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Llibres d'art
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El concepto de calidad siempre ha resultado escurridizo. La relatividad de los juicios de valor en estética es algo que desde Aristóteles hasta Kant y Croce ha quedado bien establecido en el pensamiento europeo, lo que suponía un freno a cualquier intento de definir y establecer con claridad conceptual en qué consiste la calidad en el arte. Alejandro Vergara se enfrenta a la difícil tarea de cercar este concepto convencido de la importancia de ese esfuerzo intelectual y para ello primero expondrá el recorrido sinuoso y esquivo de la idea de calidad a lo largo de la historia del pensamiento occidental y posteriormente, basándose en su amplio y reconocido conocimiento de la pintura europea de los siglos XV al XVIII, se adentrará en una exposición práctica, acompañándonos a descubrir, como si se tratara de una indagación detectivesca, qué se entendió en Europa por calidad durante tres largos siglos en los que se produjo gran parte de la mejor pintura europea.
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¿Qué implica crear arte? ¿Cómo se aprende a ''leer'' una obra? ¿Cuáles son los elementos clave de la composición? Cómo funciona el arte es una guía visual clara y accesible que revela los principios, las técnicas y los conceptos que hay detrás de las grandes obras de arte. A través de gráficos prácticos y explicaciones sencillas, este libro te enseña a comprender cómo se crea el arte y cómo interpretarlo. Desde la pintura y el dibujo hasta la escultura y la cerámica, descubrirás los materiales y procesos que dan forma a una obra artística. Aprende a identificar elementos clave, como la perspectiva, la luz, el color, la forma y la composición, y a reconocer los principales estilos y movimientos artísticos que han marcado la historia del arte. En este libro encontrarás: - Materiales y técnicas, como pintura al óleo, acuarela, dibujo, escultura, cerámica... - Explicaciones claras de los fundamentos técnicos, como la perspectiva, la luz, el color, la forma y la textura. - Una introducción a movimientos clave, como el impresionismo, el cubismo y el surrealismo. - Cómo el arte transmite ideas, mensajes y emociones. Ideal para estudiantes, artistas y amantes del arte, este magmífico libro es el punto de partida perfecto para comprender y disfrutar del arte con una mirada informada y curiosa.
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El fin del arte. Identidad, militancia y sentido es un ensayo fragmentario y experimental, construido a base de textos tan creativos como subversivos detonados a partir de experiencias personales de la autora y que son vinculados con diferentes sucesos de actualidad relacionados con el arte, el mercado y la cultura visual, con la intención de revelar las actuales dependencias de los discursos socio-políticos hegemónicos en las prácticas artísticas contemporáneas. El libro analiza cómo la agenda política ha invadido el ámbito artístico diluyendo su autonomía y su potencial para la disidencia. La tesis principal es que el arte, atrapado en las guerras culturales, ha cedido a consignas ideológicas y militancias olvidando su naturaleza experimental e inútil, su sometimiento a la propaganda lo ha vaciado de sentido. Por eso el título juega con la ambigüedad de “fin”, tanto su finalidad como su posible agotamiento. Aunque el arte no puede morir, su desconexión con la realidad lo ha vuelto irrelevante. En el prólogo, Juan Soto Ivars afirma que la traición intelectual,“directamente ligada con la honestidad”, es lo que mejor define a la autora, por lo que no se puede esperar recorrer este libro sin sobresaltos. Y es que Abellán transita entre la narrativa, la exposición y el ensayo argumentativo sin perder su particular estilo, que oscila entre la ironía y la provocación, con el único propósito de reivindicar el pensamiento libre.
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¿A quién pertenecen los mármoles del Partenón o el busto de Nefertiti? La historia de cómo el imperialismo y el colonialismo llenaron nuestros museos. Detrás de muchas de las obras que admiramos cuando visitamos el Louvre, el Museo Británico o el Met de Nueva York se oculta un pasado incómodo. Son piezas que desaparecieron de su lugar de origen, arrancadas de templos, tumbas o palacios, y que hoy se siguen reclamando. Durante siglos, los grandes museos reunieron objetos procedentes de todos los rincones del planeta convencidos de estar preservando el patrimonio de la humanidad. Pero tras esa apariencia de universalidad se esconde una historia de conquistas, expolios y apropiaciones que todavía proyecta su sombra sobre nuestras instituciones culturales. Este libro sigue el rastro de seis piezas emblemáticas —de los mármoles del Partenón al penacho de Moctezuma, los bronces de Benín y el busto de Nefertiti— para contar, con rigor y claridad, cómo llegaron a las salas de exposición en las que reposan y para abrir el debate sobre su restitución. «¿Y si la identidad de los museos más importantes del planeta descansara sobre piezas que no deberían custodiar? El temblor que sacude a una de nuestras instituciones clave amenaza con alterar para siempre la visión que tenemos de nosotros mismos. Este libro lo cuenta. Y sus conclusiones son perturbadoras.» Javier Sierra, escritor «Estas historias relatadas con maestría revelan un panorama muy inquietante: una letanía de codicia, deshonestidad, manipulación y apropiación indebida a escala internacional. Arte secuestrado lanza una llamada clara y apremiante: ¡por favor, devolved lo antes posible estas obras maestras a los lugares a los que realmente pertenecen!» Paul Cartledge, catedrático emérito de Cultura Griega de la Universidad de Cambridge «Arte secuestrado ofrece, a partir de casos de estudio, un panorama problemático sobre la cultura que ''nos pertenece'' y la necesidad de lo que podríamos llamar una justicia post-patrimonial. Rastrear los olvidos usurpadores del Museo contribuye, como ejemplarmente hacen Catharine Titi y Katia Fach Gómez en este lúcido y riguroso libro, a tener una memoria crítica y a respetar otras formas de mirar.» Fernando Castro Flórez, crítico de arte y profesor de la Universidad Autónoma de Madrid
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Peter Halley (Nueva York, 1953) se dio a conocer a mediados de los años ochenta en Nueva York como impulsor del movimiento neoconceptualista. ''Escritos sobrearte'' ofrece al lector la primera traducción al español de una selección de sus ensayos más innovadores,así como una muestra de algunos de sus escritos más personales, como su primer encuentro con Andy Warhol
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Voici quatre‐vingts planches, de dimensions moyennes, feuilles volantes, destinées à circuler commodément, des espèces de placards de satire et de fantaisie. Elles ont été exécutées de 1793 à 1797, à une époque où l’Europe se débat dans les convulsions de la fin d’un monde. Leur titre, Les Caprices, pourrait faire croire qu’il n’y ait là que le passe‐temps d’un grand peintre. Mais, derrière ce mot innocent, se dissimule une virulence occulte, si bien que le sens de certaines planches nous paraît encore aujourd’hui très énigmatique.
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SI BUSCAS UNA ACTIVIDAD SENCILLA Y CONSCIENTE PARA DESARROLLAR TU CREATIVIDAD, ESTE ES TU LIBRO.Es muy fácil dibujar pequeñas fl ores con unos cuantos trazos y crear con ellas todo tipo de estampados, ramos, coronas... Todas las fl ores que encontrarás en este libro se desglosan en elementos simples que podrás reproducir sin problemas, y se acompañan de consejos para superar el miedo al papel en blanco e ideas para que puedas aplicar tus creaciones en cualquier proyecto que te propongas.Flores para dibujar paso a paso: Brezo, Espliego, Cosmos, Áster, Tulipán, Hortensia, Azucena, Paniculata, Anémona, Peonía, Maravilla, Narciso, Rosa, Margarita, Girasol, Violeta… y muchas más.
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28 diálogos que reflejan un panorama museístico cambiante, diverso y dinámico, donde se desarrolla una experimentación a nivel mundial, con instituciones de Latinoamérica, Asia, África y Oceanía a menudo a la vanguardia en el desarrollo de nuevos modelos. Un sector que atraviesa un momento de reflexión sobre la desigualdad y la justicia social, presionado para lograr una mayor diversidad en la dotación de personal, la programación, la interpretación y las colecciones. Mientras tanto, la pandemia ha puesto de manifiesto la debilidad subyacente de los modelos de negocio de muchos museos, basados en exposiciones temporales, así como las limitaciones del apoyo público y privado. Los diálogos revelan las diversas maneras en que se busca nuevas fuentes de ingresos, nuevas maneras de conectar con el público y nuevas formas de gestionar las instituciones.
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Manual de referencia para artistas y diseñadores, esta nueva edición de este clásico sobre combinación cromática revisa todas las bases de la teoría del color y se actualiza con nuevos colores, paletas y herramientas que te permitirán ganar seguridad en tus elecciones cromáticas. Contenidos principales: El círculo cromático Cómo usar el color La carta de colores El proceso Aspectos del color Combinaciones cromáticas ¿Cuál es tu color? Efectos especiales para colores Estados de ánimo y color Psicología del color Tendencias cromáticas Tabla de conversión de cuatricromía Muestras de color
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Aprende a dibujar de forma realista félidos, cánidos, úrsidos, équidos, bóvidos, cérvidos, lepóridos, peces y aves de acuerdo con los principios fundamentales de su representación: simplificar los volúmenes, detallar las formas del cuerpo y la cabeza, adaptar las proporciones y el pelaje o el plumaje según la especie. A través de más de 165 ilustraciones y numerosos ejemplos explicados paso a paso, esta pequeña pero completa guía proporciona las bases necesarias para dibujar animales con la mayor precisión.
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Dans les œuvres de sa maturité, Velázquez est insaisissable. Il est avec Phidias, de tous les maîtres souverains, celui qui se dérobe le plus complètement dès qu'on veut définir son œuvre et pénétrer dans son intimité. Son langage se confond avec celui des phénomènes naturels aussi absolument qu'il est possible. Quand il s'agit de Velázquez, nous ne retrouvons plus les points de repère habituels qui nous servent à fixer notre émoi et à caractériser notre impression. Les notions purement verbales de lignes, de taches, de volumes où nous allons puiser quand nous voulons définir d'un seul mot le génie des Florentins, des Vénitiens, des Hollandais, s'effacent et deviennent confuses dès qu'on cherche à les appliquer à l'œuvre du maître espagnol.
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Joan Miró encontró en los Estados Unidos un espacio de reconocimiento y libertad creativa. Este volumen, igual que la exposición que lo acompaña, sitúa la experiencia norteamericana del artista como eje central de su trayectoria.Así, se explica cómo Miró, en sus siete viajes a los Estados Unidos, conoció a artistas de distintas generaciones que admiraban su obra y se influenciaron mutuamente, tanto a través de sus creaciones como de los procesos de trabajo. Además, los encargos que realizó en Cincinnati o Harvard, las dos exposiciones monográficas en el MoMA, así como también el apoyo y la complicidad de su marchante Pierre Matisse y su amigo Josep Lluís Sert, fueron determinantes para impulsar el reconocimiento de Miró en los Estados Unidos.Con textos de: Dawn Ades, Beatriz Cordero Martín, Marko Daniel, Matthew Gale, Patricia Juncosa, Robert Lubar Messeri, Teresa Montaner, Dolors Rodríguez Roig, Élisa Sclaunick, Elsa Smithgall y Anne Umland.
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Descubrimos un vínculo secreto entre el destino de estos bufones y los cuadros de Velázquez: ambos existen en función de una mirada. No tienen otra razón de ser que la de ser mostrados, pero mostrados como muestra el monstruo, como un guiño que plantea siempre un interrogante. El pintor nos ha encerrado a solas con estos “hombres de placer”, ante los cuales sentimos la misma desconfianza que ante los espejos, porque como éstos vacían nuestra vida de normalidad y la despojan de todos sus valores seguros.
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Ses fous et ses nains sont moins difformes que profondément humains, tant, pour Vélasquez, la souffrance et la disgrâce n’apparaissaient en vérité qu’une occasion supplémentaire de se dérober au contingent, de s’approfondir, de se creuser jusqu’à l’essence. ”René Schwob (1895‐1946), écrivain et critique d’art français d’origine juive converti au catholicisme, réuni ici ses impressions de Madrid et notamment des tableaux exposés au Musée du Prado des grands maîtres de la peinture espagnole : Velázquez, El Greco et Goya.
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Con solo papel y lápiz, tú también puedes dibujar al estilo manga siguiendo los consejos de Dalia. Paso a paso, aprenderás a dibujar caras, cuerpos y prendas de vestir, así como personajes de todas las edades y personalidades. Al final de cada capítulo, encontrarás una serie de ejercicio para practicar los temas aprendidos anteriormente. Así conseguirás crear una carpeta con muestras de tus dibujos que te permitirán ver tu progreso artístico. En las páginas de este libro, varios artistas contermporáneos comparten sus secretos del arte manga y muestran sus propios dibujos.
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Au regard des amateurs, le Monochrome est considéré comme un « genre » pictural à part entière, un genre parmi les autres (Paysage, Nature morte, Portrait, etc.). Le présent ouvrage l’inscrit dans la longue durée d’une histoire qui a connu des formulations dont il évoque les principaux avatars ― ainsi que les rebonds décisifs. Spécialiste des humours d’avant‐garde, d’Alphonse Allais à Marcel Duchamp, Daniel Grojnowski a notamment publié Les Arts incohérents et le rire dans les arts plastiques, en collaboration avec Denys Riout (José Corti, 2015), ainsi que Fumisteries, de la marge au centre (Champ Vallon, 2023).
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y la celebración de la belleza». Preocupado desde siempre por las relaciones entre el hombre y la indagación artística en cualquiera de sus disciplinas como una vía hacia el conocimiento, nos propone esta vez un viaje a través de veintidós estaciones, en las que nos encontraremos, entre otros personajes y lugares, a Miguel Ángel, Honoré de Balzac, Goethe, Lucrecio, Dante, Thomas Mann, Víctor Hugo, Montaigne, Shakespeare, Durero, Picasso, Nietzsche, Rilke, Dostoievski, Mantegna, la Cappella Sansevero, la nave Soyuz, la piedra del escultor, lo espectral, las montañas o el silencio. Un libro lleno de ecos convocados con sabiduría por uno de nuestros escritores más brillantes.
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Adéntrate en el fascinante mundo de la artista visual Eliza Ivanova. Eliza comparte los secretos de sus evocadoras creaciones y muestra cómo compone las líneas, las formas, los colores y las texturas que hacen que su obra sea tan dinámica. Original y sofisticado, el arte de Eliza ofrece nuevas revelaciones cada vez que se mira. Con pasión, combina herramientas tradicionales y digitales para capturar el movimiento y la narrativa propios del dibujo al natural. Con tutoriales paso a paso e información detallada sobre el proceso creativo y su trayectoria profesional, explicada por la propia Eliza, esta es una oportunidad única para ahondar en la cautivadora obra de esta talentosa artista..
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En forma de breves capítulos, extraordinariamente sustanciosos, prodigios de síntesis y de claridad, el autor acierta a condensar nociones y conceptos esenciales de imprescindible conocimiento para apreciar la obra de arte. Ningún dogmatismo, ninguna limitación de criterio, al contrario, la mayor comprensión y franqueza de espíritu, fueron las cualidades salientes del criterio analítico practicado por Read.
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Aquellos objetos, antes exhibidos en mueseos, han empezado a ser contemplados como enajenados, malinterpretados o expoliados. En este libro se estudian dos contextos tandispares como los de México y Nueva Zelanda para observar cómo diferentes grupos cul
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'Afortunadamente extraviado, Egon Schiele caminaba con premura zigzagueante, saltando entre trincheras, tocado por el Zeitgeist de su época y a la vez al margen. Privado de las esclavitudes de Franz Marc, Schiele partió de Klimt para luego quebrarle. Su arte áspero terminará de desarrollar un nuevo concepto formal, paradigma del descenso a las profundidades del ser buscando la muerte en la vida y lo feo en la belleza...''
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Edición a cargo de la comisaria del proyecto Noelia García Pérez, Profesora Titular y directora del Departamento de Arte de la Universidad de Murcia.Español (también disponible en inglés). Rústica con camisa. 12 x 17 cm. 148 páginas.Esta publicación acompaña el itinerario El Prado en femenino III. La reina Isabel de Farnesio (1692-1766) que podrá visitarse en el Museo Nacional del Prado entre el 1 de diciembre de 2025 y el 24 de mayo de 2026.En las dos ediciones anteriores (2022 y 2024), El Prado en femenino ha abordado la actividad coleccionista de estas mujeres desde las postrimerías de la Edad Media hasta 1700, partiendo de Isabel la Católica y estudiando especialmente a las Habsburgo, entre las que encontrábamos figuras señeras como María de Hungría o Isabel Clara Eugenia. Con esta tercera edición inauguramos siglo, el XVIII, y dinastía, los Borbones, y nos centramos en la reina Isabel de Farnesio (Parma, 1692-Aranjuez, 1766), segunda esposa de Felipe V, sin la cual el Museo del Prado sería muy distinto a como lo conocemos, habida cuenta de la cantidad y variedad de obras maestras que, en las salas, ostentan su marca (la flor de lis de los Farnese), testimonio de su sofisticación pero también de su autonomía respecto a los intereses coleccionistas de su regio esposo.
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En este taller de dibujo encontrarás 60 lecciones para principiantes sobre cómo dibujar hermosas flores, simpáticos animalitos y algunos utensilios habituales del jardín. Rosas, caléndulas y girasoles, ardillas, sapos y jilgeros, una carretilla, un gnomo de jardín y un invernadero... No habrá nada que no puedas aprender a dibujar para dar forma un hermoso jardín lleno de vida. Con instrucciones e ilustraciones paso a paso, Heegyum Kim te guiará para enseñarte cómo con simples formas puedes dar rienda suelta a tu imaginación y dibujar todo lo que te propongas. Y si necesitas más apoyo, ¡encontrarás un código QR con acceso a los videotutoriales de todos los proyectos!
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Refugio, de Olga Tokarczuk, es el tercer libro de la colección Escribir el Prado, tras El vigilante de sala, del Premio Nobel J.M. Coetzee, y El nivel de aire, de Chloe Aridjis, PEN/Faulkner Award for Fiction (2020). Este relato ha sido escrito en el marco del programa de residencias para escritores organizado por el Museo Nacional del Prado con el patrocinio de la Fundación Loewe y en colaboración con Granta en español. La estancia de Olga Tokarczuk en el museo tuvo lugar entre marzo y abril de 2024.
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El Barroquista cierra su trilogía cultural Otra historia con la esperada OTRA HISTORIA DE LA MÚSICA. ¿Qué es la música?¿Por qué calma a los bebés?¿Cómo puede un solo acorde sacudir nuestras emociones, o un ritmo hacernos bailar de manera espontánea?¿Por qué, a pesar de su omnipresencia, la música es considerada muchas veces un ''arte menor''? La música está en todas partes: en las conversaciones cotidianas, en el ruido de la ciudad, en el bullicio de las calles y en los momentos de descanso. Es el lenguaje que nos conecta sin necesidad de palabras, nos emociona, nos moviliza y nos transforma. Desde los cantos de los esclavos africanos hasta la revolución del K-pop, pasando por la transgresión de Rosalía y la pureza matemática de Bach, la música ha sido el motor de historias, celebraciones y tragedias. Como en sus anteriores obras, Miguel Ángel Cajigal (El Barroquista) desmonta en este libro los prejuicios establecidos para desvelar los importantes roles sociales y culturales que la música ha jugado a lo largo de los siglos, mostrando su capacidad para trascender fronteras y cambiar la manera en que experimentamos el mundo. Este tercer volumen de la trilogía cultural Otra historia invita a reflexionar sobre la música como un lenguaje universal que conecta lo humano en su más amplio sentido: emociones, identidad y cultura. A través de una narración fresca y accesible, Cajigal nos ofrece una nueva perspectiva sobre cómo la música ha sido más que un simple acompañante y se ha convertido en un protagonista esencial en el relato de nuestra historia.
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Un acercamiento al caprichoso mundo artístico para que todos podamos disfrutarlo. ¿Qué es el arte, dónde puedo encontrarlo? Cuando lo tengo delante ¿cómo se supone que debería mirarlo? Kate Brian es una adicta confesa al arte y lleva más de veinte años trabajando en el sector. Sin embargo, antes de ponerse a estudiar Historia del Arte en la universidad, solo había estado en una galería en dos ocasiones y no tenía ni idea de que estaba a punto de adentrarse en un mundo elitista. Ahora, su misión es ayudar a todo el mundo a acercarse al arte. Ya sea escuchando música, cocinando, leyendo, comiendo platos deliciosos o viendo películas, hacer o contemplar arte es algo que debe enriquecer nuestras vidas. En El arte de entender el arte encontrarás una ingeniosa vía para acercarte al universo artístico con tus propias reglas. Descubrirás dónde encontrarlo y cómo entenderlo, así como indicaciones sobre cómo disfrutar de obras tan conocidas como la Mona Lisa. Aprenderás también a poseer arte y a desarrollarlo en casa, y encontrarás buenos consejos para orientar una carrera como artista e, incluso, para hacer que tu perro parezca más culto. El arte de entender el arte ofrece arte a todo el mundo de una manera entretenida. El libro cuenta con ilustraciones inéditas de David Shirgley, un grandísimo artista con los pies en la tierra.La crítica ha dicho «Igual que la comida, el arte cuenta con esa maravillosa capacidad de traernos alegría. Kate es la perfecta profesional que nos ayudará a todos a desarrollar una relación más estrecha con el arte». Jamie Oliver «Toda una lección de arte en un solo libro. Escrito con un lenguaje accesible, nos explica la belleza que tiene el arte y nos enseña a hacerlo y a disfrutarlo. Es lo que el mundo del arte necesita». Philippa Perry «Un texto increíblemente maravilloso para aprender a disfrutar del arte. Un libro sorprendente, fácil de leer, que sitúa el arte en nuestras vidas, nuestras cabezas y corazones». Richard Curtis«El libro que tienes en tus manos contiene una serie de claves luminosas hacia las infinitas puertas del mundo del arte». Es Devlin «El arte es una parte fundamental de estar vivo, y el libro de Kate ayuda a todo el mundo a relacionarse con él». Russell Tovey, actor y presentador de Talk Art «La guía definitiva para no verte intimidado por el mundo del arte y los artistas. Un libro que nos brinda incluso algo más importante: alegría». Maria Balshaw, directora del Tate
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La cineasta francesa Germaine Dulac (1882-1942) no solo fue una de las «mujeres pioneras en la historia del cine», sino una absoluta visionaria de las posibilidades del séptimo arte en general. Muy cercana al círculo surrealista francés -su película La concha y el clérigo, basada en un guion de Antonin Artaud, se considera el primer filme surrealista de la historia-, Dulac comprendió como nadie el papel de las vanguardias cinematográficas y la esencia última del cine: expresar el movimiento de la vida a partir de la luz y el ritmo, por delante de la narratividad tradicional. Directora, guionista, teórica, articulista y crítica de cine, comprometida con el feminismo y con los movimientos progresistas, realizó películas como La sonriente madame Baudet, La fiesta española o Invitación al viaje. Coincidiendo con la exposición dedicada a la cineasta en el Museu Tàpies de Barcelona, este volumen recoge, por primera vez en castellano, una selección de sus conferencias, editadas por la que fue su compañera de vida personal y profesional, Marie-Anne Colson-Maleville. ¿Qué es el cine? se constituye así como verdadero ideario cinematográfico de Dulac, un valioso documento sobre la historia del cine y, por encima de todo, un homenaje a una artista adelantada a su tiempo.
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40 mensajes de arte urbano Al igual que los antiguos jeroglíficos egipcios, el arte de Banksy comunica mensajes complejos a través de imágenes icónicas. La obra de Banksy invita a reflexionar a quienes la encuentran: sobre los acontecimientos actuales, el papel de una persona en la sociedad, a observar la realidad con un ojo crítico y a hacerse preguntas sobre uno mismo y los demás. Así, este kit de Banksy ofrece 40 símbolos divertidos, relevantes y modernos con los cuales extrapolar mensajes de oráculo. Un kit innovador, que incluye un mazo de cartas y un libro, para plantear las preguntas más amplias y matizadas sobre la vida y nuestro lugar en ella.
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Drawing the Body, el tercer título del exitoso autor Robert Osti, es un libro muy accesible que presenta una forma atractiva y sistematizada de dibujar la figura humana, desde representaciones estáticas, estructurales y anatómicas hasta formas realistas y expresivas.Con un texto mínimo y esencial, el libro está organizado como un cuaderno de bocetos con abundantes imágenes y ejercicios prácticos. Se incluyen demostraciones paso a paso que incluyen ilustraciones originales del autor, fotografías de figuras humanas y referencias históricas del arte de viejos maestros.Esta hermosa y utilitaria guía es indispensable y atraerá a artistas, estudiantes de arte y cualquier persona interesada en la representación artística y científica de la figura y la anatomía humanas.
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Catálogo editado con motivo de la exposición ``Lo tienes que ver. La autonomía del color en el arte abstracto`` del 28 de febrero al 8 de junio de 2025 en la Fundación Juan March, Madrid.
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La dimensión humorística del arte es un territorio enigmático y sorprendente, repleto de interesantes paradojas: la risa es efímera pero convive con la eternidad de la obra, puede ser un signo de alegría, pero también de sufrimiento, y encuentra su espacio incluso en los museos más solemnes, donde el humor parece estar proscrito. Carlos Reyero rastrea la viva presencia de la risa en el arte occidental -especialmente en la pintura- desde el Renacimiento hasta principios del siglo XX, invitándonos a descubrir un fascinante juego de complicidades que une a artistas y espectadores a través del tiempo. El autor muestra cómo la risa puede ser tanto un mecanismo de crítica social y desafío al poder como un reflejo de tensiones culturales y subjetividades cambiantes. A partir de un sinfín de ejemplos artísticos, aborda temas como la sátira política, la parodia, el carnaval y la inversión de roles, lo pretencioso y lo cursi o el humor escatológico y sexual, destacando siempre el papel del contexto y la mirada del público. Este libro es una sugestiva contribución a la comprensión no solo de la risa artística sino también de lo cómico en general. Y es, además, una reivindicación convincente del humor como eje fundamental de la historia del arte, capaz de revelar contradicciones y complejidades de la experiencia humana.
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Una pequeña joya de la literatura dramática actual, (casi) un monólogo en el que no es difícil reconocer rasgos y gestos de los poderosos de nuestro tiempo. La Política ensaya para el retrato oficial que será el símbolo de su mandato. Aunque ha sido elegida democráticamente, preferiría ser una monarca con poder absoluto otorgado directamente por la mano de Dios. Sueña con la impunidad de sus acciones y con ser venerada incondicionalmente. Pero el pueblo se agolpa ante las puertas de su casa. Le piden explicaciones sobre la guerra, sobre los muertos de la costa, sobre la economía. Ella no está dispuesta a rendir cuentas, no cree que deba hacerlo, pero debe contener a la masa que amenaza su poder. La Política de Patricia Benedicto es un texto teatral que se lee como una novela, un relato que desvela las contradicciones de los líderes y que revela cómo el sueño del poder produce monstruos.
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Esta obra clásica sobre nuestra crisis medioambiental cuenta con una nueva introducción del autor, que repasa tanto los avances como el terreno perdido en la lucha por salvar la Tierra.Este apasionado alegato a favor de un cambio radical y renovador de la vida sigue considerándose hoy una obra pionera en los estudios medioambientales. El argumento de McKibben de que la supervivencia del planeta depende de un cambio filosófico fundamental en nuestra forma de relacionarnos con la naturaleza es más pertinente que nunca. McKibben escribe sobre el cataclismo medioambiental de nuestra Tierra, abordando cuestiones fundamentales como el efecto invernadero, la lluvia ácida y el agotamiento de la capa de ozono. Su nuevo prólogo aborda algunos de los últimos problemas medioambientales que han surgido durante las últimas dos décadas. El libro también incluye un nuevo apéndice de datos y cifras que analiza el progreso del movimiento ecologista.Más que un simple manual de supervivencia o un catálogo catastrofista de predicciones científicas, este clásico y conmovedor lamento sobre la naturaleza es una lectura obligada tanto para los entusiastas del medio natural como para los activistas y los ciudadanos preocupados por el medio ambiente.
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El 18 de juliol de 1573 Veronese va comparèixer davant la Inquisició acusat d'heretgia per una pintura del sant sopar. L'acusació, que assenyalava la introducció d'elements profans en un quadre religiós, posava sobre la taula el debat sobre la interpretació de les escenes bíbliques. Obligat per les circumstàncies, però empès per l'astúcia, Veronese va trobar una sortida amb un procediment inusual a l'època: titular el quadre Sopar a casa de Leví, remetent-se a un passatge menor de l'Evangeli, de manera que la blasfèmia es diluïa. Així, per la màgia del text escrit, el quadre canviava totalment de sentit sense retocar res del que s'hi representava. En el segle XIX, aquesta col·lisió de Veronese amb la Inquisició va esdevenir un model de l'enfrontament entre l'artista i el poder eclesiàstic, fet que permetia abordar el diàleg entre el sagrat i el profà. Ara sabem que la solució que Veronese va trobar per satisfer els inquisidors va significar una innovació a l'hora de resoldre els conflictes dogmàtics amb l'Església, a més d'un canvi substancial en l'àmbit de la interpretació artística.
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Paco Robles firma un libro inédito que ofrece una mirada personal, profunda y literaria sobre la Semana Santa de Sevilla. Alejado de tópicos y lugares comunes, este volumen reúne una serie de textos nuevos que iluminan la esencia de la fiesta grande de la ciudad con sensibilidad y oficio narrativo. Con una prosa limpia y emocionada, Paco Robles —una de las voces más reconocidas del panorama literario andaluz— construye un retrato íntimo de la Semana Santa como experiencia vital, cultural y espiritual. A través de estampas, recuerdos, intuiciones y escenas grabadas en la memoria, el autor nos guía por un itinerario lleno de símbolos, silencios y devociones compartidas. «Este libro es una ofrenda escrita desde dentro, sin artificios ni atajos, con la serenidad de quien sabe lo que ama.» Rosa García Perea
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Una guía visual a través de las 200 obras esenciales de la colección permanente del Museo Nacional del PradoEl Museo del Prado es uno de los lugares más prestigiosos y representativos de la historia del arte y de la cultura europea. En esta guía visual se reproducen doscientas obras esenciales de su colección permanente, piezas indudablemente ligadas a esta institución e imprescindibles en cualquier visita.Desde la escultura de la antigüedad clásica hasta las primeras pinturas del siglo XX, todas las corrientes artísticas, los géneros pictóricos y los grandes maestros de cada época están representados en este libro. Divididas por escuelas artísticas, las reproducciones de las 200 obras van acompañadas de sus créditos en castellano e inglés. Al final de la guía se incluye un índice onomástico para facilitar la búsqueda por artista.Esta guía será un recuerdo valioso para quienes han recorrido las salas del Prado y una invitación para aquellos que aún no han tenido la oportunidad de visitarlo, permitiendo a todos disfrutar de la belleza, calidad y excelencia de estas obras maestras.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.