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A Erwin Panofsky (1892-1968) se le debe la sistematización de una metodología de trabajo, el método iconográfico-iconológico, que es uno de los puntales más sólidos de la disciplina y uno de los grandes logros intelectuales del siglo XX. Panofsky, alemán
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A mí, como a ustedes, supongo, no se me ha aparecidoDios Padre, ni su hijo Jesucristo. No hemos disfrutado de la gracia de ver su rostro que el Antiguo Testamento reconoce a Moisés, Abraham, Jacob, Isaías y Ezequiel, ni tampoco vivimos, en su día, en las tierras de Israel. No sabemos pues cómo eran sus rasgos físicos. Y si el desconocimiento nos ahoga cuando mencionamos las facciones, qué vamos a decir si tratamos de averiguar cómo eran sus manos y, en particular, sus dedos. Así que habremos de acudir, para aprehender su fisonomía, bien al mundo mágico de las inefables leyendas y fábulas, bien a una enriquecedora recreación, gracias a la mano del hombre, a través de las representaciones que durante dos mil años nos ha procurado elarte cristiano. La presente obra es un excursus por la pintura religiosa, que nos abre las puertas al disfrute estético y al poder visual de las imágenes. El arte sacro se exterioriza así como una forma sin igualde acercarnos, más allá de la fe, al misterio de Dios. La estética transformada en una abnegada colaboradora de la teología. Decía Baudelaire, que 'no hay enla Tierra nada más interesante que la religión'. Y, añadimos nosotros, ni mejor manera de aproximarse a ella que al hilo del arte. De un arte asentado en la humana reinterpretación iconográfica y simbólica de lasmanos y los dedos de Dios.
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Desde que, en las paredes de cuevas y abrigos rocosos, el ser humano plasmó los primeros signos pintados, se inició una historia que hoy día se sigue escribiendo de la mano de los modernos medios digitales. En este largo devenir siempre se ha prestado especial atención a sus artífices, a la evolución de los estilos, pero otras cuestiones fundamentales, como los avances técnicos, los nuevos materiales y colores, a veces han quedado en un segundo plano, y sin ellos dicha historia resulta incompleta.Con su original perspectiva sobre la forma en que el arte se ha ido desarrollando a lo largo del tiempo, el presente libro pone de manifiesto el proceso que guio a los artistas a la hora de innovar y crear sus grandes obras. Ricamente ilustrado y con un diseño en el que texto e imagen constituyen un todo indisoluble, no sólo cambiará el modo de entender las creaciones artísticas, sino también la manera de disfrutarlas.
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Frente al tiempo lineal, acelerado y capitalizado del presente, en las últimas décadas un gran número de artistas ha tratado de explorar modalidades alternativas de experiencia temporal: interrupciones, demoras, alteraciones, saltos, discontinuidades, desincronizaciones... contratiempos que ponen en jaque un imperialismo cronológico cuyo origen puede buscarse en los albores de la modernidad y cuyos efectos llegan hasta nuestros días, multiplicados y expandidos. Partiendo del análisis de la obra de artistas como Rodney Graham, Tacita Dean, Fernando Bryce, Patrick Hamilton o Xu Bing, y de pensadores como Walter Benjamin, Georges Didi-Huberman, Mieke Bal o José Luis Brea, los ensayos de este libro modulan esa tesis a través de una serie de cuestiones fundamentales para entender el arte y la cultura visual de las últimas dos décadas: la potencia crítica de la obsolescencia y el retorno de la materialidad, el arte de historia y su cuestionamiento de la linealidad temporal, el anacronismo y la heterocronía, las estéticas migratorias, la complejidad del arte global, el fenómeno del bienalismo y la ética curatorial, las políticas del arte o la potencia del pensamiento visual. Cuestiones todas atravesadas por la convicción de que el arte piensa y nos hace pensar, y que, hoy más que nunca, se configura como un espacio único para ensayar formas críticas y diferentes de recordar el pasado, habitar el presente e imaginar el futuro.
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“Si Maillol a veces se aproxima a los griegos del tiempo de Fidias no es que los comprenda por alguna elucubración intelectual, por el intermedio de un razonamiento, o que los copie, es que siente directamente como ellos, su perfección es la suya, responde a la verdad de su instinto. Es un primitivo clásico.”
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Estas páginas pretenden que recorras la historia de uno de los edificios más sublimes de la humanidad y que lo conozcas como si estuvieras paseando entre sus columnas y contemplando sus patios. Hemos querido acercarnos a cada uno de sus rincones y contemplarlos con capacidad de crítica. Escrito por auténticos expertos en Historia del Arte, al-Ándalus y la ciudad de Córdoba, creemos que su lectura resultará tan singular como ella misma: un espacio ecléctico que ha sabido conjugar y aunar lo diferente enriqueciéndolo. Descubre los secretos y los tesoros de una construcción singular, un ejemplo de diálogo artístico entre culturas y religiones, del que podemos aprender muchísimo hoy en día. «Este antiguo y fantástico palacio posee una magia singular, un especial poder para hacer recordar sueños y cuadros del pasado y para presentarnos desnudas realidades con las ilusiones de la memoria y de la imaginación.» Washington Irving
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En sus cuadros más valiosos se advierte, en las figuras tan bien proporcionadas, con sus justas vestimentas antiguas y sus graciosos peinados, que mucho estudió a Rafael, que de Correggio tomó la pureza de las actitudes y la propiedad de las posturas, y del Parmigianino, la gracia y el aspecto de los rostros. Tiernos y carnosos son sus angelillos, y siempre las figuras están perfectamente perfiladas, y los drapeados son magníficos y acertados, y los desnudos profundamente estudiados, mostrando gran inteligencia en el pintar bellos torsos. Y, mejor que ningún otro, supo hacer las cabezas mirando hacia arriba.
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« Degas, le peintre de la vie moderne, s'affirme un pur classique qui, quelque étonnante que la constatation en puisse paraître, s'apparente beaucoup plus aux anciens qu'aux modernes, aux primitifs qu'aux contemporains. Il forme le chaînon qui rattache le passé, la bonne et solide tradition, à l'avenir, il la prolonge magnifiquement. Avec Manet, il libère la peinture du XIXe siècle des contraintes pédantes et routinières, des entraves de l'enseignement académique, des formules ressassées à satiété, du convenu, du faux, du mensonger. A eux deux, ils la ramènent à l'observation directe. »o. Esta incre¡ble e improbable experiencia es también, entre otras dimensiones, pol¡tica. Anuncia un pensamiento, o mejor, sin prometerla, una puesta a prueba de lo pol¡tico. estimuló avances que se ramificaron en múltiples direcciones. ,s. Como en las danzas de la muerte medievales nadie se salva en este epistolario de las pasiones humanas. Y, desde luego, el toque de gracia corresponde a una ardilla.
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Una historia alternativa del Renacimiento contada por las mujeres detrás de las pinturas.Belleza, maquillaje, arte, poder: Cómo ser una mujer en el Renacimiento presenta una historia alternativa de este fascinante período contada por las mujeres detrás de las pinturas. El Renacimiento fue una época obsesionada por las apariencias: el mundo visual se pobló de desnudos de la mano de artistas como Miguel Ángel y Tiziano y emergió una vibrante escena literaria alrededor de consejos de belleza, cosméticos y adornos. Jill Burke nos lleva desde las bulliciosas plazas del mercado italiano hasta los niveles más altos de la sociedad renacentista para acercarnos a las vidas de cortesanas, artistas, actrices y escritoras que se labraron un espacio propio, así como aquellas que ganaron poder e influencia en el despiadado mundo de la corte o las que se rebelaron contra las restricciones de su época en un momento en el que las valoraciones sobre los cuerpos y el color de la piel estaban en el punto de mira debido al contexto colonial. Esta vívida exploración de la vida íntima de las mujeres renacentistas nos invita a cuestionar las ideas de tenemos sobre nuestro propio cuerpo a la vez que desentraña los orígenes de los ideales de belleza que todavía nos acompañan en la actualidad. «Nunca verás los retratos del Renacimiento de la misma manera.» Maggie O'Farrell, autora de Hamnet y El retrato de casada
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Una guía de referencia sobre elegancia masculina ¿Qué diferencia hay entre un frac y un chaqué?¿Cuándo y dónde se perdió el hábito de llevar sombrero a diario?¿Cómo consiguieron las zapatillas saltar de las canchas deportivas a los despachos? Para responder a estas y otras muchas preguntas, una guía definitiva de la elegancia masculina que combina el análisis de la evolución histórica del vestir, las anécdotas y la información práctica. La estructura parte de cuatro grandes bloques (sastrería, deportivo, complementos y zapatos) que son presentados con una introducción y una imagen histórica para después desglosarse en apartados específicos, solo aparentemente enciclopédicos, para cada una de las prendas más significativas.La guía, elegantemente ilustrada, tiene una voluntad atemporal y trasciende de las tendencias del momento para convertirse en una referencia clásica a la vez que amena. «Sea tu vestido tan costoso cuanto tus facultades lo permitan, pero no afectado en su hechura, rico, no extravagante, porque el traje dice por lo común quién es el sujeto,y los caballeros y principales señores franceses tienen el gusto muy delicado en esta materia.»Shakespeare, Hamlet
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El catálogo Visiones de la Tierra / El mundo planeado presenta obras fundamentales del modernismo brasileño y latinoamericano, de las vanguardias neo constructivistas y del arte contemporáneo internacional que Luís Paulo Montenegro ha ido reuniendo en los últimos veinteaños y que Fundación Banco Santander va a exponer en la Sala de Arte Santander desde el 19 de febrero. El responsable de la edición y comisario de la muestra, Rodrigo Moura, ha seleccionado más de doscientas obras de más de un centenar de destacados artistas de la Colección Luís Paulo Montenegro y las ha agrupado en diez apartados. Su planteamiento, ilustrado con obras fechadas desde la década d e 1920 hasta nuestros días, permite un acercamiento a la historia del arte brasileño de los siglos XX y XXI, para poner sobre el tablero una historia de las vanguardias en Brasil y de cómo la cultura brasileña ha abordado los procesos de renovación de las artes visuales en diálogo con otras corrientes, tiempos y territorios del arte contemporáneo internacional.
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¡Acompaña a Teo en su emocionante viaje en autocaravana para ir de camping!Durante las vacaciones, Teo y su familia montarán una tienda de campaña, pasearán por el bosque en busca de hojas para preparar un herbario, se bañarán en un río, harán pícnics en la playa ¡y hasta practicarán escalada! Todos juntos vivirán una experiencia inolvidable llena de descubrimientos en la naturaleza y aventuras compartidas. Teo descubre el mundo es una colección con más de 40 títulos para niños y niñas a partir de 3 años. A través de sus historias, los pequeños podrán: -Identificarse con los personajes y revivir experiencias de la vida cotidiana. -Observar y descubrir detalles en sus ilustraciones llenas de color. -Pensar y reflexionar, gracias a la guía didáctica que se incluye al final del libro para ayudar a padres y educadores a: Explorar curiosidades sobre ir de camping y pasar tiempo en la naturaleza. Fomentar preguntas sobre el entorno y el tiempo compartido con los demás. Despertar la curiosidad por el mundo que los rodea. Teo, el personaje clásico de la literatura infantil de nuestro país, sigue conquistando a nuevas generaciones con sus aventuras.
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Un maestro de la crítica nos guía por el arte del siglo XX En las críticas aquí reunidasse dan cita diversos artistas, personajes y movimientos artísticos. J. F. Yvars prodiga sus amplios conocimientos de historia del arte y ofrece una magníficaretrospectiva del arte moderno en la que nos invitaa reflexionar sobre el hedonismo y la sensualidad en la obra de Matisse, la deformación pictórica en lade Bacon, la estética visionaria de Balthus, el genio creador de Picasso o las provocaciones de Duchamp.Además, el discurso de Yvars dialoga con pensadoresde la talla de Benjamin, Adorno o Clark. Sobre el autor y su obra:«Yvars lleva más de medio siglo descifrando la experiencia estética en palabras.»ABC «Yvars no habla solo de arte, sino que lo inserta siempre en el mundo culturalcontemporáneo.»Josep Maria Castellet, El País
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El Museo del Prado no es solamente la mejor pinacoteca del mundo, es también el álbum familiar de las dinastías españolas, los Austrias y los Borbones, quehan regido los destinos de España desde hace cinco siglos. En este libro, Juan Eslava Galán, con su inconfundible estilo ameno y riguroso, nos propone un recorrido por el museo, del mismo modo que repasamos nuestro álbum familiar contando quién fue cada persona. Pero no se trata en esta ocasión de una historia de nuestro país, sino de una historia del día a día de susprotagonistas: de sus reyes, esposas e hijos, pero también de personajes ilustres, pintores, amantes y plebeyos. Y de los episodios más emocionantes, las anécdotas más divertidas y los secretos mejor guardados que se esconden tras los cuadros. «Nadiecuenta la historia como Eslava Galán. Esa mezcla desabia erudición, arte narrativo e ironía inteligentesuele producir mezclas explosivas», Arturo Pérez-Reverte.
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En defensa del paseo. «El paseo como una de las bellas artes, pero también como el gesto revolucionario definitivo: gratuito, improductivo y, sin embargo o quizás por todo ello, transformador. Como este libro». Blanca Lacasa «Escrito con una calidez, un cariño y un lenguaje tan bonito que se convierte en un refugio de placidez». Raquel Peláez «Hermoso libro antiagorafobia que demuestra que se pasea antes con la cabeza que con los pies». Santiago Lorenzo «Este libro es un pasito más en el trayecto de la literatura sobre el caminar. Un paso que, como el propio acto de andar, nos ayuda a descubrir y descubrirnos, a conectar con lo que somos». Pedro Bravo Caminar es un desempeño tan sobresaliente que el simple gesto de utilizar las extremidades inferiores para trasladarnos ha inspirado obras de arte y grandes ensayos literarios, ha alumbrado elevadas ideas, ha creado senderos y rutas comerciales y ha gestado fuertes sentimientos religiosos y de pertenencia. En este libro, una firme y cálida defensa del deambular y sus infinitas posibilidades, Adriana Herreros celebra cómo Andar por andar nos ayuda mantener el ánimo, la ilusión y la capacidad de sorpresa en nuestro día a día. -------------- La colección Endebate es el hogar de aquellos textos breves que presentan una opinión, defienden una actitud o cuentan una historia, pero son más un aperitivo que un banquete, estimulan la conversación más que saciarla e inician un festín (que no clausuran). Como los mejores bocados, entran por los ojos y dejan un largo poso en el paladar.
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Décadas de valiosas imágenes, resumidas ahora en 512 páginas de fotografías que constituyen la retrospectiva definitiva de la obra de Nobuyoshi Araki, seleccionadas por el propio artista.Publicada originalmente como edición limitada y ahora disponible en un nuevo formato para celebrar el 40 aniversario de TASCHEN, esta selección profundiza en los temas más conocidos de Araki: escenas callejeras de Tokio, rostros y comidas, sensuales flores de colores intensos, genitales femeninos y el kinbaku, el arte japonés de atar con cuerdas. Mientras las muchachas yacen sujetas pero en posición desafiante y pétalos de colores brillantes adoptan sugerentes formas a su alrededor, Araki juega constantemente con los motivos de la subyugación y la emancipación, la muerte y el deseo, al tiempo que combina imágenes serenas e impactantes.Araki, que describe sus fotografías de mujeres atadas como “,una colaboración entre los personajes tratados y el fotógrafo”,, busca acercarse a sus personajes femeninos a través de la fotografía, subrayando el papel que juegan las conversaciones entre las modelos y él mismo. En su tierra natal, Japón, muchas mujeres rinden culto a Araki al sentirse liberadas por su disposición a fotografiar la expresión de su deseo.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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Este libro recoge conversaciones con nueve artistas y colectivos cuya obra no solo diagnostica las tensiones y desafíos actuales, sino que propone alternativas prácticas y conceptuales para habitar nuestro planeta. El libro tiene como inspiración a los hongos, especialmente los matsutake que, como nos recuerda Anna Tsing, prosperan en paisajes devastados, deviniendo en un potente modelo para imaginar formas de vida resilientes y colaborativas. Desde esta perspectiva, las ruinas dejan de ser un símbolo de nostalgia inmovilizadora para convertirse en terreno fértil de posibilidades.A través del género de la entrevista, el libro teje reflexiones sobre la vulnerabilidad, los cuidados y el duelo como formas de estar en el mundo. Las voces de los artistas abordan no solo el qué de la crisis ambiental, sino también el cómo: cómo construir imaginarios alternativos, cómo repensar nuestras relaciones con lo humano y lo no humano, y cómo el arte puede trascender la representación para convertirse en un activismo práctico.Entre Ruinas es un semillero de ideas y prácticas que desafían los imaginarios hegemónicos del capitalismo, el antropocentrismo y el especismo. Una exhortación a ensanchar las posibilidades y a pensar otros mundos posibles desde el arte y la acción colectiva.
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En ''Orden y limpieza si postureo'', Lucía Lipperheide comparte su manera de mantener una casa cuidada y en equilibrio sin renunciar a vivirla. Criada en una familia numerosa, en un hogar lleno de movimiento y momentos compartidos, aprendió desde pequeña a adaptarse a los cambios y a encontrar soluciones prácticas. Con los años, ha desarrollado su propia forma de organizar y cuidar la casa, siempre pensando en lo que realmente funciona en la vida diaria. En este libro reúne esos trucos, rutinas e ideas que utiliza a diario, el lector descubrirá también fragmentos de su historia y vivencias personales que abren cada capítulo. Son recuerdos llenos de emoción, con los que muchas personas se sentirán identificadas y que dan sentido a los consejos que vienen después, explicados con un estilo claro y cercano. Propuestas fáciles de aplicar, pensadas para hogares reales, donde se vive, se recibe y se disfruta. Un libro que demuestra que el orden y la calma son posibles sin buscar la perfección y que invita a cuidar la casa como parte de disfrutarla.
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Todos podemos dibujar, y con este libro... ¡lo dibujaremos absolutamente todo! En esta extensa y simpática guía, la ilustradora japonesa Kamo te enseña a dibujar de forma fácil y divertida todo tipo de motivos de la vida cotidiana: desde animales, personas, insectos y flores hasta alimentos, muebles, vehículos y todo tipo de edificios (¡también los más famosos del mundo!). Con breves y facilísimas instrucciones paso a paso, consejos sobre la práctica del dibujo y un sinfín de trucos de valor inestimable, esta enciclopedia de dibujo es una herramienta ideal para ponerte manos a la obra y empezar a crear todo aquello que se te pase por la cabeza.
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El claroscuro de un genio maldito. «Ha habido otras biografías de Caravaggio, pero la de Andrew Graham-Dixon es la que hay que leer.» Daily Mail Michelangelo Merisi da Caravaggio vivió la más oscura y peligrosa vida de entre los grandes maestros de la pintura. Los ambientes de Milán, Roma y Nápoles en los que Caravaggio se movió, y que Andrew Graham-Dixon describe magníficamente en este libro, son los de los cardenales y las prostitutas, los de la oración y la violencia. En las calles que circundaban iglesias y palacios, las peleas y los duelos eran moneda común. En una de estas disputas, el impetuoso Caravaggio mató a otro hombre y tuvo que huir a Nápoles y luego a Malta, donde escapó de prisión tras verse envuelto en otro episodio violento. Él mismo fue víctima de un intento de asesinato en Nápoles tiempo después. Murió mientras regresaba a Roma en busca del perdón papal para sus crímenes. Tenía 38 años. Andrew Graham-Dixon pasó una década reuniendo las evidencias conservadas sobre la vida de Caravaggio para responder en este libro a muchas de las cuestiones que durante años desconcertaron a los investigadores. Revela las identidades de la gente corriente -a menudo prostitutas y mendigos- que el pintor usó como modelos para sus representaciones de escenas religiosas clásicas describe lo que pasó realmente durante ese fatídico duelo y ofrece el más convincente relato publicado hasta la fecha de las extraordinarias circunstancias de su muerte. Y en el centro de este relato se sitúa la reveladora interpretación que Graham-Dixon hace de los cuadros de Caravaggio para mostrar cómo éste creaba su drama, inmediatez y humanidad, y cómo rompió drásticamente con las convenciones de la época. La crítica ha dicho...«Ha habido otras biografías de Caravaggio, pero la de Andrew Graham-Dixon es la que hay que leer. Impresionantemente erudita y bien escrita, ésta es una extraordinaria historia de un hombre que nunca nos habla más que a través de su pintura.»Daily Mail «La vida de Caravaggio fue en cada detalle tan sangrienta, excitante y atractiva como sus propias pinturas. Entre informes policiales y exuberantes lienzos, Graham-Dixon ha moldeado una vida y la historia de una sociedad.»The Times «Raramente se ha podido contemplar a Caravaggio con tanta profundidad y relieve como en esta maravillosa biografía. El hombre y su obra emergen enriquecidos y revitalizados.»Neil MacGregor, director del British Museum «Tras años en los que los historiadores del arte se han concentrado en los detalles del estilo artístico, es refrescante leer una biografía de Caravaggio que combina la sangre y las vísceras de los callejones de Roma con una verdadera comprensión de la calidad y el carácter de su pintura.»Charles Saumarez Smith, director de la Royal Academy of Art «El que a Graham-Dixon le llevara una década investigar y escribir este lúcido y fascinante libro es una muestra de la profundidad de sus indagaciones, la destreza de su análisis histórico y artístico y la hábil fluidez con la que está expresado. Se trata de una proeza poco común.»Publishers Weekly
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«Me llevó toda una vida aprender a dibujar como un niño». Esta confesión de Picasso no constituye una frase ingenua, representa el código secreto que abre la bóveda de la modernidad. ¿Qué misterio custodian los trazos de un niño para que los grandes maestros de la vanguardia dedicaran décadas a intentar descifrarlos?A menudo, los primeros grafismos infantiles terminan olvidados en la puerta de la nevera como simples anécdotas escolares. Sobre arte infantil propone un viaje electrizante hacia el origen de la creación, allí donde el instinto desafía a la academia.Raúl Herrero convoca a figuras de la talla de Gauguin o Paul Klee en un diálogo vibrante donde la psicología, la filosofía y la historia del arte colisionan con movimientos como:-El dadaísmo y el surrealismo.-El postismo y el art brut.-El grupo CoBrA o la Escuela de Altamira.Enriquecido por la mirada pura y elocuente de Hermes Antonio Herrero Martín, este libro funciona como una brújula entre el aula y el museo. Representa una lectura imprescindible para educadores, progenitores, amantes del arte y cualquier persona dispuesta a redescubrir el mundo a través de la mirada más libre, pura y visionaria que existe.Sobre arte infantil no permanece en el estante como un ensayo más, se manifiesta como un recorrido visual y conceptual que nos lanza la pregunta definitiva: ¿En qué momento dejamos de pintar paredes para empezar a levantar muros?
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Tractats de pintura és una col·lecció de manuscrits de Leonardo da Vinci. Aquesta edició ha estat ampliada amb altres apunts dels còdexs de Leonardo. Els manuscrits es van començar a Milà mentre el geni renaixentista estava al servei de Ludovico Sforza i reunits pel seu hereu Francesco Melzi. El tractat es va publicar per primera vegada a França el 1632, després que la versió de Melzi fos redescoberta a la Biblioteca Vaticana. El tractat es va publicar en la seva forma moderna l’any 1817. L’estudi introductori, selecció i edició de Josep Tarragona, en aquesta primera publicació en llengua catalana, recull noves dades sobre la vida i obra de Leonardo i Catalunya.
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La historia del siglo XX, contada a través de una pintura. La novela gráfica más premiada de la temporada en Francia: la obra maestra de un autor de culto, superviviente a los atentados de Charlie Hebdo. Todo comenzó en 1919 en un bosque a las afueras de Berlín, cuando un joven pintor expresionista de origen gitano pintó el cuadro Dos mujeres desnudas. El pintor existió realmente y se llamaba Otto Müller. Todo lo que vemos en esta novela gráfica está contado desde el punto de vista de ese cuadro. Desde el estudio del artista hasta las paredes de la oficina de su primer propietario, la pintura observa la vida cotidiana antes de ser arrastrada por las tribulaciones de este periodo oscuro: el ascenso de Hitler al poder, el arte moderno calificado de «degenerado» por los nazis, el expolio de las familias judías, exposiciones y ventas, incendios...
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Atento a la vieja tradición filosófica que pone el cuerpo en lo aparente, lo que aquí se escribe se inserta en esa tradición, pero al tiempo, y en rigor, la lee de otra manera. Porque, efectivamente, el cuerpo es ficción, y como tal se esconde en la apariencia, cambia continuamente, se presenta como lo que no es. El parecer marca su realidad, y parecer es estar en relación con otro, para otro, para el otro. Un cuerpo no tiene en sí. Siempre que se da lo hace en apariencia, aparentando, en imagen, si bien, y dicho de un modo más preciso, ese presentarse no oculta ninguna verdad eludida, ningún ser cierto en otro lugar bajo el camuflaje de la apariencia. Visto así, es una invención. También esto vale para todo cuanto se dice y se pinta sobre él, para este discurso sobre el cuerpo, para estos Corporales que envuelven y se añaden al cuerpo, que lo recogen de algún modo, pero que también lo cubren, lo tapan sin saber jamás lo que encubren. Y todo ello por más lucidez que les obligue y por mucho que el cuerpo sobre el que escriben sea un cuerpo completamente abierto.
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Ser-Arte es un ensayo con el que Juan Miguel Hernández León, reciente Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, viene a completar la trilogía compuesta con los anteriores Ser-Paisaje y Ser-Arquitectura. En él se interroga por el acosar del arte como superación de la belleza tranquilizadora que se refugiaba, y justificaba, en la Estética clásica.
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Las luchas del pasado aún contienen plusvalía partisana para hoy.Cuando el fascismo no era una amenaza parlamentaria, sino el sistema de gobierno, tomar las armas resultó la opción elegida por miles de personas. De aquella lucha total nos quedan sus fotografías desfilando, posando armadas o merendando en la clandestinidad, sus panfletos representándose como un verdadero ejército, con sus enemigos arrodillados, o realizando sabotajes y emboscadas. Las imágenes de este libro fueron producidas por quienes lucharon contra el fascismo, y hoy resultan relevantes dada la criminalización a la que se les sometió. Fueron acusados de bandoleros y terroristas, sus cadáveres eran mostrados públicamente y se reproducían las fotografías de sus rostros desfiguradosen la prensa. Décadas después, el horror ha vuelto con las imágenes de sus esqueletos exhumados de las fosas comunes, como sus verdugos lo hubieran deseado. No son esas las imágenes que se encontrarán en este libro, que rompe tanto con la criminalización como con el victimismo y apuesta por rescatar las imágenes de la guerrilla hoy olvidadas en los archivos. No es un ejercicio de memoria sino de conciencia histórica. Pero cuidado, recordar la guerrilla no es hacer la guerrilla. Los caminos del antifascismo y de la revolución no son los de elucubrar con dibujos, fotografías ni obras de arte, convirtiendo melancólicamente las luchas sociales en luchas por la memoria. Al contrario, con este libro se cuestiona si estas imágenes aún tienen la capacidad de servir como recursos de inspiración y esperanza, frente a la institucionalización y la neutralización del recuerdo.
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Los jardines japoneses transmiten tranquilidad, armonía y comunión con la naturaleza. La simplicidad aparente de unas rocas o la elegante sencillez de unos guijarros son capaces de capturar la esencia evanescente del zen y elevar la jardinería a la categoría de reflexión filosófica.El arte de la jardinería en Japón alcanza un nivel de excelencia y refinamiento no superado por ningún otro país del planeta. Javier Vives da cuenta de su milenaria historia describiendo sus principales características y revelando los significados más profundos y metafóricos de esta expresión artística. El autor nos invita a recorrer más de cuarenta jardines tradicionales y modernos: villas imperiales, jardines de samuráis, templos budistas, casas de té, jardines zen…
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Los acrílicos se han convertido en el material artístico más adaptable a la era moderna. Los avances en la industria de los pigmentos han dado a los acrílicos una paleta notablemente permanente, rica y abundante, convirtiéndolos en el medio favorito de muchos artistas contemporáneos. A medida que se desarrollan los colores, también se mejoran sus componentes químicos para lograr una mejor textura y manipulación.Los vendedores de materiales de arte ahora ofrecen medios acrílicos para diluir, espesar, glasear, moldear, verter, texturizar y docenas de otros usos. Incluso los pintores acrílicos experimentados pueden sentirse confundidos e incluso intimidados por esta asombrosa diversidad de productos. El pintor y experto en materiales artísticos Rhéni Tauchid simplifica este tema desalentador, explicando claramente cada tipo de medio y sugiriendo formas en que puede mejorar su práctica de pintura.Más de veinte demostraciones paso a paso le enseñarán cómo aplicar medios para crear colores vibrantes, superficies sensuales y efectos visuales sorprendentes. Cientos de hermosas fotografías ilustran el potencial casi ilimitado de los medios y le muestran cómo otros artistas, tanto abstractos como realistas, están empleando medios para impulsar su arte en nuevas direcciones creativas. El primer libro de este tipo, esta referencia esencial pertenece al estante de todo pintor acrílico.
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La Tauromaquia est une collection de scènes représentant divers épisodes du combat de taureaux. Goya était un aficionado consommé, et il passait une grande partie de son temps avec les toreros. Aussi était?il l’homme le plus compétent du monde pour traiter à fond la matière.
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“Sus locos y sus bufones tienen menos de deformes que de profundamente humanos, a tal grado el sufrimiento y la desgracia no parecen ser, en verdad, para Velázquez, más que motivo supletorio para esquivar lo contingente y profundizar en uno mismo, traspasándose hasta la misma esencia.”René Schwob (1895-1946), escritor y crítico de arte francés de origen judío convertido al catolicismo reúne aquí sus impresiones sobre Madrid, especialmente sobre los cuadros que ahí pudo ver de los grandes maestros de la pintura española: Velázquez, El Greco y Goya.
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«El adverbio “contra” que introduce este libro ha de leerse no solamente desde su acepción más común, la del enfrentamiento y la ofensiva, sino también desde la que designa la solidez del soporte. Me he situado “contra” el arte y otros conceptos institucionales como quien se apoya “contra” un muro que, al par que nos ampara, nos coarta. Muros, los de la metafísica, la ciencia, la moral, la política, la religión, las formas consensuadas de emocionarnos social y estéticamente, la filosofía o la teoría de las artes, que hemos levantado para sostenernos, defendernos o protegernos pero que, cuando cobran solidez, nos impiden ver al otro lado, traspasar el ámbito conocido y aprender otras maneras de caminar, de estar y de relacionarnos con las cosas y, lo que es peor, nos hacen olvidar que alguna vez los hemos construido». Chantal Maillard
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La divulgadora del momento te explica por qué el arte es para todos.Eugenia Tenenbaum revive en este libro periodos históricos desde la Antigüedad hasta el siglo XX, con el objetivo de disfrutar de las obras de arte que vieron la luz en esas épocas. Gracias a su voz cercana y rigurosa, nos reconciliaremos con el placer inmenso que nos ofrece el arte sin otro requisito que nuestras ganas. A lo largo de todo el recorrido, sin embargo, se nos obligará a volver a mirar, una y otra vez, para encontrar algo nuevo. Porque cuestionar lo que sabemos es la única manera de comprender mejor quiénes somos, y de conseguir que el arte sea algo para todos.
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Los divertidos y sencillos libros de la serie Dibujar en 10 pasos están diseñados especialmente para aspirantes a ilustradores, dibujantes y aficionados al arte.Ayudarán a los nuevos artistas a familiarizarse con las nociones de dibujo básicas para que puedan aprender a hacer obras de arte con soltura.Dibujar en 10 pasos: figuras humanas enseña a dibujar personas de distintas edades en más de 50 posturas diferentes paso a paso, incluidas las formas básicas del cuerpo y varias poses cotidianas. La explicación básica sobre los materiales necesarios y el repaso general de las técnicas para colorear completan esta magnífica introducción al dibujo de una gran variedad de figuras humanas.
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* La naturaleza nunca ha sido tan vibrante. Contemple la belleza y el poder del mundo natural, desde volcanes y mares tempestuosos hasta bosques resplandecientes y estrellas fugaces. * Esta observación guiada de la naturaleza ofrece una forma totalmente nueva de contemplar el mundo. * Un increíble compendio de la historia del mundo que nos rodea, contada a través de pinturas, dibujos, esculturas, textiles y artes decorativas. Este libro, que ofrece una refrescante perspectiva de análisis visual de la tierra, el agua y el cielo, destaca los motivos, colores y temas que se repiten y que han cautivado a los artistas a lo largo de la historia. «Ver lleva tiempo, igual que tener un amigo, también lleva tiempo». Georgia O'Keeffe
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* El arte puede ser tan fascinante como frustrante. Una sola obra puede tener varios significados, y existen muchas formas de entenderla, interpretarla y apreciarla. * Este libro claro y accesible descompone grandes obras de arte en diez elementos sencillos para ayudarle a comprenderlas y apreciarlas mejor. * Además, le permitirá responder a algunas preguntas obvias, pero complicadas: «¿Cómo crea Yayoi Kusama la sensación de infinito en Luces resplandecientes de almas?» o «¿Por qué las capas de pintura de La noche estrellada de Van Gogh son tan gruesas?». Este libro presenta las diez características clave que le ayudarán a analizar y entender mejor el arte. Desde el color, la técnica y el tamaño hasta el lugar donde se sitúa la obra y el artista que la creó, aprenderá qué es importante y qué no lo es tanto. Ya sea estudiante, profesor o simplemente un aficionado al arte, este libro dilucidará las grandes obras de arte para conseguir que su próxima visita a un museo sea más enriquecedora.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.