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Llibres d'art
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El arte contemporáneo bulle y nunca ha gozado de tanta popularidad, pero, detrás de esa proliferación sin precedentes, cabe preguntarse si de verdad es tan «contemporáneo» y si es verdaderamente arte. Soldados de juguete ensangrentados, carritos de la compra bañados en oro, manchas de semen sobre crucifijos: supuestamente, el arte contemporáneo es un espacio de libertad en el que los artistas rompen tabús y desenmascaran el encorsetamiento al que nos someten las ideas heredadas sobre lo que es y no es «arte». Confrontan al espectador con algunas obras de gran profundidad emocional, pero también con otras de una banalidad escalofriante. El espectador, a su vez, se dice conmovido, interpelado, cree estar ante lo nunca visto. Sin embargo, más allá de las estrategias de shock y persuasión de artistas y galeristas, quedan muchas preguntas por responder. ¿Quién mueve los hilos de la escena del arte realmente? ¿Qué impacto ha tenido la supremacía cultural y política estadounidense? ¿Qué función cumple en la sociedad actual y quién decide cuál será en el futuro? El trabajo de Julian Stallabrass nos descubre un mundo en el que la aparente variedad e imprevisibilidad de la creación artística apenas logra disfrazar una realidad mucho más uniforme y cruda. Sus misterios no son tales y sus honduras son mucho más superficiales de lo que se pretende. ¿Arte y dinero siempre fueron de la mano? Tal vez, pero nunca hasta este extremo. La poderosa influencia de los ultrarricos y las grandes empresas, la entrada en escena de nuevos agentes, como China o los países árabes, la reinvención de artistas y museos en marcas: todo ello apunta a un arte que busca embaucar al público mientras se postra voluntariamente ante los poderosos.
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Se suele decir que el ideal de libro de Benjamin era un texto compuesto enteramente de citas, en que el autor fuese solo el compaginador, en el sentido cinematográfico del término, estrictamente una cuestión de montaje en la cual la autoría pareciera borrarse. El trabajo de Benjamin es expurgado por motivos ideológicos, atribuibles a la oportunidad, por Horkheimer, pero también por Adorno en la primera versión publicada en alemán y en este caso lo es por divergencias en la consideración de ciertos fenómenos del arte popular. Los textos se complementan con todas las variantes, las notas, apuntes bibliográficos e incluso los pasajes desechados por el autor.Es el único libro que reúne las cuatro versiones de este texto tan leído y tan estudiadio.
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A la par que otros surrealistas como Max Ernst, Paul Éluard o André Breton, Salvador Dalí también fue un asiduo visitante de las páginas de La Nature, una revista de divulgación científica que a finales del siglo XIX alcanzó altas cuotas de popularidad. El libro que el lector tiene en las manos analiza el uso que el pintor catalán hizo de esta célebre publicación como fuente de conocimiento y sobre todo como suministrador de contenidos visuales. Un hecho que merece ser puesto de relieve y que hasta la fecha nadie había hecho.
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Domina más de 80 técnicas de pintura con talleres paso a paso y consejos de artistas profesionales Para principiantes o expertos, aprende a pintar con acuarelas, óleos y acrílicos y descubre todo lo que necesitas saber sobre tonos, colores, patrones, pinceladas y composición, con consejos detallados para pintores principiantes, intermedios y avanzados. Lostalleres paso a paso completamente ilustrados de artistas profesionales te guían a través de más de 80 técnicas de pintura, que incluyen lavado plano, piel, efectos escultóricos o empaste. Todas las técnicas van acompañadas de ejercicios y proyectos inspiradores para ayudarte a desarrollar tus habilidades, descubrir tu propio estilo y crecer como artista.Domina cada aspecto de la pintura con esta guía esencial, desde elegir un tema hasta enmarcar tu primera obra. Cualquiera que sea tu nivel, puedes aprender a pintar con confianza y tal vez crear una obra maestra.
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Yo veo / Tú significas es una novela experimental sobre espejos, mapas, relaciones personales, sobre el océano, el éxito esquivo y la felicidad como posibilidad. A través de un collage de fotografías verbales, diálogos, encuentros sexuales, material encontrado y dispositivos de auto-identificación (astrología, el I Ching, quiromancia, Tarot) narra de pasado a futuro la cambiante relación entre dos hombres y dos mujeres. Entre líneas suceden muchas cosas. La crítica de arte Lucy Lippard escribió esta novela en 1970 y se convirtió feminista en el proceso: ''Empecé escribiendo y me di cuenta que estaba avergonzada de ser una mujer. Entonces tuve que saber por qué. Luego me enfadé. La forma fragmentada y visual del texto bebe del arte contemporáneo y las emociones conflictivas de las confrontaciones políticas de los 60, todo esto sugirió una nueva forma de recolocar las cosas, de forma abierta, de una manera femenina que no pretende conclusiones''. Esta primera edición en castellano sucede cuarenta años después de su publicación en inglés y recuerda la actualidad del legado de su autora en la crítica y la práctica del arte contemporáneo. Esta edición cuenta con una introducción de la crítica de arte e investigadora Paloma Checa-Gismero responsable de su traducción.
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Edición en inglés.El volumen y el color han marchado unidos a lo largo de milenios. Gracias a la policromía la escultura ganó en verosimilitud y vivacidad, convirtiéndose en un eficaz instrumento de persuasión desde los momentos más tempranos de la historia. La escultura devocional, en la que lo divino cobraba una forma tangible y corpórea, aumentaba su eficacia comunicativa cuando se fusionaba con el color, entendido este no como un mero adorno sino como parte imprescindible de la pieza, al otorgarle una apariencia más cercana y real. Escultores y pintores trabajaron al unísono para crear unas obras en las que ambas labores se fundían con perfección. Al mismo tiempo, la escultura pintada se convirtió en un arma doctrinal cuya intensidad se incrementaba al sacar todo el partido a sus valores escénicos, ya fuera al formar parte de una procesión o al ser representada en un lienzo.Este catálogo y la exposición a la que acompaña ilustran la incansable búsqueda de realismo en el arte español del Renacimiento y el Barroco en todo aquello que afectaba a la envoltura de la figura, y muestran a partir de un centenar de obras, pinturas, estampas y esculturas la integración natural de la pintura en la escultura y su triunfo en el mundo hispánico, destacando el valor de lo tridimensional en la transmisión del mensaje sagrado.
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* El enigma de la Mona Lisa desnuda, El artista que pintó el fondo marino, Los ángeles mosqueteros del Nuevo Mundo, Los misteriosos retratos de hombres en llamas o La legión de hombres lobo del Ejército romano: una estrafalaria exploración de la vertiente más curiosa del arte, con pinturas, esculturas, dibujos y otras rarezas artísticas extrañas. * Una exposición única que reúne más de cien obras magníficas, elegidas por su sorprendente belleza, su rareza y la cautivadora historia que hay detrás de su creación. * Tesoros oscuros y olvidados conviven con obras maestras muy conocidas, y todos tienen historias secretas que contar. Las páginas de este libro acogen frescos medievales sobre el Juicio Final, esculturas que gritan, manuscritos mágicos, arquitectura imposible, santos con cabeza de perro y el primer retrato de un caníbal. Arte robado, arte marginal, arte fantasma, arte de venganza y arte pintado en el fondo del mar junto a muestras de arte escandaloso, falsificaciones y engaños, arte de sueños y pesadillas, y pinturas crípticas todavía por descifrar. Del arte rupestre prehistórico a los retratos pintados mediante inteligencia artificial, esta obra se basa en una profunda investigación y una abundante variedad de imágenes que conforman un libro sorprendente a cada página que, en última instancia, trata de ser un homenaje al infinito poder y la creatividad de la imaginación humana.
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De la mano de las impresionantes pinturas botánicas de Sushma Hegde, esta completa guía es ideal para adentrarse en el arte de la creación floral. A partir de sencillas instrucciones e ilustraciones, encontrarás todo lo necesario para introducirte en esta práctica artística: desde cómo mezclar los colores para obtener matices sorprendentes o cómo jugar con las pinceladas, hasta cómo aprender a observar e interpretar artísticamente la naturaleza para plasmarla sobre el papel.
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'Ojalá que al dibujar podamos hacerle honor al origen de la palabra 'árbol'. Del latín 'arbor-arboris', se refiere al arte de cultivar, a lo recto, a lo que vincula la labor del hombre con la tierra y el cielo.'' Tras explorar la técnica de la acuarela a través de la riqueza de la fauna en 'animalia', con este nuevo manual la ilustradora Miriam Sugranyes nos invita a aprender a dar vida a esos bellos, majestuosos y siempre fascinantes seres de la naturaleza: los árboles. A partir del dibujo de su estructura general, en pocas capas de acuarela y guiados paso a paso seremos capaces de plasmar los rasgos más definitorios de los quince árboles aquí representados, desde la sinuosidad y la textura de sus troncos y ramas hasta los detallesy particularidades tonales de sus hojas y frutos.
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Hubo un tiempo en que la institución escolar representaba la apertura a un mundo nuevo inaccesible de otro modo para la población sumergida en pequeñas comunidades tradicionales. Fue un tiempo en que unos pocos enseñaban a algunos más, y en el que, después de todo, había claridad y seguridad sobre los fines de la educación, en el que había, sobre todo, una gran estabilidad en la estructura organizativa y en el entorno, lo que se traducía en un contexto de previsibilidad, tranquilidad y certidumbre para los docentes. Las cosas han empezado ha cambiar cuando este entorno humano y tecnológico ha perdido esta estabilidad. La respuesta: la reforma. La cantinela: que las reformas deben venir acompañadas por aumentos de los recursos. Es, ciertamente, una demanda justificada (los nuevos alumnos necesitan más), pero también una manera de desentenderse y un reconocimiento de la impotencia (los nuevos profesores ofrecen menos). Sin embargo, aunque la consigna 'más dinero para la educación' es algo que siempre suena bien (los niños, el futuro, la sociedad del conocimiento…), no puede ser una demanda incondicional. Puede incluso que la sociedad haya de considerar otras prioridades. En todo caso, estos son los mimbres que tenemos y con ellos hay que construir el cesto, pero lo que significa esencialmente es que los centros de enseñanza ya no pueden funcionar solos, ni de cualquier manera, ni abandonados a las prácticas profesionales aisladas de sus integrantes. La cuestión es cómo obtener más que la suma de los incrementos individuales de recursos docentes. La solución sólo puede estar en la organización de la escuela entendida en su sentido más amplio: estructura formal, clima de trabajo, papel de los órganos colegiados, estilo de dirección, cultura profesional, relaciones con la comunidad, ubicación de la capacidad de decisión, grado de autonomía de los profesores y los centros, intervención municipal, cooperación con otras organizaciones, grupos e instituciones, clima escolar y de aprendizaje, relaciones con las familias, etc. Ése es el camino que, en varias de sus facetas (no necesariamente en todas), abordan los trabajos que forman este volumen.
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En la obra de Walter Benjamin, fundamental para comprender el siglo ¬¬, destaca esta breve pero contundente reflexión en torno al objeto artístico y la comunicación de masas. Sostiene aquí el pensador que, con las nuevas posibilidades técnicas para su reproducción, el arte puede transformarse en un poderoso instrumento para la revolución política. Una innovación que, a la vez, hará que la obra pierda su carácter único, el «aura», y abrirá, así, una nueva dimensión para el objeto artístico. Un texto fundamental en torno al arte, la reflexión estética y la filosofía de la imagen.
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«La situación parecía convertirse en algo profundamente irreal por momentos. El retrato ya no significaba nada como tal. Como cuadro tampoco decía mucho. Lo que sí tenía sentido y existía con vida propia era la lucha infatigable e interminable que Alberto había emprendido para expresar en términos visuales, y a través del acto de pintar, una percepción de la realidad que, por casualidad, había coincidido con mi cabeza. Evidentemente, era imposible conseguir esto, pues lo que es abstracto por naturaleza nunca podrá concretarse sin alterar su esencia. Pero él se había comprometido y, de hecho, estaba condenado a lograr algo que, en ciertos momentos, parecía el castigo de Sísifo. Yo me encontraba temporalmente involucrado en ese intento. Pero a veces olvidaba la naturaleza temporal de mi compromiso. Entonces, el cuadro se convertía en algo irreal, aunque en cierto sentido era más que real, pues el origen de esta situación estaba en la naturaleza misma de la realidad. De hecho, nuestra presencia y relación parecían proceder y participar del absurdo, siendo ridículas y sublimes a un mismo tiempo.» «Este es el libro que me hubiese gustado escribir a mí» Valeriano Bozal
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Dedicarse a la creación artística no es tarea fácil. A menos que seas un genio -y los genios nacen cada cien años- hacer arte es una auténtica carrera de obstáculos en la que la realidad y tú mismo se interponen en el camino. Tener talento, pasar de la imaginación a la obra, contar con la aprobación de los demás, mantener hábitos de trabajo, ganarse la vida. Los miedos y situaciones propios de la vida del artista son muchos y cotidianos, y estas páginas los repasan a través de breves píldoras reflexivas que desactivarán tus bloqueos y pudores.Desde su propia experiencia como artistas, David Bayles y Ted Orland te ofrecen esta serie de reparadoras y estimulantes sesiones de terapia. Con ellas, por fin, podrás hacer arte sin miedo a los peligros (y las recompensas) del mundo real.
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El orgullo nacional, la disciplina y la sensibilidad, son principios característicos que tienen su origenen la vida religiosa, que estructuran la vida socialy que han armado al arte japonés con energías y hermosas rarezas que se desarrollan plenamente en la vidadel espíritu. El culmen de este magnífico edificio moral es, de hecho, una cultura de un orden superior.
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«Nueva Babilonia: designar o no un trabajo como arte es una decisión táctica» es el catálogo de una exposición que busca evitar el aplanamiento de la heterogeneidad de la obra de Marcelo Expósito durante las últimas casi cuatro décadas. La concepción teórica y la materialización formal son inseparables en su trabajo que hace uso de referencias que no son solo estéticas, sino también críticas, filosóficas, literarias, dramaturgas, historiográficas y políticas, traducidas en modelos de producción artística que incorporan una dimensión pedagógica. Su repertorio de intervenciones públicas incluye acciones políticas, documentalismo y la elaboración de(contra)narrativas, siempre procurando poner al día las invenciones de las históricas vanguardias artísticas.
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Las imágenes distan de ser transparentes, están plagadas de sobreentendidos y códigos, tienen etimologías,dialectos y jergas. La visión no es solo un fenómenoóptico, implica también pactos y procesos sociales.La adopción de hormas mentales derivadas de la perspectiva renacentista o el empleo de artefactos como lacámara oscura o la linterna mágica estuvieron cargados de consecuencias. Y la enunciación de la mirada contemporánea supone suscribir, consciente o inconscientemente, un complejo aluvión de atavismos asentados ennuestro ADN cultural, desde Altamira hasta la Capilla Sixtina o las actuales pinturas callejeras. Este libro, profusamente ilustrado, muestra algunos de esositinerarios. Por sus páginas desfilan Leonardo, Brueghel, El Bosco, El Greco, Rembrandt y Arcimboldo, Cervantes y Borges, Goya y Solana, Einstein, Escher y Moebius, Eisenstein, Orson Welles, Hitchcock, Pasolini,Godard, Buñuel y Dalí. Pero también otros eslabones menos conocidos, que han configurado nuestra vivenciaespaciotemporal y hoy nos permiten trasvasar a las tramas audiovisuales las últimas teorías sobre el cosmos.
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Una introducción centrada sobre todo en el arte occidental y que abordamuchos de los movimientos, estilos y aportes más importantes del artedesde la prehistoria hasta la actualidad. Se brindan análisis de algunasde las obras artísticas más importantes producidas por los creadores másrevolucionarios y se ocupa de muchos de los temas, materiales y métodosde los artistas. Se explora una gran variedad de invenciones, ideas,influencias y enfoques de artistas de todas las épocas.Una nueva e innovadora introducción, por tanto, a la cuestión del arte.Se analizan cincuenta obras clave, desde las pinturas rupestres deLascaux hasta las instalaciones contemporáneas, y se relacionan con losmovimientos, los temas y las técnicas más importantes del arte.
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¿Por qué en el país que protagonizó las mayores hazañas de la Historia y sin cuyo liderazgo ni el cristianismo ni Occidente habrían logrado sobrevivir, sus ciudadanos tienen tan mal concepto de su pasado y su presente? ¿Cómo es posible que esté dispuesta a autodestruirse una nación que conectó los dos mundos con «el descubrimiento de América», que impulsó la primera vuelta al mundo de Elcano, realizó colosales aportaciones como la Escuela de de Traductores de Toledo y vio nacer a personajes como Isidoro de Sevilla, Isabel la Católica, Fernando de Aragón, Carlos I, Felipe II, Cervantes, Santa Teresa, Goya, Jovellanos, Ramón y Cajal u Ortega?Era necesario analizar las razones y los métodos empleados (entre otros, la doble vara de medir) para construir la leyenda negra más agresiva y duradera de la historia. Hacía falta estudiar cómo y por qué la propaganda antiespañola «externa» se instaló en el imaginario colectivo patrio, e influyó en nuestra decadencia a partir del siglo xvi, hasta llegar a asumir que éramos inquisitoriales, grotescos, ignorantes y fanáticos. Era necesario examinar cómo este mito «intramuros» derivó en un «harakiri históricocultural», único en el mundo, gracias a una ingenuidad contumaz. Se precisaba actualizar los argumentos de Julián Juderías y P.W. Powell con nuevos datos y un análisis que, partiendo de las fuentes historiográficas, aplicara una metodología interdisciplinar. Por último, hacía falta observar cómo subsiste esa leyenda negra en la actualidad, al tiempo que plantear vías para superarla a través de un nuevo proyecto de éxito colectivo. La leyenda negra: historia del odio a España arroja una nueva luz sobre este período.Tras el éxito de La conjura silenciada contra España, Alberto G. Ibáñez nos sorprende con un nuevo ensayo, todavía más incisivo y penetrante.
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Este libro es una guía alfabética de los más grandespintores, fotógrafos y escultores desde la época medieval hasta nuestros días. Sólo aquí podrás mirar frente a frente a Carraci con Cartier- Bresson, Duccio yDuchamp, Mondiran y Monet, Warhol y Watehouse.Cada artista está representado por una reproducción a colorde una obra característica, con datos sobre la imagen y su creadorLas entradas incorporan un completo sistema de referencias cruzadas y al final se incluye unglosario de términos técnicos, movimientos artísticos y un directorio internacional de museos y galeríasEL ABC del arte es un libro de referencia visual sin precedentes que constituye un homenaje a nuestra ricacultura y ahora incluye a artistas como Lorna Simpson, Bansky , Murakami o las Guerrilla Girls
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¿Sabías que el diseño gráfico es hijo de un poeta que fracasó como pintor pero se casó con su modelo?, ¿y que la mítica Bauhaus lo instituyó como disciplina artística? ¿Cuándo la música se vistió de color para venderse? ¿Cómo llegó a parar un pingüino a la biblioteca de tu casa?, ¿te han contado que la tipografía de esos libros, que es la del logo del Gobierno de España, es obra de un pederasta zoofílico? ¿Por qué las cajetillas de Lucky Strike en «Mad Men» era blancas y no verdes? ¿Cuánto tardó en diseñarse el «Iy#9829,NY»? ¡Bienvenido a la más desconocida y apasionante historia del diseño gráfico! Entrar en ella es sumergirse en un universo infinito de luces y sombras, de colores, contornos, ideas y emociones que a lo largo de los años han moldeado el arte de la comunicación visual y, con él, nuestra forma más poderosa de pensar y transmitir. Fascinantes peripecias, asombrosas genialidades, estrepitosos fracasos y alucinantes azares se han traducido en los símbolos más icónicos del mundo del cine, la literatura, la publicidad y la empresa: ¿cómo surgieron?, ¿de dónde vienen? El diseñador Carlos Cubeiro ha investigado a fondo el trabajo de los mejores y más heterodoxos e ignorados artistas gráficos del mundo, y ha conocido a un buen número de ellos a lo largo de su trayectoria. Tras su «Manual de fundamentos del diseño gráfico», ahora nos embarca en una fantástica aventura narrativa para acercarnos la revolución de la monja Corita Kent, la de Grapus o la de Carles Fontserè, para presentarnos los carteles de Saul Bass o Mac y Jano, los discos de Jim Flora y Reid Miles, para hablarnos de la primera identidad corporativa y de la que dibujó un simple tenedor, para hacernos partícipes de una historia extraordinaria del diseño gráfico, forjada a través de muchas que nadie nos ha contado y merece la pena descubrir y disfrutar.
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Este volumen aborda cinco géneros fundamentales que dieron forma al arte desde finales del siglo XIX hasta bien entrado el XX: impresionismo, expresionismo, surrealismo, expresionismo abstracto y arte pop. Cada movimiento hizo gala de un enfoque estético y filosófico distinto, pero todos tuvieron un impacto inmediato y una influencia duradera. Muchos grandes nombres se asociaron indeleblemente con uno de estos movimientos, pero algunos exploraron varios durante sus carreras.El impresionismo, liderado por Monet y Renoir, desafió la rigidez del arte académico y se centró en capturar momentos fugaces, en la luz y el color. El expresionismo contó con el impulso de artistas como Edvard Munch y Wassily Kandinsky para transmitir emociones crudas y reflejar la angustia de la experiencia humana por medio de la distorsión de la realidad. Los surrealistas, como Salvador Dalí y René Magritte, exploraron el subconsciente, los sueños y lo irracional mezclando la realidad con la fantasía en el arte, la literatura y el cine. Con Jackson Pollock y Mark Rothko a la cabeza, el expresionismo abstracto enfatizó la espontaneidad y la emoción a través de pinceladas audaces y gestuales, y estableció Nueva York como la nueva meca del mundo del arte de posguerra. Finalmente, artistas como Roy Lichtenstein y Andy Warhol alcanzaron la fama y fijaron el espíritu de su época al sintetizar la publicidad, la cultura popular y el arte elevado en el arte pop. En su diversidad, estos movimientos ampliaron conjuntamente los límites de la creatividad, redefinieron la expresión artística y alteraron la trayectoria del arte contemporáneo. Esta lujosa edición celebra sus historias, con más de 250 reproducciones de alta calidad y textos que exploran cómo las ideas e innovaciones de cada movimiento transformaron el arte para siempre.
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La soledad es uno de los más extensos territorios de lo humano. Rilke nos anuncia su mensaje: ''A través de Nietzsche comprendí que la soledad no es un castigo, sino una oportunidad para crear algo eterno''. Este libro reconstruye la imagen de la soledad como una experiencia creativa, central para la constitución de sujetos e identidades, en el corazón íntimo del proceso artístico. Visita para ello, desde una metodología estética, de comparación entre distintos procedimientos artísticos, la obra de Rilke, Montaigne, Rothko, Giacometti, Beckett, Nietzsche, Zambrano, Scelsi, Hölderlin, Rossellini, Gould, Warhol y un amplio etcétera, como medio de entender la poética, el ''por qué'', de sus motivaciones. Concebido por sus autores como un proyecto de investigación en curso, continúa la exposición-ensayo ''Cabañas para pensar'', como nuevo paso en una colaboración entre ambos de más de 25 años visitando las relaciones entre estética y sociedad en autores como Valente, Tarkovski, Blanchot, Pasolini, Antonioni, Pessoa, Topor... Autores y obras de arte proyectan algo escondido y tal vez peligroso, que solo puede ser entrevisto por una mirada oblicua, que más allá de los datos lea emociones: dolor, abandono, angustia, distancia, aun placer..., brumas que se muestran con claridad antes de que queramos atraparlas en una explicación.
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A principios del siglo XVII surgieron en Europa las cartillas de dibujo, unos materiales pedagógicos que revolucionaron la metodología tradicional de la enseñanza de esta disciplina, permitiendo a artistas, aficionados y particulares progresar sin la presencia de un maestro, sobre todo en la representación del cuerpohumano. Su principal novedad radicaba en el empleo del grabado: a partir de esquematizaciones, proporciones o líneas de contornos y sombreados, y mediante lacopia directa y repetitiva, el alumno asimilaba un método, una manera y un estilo determinados, memorizando sus gestos y mejorando su destreza. La exposición ala que acompaña este catálogo destaca los ejemplos españoles de los siglos XVII-XIX y los sitúa en el contexto europeo. Aunque su número fue reducido, su interés resulta excepcional, pues desde el principio destacaron por su carácter autóctono y, en ocasiones, novedoso. Junto a artistas como Villafranca, García Hidalgo y López Enguídanos descuella Ribera, que ya en 1622 había comenzado a estampar lo que parecía iba a ser su propia cartilla y que no se publicó hasta décadas después.
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Si bien se ha escrito mucho sobre la acumulación imparable de los desechos y los paisajes monumentales delos grandes vertederos, se ha prestado muy poca atención en cambio a esa basura ''pequeña'' y en apariencia inofensiva que mancilla las calles y aceras de nuestras ciudades: una colilla, un billete de metro, un pañuelo de papel, un vaso de cartón o de plástico desechable... Este libro versa precisamente sobre esos residuos que todavía se hallan en un estado embrionarioe incipiente, que son por el momento insignificantes, que todavía necesitan crecer, y que aún no han abandonado la metrópolis e iniciado su trayectoria finalhacia los basureros del extrarradio. Los diferentescapítulos de ''Basura. Usos culturales de los desechos'' ensaya un acercamiento ecléctico al arte, la filosofía, la ética, la sociología, la antropología, losestudios de género, la teoría de las emociones y la naciente teoría de los desechos para reflexionar sobrela naturaleza antropomórfica de los residuos urbanos, sobre la poética y trascendencia semántica de los micropaisajes de la basura y de los múltiples archivosa los que va a parar todo lo descartado, sobre la ''dumpsterología'' o historia de los dumpsters o contenedores de desechos como artefactos de significación compleja y sexuada, y, por fin, sobre los despojos quedejan atrás los migrantes indocumentados cuando cruzan la ancha franja desértica que separa México de losEstados Unidos. En suma, ''Basura. Usos culturales de los desechos'' invita al lector a detener el paso,dirigir una mirada pensativa hacia el suelo y centrarla atención y los sentidos en esos infinitos objetosque la sociedad desecha y declara inservibles.
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En las reflexiones de los filósofos sobre la belleza y el arte, desde la Antigüedad hasta nuestros días, late una pasión que nos lleva a ver su tarea como una aventura. El encuentro con lo bello es, para muchos de estos pensadores, una vivencia que va más allá de la mera erudición y nos embarca en una búsqueda que responde a nuestras inquietudes más hondas. Este libro nos invita a acompañar a los grandes filósofos en su aventura de la belleza: junto a sus textos, que abren camino por el vasto territorio de la estética, el cine será el otro gran protagonista de estas páginas. El recurso a escenas de diversas películas, clásicas y recientes, nos ayudará a comprender estéticamente nociones como lo bello, la armonía, la creación, el gusto, lo sublime o la obra de arte, entre otras, uniendo el pensamiento a la fuerza expresiva de las imágenes.
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Fuertemente vinculada al paisaje y a la historia cultural norteamericana, la obra de Edward Weston (Illinois, 1886 – California, 1958) permite discernir una perspectiva única en el proceso de consolidación de la fotografía como medio artístico y su relevante papel en el contexto del modernismo en las artes visuales. La exposición Edward Weston, está concebida como una antológica que recorre las distintas fases de la producción fotográfica del artista, desde su interés inicial por los planteamientos pictorialistas, hasta su consolidación como una de las figuras centrales en la afirmación del valor poético y especulativo de la fotografía directa. Pionero en el uso de un estilo fotográfico modernista, su trabajo se caracteriza por el uso de cámara de gran formato, dando lugar imágenes en blanco y negro ricamente detalladas y de una extraordinaria nitidez.
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Desde majestuosos y ancianos robles hasta frondosos bosques de abetos, Árboles en el arte reúne una magnífica selección de obras que representan la belleza de los árboles y paisajes arbóreos.Los álamos de Monet, los cipreses de Van Gogh o el espléndido pino que daba sombra a Georgia O’Keeffe en Nuevo México son solo algunas de las maravillas recogidas en esta compilación que, acompañada de textos explicativos sobre los artistas y sus creaciones, hará las delicias de los amantes del arte y la naturaleza.
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En el principio era el Verbo y en la Edad Media fueron los reyes, los príncipes y los personajes religiosos de alto rango quienes produjeron biblias ilustradas con un extraordinario trabajo artesanal mediante su riqueza e influencia. Esta edición recopila 50 de los mejores manuscritos medievales de la Biblia depositados en la Biblioteca Nacional Austriaca. Con ejemplos de todas las épocas de la Edad Media, esta colección estudia representaciones de la Biblia en diversos contextos teológicos e históricos. Con una calidad de reproducción impecable, estas increíbles imágenes destacan por ser tanto tesoros artísticos históricos como importantes objetos religiosos. Los textos de Andreas Fingernagel, Stephan Füssel, Christian Gastgeber y un equipo de 15 autores científicos describen al detalle cada manuscrito: estudian tanto la evolución de la Biblia como la interpretación medieval de la historia. Además, se incluye un glosario de términos fundamentales para que los lectores no versados en la historia bíblica puedan disfrutar también de los textos.
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En este manual paso a paso, el artista Ernest R. Norling nos acerca de forma sencilla y eficaz a los conceptos fundamentales de las leyes de la perspectiva. Con su método en veinte pasos, y a través de más de doscientas cincuenta ilustraciones claras y precisas, Norling desentraña las bases del dibujo que nos permitirán crear a mano alzada todo tipo de paisajes y edificios sin caer en representaciones rígidas y mecánicas.
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Los divertidos y sencillos libros de la serie Dibujar en 10 pasos están diseñados especialmente para aspirantes a ilustradores, dibujantes y aficionados al arte.Ayudarán a los nuevos artistas a familiarizarse con las nociones de dibujo básicas para que puedan aprender a hacer obras de arte con soltura.Dibujar en 10 pasos: figuras humanas enseña a dibujar personas de distintas edades en más de 50 posturas diferentes paso a paso, incluidas las formas básicas del cuerpo y varias poses cotidianas. La explicación básica sobre los materiales necesarios y el repaso general de las técnicas para colorear completan esta magnífica introducción al dibujo de una gran variedad de figuras humanas.
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Catálogo de la exposición Arte y transformaciones sociales en España (1885-1910), celebrada en el Museo Nacional del Prado entre el 21 de mayo y el 22 de septiembre de 2024. En el periodo comprendido entre 1885 y 1910 se produjeron en España transformaciones decisivas para la modernización del país. En esos años los artistas dejaron de tratar asuntos históricos para abordar los aspectos más relevantes de la vida del momento, de modo que sus obras se convirtieron en testimonios de aquellos cambios. Surgió así la pintura social, cuyas obras más destacadas, adquiridas por el Estado en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, conserva el Museo del Prado. También abordaron esos temas la escultura, las artes gráficas y la fotografía, que tuvieron un papel destacado en la configuración de la imagen de la época. Muchas de estas obras se estudian por vez primera en esta publicación.
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* Una apasionante introducción ricamente ilustrada a algunas de las obras de arte más importantes de la tradición occidental, reinterpretadas para el público del siglo xxi. * Un análisis de cómo la arquitectura, la escultura, la pintura y las artes decorativas se reflejan en la cultura y la sociedad de su tiempo haciendo un recorrido por toda la historia del arte occidental. * Los capítulos se inician formulando una pregunta que invita a la reflexión, seguida de un resumen de los principales acontecimientos históricos del período que hace alusión a las estructuras sociales, la política, las cuestiones raciales, los avances científicos, las creencias y las costumbres de la época. Al explorar estas cuestiones se demuestra que el arte y la arquitectura desde las Grandes Pirámides y Santa Sofía hasta las obras de artistas como Rafael y Faith Riggold conforman la cultura del momento y el lugar en que surgen, al mismo tiempo que la reflejan y la documentan. Como tema secundario, el libro se centra en la constante evolución de los gustos estéticos, como un péndulo que oscila entre el naturalismo, el idealismo y la abstracción. En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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El objeto, o el discurso, que no se ajusta a lo que debería ser, que es manipulado, desviado y modificado, es muy típico de los tiempos que nos ha tocado vivir. Muchos aspectos culturales, estéticos o, simplemente, vitales de nuestra época parecen, en efecto, estar atrapados en un proceso, más o menos voluntario y generalizado, de adulteración y falsificación.
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Anatomía para artistas es un extenso compendio de fotografías y dibujos detallados y de alta calidad, donde se muestra la figura humana en múltiples formas, tamaños y posturas, que constituye una sólida base para el arte de crear personajes. Esta biblioteca exhaustiva y detallada de recursos visuales contiene impresionantes fotografías y dibujos completos que muestran la estructura muscular de diferentes tipos de cuerpos. Todas estas referencias masculinas y femeninas constituyen un inestimable punto de partida para el arte basado en el cuerpo humano. Si eres escultor tradicional, pintor al óleo o artista digital 3D, los recursos que encontrarás en este libro te resultarán útiles e informativos, esenciales para mejorar la calidad y la precisión de tu propio arte.
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Lectura para todo aquel al que le guste el arte, y para todos loscuriosos Marozeau se zambulle tras el escenario de algunas obrasmaestras, desde el Busto de Nefertiti hasta el Guernica de Picasso 12capítulos = 12 obras de arte = 12 historias asombrosas
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Animales y seres fantásticos del mundo antiguo al Medievo cristiano. Incluye coda final con imágenes y equivalencias simbólicas de los animales y seres fantásticos que conforman el bestiario.Procedente del mundo grecorromano, bizantino y persa, el bestiario fantástico se apodera del mundo cristiano románico no sin resistencias y críticas. No obstante, cuando se sacraliza esta estética pagana convirtiendo a los animales -tanto reales como imaginarios- en portadores de virtudes o perversiones, empiezan a plagar capiteles, canecillos, metopas, tímpanos, arquivoltas, muros, pilas bautismales, objetos litúrgicos y una incontable serie de soportes que, lejos de la mera función ornamental, aportan un significado simbólico cuyo sentido trata de desentrañarse en este libro.El bestiario fantástico es uno de los motivos escultóricos que más interés genera, y el que mayor efecto de intimidación provoca en el hombre medieval. Estas peculiares e imaginativas bestias nacían por combinación de partes de animales diferentes, creando estampas, en ocasiones, atroces. Los animales podían ser representados solos, en lucha entre sí o con hombres indefensos, siempre con el objetivo de conmover y motivar al creyente en su esfuerzo por evitar las tentaciones y renegar del pecado.Aunque cualquier símbolo tiene dualidad de significados, incluso completamente opuestos, el románico usó ciertos animales con predilección para manifestar el bien y otros como formas del mal. Las aves como la cigüeña, el águila o la paloma simbolizan el anhelo del espíritu por alejarse de lo terrenal en busca de valores más altos. El león, por su parte, representa nobleza y fuerza. Son animales que ''guardan'' el templo. No impiden el paso al recinto sagrado pero advierten que el umbral divide lo sagrado de lo profano. Por el contrario, en la nómina de los animales relacionados con el mal aparecen el mono, como caricatura grotesca del hombre, la serpiente, símbolo del pecado y del demonio, la liebre y el conejo asociados con la concupiscencia por su fertilidad, el jabalí y el cerdo por ser lujuriosos, sucios y perezosos...Esta obra es una verdadera guía sobre todo ese bestiario a través de un proceso de deconstrucción de su significado que, en ocasiones, se remonta a nuestro pasado más arcaico. Un viaje a través del arte, de los mitos, leyendas y tradiciones populares en cuyos contenidos se encuentra buena parte de nuestras principales preocupaciones existenciales.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.