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Llibres d'art
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Creaciones actuales para una decoración original y única Este libro reúne los fundamentos del trenzado y contiene 20 proyectos de cestería para decorar interiores y jardines. Sus formas pueden ser clásicas para cestas, bolsos o pulseras y para objetos m
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La Madonna Sixtina (1514) de Rafael Sanzio es uno de los lienzos más sugerentes del Renacimiento. Las misteriosas miradas de la Virgen y el Niño han venido interpelando a los espectadores, suscitando las más diversas lecturas. ¿Cómo interpretar tamaña belleza e inocencia? ¿Son esas miradas el fruto de la desolación o la asunción del destino trágico humano?El cuadro está expuesto en la Galería de Dresde, y allí acudió, de manera preferente, buena parte de la inteligentsia rusa de los siglos XIX y XX, para la cual esas miradas ayudan a entender el sentido de la trascendencia o la ausencia de la misma, a la vez que permiten aproximarse a la comprensión de los aspectos más cruciales de la realidad, entre la desolación y la belleza. Gentes ateas como Herzen y Bakunin, y teólogos como Serguei Bulgakov y Pavel Florensky han dejado su testimonio. El cuadro de Rafael subyugó obsesivamente a Dostoievski e irritó a Tolstoi… Algunos intelectuales alemanes dejaron también su interpretación al respecto, como es el caso de Schlegel, Richard Wagner o Nietzsche.Al fin de la Segunda Guerra Mundial el cuadro fue “raptado”, ocultado por los soviéticos y devuelto al cabo de los años a Alemania. Antes fue expuesto en Moscú, donde mereció un amplio abanico de comentarios, llegando incluso a compararse las miradas de la Madonna y el Niño con las de algunos de los supervivientes de los campos de concentración nazis.
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“La maestría de Anton Raphael Mengs se distingue por la gracia que imprime en sus obras, esto es, por aquella cosa que se siente mejor que se explica, y consiste en una cierta suavidad en los contornos, facilidad en los movimientos, que no muestran nada forzado, en el escoger aquel preciso movimiento que toman todas las partes cuando se muestran agradables, y en fin en la naturalidad y armonía de composición y colorido.”José Nicolás de Azara, mecenas y diplomático, fue destinado por muchos años a la embajada española en Roma, ciudad en la que coincidió con Mengs, con el que trabó gran amistad. Muerto el artista, editará sus escritos y ensalzará su legado pictórico.
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Néoclassicisme, romantisme, réalisme, impressionnisme, c'est‐à‐dire les grands courants du goût du XIXe siècle, convergent, en harmonie et malgré leurs différences, dans le style de Corot, sans qu'on puisse dire qu'il s'agit d'un peintre éclectique. Bien au contraire, son œuvre possède une cohérence que seule une personnalité très indépendante peut conférer. Et c’est justement en raison de son indépendance et de sa cohérence que Corot s’inscrit, avec Daumier et Manet, parmi les grands maîtres de la peinture française du XIXe siècle.
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Edición en catalán de un complejo léxico ilustrado de términos relacionados con el arte y la arquitectura, en una presentación manejable y práctica para estudiantes, profesores y aficionados a las artes visuales. Cada entrada incluye notas etimológicas, historia, dibujos y ejemplos de los términos descritos.
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El luthier de Delft es una obra que analiza la música (aunque también el arte y la ciencia) del siglo xvii, especialmente centrada en la cultura neerlandesa. El libro gira en torno a tres personajes centrales, el pintor Jan Vermeer, el filósofo Baruch Spinoza y el músico Jan Pietrszoon Sweelinck. A partir de ellos, el lector se encontrará con la construcción de instrumentos musicales, sus maderas y barnices, así como con el papel de la mujer en el arte y la música, la vida de los pintores y el mundo simbólico de sus obras y los estudios científicos destinados a la óptica y la difusión del telescopio. Un libro lleno de resonancias y armonías, sabiduría y sutileza.
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Una innovadora propuesta al analizar obras de arte: una búsqueda visual que deconstruye 50 creaciones clave para descubrir los elementos que componen una obra maestra. Una introducción a la historia de la cultura visual que presenta nuevas tipologías artísticas y ofrece una visión renovada de los objetos conocidos. 50 obras que abarcan un extensísimo periodo, que va desde las primeras imágenes creadas por humanos que conocemos, que datan de hace unos 30 000 años, hasta una instalación en la frontera entre México y Estados Unidos realizada en 2017. Un libro que pretende disolver las barreras entre los distintos tipos de artefactos culturales, de forma que junto a la pintura y la escultura -que a menudo se consideran las formas artísticas tradicionales- se analizan dibujos, fotografías, grabados, ornamentos, máscaras, miniaturas y carteles. Como objetivo secundario, se establecen vínculos entre el arte «occidental» y el del resto del mundo. La historia del arte es un tema apasionante, repleto de reglas complejas y de palabras técnicas. Ni siquiera los más avezados diletantes están a salvo del eterno enigma que plantea la forma de pensar el arte. Este libro le ayudará a resolverlo.
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La Semana Santa siempre ha sido un gran relato que Sevilla se cuenta cada año, como quien abre un libro que nunca termina del todo. Y, la verdad, pocas veces hemos mirado con calma cómo la literatura ha dado forma a ese relato, cómo lo ha sostenido y, además, lo ha reinventado siglo tras siglo. En La Semana Santa literaria, Eugenio J. Vega Geán nos guía por versos, crónicas, romances, novelas y pregones que han ido dibujando la fiesta mayor en la memoria cultural de la ciudad. Hay momentos en que casi vemos pasar una cofradía antigua entre líneas, otros en los que escuchamos el eco de quienes escribieron para salvar del olvido lo que vivieron. Este libro abre puertas a autores que imaginaron la Pasión, a viajeros fascinados, a románticos, modernos y voces contemporáneas que siguen narrando lo que Sevilla siente. Si quieres comprender la Semana Santa desde dentro —desde su emoción más íntima y desde la tradición que la sostiene—, este libro es una llave luminosa. Una invitación a mirar, a leer… y a dejar que la palabra también haga estación de penitencia.
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'María Blanchard nos pinta pobres seres meditativos, bien sean hombres, mujeres o niños, envueltos muchos de ellos en una atmósfera melancólica próxima a la ternura. Tiene para sus criaturas una fisonomía propia. Los personajes de sus cuadros pertenecen todos a una misma raza: nariz ancha, labios gruesos, tiernamente sensuales, ojos tristes, brillantes, cuello corto…'' Escrita en 1941, esta es la primera monografía dedicada en España a María Blanchard. Se la debemos a María Laffitte y Pérez del Pulgar, condesa de Campo Alange, escritora y crítica de arte, defensora de los derechos de la mujer y fundadora, en 1960, del Seminario de Estudios Sociológicos de la Mujer.
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Avenida de los Poblados, sin número es un proyecto de investigación artística interdisciplinar que explora la memoria del solar donde estaba ubicada la antigua cárcel de Carabanchel. Este espacio, particularmente denso en contenido, ha sido abordado por estratos, desentrañando sus múltiples capas: Desde el subsuelo, que oculta un yacimiento romano apenas reconocido, hasta el cielo del solar o tejado de la prisión, testigo de los motines protagonizados a finales de los años setenta por los presos sociales de la Coordinadora de Presos en Lucha (COPEL), pasando por la flora silvestre que ha crecido libremente sobre los escombros de este edificio de represión tras su demolición en 2008. Para abordar la complejidad del terreno, el proyecto ha sido concebido como una colaboración entre profesionales de distintos campos como la arqueología, el activismo o el paisajismo. El resultado inicial de este trabajo se presentó en 2022 como una exposición de fotografía, escultura y dibujo, donde se materializó visualmente el proceso de investigación. Ahora, este libro reúne y amplía el material generado por la autora y sus colaboradoras, incorporando además documentos históricos de la COPEL, testimonios y registros que contribuyen a reconstruir los fragmentos de memoria del solar.
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La investigación artística de Jorge Satorre —surgida de su inicial interés por desarrollar una carrera como ilustrador editorial— ha mantenido una sostenida preocupación por experimentar con los límites de diversas disciplinas ligadas al dibujo. Con el tiempo, esta práctica ha estado cada vez más vinculada a una vertiente escultórica desde la que establece diálogos con los diversos contextos donde concibe y expone su trabajo. Sus proyectos recientes suelen implicar actos de transformación y subversión derivados de acciones esenciales, como moldear, estampar, forjar, fundir o romper. Estos procesos entrelazan lo íntimo con lo industrial, lo funcional con el uso indebido, las anécdotas con los arquetipos, los recuerdos con lo imaginario.Con motivo de su exposición en el Museo Centro de Arte Dos de Mayo [Ría, CA2M, del 1 de febrero al 31 de agosto de 2025], se publica su primera monografía, que incluye nuevos ensayos de Daniel Garza Usabiaga, director del museo del Palacio de Bellas Artes, en Ciudad de México, y del artista irlandés Sean Lynch, así como una conversación entre Satorre y Latitudes, comisarios de la muestra, que reúne obras de nueva creación, junto a esculturas, dibujos e instalaciones producidas entre 2013 y 2025. Esta publicación está estructurada en orden cronológico inverso en torno a las exposiciones y trabajos realizados en los últimos quince años.
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Por su gracia, su belleza y su aire de misterio, los gatos han sido venerados por artistas de todos por los tiempos. Estas fascinantes criaturas han sido musas de grandes pintores como Andy Warhol, Leonardo Da Vinci o David Hockney, y protagonistas de formidables historias, como los cuentos que Mark Twain contaba a sus hijas a la hora de dormir o la fascinación que sentía Edwar Lear por su gatito Foss.Entre ilustraciones, pinturas, anécdota y frases, este libro no es solo una compilación de las obras de motivos felinos más formidables, es también una oda al carisma y el carácter de estos seres asombrosos y nuestra relación con ellos.
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Made by MSCHF es un estudio del trabajo del colectivo de arte MSCHF, con sede en Brooklyn, conocido por sus proyectos eclécticos que critican las mismas áreas de la cultura popular que habitan. Desde una línea de bolsos de diseño que solo son visibles bajo un microscopio hasta un juego de citas anime que ayuda a los jugadores a generar una declaración de impuestos funcional, las obras de MSCHF son incisivas, a menudo virales y siempre están imbuidas de su estilo único de humor subversivo.Con imágenes nunca antes vistas, este libro presenta estudios de casos que exploran en profundidad 12 de los proyectos de MSCHF, brindando a los lectores un modelo de cómo se desarrollan sus trabajos desde la idea hasta el lanzamiento. Escrito por dos de los cofundadores del colectivo, el libro presenta 6 ensayos temáticos adicionales y un archivo de todas las obras de arte del MSCHF hasta la fecha, que en conjunto revelan el alcance y la evolución del grupo experimental.Los proyectos incluyen: Big Red Boot, un par de botas de goma grandes y caricaturescas, Jesus Shoes, sus zapatillas de deporte de marca llenas de agua bendita, ATM Leaderboard, un cajero automático instalado en Art Basel Miami Beach que clasificaba a los usuarios por saldo bancario, y Severed Spots, en el que recortaron manchas de grabados de Damien Hirst y las vendieron como obras de arte individuales.
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En este iluminador ensayo, Rafael Argullol traslada al lector al núcleo artístico de la Italia del siglo xv, la Toscana, en un momento crucial de la historia. Las circunstancias políticas, económicas, sociales y culturales del denominado Quattrocento sentaron las bases de uno de los episodios culturales más trascendentes de nuestra civilización: el Renacimiento. Argullol analiza de forma rigurosa y amena las características plásticas, arquitectónicas y literarias del período, así como las tensiones culturales que la irrupción del humanismo produjo en la sociedad tardomedieval. Un acercamiento tan fundamental como sugerente al lento pero imparable advenimiento del hombre moderno.
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El MACBA publica Panáfrica. Arte e imaginarios políticos para la construcción de un planeta negro, una recopilación de textos de diversos autores que abordan el panafricanismo desde diferentes perspectivas con la voluntad de crear un imaginario sociopolítico y cultural vinculado no solo a la raza sino también a la solidaridad. El objetivo es desvelar el carácter plural del proyecto panafricano que es también una parte ineludible -aunque tangencial- de la historia y el imaginario sociopolítico de la ciudad de Barcelona y de la historia de España.El libro incluye textos históricos, contemporáneos y nuevos ensayos que reivindican el panafricanismo parar entender parte de nuestra historia.La publicación consta de dos ediciones separadas en catalán y en castellano.
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Este volumen se propone como una introducción a modo de archipiélago teórico sobre una obra que no dudamos en calificar de oceánica.Hubert Damisch (1928-2017) prestó una atención constante al arte, trabajando no tanto sobre las obras sino con ellas, en la medida en que plantean problemas de interpretación que abren perspectivas singulares sobre las estructuras y el funcionamiento más íntimo de una cultura. Lejos de posiciones puristas, su empeño por constituir un espacio de interrelación entre sus estudios y el conjunto de las humanidades tendría como consecuencia una apertura hacia la sociología, la semiótica o el psicoanálisis. Damisch concebía así la historia del arte como una disciplina filosófica y desde esa posición se nos muestra como una figura clave en la formación de autores como Rosalind Kraus, Yves-Alan Bois o Georges Didi-Huberman.En formato bilingüe y coordinado por Gabriel Cabello, Sabine Guermouche y Daniel Lesmes, contamos aquí con destacados estudiosos de la obra de Damisch, como son Matthew Bowman, Elisa Coletta, Georges Didi-Huberman, Thierry Dufrêne, además de contar con la participación de Teri Wehn-Damisch en conversación con Guillermo G. Peydró, y un texto inédito de Hubert Damisch.
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Desde pequeños carboneros, petirrojos o jilgueros hasta imponentes ejemplares de cuervos o búhos, AVES EN EL ARTE ofrece una variada selección de obras en las que el ave es el gran protagonista. Artistas como Picasso, Klimt, Dürer, Degas o Magritte, entre muchos otros, rindieron homenaje a estos curiosos y distantes animales, cuyo simbolismo es hoy más potente que nunca y cuyas representaciones incluyen elementos tan dispares como lo salvaje y lo doméstico, lo depredador y lo bello, la tierra y el aire.
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Arte. Grandes temas Cátedra
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Este libro recoge, por primera vez y con investigación rigurosa, el mapa vivo y actual de las mujeres que cargan pasos a costal en España: dónde lo hacen, desde cuándo, cómo lo sienten y qué les impulsa a seguir. Más de cuatrocientas voces —costaleras, capataces, familias, responsables de hermandades y personas que acompañan el ritual— comparten su experiencia íntima: la tensión muscular, la técnica estudiada, la emoción que nace del hombro hacia la piel, los nervios que hormiguean en la antesala del paso, la fe, la entrega y la ilusión que atraviesa la noche. Estas páginas revelan un fenómeno lleno de raíz y de futuro: identidad, misión, cultura viva, sociología, psicología y memoria espiritual de nuestra religiosidad popular. Es un viaje humano y cercano, contado con respeto y escucha, que invita a comprender y sentir desde dentro. El latido de este libro toca algo profundo: bajo el costal hay cervicales, hay columna, hay respiración contenida… y hay un corazón que sueña en plural. Ellas ya caminan bajo los pasos, con paso corto y alma alta. Y su huella avanza, palmo a palmo, como la trabajadera: firme, consciente, compartida.
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Las obras existentes que hoy conocemos son solo la punta de un iceberg grandioso. En la parte sumergida está lo destruido, lo borrado y lo desaparecido. Están la erosión y las obras perdidas donde el hombre quiso representar su existencia y sus emociones. Además de las obras destruidas por las catástrofes naturales o por la barbarie humana, existen las obras invisibles: las pinturas borradas, la música inaudible, las telas pintadas para ser quemadas o las esculturas construidas para ser explotadas y hacer de su destrucción una acción artística en sí misma. También lo son las obras inmateriales y aquellas que solo son un concepto intangible. Por último, están aquellas obras que no existieron jamás, pero que una descripción más o menos poética las ha convertido en hermosos objetos que nuestra imaginación completa en toda su belleza.
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La música sabía lo que yo siento es la cuarta recopilación de ensayos sobre arte de Enrique Juncosa, uno de los comisarios de arte más activos de nuestro tiempo. El libro reúne más de treinta ensayos breves publicados durante los últimos quince años, periodo en el que ha trabajado como curador independiente. El foco predominante de su atención es el arte posterior al minimalismo, que eclosiona en los setenta y reivindica la importancia del significado. La temática de estos ensayos es variada, incluyendo análisis de las obras de escultores como Susana Solano, Richard Deacon, Joana Vasconcelos o Iran do Espirito Santo, pintores como Peter Halley, Philip Taaffe, Janaina Tschäpe, Francesco Clemente, Juan Uslé, Lari Pittman o Terry Winters, o fotógrafas como Sakiko Nomura. Además, se incluyen textos sobre Joan Miró, Joan Brossa, el Federico García Lorca dibujante o la permanencia de las tradiciones herméticas en el arte contemporáneo, que Juncosa rastrea en la obra de figuras tan diversas como Harry Smith, Aleister Crowley, Agnes Martin, Rudolf Steiner, Kenneth Anger, Joseph Beuys, Sun Ra o Alejandro Jodorowsky. Juncosa ve los museos de arte contemporáneo como máquinas generadoras de narrativas distintas, enfatizando el plural, que a veces conectan unas con otras, pero no necesariamente, tal y como se construyeron las grandes novelas de Roberto Bolaño, que narran distintas historias simultáneamente. Juncosa ha sido pionero, además, desde los años noventa, en el interés por artistas del Sur Global. Su visión del arte contemporáneo no rechaza el placer retiniano ni un entendimiento del arte como conocimiento en sí, cuestiones que le parecen compatibles con la reflexión metalingüística o el arte identitario y político.
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Razones y sin razones por las que el mejor torero que hemos visto se convirtió en fenómeno de masas, en ídolo contracultural y en representación artística extrema.Morante de la Puebla no es solo un torero. Es un acontecimiento. Una categoría. Una religión civil. Un artista que ha atravesado el tiempo y el toreo hasta convertirse en una figura social, política, estética y cultural de primer orden. La conversión de Morante de la Puebla en fenómeno de masas, en ídolo contracultural, en icono transversal ha coincidido con su temporada más arrebatadora, la de 2025. Rubén Amón ha querido capturar el instante antes de que se disuelva. Narrar lo que ha pasado sin que nadie haya sido capaz de explicarlo del todo. Porque el morantismo no es una moda: es un síntoma, un misterio, una forma de entender el arte, la identidad y la nostalgia. El resultado es una obra viva, literaria, crítica y apasionada, que no pretende domesticar a Morante, sino acompañar su enigma. Hay reflexión pero también urgencia informativa. Morante, punto y aparte es una sugestiva y trepidante mezcla de crónica periodística y de ensayo concienzudo.
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Stories presenta las voces de algunas de las principales figuras de las artes visuales y, en particular, del campo de los libros de artista. A través del diálogo, Stories busca desentrañar la historia y los problemas actuales que rodean el libro del artista, un medio que históricamente ha sido adoptado por artistas yque solo recientemente ha ganado el reconocimiento de museos y coleccionistas de arte contemporáneo. El libro incluye entrevistas con Marina Abramovic, ManuelBorja Villel, David Campany, Mariana Cook, Juan Cruz, Thomas Demand, Cai Guo-Qiang, Jenny Holzer, Cristina Iglesias, William Kentridge, Maya Lin, Óscar Mariné, Manuela Mena, Shirin Neshat, Hans Ulrich Obrist, Elena Ochoa Foster, Cornelia Parker, Thomas Struth, Richard Tuttle, Isidoro Valcárcel Medina y Ai Weiwei, entre otros.
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Cuadernos de arte Cátedra
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Delve into the mystical world of Swedish artist Hilma af Klint, whose work from the early 20th century has only recently gained critical attention. An early pioneer of abstraction, af Klint created immersive, colorful paintings filled with geometric variations and biomorphic shapes.
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No todas las representaciones escritas recogidas en este volumen corresponden, en rigor, a la definición estricta de onomatopeya, por lo que es obligado señalar que en este libro hemos decidido seguir un criterio laxo, favoreciendo la inclusión sobre la exclusión y apropiándonos no sólo de las onomatopeyas puras, sino también de sus frondosos «entornos». Así, bastantes sustantivos y verbos ingleses que no ofrecen similitud acústica con el fenómeno sonoro designado se utilizan «a modo» de onomatopeyas, cuando en realidad son indicadores semánticos de una función. A todo ello hay que añadir que el vistoso protagonismo plástico de muchas onomatopeyas, dominando por su tamaño espectacular la mayor parte del espacio de una viñeta, evacuó la posibilidad de borrarlas en las versiones traducidas a otros idiomas -a diferencia de la traducción de los diálogos inscritos en globos-, lo que exportó sus modalidades filológicas a otras culturas lingüísticas. De modo que se asistió a un fenómeno de exportación y universalización de las onomatopeyas, tanto como a fenómenos de acomodación local o de hibridación ortográfica y fonética. De esa inmensa riqueza, tanto plástica como semiótica, se han nutrido las páginas de este libro.
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SI BUSCAS UNA ACTIVIDAD SENCILLA Y CONSCIENTE PARA DESARROLLAR TU CREATIVIDAD, ESTE ES TU LIBRO.Es muy fácil dibujar pequeñas fl ores con unos cuantos trazos y crear con ellas todo tipo de estampados, ramos, coronas... Todas las fl ores que encontrarás en este libro se desglosan en elementos simples que podrás reproducir sin problemas, y se acompañan de consejos para superar el miedo al papel en blanco e ideas para que puedas aplicar tus creaciones en cualquier proyecto que te propongas.Flores para dibujar paso a paso: Brezo, Espliego, Cosmos, Áster, Tulipán, Hortensia, Azucena, Paniculata, Anémona, Peonía, Maravilla, Narciso, Rosa, Margarita, Girasol, Violeta… y muchas más.
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28 diálogos que reflejan un panorama museístico cambiante, diverso y dinámico, donde se desarrolla una experimentación a nivel mundial, con instituciones de Latinoamérica, Asia, África y Oceanía a menudo a la vanguardia en el desarrollo de nuevos modelos. Un sector que atraviesa un momento de reflexión sobre la desigualdad y la justicia social, presionado para lograr una mayor diversidad en la dotación de personal, la programación, la interpretación y las colecciones. Mientras tanto, la pandemia ha puesto de manifiesto la debilidad subyacente de los modelos de negocio de muchos museos, basados en exposiciones temporales, así como las limitaciones del apoyo público y privado. Los diálogos revelan las diversas maneras en que se busca nuevas fuentes de ingresos, nuevas maneras de conectar con el público y nuevas formas de gestionar las instituciones.
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![Anton Raphael. Mengs 1728-1779 [inglés]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dwd527d740/images/large/1575831.10.jpg?sh=240 "Anton Raphael. Mengs 1728-1779 [inglés]")
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Edición a cargo de Andrés Úbeda, Jefe de Colección de Pintura Italiana del siglo XVIII y Goya del Museo del Prado, y Javier Jordán de Urríes, Conservador de Patrimonio Nacional.Inglés (también disponible en español). Rústica. 24 x 30 cm. 488 páginas.Catálogo publicado con motivo de la exposición Antonio Raphael Mengs (1728-1779), celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 25 de noviembre de 2025 y el 1 de marzo de 2026.
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La inteligencia artificial ha irrumpido en nuestras vidas con una fuerza arrolladora. Y el auge de la IA generativa está afectando también a un ámbito que cabía pensar a salvo de su influencia: el de la creación artística. Nuestros conceptos habituales de estética o diseño están cambiando, nos vemos obligados a cuestionarnos la naturaleza del acto creativo, de la autoría, de la idea de originalidad. ¿Será posible que las máquinas generen una estética propia?Partiendo de una larga experiencia teórica y práctica en este campo, y con un enfoque multidisciplinar que va de la filosofía y la psicología del arte a la teoría de los medios o la ciencia de datos, este apasionante libro ofrece una sorprendente y esclarecedora visión de conjunto de un tema de máxima actualidad que, sin embargo, está dominado por generalidades y lugares comunes. Un texto que da un vuelco radical a cualquier idea preconcebida que el lector pudiera tener al respecto.
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Una mujer desvalija los almacenes de los museos madrileños tras la guerra civil. LLeva una tarjeta de visita con un título aristocrático que se ha inventado. Expolia tapices de seis metros, cientos de cuadros y todo tipo de bienes culturales. No es la única, también lo hacen los vigilantes del arte, monjas, anticuarios, directores de museos... Esta es una increíble historia real sobre el mayor robo de obras de arte sucedido en España, que la ficción no se había imaginado y en la que aparece una presunta espía soviética, que vende al Museo del Prado por una millonada el autorretrato falso de un gran pintor holandés. Aquí tienes un episodio oculto de la posguerra.
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«Estoy seguro de que en los siglos venideros la palabra interpretación cambiará de forma similar a su significado para cubrir un horizonte más amplio de pensamiento y para englobar nuevas necesidades y prácticas» (Freeman Tilden, 1957). Invocando la cita del maestro, este libro dedica especial atención a la definición de interpretación, su relación con la mediación o la animación y la necesidad de abrirla a la comunicación mediada, y revisa los principios y técnicas de la interpretación del patrimonio a la luz de la teoría de la comunicación humana, ilustrándolos con ejemplos tomados de la experiencia profesional y docente de los autores. Asimismo, busca propiciar el conocimiento mutuo de interpretación y museología (en sentido amplio) y ofrecer claves para la comunicación efectiva del patrimonio cultural. La obra está dirigida principalmente a personas vinculadas a la gestión y comunicación al público de museos y lugares culturales y, en relación con estos, al turismo, la animación, la recreación histórica, el voluntariado o la formación universitaria.
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Nadie duda de que los visitantes sean una variable esencial para gestionar, de forma acorde con nuestros tiempos, los museos y otros equipamientos patrimoniales. Por ello, tendrían que ponerse sobre el tapete y exprimirse todas las posibilidades para que la interacción entre ambos sea totalmente positiva. Entre las muchas maneras de abordar y suavizar la relación entre los visitantes y los recursos patrimoniales abiertos al público, la difusión preventiva es una de las estrategias comunicativas que los gestores deberían explorar y explotar si se quiere una interacción sostenible con un recurso tan frágil y vulnerable como el patrimonio cultural. A sus bondades como herramienta de conservación preventiva, añade una dimensión corporativa nada desdeñable: su aplicación demuestra que el equipamiento está claramente orientado al visitante, lo que sin duda ayuda a construir en la mente de este una imagen corporativa positiva. La difusión preventiva del patrimonio cultural presenta esta doble herramienta de conservación preventiva y comunicación corporativa, una nueva estrategia de comunicación que considera a los visitantes como aliados capaces de ayudar en la difícil tarea de conservar los bienes culturales.
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Utagawa Hiroshige (1797-1858) fue uno de los últimos grandes artistas de la tradición japonesa del ukiyo-e. La palabra significa literalmente «pinturas del mundo flotante» y designa un género artístico que floreció entre los siglos xvii y xix y simbolizó la imagen de Japón en el mundo occidental. Las escenas del ukiyo-e, que en muchos aspectos eran de tipo hedonista, representaban a menudo la brillante luminosidad y las atracciones de Edo: mujeres hermosas, actores y luchadores de sumo, la vida urbana y panorámicas espectaculares. Pese a abarcar una gran variedad de temas, Hiroshige se hizo famoso sobre todo por sus paisajes. De hecho, su obra maestra fue una serie de grabados conocida como Cien famosas vistas de Edo (1856-1858), que reproduce varias escenas de la ciudad en el curso de las estaciones, desde las animadas calles comerciales hasta las espléndidas huertas de cerezos. Esta reimpresión está compuesta por una de las mejores series de xilografías originales completa perteneciente al Ota Memorial Museum of Art en Tokio. Cada una de las 120 ilustraciones viene acompañada por una descripción que permite a los lectores sumergirse en estas hermosas y vibrantes vistas que se convirtieron en paradigmas del japonismo e inspiraron por igual a artistas impresionistas, postimpresionistas y del art nouveau, desde Vincent van Gogh hasta James McNeill Whistler.
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Este libro se ha escrito… y dibujado pensando en el parvulario, o mejor dicho, en el niño que vive una experiencia fundamental entre los 3 y los 5 años en la escuela.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.