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Llibres d'art
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Descubre, o regresa al artista de fantasía heroica más grande del mundo gracias a este Art Book, El arte fantástico de Frank Frazetta. Tal como escribió El New York Times: ''Frazetta ayudó a definir héroes de fantasía como Conan, Tarzán y John Carter de Marte con imágenes de héroes sorprendentemente feroces, de cuerpo duro y mujeres voluptuosas. Frazetta tomó el sexo y la violencia de los relatos pulp de su juventud y añadió aún más acción y fantasía, pero interpretada con un estilo que rara vez se ve fuera del arte clásico. la calidad del trabajo de Frazetta no solo ha sido comparado con los ilustradores más brillantes, Maxfield Parrish, Frederic Remington, Norman Rockwell, NC Wyeth, sino incluso con los artistas más brillantes como Rembrandt y Miguel Ángel.El trabajo de este pionero no solo ha inspirado a generaciones de artistas, sino también a películas y directores, incluidas las películas de Conan, John Carter de Marte, la trilogía de El Señor de los Anillos, los trabajos de Robert Rodríguez, la épica y premiada serie Juego de Tronos, Sleepy Hollow de Tim Burton, las películas animadas de Tarzán de Disney Studios, Apocalypse Now de Francis Ford Coppola y la serie Star Wars de George Lucas.del arte revolucionario que ayudó a inspirar las películas de Schwarzenegger, Jason Momoa, El Señor de los Anillos y Juego de Tronos.
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Los montes son tuyos reúne dos piezas de Alberto Cortés: El Ardor (2021) y One night at the golden bar (2022). Sus obras se han estrenado en el Festival de Otoño de Madrid, y van a reestrenarse en el Festival Iberoamericano de Teatro y en el Teatro Central de Sevilla. El dramaturgo tiene una puesta en escena a medio camino entre lo popular y lo filosófico, que recuerda a lo mejor de los románticos y de los malditos.
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Una relectura de la intimidad en la Edad Media a través del arte románico.Vulvas, partos, penes erectos y parejas en pleno coito pueblan las iglesias románicas de nuestra geografía repartidos por portadas, capiteles y canecillos. Estas imágenes sexuales, algunas de ellas muy explícitas, han generado estupor, sorpresa e incluso rechazo en nuestra contemporaneidad, dando lugar a todo tipo de explicaciones sobre sus intenciones y significado. Sin embargo, su proliferación y espontaneidad indican que, lejos de tratarse de una representación del pecado, como a menudo se han interpretado, mostraban una sexualidad mucho más abierta y acorde con la mentalidad de quienes promovieron la construcción de estos templos. El libro demuestra cómo, entre los siglos XI y XIII, tuvo lugar una intensa lucha por el poder político en la que el sexo (o su ausencia) se convirtió en uno de los principales argumentos legitimadores de las élites sociales. Una batalla ideológica que dejó su huella en las imágenes sexuales románicas que desafían nuestra lógica actual.¿A qui va dirigit el llibre El sexo en tiempos del románico?Aquest llibre està dirigit a un públic ampli interessat en la història, l'art i la cultura medieval, especialment en el període romànic. Es dirigeix a lectors que desitgin explorar una nova perspectiva sobre la sexualitat a l'Edat Mitjana, desafiant les interpretacions tradicionals i oferint una visió més complexa i matisada. És d'interès per a estudiants, investigadors, aficionats a la història de l'art i a qualsevol persona curiosa per conèixer una faceta poc explorada de la societat medieval. L'obra es presenta com un assaig accessible, encara que també pot ser d'utilitat per a estudiosos del tema.Temes que tracta el llibre El sexo en tiempos del románicoEl llibre EL SEXO EN TIEMPOS DEL ROMÁNICO es centra en l'anàlisi de les representacions sexuals presents en l'art romànic, específicament en les esglésies i els seus elements arquitectònics. S'exploren les següents temàtiques:Representacions explícites de la sexualitat en l'art romànic: S'examinen les imatges de vulves, parts, penis erects i parelles en ple coit que apareixen en portades, capitells i canecillos de les esglésies romàniques. S'analitza la freqüència i la varietat d'aquestes representacions, així com el seu context artístic i cultural.Interpretacions històriques de les imatges sexuals: Es qüestionen les interpretacions tradicionals que veuen aquestes imatges com a simples representacions del pecat, proposant una lectura alternativa que les situa dins d'una visió més oberta i complexa de la sexualitat medieval.El sexe com a eina de poder polític: El llibre argumenta que la sexualitat (o la seva absència) va jugar un paper crucial en les lluites de poder polític entre les elits socials durant els segles XI i XIII. S'analitza com les representacions sexuals es van utilitzar per legitimar el poder i les relacions socials.La perspectiva de gènere en l'art romànic: Es considera el paper de les dones en la creació i el significat de les imatges sexuals romàniques, explorant la participació femenina en la construcció de les esglésies i la seva influència en la iconografia.Desafiament a la lògica actual: El llibre convida a replantejar la forma en què entenem la sexualitat a l'Edat Mitjana, confrontant les interpretacions modernes amb l'evidència proporcionada per l'art romànic.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre El sexo en tiempos del románicoS'han trobat algunes opinions positives que destaquen l'amenitat i la documentació del llibre, així com la seva capacitat per sorprendre el lector i canviar la seva percepció de la sexualitat a l'Edat Mitjana. Altres opinions assenyalen l'originalitat de l'enfocament i la rigorositat de la investigació. No obstant això, es precisa de més informació per oferir un resum complet de les crítiques i valoracions.
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Con casi 700 imágenes, Tattoo you: A New Generation of artists muestra 75 estrellas en ascenso que están redefiniendo la industria. El primer libro de este tipo, Tatuaje, presenta artistas seleccionados por un panel global de expertos, incluidos algunos de los nombres más importantes del tatuaje, como Grace Neutral, Claudia De Sabe, Matt McCormick, Tamara Santibañez, Lal Hardy, Marisa Kakoulas, Matt Lodder. , Tann Koga (Ink the Diaspora) y Jay Freestyle. Cada artista va acompañado de una selección de imágenes que ilustran su trabajo, junto con un perfil en profundidad que profundiza en sus influencias, su proceso creativo y cómo están transformando el mundo del tatuaje. Desde tatuajes minimalistas, blackwork y neotradicionales hasta prácticas culturales e indígenas, Tattoo you abarca todos los estilos y técnicas, ofreciendo una mirada interna a cómo trabajan los artistas de todo el mundo hoy en día, al mismo tiempo que brinda vislumbres del futuro del tatuaje como una forma de arte innovadora, accesible y revolucionaria.
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Torna Javier Sierra amb un llibre apassionant i ple d'enigmes on es disputa quins han de ser els legítims guardians de l'art.El 1989 Javier Sierra va ser abordat a les sales del Museu del Prado per un estrany personatge que li va ensenyar a interpretar els símbols més ocults de l'art. Aquell incident va donar lloc a El maestro del Prado, on va compartir la visió d'aquell desconegut amb centenars de milers de lectors arreu del món. Sierra es va obsessionar amb aquell individu i ha passat mitja vida tractant de trobar-lo de nou. En el seu camí, ha descobert que hi ha un subtil «pla mestre» que dona a la invenció de l'art un sentit transcendental. L'art, juntament amb coneixements com l'agricultura, l'astronomia o la filosofia, ens van ser revelats per altres mestres misteriosos, els mestres instructors. Aquests tenen en comú que les seves idees han transformat la nostra espècie d'una manera profunda i irreversible. El seu particular mestre va formar part d'aquesta genealogia. Però qui són realment i quin és el seu pla per a nosaltres?
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Lectura para todo aquel al que le guste el arte, y para todos loscuriosos Marozeau se zambulle tras el escenario de algunas obrasmaestras, desde el Busto de Nefertiti hasta el Guernica de Picasso 12capítulos = 12 obras de arte = 12 historias asombrosas
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A través de veinte textos, Valentín Roma nos descubre algunos episodios en que sus protagonistas viven momentos inesperados de cambio, de vacío, de aislamiento, de locura, de interrupción brusca o disrupción en el tiempo. Son situaciones de «apagón» que provocan un giro en el proceso de la historia. Estos episodios hilvanados constituyen un cierto manifiesto sobre la interpretación, sobre como percibimos y comprendemos lo que nos es expuesto, ya sea un cuadro, una obra literaria, un espectáculo teatral, un discurso... Para Valentín Roma, el arte es conversación: «Mirar es la antesala del decir, porque en el decir habita el deseo por ser oído y, finalmente, porque esa búsqueda de algún oyente nos obliga a escuchar otras palabras, a entablar conversaciones».
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Según la Biblia hebrea, Lilith fue la primera mujer que Dios quiso darle como compañera a Adán, y la hizo,a semejanza de él, del polvo de la tierra. Y Lilith,viéndose su igual, se rebeló un día ante sus constantes exigencias y lo abandonó. Huyó a los espacios y tuvo amores con diversos demonios: fue la primera mujer liberada de la historia de la humanidad. Fue la primera ''femme fatale''. El propósito de este libro esaveriguar las causas por las que en el último terciodel siglo XIX surgieron del pincel de tantos artistasno solo desagradables, sino infames, imágenes femeninas. ¿Cuáles fueron las razones del surgimiento de aquel relato visual que complacía a los hombres y desagradaba a las mujeres? Evidentemente había un origen en toda esta iconografía. El principal fue el nuevo despertar de la conciencia en la mujer de su papel secundario en el mundo y, como consecuencia, su protestaformalizada en los primeros y categóricos movimientosde las sufragistas. La sociedad patriarcal observabaalarmada que le surgía una inesperada competidora, insospechada, debido al sometimiento al que, ancestralmente, la había marginado. Para confirmar la perfidiade la mujer, los artistas de la época ofrecieron ominosas epresentaciones de ella, sin darse cuenta de que al mismo tiempo ponían de relieve su miedo y deseo.Para ratificar su denuncia incluso acudieron a imágenes religiosas que corroboraran la maldad innata delser femenino. Es así como recobraron, entre otras, lafigura de Lilith.
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El orgullo nacional, la disciplina y la sensibilidad, son principios característicos que tienen su origenen la vida religiosa, que estructuran la vida socialy que han armado al arte japonés con energías y hermosas rarezas que se desarrollan plenamente en la vidadel espíritu. El culmen de este magnífico edificio moral es, de hecho, una cultura de un orden superior.
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Ser-Arte es un ensayo con el que Juan Miguel Hernández León, reciente Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, viene a completar la trilogía compuesta con los anteriores Ser-Paisaje y Ser-Arquitectura. En él se interroga por el acosar del arte como superación de la belleza tranquilizadora que se refugiaba, y justificaba, en la Estética clásica.
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La exposición celebra la dimensión artística del automóvil, vinculándola con los ámbitos paralelos de la pintura, la escultura, la arquitectura, la fotografía y el cine. Con este enfoque integrador, la muestra cuestiona la separación entre las distintas disciplinas y ofrece una exploración de los modos en que estas se relacionan visual y culturalmente. La exposición analiza asimismo las afinidades existentes entre la tecnología y el arte. Se muestra, por ejemplo, cómo el uso del túnel de viento ayudó a dotar al automóvil de una forma aerodinámica, a fin de que pudiera ir más rápido empleando la energía de manera más económica, esta revolución aerodinámica tuvo su eco en las obras del movimiento futurista y de otros artistas de la misma época, y ello también se reflejó, finalmente, en el diseño industrial de todo tipo de productos, desde electrodomésticos hasta locomotoras.
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La guía para entender el gótico, y la obsesión humana por tocar el cielo.Cuando entramos en una catedral gótica, abrimos la puerta a un universo mágico donde la piedra se disuelve y se transforma en luz. Este maravilloso libro invita a descubrir el alma de la arquitectura gótica, lo que se esconde detrás de sus formas, más allá de sus detalles técnicos, sus elementos constructivos o su dimensión social (que también se analizan).El gótico supuso el inicio de una audacia técnica sin precedentes cuyo objetivo principal era hacer desaparecer los muros. Esta obra nos ayuda a «leer» un edificio gótico con otros ojos, más allá del simple reclamo turístico, como el testimonio de la obsesión humana por tocar el cielo y alcanzar la luz. Tras esa búsqueda siguen latiendo el trabajo, el estudio, el riesgo, las dificultades financieras, los incendios, las muertes: toda la fragilidad humana que hizo posibles estos logros.Al estilo de las anteriores Guías visuales de arquitectura de Cátedra, este libro sitúa al lector en su contexto histórico y geográfico y analiza con claridad cada uno de los elementos que definen la arquitectura gótica. Su objetivo es que el lector logre apreciar en toda su riqueza esa maravilla de la humanidad que es el gótico.
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¿Y si la genialidad no fuera más que un relato? La genialidad es una noción extendida, tanto que casi cualquiera cree poder definirla y asociarla a figuras históricas que han destacado por sus logros, hallazgos o creaciones. A muchas de ellas se les atribuyen rasgos comunes: un talento precoz, la originalidad de hacer algo novedoso y la excepcionalidad de llevarlo a cabo en solitario. A menudo, el perfil se completa con una vida marcada por la inestabilidad, la locura o una muerte temprana. Pero ¿qué ocurre si la genialidad se entiende no como hecho sino como un mito sustentado en ficciones repetidas hasta sedimentar en nuestro imaginario? Impulsada por esta pregunta, la historiadora del arte Eugenia Tenenbaum nos sumerge en una investigación transformadora que atraviesa siglos y disciplinas con el objetivo de explorar esta hipótesis y qué consecuencias tiene. Con una gozosa mezcla de cercanía, erudición y combatividad, El mito del genio recorre buena parte de la historia de nuestra cultura para abordar una de las preguntas más persistentes en torno a la creatividad y al arte y ofrecernos unas respuestas incómodas pero liberadoras.La crítica ha dicho:«Ve más allá de lo que nos han contado».La Sexta«Una de las divulgadoras de arte más seguidas en castellano».El País
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El tema de los animales siempre ha tenido un gran atractivo para los artistas. Sin embargo, crear bocetos convincentes de animales puede resultar desalentador y llevarle a preguntarse: ¿por dónde empiezo? Olvídese del miedo y déjese guiar por expertos con este cuaderno de bocetos. Descubrirá habilidades de dibujo que nunca pensó que podría tener. Cada capítulo cuenta con espacio suficiente para que practique los bocetos Empiece con técnicas sencillas de trazado y esbozo, y continúe después con la estructura, la textura y la expresión (los elementos fundamentales que harán que sus dibujos de animales pasen de buenos a magníficos). Cada capítulo cuenta con espacio suficiente para que practique los bocetos directamente sobre la página. ¡Tome un lápiz y descubra el placer de dibujar animales!
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La belleza puede ser reconfortante, perturbadora, sagrada o profana, puede resultar estimulante, atrayente, inspiradora, incluso escalofriante. Puede afectarnos de maneras muy distintas, pero nunca nos deja indiferentes. En esta obra, el brillante y ecléctico filósofo Roger Scruton explora el concepto de belleza, indagando en aquellos elementos que confieren a un objeto -artístico, humano o natural- esta cualidad y sugiriendo formas de comparar la variedad de criterios que existen al respecto. ¿Hay una manera precisa de medir y juzgar la belleza? ¿Es siquiera posible definirla? ¿Es justo afirmar que es más bello un templo clásico que un edificio de oficinas hecho de hormigón, que hay más belleza en un Rembrandt que en la obra que ganó el último Premio Turner? Las conclusiones a las que llega el autor en este texto, directo y sugerente, tan accesible como intelectualmente riguroso, sin duda pueden resultar controvertidas. No obstante, todas ellas invitan a reflexionar sobre los objetos bellos que nos rodean y a tratar de hallar un sentido más profundo en el efecto que la belleza tiene sobre nosotros.
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Leer a manotrata de la percepción, algo que no atañe solo a la vista: las obras de arte y los edificios poseen cualidades táctiles, que influyen, hasta de forma inconsciente, en las sensaciones que nos producen. También es un «elogio de la lentitud» aplicado a las artes y a la arquitectura, una defensa del ritmo pausado que se precisa tanto para crear algo como para contemplarlo y comprenderlo. Las artes y los oficios conllevan experiencias que nos conforman como humanos. Sus frutos pinturas, esculturas, edificios, novelas, cómics, películas poseen valor por ser el resultado, necesariamente imperfecto y en gran parte imprevisible, de la lucha de determinados seres humanos en incruentos campos de batalla, sembrados de estímulos y de limitaciones. Crear y producir no son lo mismo. Crear es un acto en el que interviene toda la fuerza y volubilidad que late en cualquier vivencia, producir es replicar los resultados aparentes de la creación en lo que viene a ser un simulacro, donde prevalecen la previsibilidad y el sometimiento a la rentabilidad que impera en cualquier bien de mercado. Ante esta encrucijada, crear, incluso cuando uno busque ganarse la vida con ello, puede convertirse en un acto revolucionario, un gesto de resistencia ante la mercantilización que impregna en nuestros días cada una de las actividades humanas. Las artes y la arquitectura no pueden convertirse en el resultado de procesos ajenos al devenir vital de quienes las creamos, contemplamos, usamos y habitamos.
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Una lectura absorbente que arroja luz sobre uno de los delitos más lucrativos y desconocidos del mundo: el robo de arte. Casi tan antiguos como la propia humanidad, los robos de arte se remontan hasta los orígenes de los primeros grandes imperios. Desde entonces, nos fascinan y repelen por igual, pero, ¿qué se esconde tras ellos? ¿Por qué se roba el arte? ¿Qué ocurre con las piezas robadas? ¿Existen realmente los robos por encargo? ¿Cómo funciona el mercado negro del arte? Encontraremos respuesta en este apasionante recorrido a través de cincuenta robos y saqueos que han determinado el rumbo de la historia. Pero, sobre todo, intentaremos dar respuesta al mayor enigma de todos, ¿por qué, a pesar de que la mayoría de nosotros nos encontramos del lado bueno de la historia, nos resultan tan fascinantes?
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The First Homosexuals, un libro nuevo, histórico y sin precedentes, traza la evolución de la identidad homosexual a través de un archivo de más de 300 pinturas, dibujos, esculturas, grabados, fotografías y fotogramas de películas de todo el mundo, muchos de ellos presentados en un contexto queer, global y colonial por primera vez.Junto a las obras hay 22 ensayos originales y perspicaces de destacados expertos en arte e historia queer, cada uno centrado en una región geográfica, desde Japón hasta Australia y las poblaciones indígenas de América del Sur. Abarcando desde obras maestras conocidas hasta obras de artistas desconocidos y piezas que rara vez se consideran en el contexto de la sexualidad, The First Homosexuals ofrece una mirada sorprendente e iluminadora al primer arte conscientemente queer.El libro acompaña a una exposición innovadora del mismo nombre presentada en Wrightwood 659 en Chicago.Los artistas destacados incluyen a Henri de Toulouse-Lautrec, Oscar Wilde, Thomas Eakins, John Singer Sargent, Félix Vallotton, Harriet Hosmer, Katsushika Hokusai, Kitagawa Utamaro, Frederic Leighton, Simeon Solomon, Giovanni Boldini, Jacques-Émile Blanche, Berenice Abbott, Clare Atwood, Duncan Grant, Laura Rodig, Carl van Vechten, Beauford Delaney, Anna Klumpke, Sarah Bernhardt, Walter Sickert, Florence Carlyle, Florence Wyle, Frances Loring, Ottilie Roederstein, Florine Stettheimer, Nasta Rojc, Glyn Philpot, Romaine Brooks, Ismael Nery, Manuel Rodríguez Lozano, Roberto Montenegro, María Izquierdo, Emilio Baz Viaud, Konstantin Somov, Pascal Adolphe Jean Dagnan-Bouveret, Alice Austen, Emilie Mundt, Bertha Wegmann, Thomas Anshutz, Marsden Hartley, Charles Demuth, Marie Laurencin, Gerda Wegener, Lili Elbe, Gregorio Prieto, Jorge Larco, Pavel Tchelitchew, Andrey Avinoff, Gustave Courtois, Carlos Baca-Flor, Gustave Moreau, Henry Scott Tuke, Sascha Schneider, Ludwig von Hofmann, Max Oppenheimer, Eugène Jansson, Osmar Schindler, George Platt Lynes, Agnes Goodsir, Tamara de Lempicka, Pedro Lira, Wilhelm von Gloeden, Ladislav Mednyánszky, F. Holland Day, Kristian Zahrtmann, Violet Oakley, Rupert Bunny, Saturnino Herrán, David Paynter, Lionel Wendt, Richmond Barthé, Richard Bruce Nugent, Lady Una Troubridge, Jean Cocteau, Léon Bakst, Lumière Brothers, Marie Höeg & Bolette Berg, José Guadalupe Posada, Claude Cahun, Toyen, Toni Ebel y Elisàr von Kupffer (Elisarion).
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Meaning Matter Memory es una extensión de la colección de obras de arte del Studio Museum, creadas por artistas afrodescendientes. Hermosas ilustraciones de obras significativas de más de 250 artistas se acompañan de textos originales de más de 100 voces del mundo del arte, incluyendo escritores, académicos, artistas y críticos (Como Thelma Golden, Connie H. Choi, Mary Schmidt Campbell, Kinshasha Holman Conwill, and Lowery Stokes Sims, entre otros) Celebrando una multitud de voces, medios, estilos y épocas artísticas, este manual ofrece una mirada a los profundos y múltiples logros artísticos de los artistas negros durante más de 200 años. El libro exhibe y promueve un principio fundamental de la misión del Studio Museum: servir como guardianes de la obra —antigua, nueva y aún por crear— de los artistas afrodescendientes.Incluye trabajos de: Derrick Adams, Emma Amos, Jean-Michel Basquiat, Romare Bearden, Jordan Casteel, Elizabeth Catlett, Nick Cave, Samuel Fosso, Theaster Gates, Cy Gavin, Barkley L. Hendricks, Arthur Jafa, Rashid Johnson, Simone Leigh, Glenn Ligon, Julie Mehretu, Wangechi Mutu, Gordon Parks, Martin Puryear, Faith Ringgold, Betye Saar, Augusta Savage, Tschabalala Self, Lorna Simpson, Mickalene Thomas, Kara Walker y Carrie Mae Weems, entre muchos más.
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Trabajo esencial que muestra la obra de más de 300 artistas modernos y contemporáneos nacidos o afincados en América Latina.Los artistas latinoamericanos han ido adquiriendo cada vez más relevancia internacional a medida que el mundo del arte ha ido descubriendo las extraordinarias escenas artísticas de la zona. En un formato accesible ordenado alfabéticamente, este volumen presenta obras clave de 308 artistas que, en conjunto, demuestran la variedad y vitalidad de las obras de arte que se están realizando. Centrándose en los artistas nacidos o que han vivido en las 20 regiones de habla hispana y portuguesa de América Latina, y presentando a artistas históricos y vivos -tanto conocidos internacionalmente como nombres menos conocidos fuera de sus países de origen-, este libro ha sido creado en estrecha colaboración con un experto panel de 68 asesores y escritores.
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Este libro va dirigido a cualquiera que quiera mejorar en el dibujo del rostro humano, ya sea si empieza desde cero o es un artista más experimentado. Desde las estructuras faciales básicas hasta los rasgos más detallados, aprenderá los fundamentos del retrato, además, le proporcionará el espacio necesario para practicar en sus páginas. Aprenda a comprender la anatomía y la forma, emplear la luz y la sombra, realizar bocetos de perfil y de frente, dibujar detalles como el cabello y las arrugas y captar el parecido y las expresiones. Cada capítulo cuenta con espacio suficiente para que practique los bocetos directamente sobre la página. ¡Tome un lápiz y descubra el placer de dibujar caras!
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Combinando la fiereza de Caravaggio con la elección de lo natural, y el fino color de la escuela Lombarda, José de Ribera (1591-1652) llegó a crear su propia manera. Bernardo de Dominici (1683-1759) pintor y biógrafo.
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En la intensa diversión que ofrecía París a finales del siglo XIX, encontró Toulouse-Lautrec su tema favorito: la fiesta de los music-halls, cafés, cabarets, casas de citas y circos las mujeres que daban vida a todos esos lugares: bailarinas, cantantes,
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La primera recopilación sistemática y exhaustiva de todo lo que JohnBerger ha escrito sobre los artistas. Una personalísima historia delarteSiempre he detestado que digan que soy crítico de arte. Así presentaJohn Berger esta antología completa de todos sus ensayos sobre artistas.Y ciertamente sería poco fiel a la realidad reducir a la categoría decrítico de arte a uno de los intelectuales europeos que no solo hasabido diseccionar la obra plástica de tantos artistas, sino que haaportado nuevos enfoques sobre la propia naturaleza del lenguaje visualy su papel en la cultura contemporánea.Este es el primero de dos volúmenes donde por primera vez se recogen deforma exhaustiva todos los textos que John Berger dedicó a los artistasque le enseñaron y le inspiraron a través de sus vidas y sus obras.Compilados por Tom Overton a partir de los archivos que Berger donó aunen vida a la British Library, los textos de este primer volumen abarcandesde las pinturas prehistóricas de la cueva de Chauvet hasta eladvenimiento de la modernidad con Paul Cezánne, mientras que los delsegundo volumen incluyen ensayos que abarcan desde Claude Monet hastaRanda Mdah, una artista palestina nacida en 1983. De todos ellos sedesprende la inconmensurable capacidad observadora y narrativa de Bergerque durante décadas ha iluminado con nuevos sentidos y valores adistintas generaciones de lectores. Una obra rigurosa e imprescindiblepara conocer el legado de Berger.
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Edición a cargo de la comisaria del proyecto Noelia García Pérez, Profesora Titular y directora del Departamento de Arte de la Universidad de Murcia.Español (también disponible en inglés). Rústica con camisa. 12 x 17 cm. 148 páginas.Esta publicación acompaña el itinerario El Prado en femenino III. La reina Isabel de Farnesio (1692-1766) que podrá visitarse en el Museo Nacional del Prado entre el 1 de diciembre de 2025 y el 24 de mayo de 2026.En las dos ediciones anteriores (2022 y 2024), El Prado en femenino ha abordado la actividad coleccionista de estas mujeres desde las postrimerías de la Edad Media hasta 1700, partiendo de Isabel la Católica y estudiando especialmente a las Habsburgo, entre las que encontrábamos figuras señeras como María de Hungría o Isabel Clara Eugenia. Con esta tercera edición inauguramos siglo, el XVIII, y dinastía, los Borbones, y nos centramos en la reina Isabel de Farnesio (Parma, 1692-Aranjuez, 1766), segunda esposa de Felipe V, sin la cual el Museo del Prado sería muy distinto a como lo conocemos, habida cuenta de la cantidad y variedad de obras maestras que, en las salas, ostentan su marca (la flor de lis de los Farnese), testimonio de su sofisticación pero también de su autonomía respecto a los intereses coleccionistas de su regio esposo.
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Se completa la trilogía Madelman! Informe Madelman volumen 3, describe en detalle a la empresa que fabricaba los Madelman: Industrias Plásticas Madel S.A. Conoceremos sus orígenes, su estructura, los productos que fabricaban, su localización, y sus métodos de trabajo y de marketing. El lector se adentrará en un sinfín de detalles de cómo se realizaban los juguetes que consiguieron llenar de ilusión y felicidad a muchísimos niños: los Madelman, el Luminrama, la Carabina Safari, Skedoodle, Cara loca, Tropezón y muchos otros. Y viajaremos más allá, mostrando lo que se realizó después de dejar de fabricar el Madelman, cerrando una historia que empezó a narrarse hace ya unos años. Un viaje nostálgico para quienes conocieron y admiraron los productos de Madel y todo un estudio detallado para quienes quieran conocer el funcionamiento de una empresa juguetera pionera durante cuatro décadas.
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Peintre d'un talent remarquable et d'un grand succès auprès de la haute bourgeoisie européenne et américaine, l'œuvre de l’américain John Singer Sargent (Florence, 1856 – Londres, 1925) suscita cependant des critiques très sévères, notamment de la part de Roger Fry, l’un des principaux représentants de la critique d’art britannique. La controverse qui s'ensuivit permettra à Sargent de partager ses réflexions sur la peinture de son époque.
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¿Cuándo y dónde empieza el arte? ¿Cómo era el arte de la Prehistoria? ¿Cuáles son las características del arte Clásico? El término Románico, ¿tiene algo que ver con Roma?¿Cómo son las portadas de las catedrales góticas?¿Qué es el Renacimiento? ¿Cómo trans
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Reunimos en este volumen algunos de los más notables -e inéditos- escritos de Isidoro Valcárcel Medina, muchos de ellos concebidos como intervenciones públicas. Las reflexiones que contienen arrastran un caudal de ideas -ni manoseadas ni automáticas- que son un estímulo mayor para el pensamiento, que excede los límites del arte. Si bien Valcárcel Medina está considerado como uno de los artistas conceptuales más importantes de nuestro tiempo, quien se acerque a estos textos encontrará en ellos el fruto de un pensador que desmenuza pacientemente cada una de las cuestiones que aborda. En este libro, que ha de degustarse con pausa -no valen aquí las prisas- se incluyen los siguientes ensayos: «Espíritu de aprendiz», «El arte económico», «Estado de sitio», «Primores de la disidencia», «La ciudad nonata», «Indicios racionales de irracionalidad» y «El seguro azar».
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Dos filósofos conversan sobre la situación del arte en la actualidad: lo que quiere decir de hoy en adelante, lo que, lejos de ser una palabra anticuada, nos permite reflexionar de nuevo. El elaborado pensamientode Jean-Luc Nancy sobre este tema es retomado y también continuado en el curso de una discusión en la queLèbre se interroga con él sobre la mejor manera de aprehender el compromiso del cuerpo sensible en la actividad artística y la aproximación a las obras, la relación del arte con la técnica, la historia, su modulación en las artes tradicionales y nuevas, su posición actual frente a la religión, la política y la literatura. Este texto, un diálogo en el más pleno sentido filosófico del término, constituye en sí una introducción al pensamiento de Nancy en torno al hecho artístico: qué es el arte, su significación y finalidad en nuestro tiempo, su polimorfismo, la responsabilidadque tiene para con el mundo, su interacción con él…
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¿Cuáles son las condiciones de producción de la actividad de la crítica? ¿Cuál su función en un tiempo queprivilegia la comunicabilidad y la accesibilidad porencima incluso del contenido? ¿De qué modo escribircrítica de arte cuando ya no existe la distancia crítica? Éstas y otras preguntas subyacen en este ensayoque expone a la crítica dentro de la cadena de montaje del mercado, la industria cultural/editorial, la academia y los medios de comunicación. La crítica sobrevive hoy bajo al mandato de la rentabilidad y la publicidad olvidando sus antaño elevados objetivos transformadores. Un recorrido por su historia y la observación de sus mutaciones puede ofrecernos una radiografía del capitalismo tardío y sus consecuencias más recientes, para a continuación reactivar todo su potencial.
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Voici quatre‐vingts planches, de dimensions moyennes, feuilles volantes, destinées à circuler commodément, des espèces de placards de satire et de fantaisie. Elles ont été exécutées de 1793 à 1797, à une époque où l’Europe se débat dans les convulsions de la fin d’un monde. Leur titre, Les Caprices, pourrait faire croire qu’il n’y ait là que le passe‐temps d’un grand peintre. Mais, derrière ce mot innocent, se dissimule une virulence occulte, si bien que le sens de certaines planches nous paraît encore aujourd’hui très énigmatique.
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* El recurso perfecto para aquellos artistas que busquen pulir el estilo y la técnica: una guía completa para aprender a dibujar de forma rápida y segura. * Unsistema paso a paso para crear esbozos y dibujos llenos de encanto. * Incluye dibujos de hombres, mujeres, niños, ancianos, dibujos anatómicos, personas enreposo o en movimiento, desnudos y consejos prácticospara detalles como la nariz, la boca, los ojos o elcabello. Ser capaz de dibujar la figura humana de manera realista es divertido para uno mismo y para laspersonas a las que se retrata: con este libro, ¡aprenderá a hacerlo! La introducción explica los materiales, la perspectiva y las sombras correctas, el trabajo con líneas auxiliares y la estructura correcta dela imagen. ¡Además de eso! Cualquiera que pueda dibujar la figura humana con destreza querrá probar nuevosámbitos, tales como motivos sofisticados, técnicas inusuales, manga, dibujos animados y fantasía.
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El arte de la fantasía es un libro de consulta visual de todo lo fantástico, que presenta una fascinante y reflexiva selección de obras de arte inspiradas en lo irreal.Los artistas llevan siglos explorando mundos imaginarios y criaturas fantásticas, pero ¿qué les atrae de lo imposible, lo místico y lo desconocido? ¿Es una mera evasión de la realidad? ¿O buscan una mayor comprensión de la existencia humana, tal vez incluso del significado mismo de la vida?Desde los monstruos imposibles a los reinos olvidados y los países de las maravillas, desde la fe y la filosofía a cómo salvar el mundo, S. Elizabeth explora con su perspicaz texto cómo han cambiado a lo largo del tiempo estos vuelos visuales de la fantasía y la imaginación. Una colección inspiradora para los aficionados a los mitos, la magia, la fantasía y la historia del arte.
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No pocas veces puede ocurrir que, paseando por la naturaleza, nos fijemos, con mayor o menor atención, en cuanto nos rodea: los árboles y los cursos de agua, las colinas y las construcciones, la luz y las nubes en sus infinitas transformaciones. Detenerse en un detalle o advertir varios a la vez no basta, sin embargo, para tener conciencia de estar ante un ''paisaje''.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.