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Llibres d'art
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El Arte de Retorno se explica a partir de las relaciones comerciales que tienen América y Europa, haciendo hincapié en la circulación bidireccional de obras, artistas, modelos iconográficos y estéticos. A su vez, las islas Canarias funcionan como lugar de paso obligatorio para navíos que hacían la ruta atlántica en ambos sentidos, estableciéndose como filtro, además de como laboratorio artístico y urbanístico. Esto hace que en el Archipiélago no tengan peso regulaciones gremiales y ordenanzas que controlen el trabajo de arquitectos, escultores, pintores, orfebres y creadores de toda índole, sino que, en su versión más libre y sin pasar necesariamente por la categoría de maestros, podían firmar contratos y dar rienda suelta a su creatividad. Esta efervescencia cultural e intelectual durante los siglos xvi, xvii y xviii impactará en los canarios, en su manera de ser y hacer, y generará un patrimonio cultural único. Al mismo tiempo, el isleño muestra desde los inicios de su historia un sentido de hermanamiento con los virreinatos y capitanías que no decae con la secularización de las sociedades en el siglo xix ni con la independencia de las colonias americanas. Aunque exista una intelectualidad decimonónica que mira a países culturalmente boyantes como Italia o Francia, las clases más bajas seguirán leyendo en clave colonial y consumiendo obras de arte de clara querencia virreinal. El concepto de 'ida y vuelta' que engloba obras, artistas y modelos continúa hasta bien entrado el siglo xx y puede extrapolarse a otras relaciones entre regiones que, sin contar ya con Canarias, pero dentro del mundo del arte, se adhieren a la idea de Arte de Retorno y los posibles ecos que éste deja en manifestaciones artísticas contemporáneas, así como en la fotografía y en el cine.
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La exposición Los mundos de Alicia. Soñar el país de las maravillas integra las múltiples visiones del personaje en los ámbitos de la literatura, el cine, las artes escénicas y las artes plásticas, y lo sitúa en un siglo XXI que ha borrado las fronteras entre la realidad y el mundo imaginario. Alicia aparece como una figura precursora: una niña con una gran curiosidad por todas las cosas, que desafía la lógica de las ideas inmutables y encuentra su camino en un mundo absurdo.
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Les artistes ont cru avec de beaux modèles ou de beaux motifs arriver au poétique. Nous croyons l’atteindre plutôt avec de beaux éléments, car ceux de l’esprit sont certainement les plus beaux.Juan Gris (1887‐1927), en portant le cubisme à sa synthèse, a su élever son esthétique au niveau des grands moments de l’histoire de la peinture.
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El proyecto artístico más ambicioso de Sara Rubayo, la historiadora del arte que ha revolucionado los museos en España, y Ana Gállego: una recopilación exhaustiva de todas las mujeres pintoras desde la Antigüedad hasta el siglo XVII.Hablemos de los artistas desde el siglo VI a. C hasta el XVII: son muchos siglos de historia, seguro que recuerdas algún nombre. Pero ¿quién te vienen a la mente? ¿Cuántos hombres? ¿Cuántas mujeres? PintorAs vol. 1 surge de la necesidad de encontrar a las mujeres de la historia del arte para poder pintar una imagen completa del desarrollo artístico a lo largo de los años. Desde la premisa «todas dentro y ninguna fuera», Sara Rubayo y Ana Gállego arrojan luz sobre todas aquellas mujeres que se dedicaron al arte. Si bien la historia del arte solo parece contemplar a las mujeres como musas o como pintoras de poco talento, este tomo tiene como objetivo dar la vuelta al saber convencional: recuperan del olvido a artistas de las que apenas hemos oído hablar porque hay muy poca información sobre ellas. Porque por breve que haya sido su historia, cada artista se merece el debido reconocimiento y su obra debe tener su lugar en el conocimiento popular.
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Esta nueva muestra sobre el pintor Joaquín Sorolla ofrecerá una combinación inédita hasta ahora y que se ensaya aquí por primera vez: una exquisita selección de un interesante conjunto de pinturas originales -muchas de ellas pertenecientes a colecciones particulares y, por tanto, apenas vistas antes- y los nuevos formatos de exposición que, utilizando los recursos técnicos de última generación -multipantallas LED y realidad virtual- sumergen al visitante en un espectáculo de imágenes en movimiento y sonidos que amplían e intensifican el efecto sensorial de la pintura y nos permiten viajar cien años atrás a la época del pintor. Ninguna otra pintura podría prestarse mejor a esta fusión que la de Sorolla, que tiene en la luz y el color su principal soporte.
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Más allá del dibujo académico, existe un manera de dibujar más espontánea e intuitiva. Este manual es una invitación a perder el miedo a manchar el papel, explorar y crear libremente. A partir de tres movimientos, tres manchas de acuarela superpuestas, aprenderemos a dar vida a 15 animales y nos adentraremos en las infinitas posibilidades de la mancha y el trazo. ''Cada uno de los animales de este libro es un reto, una oportunidad para aprender a explicarlo reduciéndolo a mancha y trazo, un proceso de desaprendizaje y de deconstrucción.''
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Catálogo de la exposición Arte y transformaciones sociales en España (1885-1910), celebrada en el Museo Nacional del Prado entre el 21 de mayo y el 22 de septiembre de 2024. En el periodo comprendido entre 1885 y 1910 se produjeron en España transformaciones decisivas para la modernización del país. En esos años los artistas dejaron de tratar asuntos históricos para abordar los aspectos más relevantes de la vida del momento, de modo que sus obras se convirtieron en testimonios de aquellos cambios. Surgió así la pintura social, cuyas obras más destacadas, adquiridas por el Estado en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, conserva el Museo del Prado. También abordaron esos temas la escultura, las artes gráficas y la fotografía, que tuvieron un papel destacado en la configuración de la imagen de la época. Muchas de estas obras se estudian por vez primera en esta publicación.
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¿Cuál es la distancia que separa una obra de arte valiosa de la que no lo es? ¿Acaso es una mera cuestión de gusto, de bagaje, de canon, de accesibilidad, de marketing? Juan Cárdenas aventura en este libro una teoría: «Todo gran arte trae consigo la marca de la ligereza». No es tan fácil distinguir lo ligero de lo pesado, pero hay algo que está claro: la fuente primordial de la ligereza es el placer. El arte da placer no porque imite a la vida, sino porque es capaz de traducir sus leyes secretas al lenguaje de las formas sensibles. Y la vida es ligera, fugaz, esquiva, grácil, vulnerable y resistente de un modo inexplicable. En su afán por desentrañar este concepto, el autor nos lleva de la mano por una serie de cuestiones esenciales para reflexionar sobre lo que hoy consideramos digno de admiración, ya sean las modas, lo militante, las inercias del mercado, la posibilidad de la utopía o el lado oscuro de uno de los mantras de la sensibilidad contemporánea: la búsqueda de la autenticidad. Un recorrido original que acaba por ser, además, una manera de esclarecer los mecanismos de su propia escritura. La precisión y la afabilidad de su prosa, la plasticidad de sus ideas y su deslumbrante capacidad para exponerlas de una forma tan sencilla como profunda hacen de La ligereza un ensayo estimulante y fértil, una grieta luminosa en el imperturbable territorio de lo mayoritario.
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Observacions, experiments i preguntes d’artistes, científics i altres persones amb imaginació.La creativitat i la imaginació són les millors eines amb què construir persones i societats sanes. Però ¿què és la creativitat?, ¿què la diferencia de la imaginació?, ¿tots podem ser creatius?, ¿com s’ho fa el cervell per tenir bones idees?, ¿de quina manera la creativitat ajuda un mestre, un pintor, un científic, un ballarí o un arquitecte?Amb ulls creatius és un llibre per mirar amb ulls d’infant: per observar, trobar noves connexions i resoldre problemes del dia a dia i del món, com ara la crisi climàtica, la distribució de la riquesa, la gestió del temps o l’educació a les escoles.Un llibre imprescindible per al desenvolupament de ments inquietes, tinguin l’edat que tinguin, des de casa, en família o a l’escola. Un viatge estimulant i explosiu que passa per nocions essencials –fins i tot científiques–, històries inspiradores d’importants ments creatives, preguntes de persones curioses, pautes que alimenten la imaginació i experiments per jugar amb la nostra pròpia creativitat.¿A qui va dirigit el llibre Amb ulls creatius?AMB ULLS CREATIUS s'adreça a un públic ampli, incloent famílies, educadors i qualsevol persona interessada a desenvolupar la seva creativitat i imaginació. Es presenta com un llibre ideal per compartir en família, amb amics o companys de classe, i és especialment adequat per al desenvolupament de ments inquietes de qualsevol edat. El seu enfocament pràctic i accessible el fa apropiat tant per a nens com per a adults. El llibre busca fomentar la curiositat i el pensament crític a través de l'exploració de la creativitat i la imaginació.Temes que tracta el llibre Amb ulls creatiusAMB ULLS CREATIUS explora la naturalesa de la creativitat i la imaginació, abordant diversos aspectes de forma interconnectada:Definició i comprensió de la creativitat i la imaginació: El llibre s'endinsa en la comprensió d'aquests conceptes, diferenciant-los i explorant la seva importància en diferents àmbits de la vida. Es qüestiona si la imaginació es té, es fa, es busca o s'aprèn.Processos neurocientífics de la creativitat: S'investiguen els processos cerebrals que fan possible la imaginació i la creativitat, oferint una perspectiva científica sobre aquests fenòmens.Importància de la creativitat en diferents camps: Es mostra la rellevància de la imaginació i la creativitat en camps com la ciència, l'art i la tecnologia, destacant el seu paper en la resolució de problemes.Exemples de ments creatives: El llibre presenta històries inspiradores de persones creatives de diferents disciplines, mostrant els seus processos creatius i assoliments.Exercicis pràctics i experiments: S'inclouen pautes i experiments per estimular la imaginació i la creativitat del lector, fomentant la participació activa.Problemes del món actual: S'aborden problemes contemporanis com la crisi climàtica, la desigualtat econòmica, la gestió del temps i l'educació, plantejant-los com a desafiaments a resoldre mitjançant la creativitat.Observació i connexió d'idees: S'emfatitza la importància de l'observació i la capacitat de trobar noves connexions entre idees aparentment dispars, com a eina per a la resolució de problemes.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre Amb ulls creatiusEncara no hi ha opinions o crítiques sobre Amb ulls creatius.
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Aquí encontraremos a artistas como Picasso, Frida Kahlo, Georgia O Keeffe, Andy Warhol, David Hockney o Leonora Carrington, todos ellos referentes del mundo del arte, quienes ligaron su vida y obra a la de sus mascotas. Pero también a otros creadores, nombres propios de la pintura, la ilustración o la fotografía, que aunque resulten menos conocidos para el gran público, son de vital importancia para la historia del arte.
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Una historia ilustradísima de cómo guardamos lo que transportamosCarteros y reinas, peregrinos y amas de casa, militares, veraneantes y corredores: todos llevan algo con ellos. No solo dinero, teléfono o llaves, sino también gemas, granadas o galletas para perros... Un bolso, cartera o maletín también es una parte importante del atuendo para algunos. Por su ropa y accesorios, puedes adivinar lo que hace una persona, si es alguien importante, si es pobre o rico. Es por eso que muchas personas también usan bolsos para mostrar quiénes son. Y, a menudo, para mostrar que no son cualquiera.La interesante historia de Joanna Bojanczyk se complementa con divertidas ilustraciones de Adam Wójcicki, en las que puedes ver no solo las bolsas, las maletas y las mochilas, sino también a sus dueños y lo que llevan con ellos.
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¿Qué es para Mieke Bal el análisis cultural? La respuesta pasa por adoptar, en primer lugar, un concepto de cultura amplio para, a partir de él, leer categorías teóricas, obras de arte y prácticas sociales por igual como objetos culturales. Para descubrirlo, este libro, concebido a modo de léxicón, permite seguir letra a letra, concepto a concepto, el proceso de trabajo de la autora. Bajo la ficción de un orden alfabético, estos breves ensayos no sólo representan importantes aportaciones a los debates actuales en torno a lateoría de la cultura, sino que constituyen una aproximación accesible al análisis cultural y el pensamiento interdisciplinar de una de las teóricas más relevantes del panorama internacional.
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El estudio autónomo del objeto de arte se remonta al siglo XVIII europeo cuando quedó fijada la expresión ''bellas artes'', pero desde mediados del siglo XX ha sido progresivo el desplazamiento hacia el estudio del contexto. En consecuencia, sin dejar de apreciar el valor estético, la obra de arte se entiende como un artefacto cultural resultado de la materia (prácticamente toda obra de arte posee un cuerpo material), de la técnica (el conocimiento de las destrezas y herramientas para trabajar la materia en ese constante devenir de incorporación de nuevos materiales y tecnologías) y del comportamiento del artista. La riqueza que ofrece esta nueva aproximación es la que ha hecho posible este libro en el que se trata de la técnica y la materia como una metodología para conocer el modo de hacer, la práctica artística en su devenir como conocimiento heredado y transmitido donde tienen lugar las rupturas, cambios e innovaciones en los usos de materiales y herramientas, novedades que se incorporan a su vez enriqueciendo el legado.
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Un gran viaje histórico artístico desde el quattrocento de la Florencia de los Medici y la época dorada del cinquecento, con los grandes genios Leonardo, Miguel Ángel o Rafael hasta la propagación del Renacimiento por toda Europa y su florecimiento en España en el siglo XVI con la poesía mística, la picaresca, el Quijote o El Greco. Conozca una de las épocas más interesantes de la historia, el inicio de la Edad Moderna y el desarrollo de la cultura humanista, que desde Italia se extiende por toda Europa occidental llegando hasta América a través del descubrimiento y la conquista del Nuevo Mundo. Una época de cambios, con el desarrollo de la ciencia y la astronomía, así como la Reforma protestante iniciada por Lutero, que produjo una división en la Iglesia que perdura hasta hoy. Breve historia del Renacimiento le acercará al genio de los grandes artistas del quat-trocento y el cinquecento, en el que brillaron grandes mentes como Leonardo da Vinci, Rafael o Miguel Ángel, así como su influencia en Flandes, los Países Bajos, Francia y España en los tiempos en los que en el Imperio español «nunca se ponía el Sol». Una época en la que desarrollaron su obra grandes creadores como el Greco -,que superó el manierismo para alcanzar la modernidad-, y hubo un auge de la literatura manifestado tanto en la poesía mística como en el teatro, la novela pastoril, la picaresca, así como la aparición de la obra más importante de la literatura española, el Quijote. Su autor, Carlos J. Taranilla de la Varga, experto en el tema, le presentará con un estilo ágil, ameno y riguroso, una información completa sobre esta época tan importante de la historia, que sentó las bases del desarrollo científico del mundo actual.
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Del autor de Emocionarte, con más de 100.000 lectoresCarlos del Amor va un paso más allá en el viaje a través de los cuadros que emprendió con Emocionarte. Esta vez se centra en el retrato, un género que le permite recrear las vidas de los retratados y de los artistas, y cómo estos últimos también se retratan en su forma de pintar. La elección de sus modelos o los retratos de encargo, la fidelidad realista al retratado o la percepción de este por parte del artista, el autorretrato que tantos practican, quiénes eran los modelos y qué vidas llevaban, las dificultades de acogida de la obra por parte de quien la encarga o por el público, forman parte de la historia íntima de estas obras que iremos descubriendo en el libro. Con su característico estilo literario, Carlos del Amor nos muestra un mundo detrás de cada cuadro y, de nuevo, nos revela que han sido muchas las mujeres artistas, y muy poco conocidas hasta ahora.
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Historia social de la literatura y el arte, el libro más conocido y emblemático de Arnold Hauser, es un acercamiento del arte a la realidad social de las distintas épocas. Este segundo volumen abarca desde el rococó a la época del cine. Influido por los cánones y preceptos de la rama más teórica del marxismo, Arnold Hauser concibió su Historia social de la literatura y el arte como un ejercicio omnímodo, capaz de dar cuenta, mediante las sinergias de la historia y sus coyunturas sociales, de las producciones artísticas y culturales que han perdurado hasta nuestros días. Este segundo volumen de su obra magna recorre los dos siglos que van desde el siglo XVIII y la gestación del movimiento rococó hasta los albores y el desarrollo de la cinematografía. Son años de cambios constantes que, nos enseña Hauser, no deben disociarse en ningún caso de las expresiones artísticas que los visten: la parte no puede entenderse sin el todo.Reseña:«Un libro absolutamente indispensable.»Art News and Reviews
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Las fuentes de lo bello, de lo bueno, de lo agradable están en nosotros mismos e investigarlas es investigar las causas de los placeres de nuestra alma.
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Quan les dones havien de pintar flors ens aporta una nova perspectiva d'una època coneguda per la passió artística en totes les seves manifestacions. Mentre que les pintores femenines havien quedat ancorades a un gènere considerat menor, l'arribada d'un nou corrent artístic va capgirar aquesta situació prenent com a bandera la representació floral. Qui eren aquestes dones? I, encara més, què pintaven? Consol Oltra treu a la llum la seva història i recupera unes obres que van aconseguir trencar la barrera de l'àmbit privat per integrar-se dins l'espai públic. Tot i que l'època les va acabar silenciant, avui per fi podem considerar-les com el que eren: obres de primera fetes per artistes excel·lents.
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Un banquero multimillonario invierte 12 millones de dólares por el cadáver de un tiburón descomponiéndose dentro de una tinaja. Un lienzo lleno de gotas de colores se vende por 140 millones de dólares. Una chaqueta de cuero abandonada en una esquina se subasta por la suma de 690.000 dólares. Si el negocio del arte moderno es serio, ¿por qué parece una broma? En este recorrido ameno y fascinante por las casas de subastas, las galerías y el mundo de los coleccionistas, Don Thompson desvela los secretos económicos y las estrategias de marketing que impulsan al mercado a producir los precios astronómicos a los que se cotizan las obras de los grandes artistas, de Basquiat a Koons, Tàpies o Jasper Johns. Thompson nos acerca a la psicología y los intereses que mueven el mercado artístico para recordarnos que en el arte contemporáneo, como en tantos otros campos, la línea que separa la cultura y el negocio es difusa pero clara.
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El 18 de julio de 1936, tras conocer la noticia del alzamiento, la bailarina y bailaora española apodada la Argentina, admirada en todo el mundo, sufre un síncope y muere. Tiene 46 años y un don para hacer suya no solo la historia de la danza, sino la propia historia. Ese día se quiebra la Segunda República y se quiebra la artista. Isabel de Naverán persigue, a partir de la investigación y de las fotografías, el eco de esa convulsión individual que contiene, de forma representativa y simbólica, el dolor colectivo que se avecinaba y que ha resonado, en distintos momentos y de distintas maneras, a través artistas muy dispares de las siguientes generaciones: los japoneses Kazuo Ohno, que recuperó su danza cincuenta años después de haberla visto bailar, y Takao Kawaguchi, la bailaora Rocío Molina o la escritora Gertrude Stein, entre otros.
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A través de 30 proyectos paso a paso, la galardonada artista Harriet de Winton nos guía magistralmente para aprender a pintar bellos animales, insectos y seres vegetales de todo el mundo. Una introducción perfecta no solo al arte botánico, también a las bases de la técnica de la acuarela, la composición y la teoría del color.
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¿Es el arrepentimiento una forma de memoria?, ¿una manera de narrarnos a nosotros mismos?, ¿un acto de imaginación? Alejandro Cesarco ha desarrollado una práctica artística heterodoxa a partir de recursos como la repetición, la narratividad, la lectura o la traducción. Con este libro, en el que cuestiona un devenir del arte regido por el principio de producción y orientado hacia el éxito, transita el arrepentimiento como modo estético y como herramienta metodológica. Lo contempla como una fuerza creadora que se sitúa entre quienes somos y quienes aspiramos a ser, o entre lo que hacemos y nuestras deficiencias.De la mano de pensadores y artistas como Louise Lawler, Sturtevant, Lauren Berlant, Jorge Luis Borges o Macedonio Fernández, Cesarco rastrea la doble función de este sentimiento: no solo una manera de mirar atrás sino también de proyectarnos hacia delante, de (re)evaluar lo que nos impulsa. Bajo el signo del arrepentimiento refleja una particular tonalidad a través de la cual imaginamos y construimos nuestra historia mientras volvemos a contarla.
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La moda española en la epoca de Velazquez reconstruye la vida y obra de Mateo Aguado, el hasta la fecha desconocido sastre que creo los llamativos vestidos que confirieron a la corte espa ñola su aspecto caracteristico durante el reinado de Felipe IV. Como sastre de camara de la reina desde 1630 hasta su muerte en 1672, Aguado diseño las iconicas prendas inmortalizadas en los retratos pintados por Diego Velazquez de las reinas Isabel de Borbon y Mariana de Austria, y de las infantas Maria Teresa y Margarita. Basado en una meticulosa investigacion en el Archivo General de Palacio de Madrid, este libro, profusamente ilustrado, da vida al mundo de los artesanos de la corte y detalla por primera vez las prendas y accesorios que con feccionaron para sus patronos reales. Los trajes que Mateo Aguado diseño para la Casa Real dieron forma a una nueva vision del estilo español -y de la españolidad- que sigue siendo re conocible al instante y continua inspi rando a diseñadores de moda y artistas en la actualidad.
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Una extraordinaria colección de más de 300 imágenes que celebran la belleza y diversidad de los árboles.Este exquisito estudio presenta una impresionante secuencia de imágenes a página completa, desde pinturas de paisajes y dibujos botánicos hasta frescos antiguos, ilustraciones de libros antiguos y fotografías contemporáneas, que revelan el árbol como fuente de inspiración a lo largo de la historia.Abarcando continentes y culturas, Árboles refleja la diversidad de su tema, representando secuoyas gigantes, flores de cerezo, palmeras, álamos, ginkgos y otras especies que se encuentran en los biomas forestales de la Tierra, en una amplia selección de imágenes que datan desde la antigua Grecia hasta la actualidad. Más de 300 imágenes incluyen mosaicos de piedra romanos, mitos nórdicos ilustrados, grabados en madera del período Edo e instalaciones de árboles vivos.Comisariadas por un panel internacional de botánicos, naturalistas, historiadores del arte y otros expertos, las imágenes amplían la definición de arte botánico y juntas forman un homenaje vibrante y vital al mundo natural.Los artistas y colaboradores destacados incluyen: Ansel Adams, Yann Arthus-Bertrand, Ruth Asawa, Paul Cézanne, Agnes Denes, Alberto Durero, Caspar David Friedrich, Global Forest Watch, Andy Goldsworthy, Ernst Haeckel, Utagawa Hiroshige, Frida Kahlo, Yayoi Kusama, Sally Mann, Grandma Moses, Marianne North, Pierre-Joseph Redouté, Daniel Roseberry para Schiaparelli, Antoine de Saint-Exupéry, Sebastião Salgado y Yokohama Nursery Co., entre otros.Panel de expertos: Dr. Giovanni Aloi, Dr. Preston Bautista, Dr. Diana Beresford-Kroeger, Fred Breglia, Casey Clapp, Jim Gardiner VMH, Dr. Andrew Hirons, Tony Kirkham MBE, VMH, Margaret D. Lowman, PhD, Carlos Nobre, PhD, John Parker, Anna Pavord and Christiana Payne.
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Estamos ante la guerra cultural más virulenta de todas, la que se libra en un museo del siglo XIX, gestionado por personas del XX para un público del XXI. ElPrado es aún, doscientos años después, una institución en la que se silencia a la mujer artista, se ignoraa las visitantes y se defiende un pensamiento de género (raza y clase) que justifica la dominación de unsexo sobre el otro. Esta no es una historia del artetradicional, es una guía compuesta por ausencias, vejaciones, eufemismos, silencios o tergiversaciones hacen desaparecer a la mitad de la población, sala trassala, con una violencia soterrada y a la vista. También es una historia contra la ceguera, contra el mitoy contra los genios, un relato sobre las condicionespolíticas y sociales que determinan la creación artística.
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¿Por qué, poco después de la Revolución Francesa, unos jóvenes pintores deciden usar togas griegas y más tarde se retiran a un monasterio ruinoso? ¿Qué hace que unos artistas prusianos casi adolescentes se dejen crecer el cabello, lleven largas túnicas e intenten vivir como monjes medievales? ¿O que otros jóvenes creadores en Inglaterra funden una llamada ''Hermandad Prerrafaelita''? ¿Y que un grupo de amigas se unan como Hermanas en el Arte o ''Sisters in Art''? ¿Por qué William Morris quiere convertirse en una suerte de artesano y termina siendo un pionero del socialismo? ¿Cómo se unen en un proyecto artístico colectivo la espiritualidad, la amistad, el género, el deseo sexual y las ideas políticas? ¿De qué modos puede el arte cambiar la vida de los que lo practican, más allá de constituir una ocupación? ¿Es ese el sentido de los colectivos de creadores?Amigos, disfraces y comunas quiere responder estas preguntas, mediante el estudio del primer tipo de colectivismo artístico moderno, que sienta las bases para los colectivos artísticos de los siglos XX y XXI: son las llamadas hermandades de artistas, grupos cuya práctica ambiciona unir el proyecto vital y el creativo, ensayando otras formas de entender los afectos y la identidad como algo compartido. Trazando la historia de ''Méditateurs'', Nazarenos, Prerrafaelitas y miembros del movimiento ''Arts and Crafts'', este libro estudia las prácticas colectivistas de dichos grupos entendiéndolas como una forma de autoescenificación que da vida a visiones estéticas y sociales. De este modo, contribuye a una genealogía anterior a los siglos XX y XXI de la ''performance''.
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El «boom» turístico español es un fenómeno tan conocido como poco debatido. En la memoria colectiva ha quedado vinculado a una serie de espacios -Benidorm, Torremolinos- e iconos simbólicos -el biquini, «las suecas»- que dan forma a una narración estereotipada. Con la finalidad de matizar y enriquecer dicho relato, el presente libro propone una revisión de la cultura visual del «boom». La autora analiza un nutrido corpus documental extraído de archivos nacionales y extranjeros, sirviéndose de herramientas analíticas de los estudios visuales y de la antropología del turismo. El repertorio iconográfico resultante revela que el imaginario de lo español durante la dictadura franquista fue mucho más complejo de lo que «a priori» podría pensarse, con una constante negociación entre las imágenes que respondían a la búsqueda de experiencias de los turistas y aquellas en las que un país en pleno proceso de modernización deseaba verse reconocido.
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Es verdad que la ecología ha recibido escasa atenciónen el ámbito de la historia del arte, pero también es cierto que su visibilidad e importancia han ido creciendo en los últimos tiempos, de la mano de las amenazas del cambio climático y la destrucción medioambiental. Al imbricar el extendido compromiso político yestético de diversos artistas con procesos y condiciones medioambientales por todo el planeta –y dirigiendo su mirada a los punteros avances teóricos, políticos y culturales que se han producido y producen en elSur y el Norte globales–, el presente libro ofrece una significativa y original contribución a los camposinterconectados la historia del arte, la ecología, la cultura visual, la geografía y la política medioambiental. A lo largo de sus seis capítulos, su autor aborda las propuestas creativas de diversos artistas yactivistas en pos de formas de vida que aúnen sostenibilidad ecológica, justicia climática y democracia radical, en un momento como el presente en el que se necesitan con urgencia este tipo de propuestas.
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Único en su categoría, este bellisimo «libro-objeto»–de conmovedora adecuación entre contenido y forma– plantea una reflexión sobre los absurdos recorridos alos que fueron forzados los prisioneros de los camposde concentración nazis, en concreto, los 77 artistasque incluye este libro, como cronistas de las condiciones infrahumanas en las que vivieron. Cada estrellaes un gueto o campo de concentración, cada línea, una vía de tren que convierten la locura de estos trayectos en constelaciones, creando un sorprendente universo que golpea el corazón y la conciencia. Un libro poético, lleno de silencios, que invita a la reflexión, cada vez más necesaria
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En 1968 el periódico The Sunday Times de Londres, propuso organizar una regata en solitario y sin escalas alrededor del mundo a un grupo de navegantes entre los que se encontraba Bernard Moitessier. Nunca se había hecho nada parecido. Aquí se inició la insólita historia que se narra en este libro: 37.000 millas marinas para llegar... al corazón de un hombre. Esta nueva edición incluye un inestimable prólogo de Julio Villar, quien compartió escala (y muchas cosas más) con Moitessier en este largo viaje. El largo viaje es el relato de diez meses navegando en solitario. El periplo significó una vuelta y media al mundo a través del mar, que, «según el viento, según el cielo, según que el ocaso fuera rojo o gris, ruge, murmura o gime bajo el casco». En este libro descubrimos la audacia, calculada y prudente, de un marino fuera de serie que decidió llegar hasta el límite de la resistencia humana y de la de su barco, sobre un mar a veces en calma, y a veces rugiente como una fiera. Se trata de la travesía más larga en solitario: 37.455 millas sin tocar tierra. Además de ser el relato de una pericia que pocos hombres han asumido en la historia, este libro contiene múltiples consejos, trucos y apreciaciones para aquellos apasionados de la navegación a vela más tradicional, con un apéndice de más de 100 páginas con pautas para la preparación de una navegación sin escalas de este tipo. Esta reedición revisada, contiene además materiales inéditos como múltiples fotos que realizó el autor durante su travesía y diseños realizados por el mismo. Un testimonio de la navegación de altura sin igual.
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“Si Maillol a veces se aproxima a los griegos del tiempo de Fidias no es que los comprenda por alguna elucubración intelectual, por el intermedio de un razonamiento, o que los copie, es que siente directamente como ellos, su perfección es la suya, responde a la verdad de su instinto. Es un primitivo clásico.”
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Lluís Domènech i Montaner, un dels grans referents del moviment modernista i del catalanisme polític al tombant del segle XX, va desenvolupar una intensa tasca de recerca del patrimoni artístic. A fi de documentar-se sobre les arrels de l'arquitectura catalana, des del 1900 fins al 1906 va fer nombroses expedicions científiques pels racons més amagats del país, que havien de culminar amb la redacció de la primera història de l'art romànic a Catalunya. Malauradament, per raons polítiques, professionals i personals, l'obra va quedar inconclusa. Aquest quadern revisita, a tall de pelegrinatge artístic, alguns dels indrets més emblemàtics que l'arquitecte va recórrer en les seves campanyes pel Pirineu i recull també la transcripció d'una part de la seva introducció històrica sobre el romànic, un text -fragmentari i inacabat, però també programàtic- que, juntament amb centenars de fitxes, dibuixos, plànols i fotografies dels monuments estudiats, ha perviscut com un vestigi del llibre que no va arribar a escriure.
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Alquimia y alquimistas siempre han estado rodeados de un profundo misterio. Los y las alquimistas, auténticos «filósofos del fuego» encerrados en sus laboratorios, que en ocasiones saltaban por los aires por el uso de componentes inflamables y explosivos, guardaban celosamente sus secretos en busca de la Piedra Filosofal, la transmutación de los metales vulgares en oro, la culminación de la «boda alquímica» y el secreto de la inmortalidad, el codiciado elixir de la vida. Aunque entre sus búsquedas también se encontraba la creación de remedios caseros para aliviar la melancolía, realzar la belleza o combatir el insomnio. Ahí, en este Gran Arte, está el origen de buena parte de la química moderna, pero sus influencias e inspiraciones se extendieron al mundo del arte y la filosofía ocultaMaría Pandiello (Donostia, 1981), licenciada en Filología Románica, doctora en Historia del Arte y especialista en manuscritos y libros impresos de los siglos XV y XVI, logra desentrañar brillantemente las claves, en principio tan impenetrables, de este arte que en gran medida era también una filosofía, y nos muestra un fascinante mundo hermético, poético y alegórico, repleto de códigos, símbolos y trampas visuales, cuyos protagonistas fueron artífices de biografías con frecuencia escurridizas, tan deseados como temidos y, en ciertas épocas históricas, incluso perseguidosVisiones de fuego. Historia ilustrada de la alquimia recoge una cuidada selección de algunos de los manuscritos alquímicos más importantes, reproducidos en láminas de apabullante belleza, desde el siglo XV hasta el XIX, con la llegada de la ciencia moderna y su método científico, así como la aparición del ocultismo contemporáneo que logra que la alquimia, a partir de entonces, se asocie erróneamente con el mundo oculto, la nigromancia o la magia negra.
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Un diccionario fundamental contra el ruido y la indigestión que genera la avalancha iconográfica de la cultura contemporánea. Con las cámaras de los teléfonos convertidas en apéndices humanos generamos muchas más imágenes de las que podemos consumir, imágenes que nos someten y ante las que, a veces, no queda más que sublevarse. Imágenes que nos degluten y a las que de vez en cuando conviene deglutir. Imágenes que, bajo la alfombra inabarcable de las millones de reproducciones, casi siempre nos ocultan los imaginarios de esta era, que empezó con la nueva derecha poniendo a volar la cabeza sin cuerpo de Lenin sobre el cielo de Berlín y se alarga hasta un presente en el que la nueva izquierda ha echado a cabalgar el cuerpo sin cabeza de Franco en el suelo de Barcelona.El ensayista Iván de la Nuez define esta omnipresencia como «iconocracia», un término que afianza la tiranía de la imagen pero que, al mismo tiempo, nos permite contrarrestarla. Y es que, sin negar esa ubicuidad opresiva, la apoteosis iconográfica puede entenderse también como un ecosistema de poder y contrapoder, un juego de gobierno y oposición en el que cabe la vomitona radical de la iconoclasia pero también la digestión crítica de la «iconofagia», concepto que han compartido Norval Baitello o Alfonso Morales y que ahora da título a este diccionario que se propone como una sola trama y en cuyos capítulos brillan con luz propia voces e imágenes.Sobre el autor y su obra la crítica ha dicho:«Iván de la Nuez es un francotirador que lleva veinte años publicando ensayos que son hitos de una exploración coherente y original del medioambiente simbólico contemporáneo. (...) Y lo hace con una escritura rigurosa pero también accesible y divertida».César Rendueles, Babelia«De la Nuez es un paria de largo alcance. (...) Pero el autor cubano no va con brújula. Como los parias, como los nómadas, se moja el dedo para detectar el sentido del viento y prospectar el camino del globo. Donde el globo quiera. Donde el viento dicte. De la Nuez, nacido en La Habana, habitante del mundo, vuelca su víscera en cada página (...)».Franco Chiaravalloti, Revista de las letras «Sus libros no se suceden como variaciones de un mismo libro, a la manera de tantos ensayistas, ni tampoco como aplicaciones locales de un canon intelectual propio. (...) En realidad, la metáfora más útil -tal vez la única- para describir la escritura de Iván de la Nuez es la metáfora cartográfica».Javier Calvo, Letras Libres «Hay que disfrutar en de la Nuez (y esto es algo que lo separa de otros intelectuales cubanos contemporáneos suyos más graves), eldescarnado humor, la propensión crítica a salar las cosas, invadir el discurso: darle sabor, darle swing».Alfredo Triff, Tumiamiblog
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Una historia alternativa del Renacimiento contada por las mujeres detrás de las pinturas.Belleza, maquillaje, arte, poder: Cómo ser una mujer en el Renacimiento presenta una historia alternativa de este fascinante período contada por las mujeres detrás de las pinturas. El Renacimiento fue una época obsesionada por las apariencias: el mundo visual se pobló de desnudos de la mano de artistas como Miguel Ángel y Tiziano y emergió una vibrante escena literaria alrededor de consejos de belleza, cosméticos y adornos. Jill Burke nos lleva desde las bulliciosas plazas del mercado italiano hasta los niveles más altos de la sociedad renacentista para acercarnos a las vidas de cortesanas, artistas, actrices y escritoras que se labraron un espacio propio, así como aquellas que ganaron poder e influencia en el despiadado mundo de la corte o las que se rebelaron contra las restricciones de su época en un momento en el que las valoraciones sobre los cuerpos y el color de la piel estaban en el punto de mira debido al contexto colonial. Esta vívida exploración de la vida íntima de las mujeres renacentistas nos invita a cuestionar las ideas de tenemos sobre nuestro propio cuerpo a la vez que desentraña los orígenes de los ideales de belleza que todavía nos acompañan en la actualidad. «Nunca verás los retratos del Renacimiento de la misma manera.» Maggie O'Farrell, autora de Hamnet y El retrato de casada
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Una guía de referencia sobre elegancia masculina ¿Qué diferencia hay entre un frac y un chaqué?¿Cuándo y dónde se perdió el hábito de llevar sombrero a diario?¿Cómo consiguieron las zapatillas saltar de las canchas deportivas a los despachos? Para responder a estas y otras muchas preguntas, una guía definitiva de la elegancia masculina que combina el análisis de la evolución histórica del vestir, las anécdotas y la información práctica. La estructura parte de cuatro grandes bloques (sastrería, deportivo, complementos y zapatos) que son presentados con una introducción y una imagen histórica para después desglosarse en apartados específicos, solo aparentemente enciclopédicos, para cada una de las prendas más significativas.La guía, elegantemente ilustrada, tiene una voluntad atemporal y trasciende de las tendencias del momento para convertirse en una referencia clásica a la vez que amena. «Sea tu vestido tan costoso cuanto tus facultades lo permitan, pero no afectado en su hechura, rico, no extravagante, porque el traje dice por lo común quién es el sujeto,y los caballeros y principales señores franceses tienen el gusto muy delicado en esta materia.»Shakespeare, Hamlet
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.
