Donde cruzan los humos espero una semilla, comisariado por Maria Anna Zazzarino (1988, Caracas, Venezuela)
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Ametsak
Itziar Okariz (Donostia-San Sebastián, 1965) artistaren lana (performanceak, ekintzak, bideoak, instalazioak, testu-piezak) disidentzia estetikoaren forma bat da, eta zalantzan jartzen ditu hizkuntzaren normatibitatea eta definitzen gaituzten zeinuen ekoizpena. Obra ausarta eta urratzailea da, eta estatuko eta nazioarteko erakusketa askotan izan da ikusgai, besteak beste, 2020ko Shangaiko Bienalean eta 2019ko Veneziako Bienaleko Espainiako Pabiloian.Itziar Okarizi amestea interesatzen zaio, ekintza partekatua eta saihestezina, fisikoa delako, arnasa hartzea eta pixa egitea bezala [bere ekintzarik gogoratuenetako bat Mear en espacios públicos o privados da, non zutik egiten zuen pixa, gizonek egin ohi duten moduan, zirkuitulabur bat sortuz ezarritako ohituran]. Denok amesten dugu eta, gainera, denok ikusten dugu geure burua berak deskribatzen dituen eszenetan, ametsak ere eraikuntza kulturala eta soziala direlako.Ametsak idazten hasi zen, performanceetan erabiltzeko. Amets egiten duenean —eta gutxitan amets egiten du, dioenez—, irudi horien oroitzapena idazten du esnatzen denean, eta hor aurkitzen du lanerako gaia. «Ametsak transkribatzea sistema bat izan zen —eta oraindik hala da— hitz propioak sortzeko». Hitz horiek lan-tresnak dira, azken urteetako performanceen oinarrian dagoen materiala, ahotsean, elementuen kenketan eta errepikapenean egituratuta. Hitz propioak eta gorputz bat entzuleen aurrean.Ametsak liburuak 2013az geroztik egin dituen performanceetako testu guztiak biltzen ditu (generikoki Diario de sueños izenekoak), eta haratago doa: artistaren koaderno hitzez adierazi gabea, bere amets irakurri gabeak, entzun gabeak, bere azken ametsak eta, ezinbestez, bere azken amesgaiztoak. Elkarrekin, ustekabeko indar poetikoa duen liburua osatzen dute, New York eta Bilbo artean dabilen Itziar Okarizen unibertsoaren sarrera: erreferentziak, familia, lagunak, inguru artistikoa, bizitza, mina, hiriak, lanak, koloreak, iskanbila, hutsuneak.Amets hauek izan litezke egunerokoak, poemak, gutunak, marrazkiak, partiturak. Ametsak besterik ez dira. Idazketan agertzen den materiala. Hazten ari den idazketa.
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El sentido social del gusto
En los textos que componen este libro, Pierre Bourdieu analiza minuciosamente las reglas que configuran, en cada campo de producción cultural, qué se considera valioso y qué no, y cuáles son los procesos y los agentes que conducen a la consagración de un artista o una obra, o a su olvido. Así, se ocupa de describir el sistema de jerarquías y de luchas por la distinción que opera en el ámbito de las editoriales, el teatro, las galerías de arte y los museos. A través de nociones como ''campo'', ''capital simbólico'', ''habitus'', ''illusio'', Bourdieu demuestra que las disposiciones y los actos considerados más individuales y más libres -por ejemplo, los gustos literarios y musicales- están atravesados por la lógica social que determina la legitimidad de ciertas formas artísticas y el carácter herético de otras.
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James Ensor - El pintor de las máscaras
El padre del surrealismo belgaAnticipándose a las vanguardias artísticas del siglo XX e inaugurando la gran tradición surrealista que recorre el arte belga, James Ensor (1860-1949) pronto empezó a crear un reino de máscaras, del que será rey, descubriendo un país, provincia a provincia, con sus sitios pintorescos y sus lugares terribles, con sus parajes tristes y sus rincones locos, habitados por seres quiméricos, extraordinarios, grotescos, macabros.
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El espejo mágico
Fábulas, recuerdos de lecturas, imágenes y anécdotas -algunas reales, otras desplazadas o inventadas-, los textos y las historias reunidos en esta obra tienen en común el tema del retrato y las curiosas correspondencias que se han dado a lo largo de la historia entre retratistas y retratados.
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Arte genero y diseño en educación digital
La crisis provocada por el coronavirus amenaza con desestabilizar nuestros hábitos a nivel global y estructural, pero desde el arte y la educación siempre vamos a disponer de mecanismos críticos con los que transformar e intentar mejorar la sociedad. Huerta incorpora el neologismo tecnoinmersión para definirlo, ya que alumnado y profesorado somos carne de cañón de la deriva digital. Apasionado por las artes desde lo educativo, incorpora originales modelos de lucha, defendiendo la tecnología, el diseño y la cultura popular como esencia de nuevas reivindicaciones sociales y culturales. La educación digital es una realidad que habita en cualquier modelo educativo, por lo que las cuestiones de género y diversidad deben abordarse abiertamente, sin tapujos ni hipocresías. Las ideas que aquí se exponen pueden resultar muy atractivas para docentes, artistas y profesionales de las humanidades, para todas las personas que estén interesadas por las tecnologías digitales, incidiendo en la mirada crítica, la seducción comunicativa, la educación online, y la ironía, elementos sugerentes que caracterizan los textos del autor.
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« ,La pression sentie claire et prête, la main de Manet énonçait dans quel mystère la limpidité de la vue y descendait, pour ordonner, vivace, lavé, profond, aigu ou hanté de certain noir, le chef-dÆúuvre nouveau et français. ,»a.s ideas de este genial psicoterapeuta, que no fue un recolector neutral de datos, sino un buscador de soluciones. Erickson demostró que el poder cambiar está latente en el paciente, quien tiene que ser despertado, ayudándolo a reconocerse tal cual es. Propuso la utilización de anécdotas para establecer empat¡a con un paciente y con los procesos que están o no dentro de su conciencia inmediata. En lugar de producir ericksonianos ortodoxos, muchos terapeutas de diferentes orientaciones recibieron inspiración de él, quien estimuló avances que se ramificaron en múltiples direcciones. ,s. Como en las danzas de la muerte medievales nadie se salva en este epistolario de las pasiones humanas. Y, desde luego, el toque de gracia corresponde a una ardilla.
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¡Maldita pintura! 1001 ideas para amarla y entenderla
¿Eres una de esas personas que se sienten perdidas en un museo o entre las piezas de una exposición? ¿No sabes qué mirar cuando miras un cuadro? ¿En qué consiste un comisariado? O, si te gusta pintar, ¿acaso no has sentido pánico frente al lienzo en blanco? ¿Es necesaria la técnica? ¿Es el arte una mera construcción intelectual? ¿Dónde quedan las sensaciones? ¿Me gusta, no me gusta...? ¿Lo entiendo o me emociona? ¿Cómo miran el mundo los y las artistas? Este libro atesora respuestas para quienes se hacen estas preguntas, para todos y todas las que intuyen que algo interesante y atractivo sucede más allá de la imagen evidente, bajo la última capa del cuadro. Aun así, no esperéis en estas páginas un libro de instrucciones, ni pautas a seguir, ni obligaciones que asumir, ni fechas, nombres o acontecimientos que recordar. Simple y llanamente, encontraréis sugerencias que estimulan y facilitan la experiencia y el conocimiento de la pintura. Una bendita y placentera maldición, de la que no podemos ni queremos escapar.
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Nuevos y viejos desafíos del periodismo
La innovación es un proceso. También es una actitud. Es igualmente un desafío. Y se ha ido consolidando, década a década, como una de las asignaturas pendientes de nuestras sociedades. La universidad se sumergió hace tiempo en el desafío de ser permanentemente innovadora. El ''I Congreso Innovacom: Nuevos y viejos desafíos del periodismo'', iniciativa del Departamento de Periodismo y Ciencias de la Comunicación de la Universidad Autónoma de Barcelona, inaugura un espacio para la reflexión que busca renovar procesos, temáticas y enfoques. Este libro recoge una selección de las contribuciones de diferentes profesores, investigadores y profesionales iberoamericanos que compartieron ideas y propuestas alrededor de cuatro grandes bloques temáticos: docencia, investigación, profesión e innovación. Los trabajos ofrecen ideas y caminos para los que buscan aprender, investigar o crear en el terreno de la comunicación y el periodismo. Sus aportes son muy valiosos. Desde diferentes enfoques y perspectivas, suman miradas y voces a la acción de innovar.En un contexto impactado por la pandemia planetaria del coronavirus, el congreso ha tratado de generar espacios de intercambio de ideas ante los grandes desafíos informativos y formativos que introduce la nueva coyuntura marcada por el rol protagónico de las plataformas, los medios y los contenidos. Así, en una sociedad que ha pasado de ser ''informativa'' a ''infoxicada'', la universidad ha de ser capaz de erigirse como un punto de encuentro y debate multidisciplinar que aborde ?desde la criticidad y la ética? los desafíos que emergen, cada vez, de forma más acelerada en nuestras sociedades. En este entorno, la conexión entre la academia, la industria y la sociedad se torna insoslayable y, a la vez, urgente. Es necesario que la institución educativa responda a los problemas que existen en el mercado y en el conjunto de escenarios que edifica la cotidianeidad. Pero es igualmente provechoso e importante que se anticipe a ellos. Esto es: la universidad ha de asumir el reto de buscar, describir, explicar, comparar, analizar, identificar?, pero también el estimulante desafío de predecir, anticipar y proponer. Este libro reúne una colección de textos que reflexionan sobre la importancia de la innovación y algunos posibles caminos para alcanzarla.
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El idiota. Ensayo sobre cualquiera y, a ratos, sobre arte
El idiota lo estropea todo. Su sola presencia da cuenta de una existencia hereje. El idiota, siendo un cualquiera impersonal, se conserva ajeno a aquellas formas simbólicas que pretendían acotar el modo de ser en el mundo. El idiota, entregado a su estar-ahí, es ante todo un cuerpo, capaz por igual de acomodarse de manera muda o, por el contrario, jugueteando con el mundo para crear toda suerte de idioteces. Una vida inmanente, en contigüidad con lo real absuelto de cualquier sentido establecido, que solo ocurre junto al propio ocurrir del mundo. Una vida sin engaño en tanto es indiferente al instinto de verdad, arrojada al descubierto, en una intemperie vigorosa en la que está permitido ser perro o ser piedra.
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El taller de Artemisia
Las mujeres reclaman su lugar en la historia de la pintura Para ver hay que mirar. Hasta ahora, en la historia de la pintura que nos han contado, las mujeres desempeñaban un papel menor: son solo musas, meros objetos a los que plasmar en el lienzo. Así, las grandes mujeres que ejercieron como artistas por derecho propio apenas se mencionan en una nota al pie, y sus figuras quedaron arrinconadas por las de sus colegas varones. Hemos oído hablar de Caravaggio y Monet, pero, aún hoy, nombres como Berthe Morisot o Remedios Varo no son conocidos por el gran público. En El taller de Artemisia, Sandra Ferrer, autora especializada en la historia de las mujeres, nos invita a descubrir la vida y obra de algunas de las mejores pintoras de los últimos cinco siglos. Viajaremos con Sofonisba Anguissola, dama de la reina Isabel de Valois y autora del retrato más famoso del Rey Prudente. Conoceremos la traumática experiencia de Artemisia Gentileschi, quien, violada y humillada por una sociedad que no creyó su testimonio, pintó audaces cuadros barrocos desde una óptica casi feminista. Recorreremos los grandes estilos del siglo XIX francés de la mano de Élisabeth Vigée-Lebrun, Rosa Bonheur y Berthe Morisot, y nos sumergiremos en el torbellino de las vanguardias y la modernidad junto a Paula Modersohn-Becker, Maruja Mallo, Tamara Lempicka, Remedios Varo y Frida Kahlo, entre otras grandes artistas. Hasta ahora, un velo ha cubierto los nombres de las mujeres pintoras: ha llegado el momento de alzarlo y contar su historia. Igual que Virginia Woolf reclamaba una habitación propia para las escritoras, Sandra Ferrer reclama su propio espacio para las pintoras en la historia del arte.
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Ensayo sobre el gusto
Las fuentes de lo bello, de lo bueno, de lo agradable están en nosotros mismos e investigarlas es investigar las causas de los placeres de nuestra alma.
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Disfrutar el arte
El aprendizaje de la contemplación de determinadas obras de arte y la formación del gusto artístico a través de su disfrute pueden suscitar algunas preguntas. ¿Qué se sostendrá dentro de un siglo si la humanidad persiste cien años más? ¿Habrá algún canon fuera del que ordena distinguirse de los demás, de la originalidad? Los contemporáneos, ¿somos capaces de distinguir lo bello de lo bonito, la pintura del diseño? El personal recorrido de Juan-Ramón Capella da pie a reflexiones críticas como estas: sobre la mercantilización de la obra de arte convertida en objeto de inversión, los museos o las tendencias del arte contemporáneo. En su itinerario el autor deja a un lado las materias «poco gratas» a las que ha venido dedicándose (la filosofía del derecho y la filosofía política) para pensar, dice, «en las emociones que han suscitado en mí algunas obras de arte, y así rememorarlas, volver a experimentar, en lo posible, lo que sentí al contemplarlas, y compartirlo». No es este, por tanto, el libro de un especialista en las artes plásticas, sino el de un lego. Pero de un lego que «no puede soportar el mal gusto». Una invitación, en definitiva, a comprobar que no todo vale.
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Ana Gallardo. Tembló acá un delirio
El trabajo de Ana Gallardo se entrelaza con las voces de artistas y activistas sobre las violencias que se ejercen contra mujeres, territorios y saberes.Con motivo de la muestra de Ana Gallardo en el CA2M de Móstoles, Tembló acá un delirio pone en relación la producción de la artista con una reflexión coral a cargo de varias autoras y activistas. En el centro del debate está un tema que suele ser soslayado por varios e históricos motivos: la violencia que se ejerce contra las mujeres, los territorios y los saberes. De esta forma, la publicación busca pensar las marcas de la aplicación de tecnologías de muerte como parte de un programa de gobierno colonial y patriarcal, así como las forma de resistir y crear límites ante la tendencia del capitalismo a disponer de lo vivo como una fuente de recursos de la que extraer beneficios y privilegios para unos pocos.
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Una cronología del arte
Una cronología del arte pone de relieve las obras másimportantes del arte occidental al ubicarlas en su contexto político, económico, literario, científico ysocial. Incluye algunas de las mejores obras de artedel mundo, y muchas nuevas ideas sobre la historia del arte en sí. Un eje cronológico central localiza nuevas obras de arte a través de importantes eventos y desarrollos brindando una nueva visión muy completa dela evolución del arte.
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Naturalezas transversales
El origen de la publicación se encuentra en la exposición Invernadero compartido. Arte y botánica en un nuevo espacio de encuentro, celebrada en el Real Jardín Botánico de Madrid en marzo de 2023.La obra, con ilustraciones de alta calidad científica, muestra el resultado de una investigación iniciada en 2019 y llevada a cabo por artistas y científicos/as, una experiencia interdisciplinar que entiende el mundo natural como un laboratorio de análisis artístico, científico, social y cultural, donde poder debatir y reeducar nuestra relación actual con los espacios naturales y con las distintas especies que conforman nuestro hábitat. Se ofrecen nuevas aproximaciones al mundo natural, por medio de la observación y la experimentación de una “naturaleza activa”, cuestionando la centralidad del ser humano para poner el foco de atención prioritario en las plantas.
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Performance en el museo / El museo como performance
Una recopilación de pensamientos e investigaciones sobre las prácticas perfomativas y el mundo de la cultura contemporánea. Uno de los procesos más relevantes en el mundo de la cultura contemporánea ha consistido en el increíble auge de las prácticas perfomativas.Surgidas a mediados del siglo XX, pero con antecedentes en las vanguardias incluso antes, las performances se desarrollaron en todo tipo de espacios: calles, galerías, teatros, cines, universidades.No obstante, es muy reciente su introducción en los museos como espacios de consagración cultural.¿Qué tipo de transformaciones supone este traslado al museo de la performance?, ¿qué efectos produce en las obras y, más importante aún, hacia dónde apunta el museo de lo vivo? Nunca lo vivo ha estado tan presente en la museología contemporánea, un proceso que contrasta con la casi total desaparición de las iniciativas independientes que, hace no tanto, le sirvieron de plataforma.¿Qué modelos temporales e historiográficos permite y produce este auge del performance en el museo? ¿Es quizás el deseo de contener lo que se desvanece en el aire lo que genera nuevos modelos de mercancía fácilmente consumible, de inmediato museificable? Los seis ensayos que componen este libro abordan estas cuestiones desde diferentes puntos de vista incidiendo en la necesidad de abrir un debate que en la actualidad está modificando la concepción de las prácticas artísticas y las instituciones que las contienen.
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Instantánea de una nueva institución
Cincuenta y un términos muestran los distintos ensayos institucionales que el centro de artes Santa Mònica ha venido desarrollando en los últimos años, enfocados a repensar su estructura, naturaleza y función desde la práctica diaria. Estos términos, organizados en seis secciones, confeccionan un glosario necesariamente incompleto, no cerrado ni definitivo: una instantánea de una nueva institución que se basa en la porosidad hacia la acción colectiva, así como en una autointerrogación y transformación constantes.
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VER Y SABER
No queda más que una salida del laberinto en el que andamos tropezando a ciegas: seguir la tenue luz de la razón, que nos devolveráal compromiso entre ver y saber, entre las percepciones de la retina y las visiones conceptuales, que constituyen la b
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Patrimonio cultural
El patrimonio cultural es la herencia recibida del pasado y depósito de la memoria. El reconocimiento, valoración y conservación del patrimonio cultural se orienta al mantenimiento de nuestra identidad histórica como comunidad humana. Este amplio y crucial cometido convierte al patrimonio en un concepto enunciado desde presupuestos dialécticos y críticos, en constante redefinición. Este libro invita al lector a adentrarse en la reflexión sobre el concepto de patrimonio cultural, su sentido y sus valores dentro de nuestra sociedad actual. Mientras que los primeros capítulos se centran en la formación del concepto de patrimonio cultural y su expansión, en los siguientes se plantea una reflexión acerca de los principios de la conservación del patrimonio cultural teniendo en cuenta el notable incremento de la patrimonialización (ciudades históricas, patrimonio inmaterial, cultura popular, etc.) que se ha producido en las últimas décadas.
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La puerta del monstruo. Sobre lo fantástico en el arte japonés
El folklore de lo sobrenatural japonés conforma un universo insólito. Toda clase de criaturas fantásticas danzan en un baile de máscaras donde lo mistérico, pleno de terror y maravilla, articula un mundo de extraordinaria riqueza. Unas criaturas, sean demonios, espectros o traviesos monstruos, que encarnan creencias ancestrales a la vez que marcan la huella de la psicología humana bien enterrada en nuestro sótano particular, el subconsciente. No obstante, ¿qué es lo que se encierra tras la figura del monstruo en Japón? ¿Existe una llave para el imaginario fantástico? Este libro aborda estas preguntas y otras muchas a través de un viaje apasionante por el mito y la leyenda en su plasmación en las artes.
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Escritos sobre Arte
Esta publicación recoge por primera vez en lengua castellana una recopilación de artículos en torno a las artes visuales escritos por Virginia Woolf entre los años 1920 y 1936. En ellos la autora indaga en la relación entre escritura y pintura, narra sus visitas a exposiciones, recoge impresiones y méritos del grupo Bloomsbury, y manifiesta su postura en torno a la aparición del cine o a la vinculación de los artistas con la esfera política.
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La columna de la Leona se ha ganado un lugar de honor entre los símbolos de la ciudad de Girona y es muy conocida tanto entre sus habitantes como entre los turistas. Aun así, su popularidad contrasta con lo que realmente sabemos. Hay que buscar su origen en la época medieval, hacia mediados del siglo XIII, pero su pasado, significado, autoría, ubicación, simbolismo, etc., siguen siendo, en buena parte, una incógnita. La revisión de todas las informaciones conocidas sobre la columna, además de la obtención de datos inéditos, y la descripción cuidadosa y analítica de la pieza que plantea este libro, suponen una actualización imprescindible para su conocimiento.
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Lección para estudiantes de arte
Este libro contiene tres ensayos escritos (y dictados) entre 1882 y 1889: Lección para estudiantes de arte, Decoración del hogar y Modelos londinenses. Reflejan el interés y profundidad del autor acerca del arte y la belleza: en ellos no solo aborda la composición, el color y los materiales, sino también la universalidad de lo bello en la decoración, en el vestuario y en el mero existir.
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Reivindicar la resiliencia
Reivindicar la resiliencia / Reclaiming Resilience es el proyecto curatorial del colectivo Pakui Hardware (Neringa Cerniauskaite & Ugnius Gelguda) donde, a través de las obras de cuatro artistas (Dominique White, Monia Ben Hamouda, Naomi Rincón Gallardo y Bianca Bondi), aspiran a recuperar y profundizar en la resiliencia como forma de curación, resistencia y aguante. El libro explora de forma crítica el término resiliencia a través de los autores: Mark Neocleous, Serene J, Khader, Alexis Pauline Gumbs, Lisa Parola, Sara Garzon y Rose Vidal.
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Ojo al dato
El presente volumen forma parte de la colección VEGAP CONTEXTOS que, resultado del ciclo CÍRCULO VISUAL organizado por VEGAP y el Círculo de Bellas Artes de Madrid, tiene como finalidad desarrollar una amplia reflexión sociológica y de antropología cultural sobre el arte de nuestro tiempo y los diferentes aspectos de la fenomenología socioeconómica que se ciernen en su entorno en el presente capitalismo informacional. Así, y teniendo como eje vertebrador la inteligencia artificial (IA) y su interacción con la creación artística, Antón Patiño , escritor y artista, además de presidente de VEGAP, analiza la ambivalencia e incertidumbres que nos provocan estos importantes cambios. A continuación Valerio Rocco , filósofo y director del Círculo de Bellas Artes de Madrid, se centra en cuestionar el carácter innovador de la inteligencia artificial. Por su parte, Daniel Innerarity , filósofo, se instala en una posición ecléctica al valorar, sin efectismos ni mágicos ni apocalípticos, el fenómeno de transformación tecnológica que supone la inteligencia artificial. Daniel Canogar , creador visual, nos transmite sus reflexiones no solo teóricas, también empíricas, como artista que utiliza la IA como herramienta tecnológica para su trabajo creativo. Finalmente, Javier Gutiérrez Vicén, director general de VEGAP, recoge en su contribución distintos postulados e informaciones de carácter jurídico del fenómeno de la inteligencia artificial, su regulación en Europa, y los dilemas que plantea para los autores de obras de creación visual.
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Tattoo you
Con casi 700 imágenes, Tattoo you: A New Generation of artists muestra 75 estrellas en ascenso que están redefiniendo la industria. El primer libro de este tipo, Tatuaje, presenta artistas seleccionados por un panel global de expertos, incluidos algunos de los nombres más importantes del tatuaje, como Grace Neutral, Claudia De Sabe, Matt McCormick, Tamara Santibañez, Lal Hardy, Marisa Kakoulas, Matt Lodder. , Tann Koga (Ink the Diaspora) y Jay Freestyle. Cada artista va acompañado de una selección de imágenes que ilustran su trabajo, junto con un perfil en profundidad que profundiza en sus influencias, su proceso creativo y cómo están transformando el mundo del tatuaje. Desde tatuajes minimalistas, blackwork y neotradicionales hasta prácticas culturales e indígenas, Tattoo you abarca todos los estilos y técnicas, ofreciendo una mirada interna a cómo trabajan los artistas de todo el mundo hoy en día, al mismo tiempo que brinda vislumbres del futuro del tatuaje como una forma de arte innovadora, accesible y revolucionaria.
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