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Llibres d'art
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Entre la memòria íntima i la poètica dels objectes, L'imant i les coses és el primer llibre de l'artista Mateu Coll. Amb una escriptura fragmentària i evocadora, però lluny de qualsevol nostàlgia, Coll construeix una obra on les coses —les trobades, les perdudes, les salvades— esdevenen dipositàries de vida i alhora testimonis del pas del temps. Cada objecte conté una història, una absència, un record, i el text s'erigeix al seu costat com un inventari afectiu que reivindica la bellesa i la fragilitat d'allò que resta. Amb fotografies de Jean Marie del Moral i un epíleg de Sebastià Perelló, a L'imant i les coses les imatges dialoguen amb la paraula escrita i n'intensifiquen la dimensió reflexiva i sensorial. Un llibre que s'inscriu en la tradició de la literatura de l'objecte i de la mirada —de Walter Benjamin a Mario Praz, de Virginia Woolf a Susan Sontag— i que aporta una visió pròpia i contemporània sobre el poder magnètic de la matèria i el desig inefable de retenir allò que s'esvaeix.
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Yoshitomo Nara alcanzó la fama a mediados de los años90, la estrella de una generación de artistas Avant-Garde japoneses asociados con el movimiento “superflat” neo-pop. Este libro se ha realizado en estrecha colaboración con el artista y explora detalladamente sus más de tres décadas de producción artística. Está escrito por el historiador de arte Yeewan Koon e incluye varios textos del propio Nara Primer libro serio sobre el artista en más de diez años, incluya fotografías personales y está ordenado cronológicamente. Comienza una retrospectiva en el LACMA en Abril de 2020 que viajará al Guggenheim Bilbao.
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El luthier de Delft es una obra que analiza la música (aunque también el arte y la ciencia) del siglo xvii, especialmente centrada en la cultura neerlandesa. El libro gira en torno a tres personajes centrales, el pintor Jan Vermeer, el filósofo Baruch Spinoza y el músico Jan Pietrszoon Sweelinck. A partir de ellos, el lector se encontrará con la construcción de instrumentos musicales, sus maderas y barnices, así como con el papel de la mujer en el arte y la música, la vida de los pintores y el mundo simbólico de sus obras y los estudios científicos destinados a la óptica y la difusión del telescopio. Un libro lleno de resonancias y armonías, sabiduría y sutileza.
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El culto moderno a los monumentos fue publicada originalmente en 1903 y en ella Riegl, a la sazón presidente de la Comisión de Monumentos Históricos, analiza la problemática del monumento en el horizonte de dos cuestiones fundamentales para el formalismo y la escuela vienesa de historia del arte: el culto a los monumentos es un culto moderno, y la consideración de la modernidad alienta a lo largo de todo el texto, es manifestación de una determinada voluntad de forma, Kunstwollen, concepto que está en la base de toda su argumentación y que adquiere en esta obra matices importantes. El proceso que conduce desde el valor monumental intencionado hasta el valor de antigüedad, pasando por el histórico, no es sino una manifestación de la emancipación del individuo, que ha realizado un fuerte avance, sobre todo desde finales del siglo XVIII y a lo largo del XIX, y que se dispone a sustituir paulatinamente los fundamentos clásicos tradicionales de la cultura por otros completamente distintos
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En la China clásica el arte se ha expresado a través de la tinta, el papel y el pincel, y la poesía, la caligrafía y la pintura formaron una unión inseparable llamada las «tres perfecciones».En este libro, la autora hace un recorrido por las diferentes dinastías Imperiales presentando a las mujeres pintoras chinas más importantes cuyas obras han sido seleccionadas por su riqueza y variedad para ser analizadas y contempladas. La vida de estas artistas estuvo íntimamente vinculada a sus orígenes sociales y a tradiciones como el confucionismo que limitaron en gran medida su espacio de actuación. En la soledad de sus hogares o rodeadas de numerosos admiradores, indiferentes a la fama o resueltas a encontrarla, todas llegaron a la madurez técnica y supieron captar el verdadero espíritu de la naturaleza que representaron con una belleza ilimitada y un delicioso estilo poético.Las Grandes Damas de la Pintura China, llegarán al corazón de todos los seres sensibles sin obstáculos y cuando contemplen sus obras, comprenderán inmediatamente los misterios que ante ustedes se revelarán, y su huella será tan fuerte como el trueno que logra romper el arte de pintar en silencio.
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Me he perdido en Venecia, pero ¿hay algo más mágico que perderse aquí? En el cielo veo una bandada de palomas, por lo que no debo de estar muy lejos de la plaza de San Marcos. Los gatos venecianos me guían por los canales y siento que la realidad va quedando fuera de este laberinto que se disfraza de ciudad... La isla de Burano, el puente de Rialto, Campo San Polo, la plaza de San Marcos… cae el sol sobre Venecia, desde sus edificios más emblemáticos hasta los rincones más desapercibidos, pasando por sus encantadoras plazas. David Pintor está ahí para captar con su lápiz y su paleta de colores cómo la luz languidece. Pero la mirada que nos ofrece está tocada por una suerte de magia que hace que las sombras fluyan sobre el agua de los canales, que los balcones y las terrazas dancen sobre los tejados.
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Sigui quin sigui el motiu pel qual ens endinsem cap als entorns naturals, encara que no siguin «inhòspits» o «extrems», mai hem de descurar tots aquells aspectes relacionats amb la seguretat, ja sigui individual, grupal i del medi, com són: geografia física, perills ambientals, actitud mental, primers auxilis, aigua, foc, orientació, eines, rescat, refugi i recursos alimentaris.Aquest llibre us proporciona explicacions, curtes, però aprofundides, sobre totes aquestes qüestions ben organitzades en deu capítols multitemàtics —que anomenem dies—. Tres quartes parts del text escrit es complementen amb il•lustracions i esquemes, mapes i exemples, llistes i taules.
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'María Blanchard nos pinta pobres seres meditativos, bien sean hombres, mujeres o niños, envueltos muchos de ellos en una atmósfera melancólica próxima a la ternura. Tiene para sus criaturas una fisonomía propia. Los personajes de sus cuadros pertenecen todos a una misma raza: nariz ancha, labios gruesos, tiernamente sensuales, ojos tristes, brillantes, cuello corto…'' Escrita en 1941, esta es la primera monografía dedicada en España a María Blanchard. Se la debemos a María Laffitte y Pérez del Pulgar, condesa de Campo Alange, escritora y crítica de arte, defensora de los derechos de la mujer y fundadora, en 1960, del Seminario de Estudios Sociológicos de la Mujer.
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La investigación artística de Jorge Satorre —surgida de su inicial interés por desarrollar una carrera como ilustrador editorial— ha mantenido una sostenida preocupación por experimentar con los límites de diversas disciplinas ligadas al dibujo. Con el tiempo, esta práctica ha estado cada vez más vinculada a una vertiente escultórica desde la que establece diálogos con los diversos contextos donde concibe y expone su trabajo. Sus proyectos recientes suelen implicar actos de transformación y subversión derivados de acciones esenciales, como moldear, estampar, forjar, fundir o romper. Estos procesos entrelazan lo íntimo con lo industrial, lo funcional con el uso indebido, las anécdotas con los arquetipos, los recuerdos con lo imaginario.Con motivo de su exposición en el Museo Centro de Arte Dos de Mayo [Ría, CA2M, del 1 de febrero al 31 de agosto de 2025], se publica su primera monografía, que incluye nuevos ensayos de Daniel Garza Usabiaga, director del museo del Palacio de Bellas Artes, en Ciudad de México, y del artista irlandés Sean Lynch, así como una conversación entre Satorre y Latitudes, comisarios de la muestra, que reúne obras de nueva creación, junto a esculturas, dibujos e instalaciones producidas entre 2013 y 2025. Esta publicación está estructurada en orden cronológico inverso en torno a las exposiciones y trabajos realizados en los últimos quince años.
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Made by MSCHF es un estudio del trabajo del colectivo de arte MSCHF, con sede en Brooklyn, conocido por sus proyectos eclécticos que critican las mismas áreas de la cultura popular que habitan. Desde una línea de bolsos de diseño que solo son visibles bajo un microscopio hasta un juego de citas anime que ayuda a los jugadores a generar una declaración de impuestos funcional, las obras de MSCHF son incisivas, a menudo virales y siempre están imbuidas de su estilo único de humor subversivo.Con imágenes nunca antes vistas, este libro presenta estudios de casos que exploran en profundidad 12 de los proyectos de MSCHF, brindando a los lectores un modelo de cómo se desarrollan sus trabajos desde la idea hasta el lanzamiento. Escrito por dos de los cofundadores del colectivo, el libro presenta 6 ensayos temáticos adicionales y un archivo de todas las obras de arte del MSCHF hasta la fecha, que en conjunto revelan el alcance y la evolución del grupo experimental.Los proyectos incluyen: Big Red Boot, un par de botas de goma grandes y caricaturescas, Jesus Shoes, sus zapatillas de deporte de marca llenas de agua bendita, ATM Leaderboard, un cajero automático instalado en Art Basel Miami Beach que clasificaba a los usuarios por saldo bancario, y Severed Spots, en el que recortaron manchas de grabados de Damien Hirst y las vendieron como obras de arte individuales.
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Este libro no es una historia del arte al uso. No es un recorrido por las consideradas grandes obras del arte universal y que habitualmente aparecen en los manuales escolares. Tampoco es un recetario de cómo distinguir el arte románico del gótico.Esta historia irreverente del arte se centra en la Europa occidental y el Mediterráneo, desde la caída del imperio Romano de Occidente hasta el siglo XV, para recorrer en un extraordinario viaje artístico lugares como Roma, Constantinopla, Damasco, Granada o Florencia y explorar la sensibilidad de aquellos artistas que, con su desempeño, han construido la cultura en la que vivimos.
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La Semana Santa siempre ha sido un gran relato que Sevilla se cuenta cada año, como quien abre un libro que nunca termina del todo. Y, la verdad, pocas veces hemos mirado con calma cómo la literatura ha dado forma a ese relato, cómo lo ha sostenido y, además, lo ha reinventado siglo tras siglo. En La Semana Santa literaria, Eugenio J. Vega Geán nos guía por versos, crónicas, romances, novelas y pregones que han ido dibujando la fiesta mayor en la memoria cultural de la ciudad. Hay momentos en que casi vemos pasar una cofradía antigua entre líneas, otros en los que escuchamos el eco de quienes escribieron para salvar del olvido lo que vivieron. Este libro abre puertas a autores que imaginaron la Pasión, a viajeros fascinados, a románticos, modernos y voces contemporáneas que siguen narrando lo que Sevilla siente. Si quieres comprender la Semana Santa desde dentro —desde su emoción más íntima y desde la tradición que la sostiene—, este libro es una llave luminosa. Una invitación a mirar, a leer… y a dejar que la palabra también haga estación de penitencia.
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Este libro recoge, por primera vez y con investigación rigurosa, el mapa vivo y actual de las mujeres que cargan pasos a costal en España: dónde lo hacen, desde cuándo, cómo lo sienten y qué les impulsa a seguir. Más de cuatrocientas voces —costaleras, capataces, familias, responsables de hermandades y personas que acompañan el ritual— comparten su experiencia íntima: la tensión muscular, la técnica estudiada, la emoción que nace del hombro hacia la piel, los nervios que hormiguean en la antesala del paso, la fe, la entrega y la ilusión que atraviesa la noche. Estas páginas revelan un fenómeno lleno de raíz y de futuro: identidad, misión, cultura viva, sociología, psicología y memoria espiritual de nuestra religiosidad popular. Es un viaje humano y cercano, contado con respeto y escucha, que invita a comprender y sentir desde dentro. El latido de este libro toca algo profundo: bajo el costal hay cervicales, hay columna, hay respiración contenida… y hay un corazón que sueña en plural. Ellas ya caminan bajo los pasos, con paso corto y alma alta. Y su huella avanza, palmo a palmo, como la trabajadera: firme, consciente, compartida.
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Utagawa Hiroshige (1797-1858) fue uno de los últimos grandes artistas de la tradición japonesa del ukiyo-e. La palabra significa literalmente «pinturas del mundo flotante» y designa un género artístico que floreció entre los siglos xvii y xix y simbolizó la imagen de Japón en el mundo occidental. Las escenas del ukiyo-e, que en muchos aspectos eran de tipo hedonista, representaban a menudo la brillante luminosidad y las atracciones de Edo: mujeres hermosas, actores y luchadores de sumo, la vida urbana y panorámicas espectaculares. Pese a abarcar una gran variedad de temas, Hiroshige se hizo famoso sobre todo por sus paisajes. De hecho, su obra maestra fue una serie de grabados conocida como Cien famosas vistas de Edo (1856-1858), que reproduce varias escenas de la ciudad en el curso de las estaciones, desde las animadas calles comerciales hasta las espléndidas huertas de cerezos. Esta reimpresión está compuesta por una de las mejores series de xilografías originales completa perteneciente al Ota Memorial Museum of Art en Tokio. Cada una de las 120 ilustraciones viene acompañada por una descripción que permite a los lectores sumergirse en estas hermosas y vibrantes vistas que se convirtieron en paradigmas del japonismo e inspiraron por igual a artistas impresionistas, postimpresionistas y del art nouveau, desde Vincent van Gogh hasta James McNeill Whistler.
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El Lisitski fue uno de los artistas más relevantes y polifacéticos de las vanguardias rusas y quizá el que ha ejercido mayor influencia en la evolución posterior de varios ámbitos de los lenguajes artísticos y la comunicación audiovisual. Su participación en el renacimiento cultural judío en Ucrania y Bielorrusia, su posición en el desarrollo de la abstracción, sus aportaciones pioneras en el fotomontaje, el diseño gráfico y de exposiciones, la publicidad, la tipografía o la propaganda masiva son aspectos que han concitado un interés agudo que parece lejos de atemperarse. Esta edición pretende reunir los textos teóricos más relevantes del autor para reseguir la trayectoria de sus ideas estéticas. Incluye un apéndice con textos de artistas e intelectuales coetáneos.
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Cada cuadro contiene una historia y, aquí, más de setenta obras maestras revelan las mayores historias de amor del arte. Este libro explora cómo mujeres y hombres han pintado, dibujado y fotografiado a sus amantes u objetos de deseo y desvela homenajes secretos, pasiones ocultas y la profunda devoción que esconden estas obras famosas. También nos invita a detenernos a reflexionar acerca de nuestras propias relaciones y sentimientos. Desde el romanticismo onírico de Chagall hasta la complicada vida amorosa de Dora Carrington, pasando por el impenitente erotismo de Tamara de Lempicka o la veleidad de Picasso, El amor a través del arte es una revelación extraordinaria de la búsqueda, la experiencia y la pérdida del amor, esa emoción tan potente y, al mismo tiempo, tan esquiva.
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El ojo del pintor, de John Banville, es el cuarto libro de la colección Escribir el Prado, tras El vigilante de sala, del Premio Nobel J.M. Coetzee, El nivel de aire, de Chloe Aridjis, PEN/Faulkner Award for Fiction (2020), y Refugio, de la Premio Nobel Olga Tokarczuk. Este relato ha sido escrito en el marco del programa de residencias para escritores organizado por el Museo Nacional del Prado con el patrocinio de la Fundación Loewe y en colaboración con Granta en español. La estancia de John Banville en el museo tuvo lugar en septiembre y octubre de 2024.
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TU LUGAR DE TRABAJO ES MÁS IMPORTANTE QUE NUNCA. APRENDE CON MARIE KONDO A SACARLE EL MÁXIMO PARTIDO Y MEJORAR TU VIDA. El puesto de trabajo es un imán para el desorden y el caos. ¿Quién no se ha sentido agotado por reuniones improductivas, papeles revueltos, interminables correos electrónicos y tareas innecesarias? Todo esto consume tu motivación, limita tus posibilidades de progreso y socava tubienestar. La felicidad en el trabajo aplica el famoso método KonMari al espacio donde ejerces tu actividad laboral. Ofrece historias, consejos prácticos y estrategias para eliminar el desorden en el lugar donde trabajas y disfrutar de la productividad, el éxito y la felicidad que conllevan un entorno laboral y una mente ordenados. Los autores te guían mientras organizas tu vida laboral, ayudándote a desarrollar la confianza, a aumentar el éxito profesional y, por supuesto, a generar alegría.
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Publicado con motivo de la exposición Del lapicero al buril. El dibujo para grabar en tiempos de Goya, celebrada en el Museo Nacional del Prado entre el 17 de octubre de 2023 y el 14 de enero de 2024.En la segunda mitad del siglo XVIII España se liberó de la dependencia que había tenido del extranjero en el ámbito del grabado. La formación de dibujantes y grabadores cualificados, encabezados por Manuel Salvador Carmona, permitió acompañar con estampas los importantes proyectos culturales y científicos promovidos por el pensamiento ilustrado, cuyo epílogo será la publicación de los Caprichos de Francisco de Goya en 1799. Si las estampas de esa época son bien conocidas, no lo son tanto los dibujos para grabar que les sirvieron de punto de partida. Su carácter utilitario los ha relegado a un segundo plano en la historia del arte. Y, sin embargo, de sus cualidades depende absolutamente la calidad del grabado, sin un buen dibujo es imposible obtener una buena estampa.En Del lapicero al buril —dos de los instrumentos más utilizados por dibujantes y grabadores— se muestran los distintos usos que tuvieron los dibujos en el proceso de creación del grabado, desde los que realizaban los artistas que inventaban las imágenes hasta los elaborados por los propios grabadores en sus talleres. La variedad de técnicas utilizadas así como su adecuación a los temas que representan sirven también para ofrecer un recorrido sobre el dibujo español en tiempos de Goya
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Un mazo de 23 cartas de meditación con arte y poesía.Los Espejos Sagrados invitan a un viaje interior a través de nuestra anatomía física, sociopolítica y espiritual. Este mazo de meditación incluye veintitrés cartas con reproducciones de las veintiuna pinturas originales de Alex Grey más dos imágenes transformadoras adicionales: Sobrealma y El Ángel.La poesía visionaria de Grey en el reverso de cada carta ofrece una guía en la contemplación de la imagen al frente, culminando en un tema de una sola palabra para la reflexión. Las veintitrés cartas de este mazo conducen al proceso de theosis —acercarse a Dios— a través de la contemplación de arquetipos icónicos y el reconocimiento del yo, del otro y del mundo como reflejos de lo divino.Contiene la serie completa de pinturas de los Espejos Sagrados, meditaciones guiadas, reflexiones y poesía de Alex Grey, autor de Transfiguraciones (25.000 copias vendidas) y Espejos Sagrados (90.000 copias vendidas). Las pinturas originales de 46” x 84” presentadas en esta obra están expuestas en la Capilla de los Espejos Sagrados en la ciudad de Nueva York.
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Las mariposas han cautivado a la gente durante miles de años, cautivando la imaginación humana durante tanto tiempo que están profundamente entrelazadas con nuestra cultura e historia. Butterfly profundiza en este amor perdurable por las mariposas, polillas y orugas, llevando a los lectores en un viaje a través de continentes y culturas para descubrir las infinitas maneras en que artistas e imágenes a lo largo de la historia, desde el antiguo Egipto hace más de 4000 años hasta la actualidad, se han inspirado en estos etéreos insectos.Con más de 250 entradas, cada una representada con una magnífica imagen a gran escala, este extenso estudio visual abarca una amplia gama de estilos y medios, incluyendo pinturas, ilustraciones botánicas, esculturas, fotografía de naturaleza, libros infantiles, textiles y joyería. Combinadas ingeniosamente para resaltar los contrastes y similitudes que invitan a la reflexión, independientemente de la época, las imágenes muestran mariposas y polillas —desde la morfo azul y la monarca hasta la polilla calavera— en todas las etapas de su ciclo vital. Los vibrantes colores del clásico infantil de Eric Carle, La oruga muy hambrienta, complementan la alegría de un collage de mariposas del artista pop británico Peter Blake, mientras que la figura de la diosa Mariposa de Obsidiana, tallada en piedra en el México del siglo XIV, coincide a la perfección con la de una polilla al caer, capturada en una hermosa fotografía en blanco y negro del artista japonés Chuji Yasui.Los artistas destacados incluyen: María Berrio, Peter Blake, Lee Bontecou, ??Alexander Calder, Caroline Cheng, Rebecca Coles, Salvador Dalí, Mat Collishaw, Jean Dubuffet, M. C. Escher, Gyoshu Hayami, Sheila Hicks, Damien Hirst, Frida Kahlo, René Lalique, Iela Mari, Wardell Milan, Berthe Morisot, Maria van Oosterwijck, Gabriel Orozco, Man Ray, Yinka Shonibare y Vincent van Gogh, entre otros.Los asesores incluyen: Dr. Giovanni Aloi, Dr. David G. James, Dra. Ivonne Garzón Orduña, Profesora Naomi Pierce, Tamar van Riessen y Nate MossIncluye textos de Dr. David G. James, Tamar van Riessen y Nate Moss y textos adicionales de: Dr. Giovanni Aloi, Sara Bader, Matthew Biggs, Anita Croy, Jennifer Elias, Diane Fortenberry, Carolyn Fry, Catherine Ingram, Rebecca Morrill, Nate Moss, Tamar van Riessen, Hannah Silver, James Smith, David Trigg y Martin Walters
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LA CULTURA I L'ART EN EL PURITÀ I AÏLLAT PRIMER FRANQUISME Ara fa cinquanta anys, Barcelona inaugurava el Museu Picasso, fet que certificava la voluntat col·lectiva de reprendre el projecte cultural i de país anterior a la Guerra Civil. Enrere quedaven dues dècades en què, superada la immediata postguerra, la voluntat de modernització cultural del país havia maldat per sobreviure, adaptant-se a unes circumstàncies profundament adverses, en forma d'una modernitat no sempre visible que va sobreviure amb cautela durant els primers anys del franquisme fins a l'arribada de la nova atmosfera aperturista dels anys 60. Els autors reflexionen sobre les polítiques culturals, les orientacions estètiques, les circumstàncies històriques i els protagonistes més significatius entre 1942 i 1963, d'acord amb les úniques estratègies possibles aleshores: resignació, restauració o resistència. REPÀS DE LES MANIFESTACIONS ARTÍSTIQUES I LA VIDA CULTURAL AL LLARG DEL PRIMER FRANQUISME, EN QUÈ LA RECERCA DE LA MODERNITAT ARTÍSTICA QUEDA LATENT. ARTICLES DELS MILLORS EXPERTS EN L'ART DE L'ÈPOCA, QUE S'ESTÀ REVALORANT. ES TRACTEN SOBRETOT TRES DISCIPLINES ARTÍSTIQUES: ARQUITECTURA, PINTURA I LITERATURA.
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* 30 dibujos para colorear a partir de las sublimes fotografías de Thomas Pesquet, para reproducir con fidelidad o utilizar los modelos originales a modo de inspiración. * Muchos universos para crear y elegir: hermoso azul, volutas acuáticas, geometrías variables o territorios conocidos. * ¡La magia de la terapia a través del arte para recuperar la calma y la concentración! «Ahora tienes la ocasión de unir tus trazos a los de la naturaleza...». Los derechos de autor de este libro se donan a la organización humanitaria Aviation Sans Frontières
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La inteligencia artificial ha irrumpido en nuestras vidas con una fuerza arrolladora. Y el auge de la IA generativa está afectando también a un ámbito que cabía pensar a salvo de su influencia: el de la creación artística. Nuestros conceptos habituales de estética o diseño están cambiando, nos vemos obligados a cuestionarnos la naturaleza del acto creativo, de la autoría, de la idea de originalidad. ¿Será posible que las máquinas generen una estética propia?Partiendo de una larga experiencia teórica y práctica en este campo, y con un enfoque multidisciplinar que va de la filosofía y la psicología del arte a la teoría de los medios o la ciencia de datos, este apasionante libro ofrece una sorprendente y esclarecedora visión de conjunto de un tema de máxima actualidad que, sin embargo, está dominado por generalidades y lugares comunes. Un texto que da un vuelco radical a cualquier idea preconcebida que el lector pudiera tener al respecto.
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Una mujer desvalija los almacenes de los museos madrileños tras la guerra civil. LLeva una tarjeta de visita con un título aristocrático que se ha inventado. Expolia tapices de seis metros, cientos de cuadros y todo tipo de bienes culturales. No es la única, también lo hacen los vigilantes del arte, monjas, anticuarios, directores de museos... Esta es una increíble historia real sobre el mayor robo de obras de arte sucedido en España, que la ficción no se había imaginado y en la que aparece una presunta espía soviética, que vende al Museo del Prado por una millonada el autorretrato falso de un gran pintor holandés. Aquí tienes un episodio oculto de la posguerra.
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Las artes han sido posibles siempre bajo el signo del devenir, en el cambio, en la transformación continua, en la constante revisión crítica de las formas y los procedimientos, en el análisis de los mensajes. En todo ello se encuentra la razón de su fuerza de comunicación y las condiciones mismas de su existencia.
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«Estoy seguro de que en los siglos venideros la palabra interpretación cambiará de forma similar a su significado para cubrir un horizonte más amplio de pensamiento y para englobar nuevas necesidades y prácticas» (Freeman Tilden, 1957). Invocando la cita del maestro, este libro dedica especial atención a la definición de interpretación, su relación con la mediación o la animación y la necesidad de abrirla a la comunicación mediada, y revisa los principios y técnicas de la interpretación del patrimonio a la luz de la teoría de la comunicación humana, ilustrándolos con ejemplos tomados de la experiencia profesional y docente de los autores. Asimismo, busca propiciar el conocimiento mutuo de interpretación y museología (en sentido amplio) y ofrecer claves para la comunicación efectiva del patrimonio cultural. La obra está dirigida principalmente a personas vinculadas a la gestión y comunicación al público de museos y lugares culturales y, en relación con estos, al turismo, la animación, la recreación histórica, el voluntariado o la formación universitaria.
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Esta guía es obra del grupo de trabajo Museus i Gènere, que tiene como objetivo transmitir una socialización de los géneros que elimine los aspectos negativos y las jerarquías de los modelos vigentes y abra camino al pleno desarrollo de una sociedad igualitaria, democrática y justa en el mundo del patrimonio y de los museos. Así, la guía ofrece algunas pistas de reflexión y algunas propuestas de actuación para aplicar la perspectiva feminista en el trabajo diario en el museo.
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SI BUSCAS UNA ACTIVIDAD SENCILLA Y CONSCIENTE PARA DESARROLLAR TU CREATIVIDAD, ESTE ES TU LIBRO.Es muy fácil dibujar pequeñas fl ores con unos cuantos trazos y crear con ellas todo tipo de estampados, ramos, coronas... Todas las fl ores que encontrarás en este libro se desglosan en elementos simples que podrás reproducir sin problemas, y se acompañan de consejos para superar el miedo al papel en blanco e ideas para que puedas aplicar tus creaciones en cualquier proyecto que te propongas.Flores para dibujar paso a paso: Brezo, Espliego, Cosmos, Áster, Tulipán, Hortensia, Azucena, Paniculata, Anémona, Peonía, Maravilla, Narciso, Rosa, Margarita, Girasol, Violeta… y muchas más.
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¿Qué es el arte y por qué, incluso sin entenderlo, a veces nos hiere, nos calma o nos salva? La herida del arte nace de una pregunta que atraviesa siglos y disciplinas, pero que aquí se formula desde un lugar íntimo, la experiencia emocional. A través de un recorrido que va desde las primeras manifestaciones artísticas hasta la cultura visual contemporánea, Raquel (Delgado de los Mozos) explora el arte no como objeto elitista ni como simple entretenimiento, sino como una forma profunda de comunicación humana.Apoyándose en la estética, la psicología, la sociología y la historia del arte, este libro propone una mirada accesible y honesta sobre por qué el arte sigue importando, incluso, o especialmente, en una época saturada de imágenes y ruido. Lejos de definiciones cerradas, estas páginas invitan a detenerse, a sentir y a recuperar la confianza en la propia mirada. La herida del arte no busca responder qué es el arte, sino acompañar al lector en el descubrimiento de aquello que una obra despierta cuando logra tocarnos. Porque, al final, el arte no se explica del todo, se experimenta. Y a veces, duele. Y a veces, ilumina.
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* Una historia de la pintura accesible y entretenida. * Una presentación cronológica y de los artistas clasificados por movimientos, escuelas o estilos. * Focos temáticos para identificar los movimientos artísticos, reconocer los símbolos y descubrir los entresijos de los museos. Una historia de la pintura narrada a través de los artistas y sus obras, que se descifran paso a paso: salpicada de paréntesis instructivos y paralelismos gratificantes, para comprender cómo se ha construido este gran fresco universal ininterrumpido, desde Giotto hasta Banksy. Un trabajo clave que reúne los fundamentos y conocimientos que permiten descifrar una pintura cargada de referencias.
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Peter Halley (Nueva York, 1953) se dio a conocer a mediados de los años ochenta en Nueva York como impulsor del movimiento neoconceptualista. ''Escritos sobrearte'' ofrece al lector la primera traducción al español de una selección de sus ensayos más innovadores,así como una muestra de algunos de sus escritos más personales, como su primer encuentro con Andy Warhol
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Aprende a dibujar de forma realista félidos, cánidos, úrsidos, équidos, bóvidos, cérvidos, lepóridos, peces y aves de acuerdo con los principios fundamentales de su representación: simplificar los volúmenes, detallar las formas del cuerpo y la cabeza, adaptar las proporciones y el pelaje o el plumaje según la especie. A través de más de 165 ilustraciones y numerosos ejemplos explicados paso a paso, esta pequeña pero completa guía proporciona las bases necesarias para dibujar animales con la mayor precisión.
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A partir del surgimiento de la fotografía en 1840, seprodujo un cambio sin antecedentes en la historia dela representación que generó nuevas formas de intervenir la realidad. De este modo, se inauguró lo que Sorlin acuñó como “el siglo de la imagen analógica”. Tomar una fotografía, encender la televisión son para nosotros actos ordinarios que ejecutamos sin reflexionar. Sin embargo, los aparatos de registro gráfico pertenecen al universo de la máquina y, como todas las invenciones de la era industrial, alborotaron viejos hábitos. Nuestro ojo es un aparato óptico que reflejalo que se encuentra frente a él. Sin embargo, los seres humanos no perciben lo que registra la mirada. Privilegian en su entorno lo que responde a su propia curiosidad e interés.
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El monte Fuji ha sido durante mucho tiempo un elemento central del imaginario cultural japonés, y nada lo ha representado con más virtuosismo que la histórica serie de xilografías Treinta y seis vistas del monte Fuji de Katsushika Hokusai (1760-1849). El famoso grabador documenta el Japón del siglo XIX con un talento y devoción excepcionales, y rinde homenaje al campo, a las ciudades, a la gente y a su serena belleza natural. Producida en la cima de la ambición artística de Hokusai, la serie es una obra fundamental del ukiyo-e que le valió el reconocimiento mundial como maestro indiscutible de su oficio.Los grabados ilustran la obsesión de Hokusai con el monte Fuji y el florecimiento del turismo doméstico a finales del período Edo. Del mismo modo que la vista de la montaña era muy apreciada por los viajeros que se dirigían por la carretera Tōkaidō a la capital Edo (Tokio en la actualidad), el monte Fuji se erige como telón de fondo infalible de cada una de las escenas de la serie. Hokusai captura el paisaje distintivo y el encanto provincial de cada escenario con colores vívidos y detalles exquisitos. La serie, que incluye la famosa estampa La gran ola de Kanagawa (también conocida como La gran ola), es un tesoro de la historia del arte internacional apreciado en todo el mundo.Esta edición XL, una de las pocas reimpresiones de toda la serie, rinde homenaje a los llamativos colores y las composiciones de Hokusai con un cuidado y magnitud sin precedentes. Encuadernada siguiendo la tradición japonesa, Treinta y seis vistas del monte Fuji reúne las 36 estampas originales y otras 10 que el propio artista añadió posteriormente. El presente volumen presenta una imagen encantadora del Japón preindustrial y es un monumento impresionante al arte de la xilografía.
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¿Qué futbolista extranjero conoció el flamenco cuando llegó a Nervión, no lo entendía en un principio y luego le gustó? ¿Qué entrenador favorecía una salida semanal de la plantilla, con cena y copas hasta una hora prudente? ¿Qué dos leyendas del Sevilla terminaron en calzoncillos y en la calle tras un terremoto? ¿Qué mediocentro foráneo es un entusiasta del salmorejo que le prepara su suegra? Preguntas curiosas y llamativas. Las respuestas a estas cuestiones, y a muchas más de este tipo, las encontrará en este libro dedicado al programa A Balón Parado, espacio que comenzó a emitirse en septiembre de 2011 en SFC TV, bajo la dirección y presentación del periodista Roberto Arrocha, y que conforma hoy, con un estilo ameno, peculiar y humano, el particular diván de los protagonistas del Sevilla F. C.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.
