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Llibres d'art
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La crítica del arte parece inseparable de los dictados del capitalismo y de la industria cultural. Todos los pretendidos o genuinos críticos de arte, que deberían buscar el debate y el fomento de la reflexión, se ven atados de pies y manos –a veces de manera más que voluntaria– a las exigencias del mercado si quieren mantener, e incluso promocionar, su estatus social y laboral. A la larga, no solo se desprestigia el arte y la propia crítica, sino que resulta imposible el fomento de la producción cultural y la formación o el disfrute del público. En esta coyuntura se presenta el dilema: ¿debería el crítico plegarse a las dinámicas económicas o convertirse en un kamikaze cultural condenado poco a poco al ostracismo?El presente libro hace accesible un ámbito endogámico y cerrado, acabando con mitos y auras mágicas con el objetivo de exponer el funcionamiento de la creación artística actual, así como las dinámicas del mercado. También muestra cómo se generan y destruyen tendencias o famas, y cuál debería ser la labor del crítico.
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Alternando relatos de ficción con detallados episodios históricos, esta obra traza el curso que ha llevado a las máquinas a hacer suyo el lenguaje de las antiguas profecías para llegar a interpretar y juzgarlo todo y a todos a través de las imágenes que procesan. La inteligencia artificial ha hecho de ellas auténticas máquinas videntes.
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En el presente volumen, el lector encontrará el estudio detallado de 140 santos fundamentales para una historia general del arte y para la historia del arte español. Cada uno de los artículos se abre con el relato de los episodios biográficos y legendarios que es preciso conocer para comprender correctamente sus imágenes, al que sigue una enumeración de los atributos con sus simbolismos y significados, haciendo especial hincapié en el estudio de las imágenes (aspecto, indumentaria, escenas, ciclos, grabados) y en aquellos ejemplos de especial relevancia para la iconografía del santo tratado. Se concluye con una bibliografía específica, que se completa al final del volumen con otra de carácter más general.
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En la televisión, en la cabina de los jets, en las salas de cine, en los quirófanos, los estudios de arquitectura y los laboratorios de física, las imágenes digitales son omnipresentes. Han revolucionado las formas de representación del mundo y la mirada que ponemos sobre las cosas y nuestro entorno. Transforman las artes plásticas, el cine... Este libro nos enfrenta a cuestiones sobre el modo de fabricación de las imágenes digitales y sus campos de aplicación. Su lectura no requiere de conocimientos en informática y su ambición es la de otorgar las claves necesarias para ayudar a comprender la nueva cultura visual, y permitir una reflexión estética y epistemológica.
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* Un precioso alfabeto para colorear (con números y símbolos), perfecto para todo tipo de artistas: con dos ilustraciones diferentes de cada letra del alfabeto y dos conjuntos distintos de números (0 al 9), así como otros símbolos útiles. * Los caracteres, con su exquisita decoración, se entrelazan con flores e insectos curiosos, todo ello con el estilo único y característico de Maggie Magoo. * Tanto si se dedica a colorear con consciencia como si prefiere personalizar sus propios proyectos, pruebe a poner toda su creatividad en cualquier letra que signifique algo especial para usted. ''Me gustaría compartir el amor por el arte y el mundo natural con todos los lectores mientras se embarcan en sus propios viajes de descubrimiento y colorean sus propias creaciones. Estoy deseando ver los mundos vibrantes que crean a partir de mis diseños, y espero que los compartan en las redes sociales''. ''Como las antiguas letras del Libro de Kells o un paseo por el bosque, deje que su imaginación vuele libre por la página y aporte su propia vitalidad a cada diseño, a través del color, con sus lápices y rotuladores. Las letras únicas y coloridas podrían ser un bonito regalo para sus seres queridos y alegrar sus hogares''.¿A qui va dirigit el llibre Letras creativas para colorear?Aquest llibre està dirigit a un públic ampli, incloent-hi artistes de tots els nivells, des de principiants fins a experts. El seu disseny permet que tant els que gaudeixen del colorejat mindful com aquells que busquen personalitzar els seus propis projectes puguin trobar-hi una eina creativa. La naturalesa accessible de les il·lustracions el fa adequat per a adults i joves amb interès en l'art, el lettering i l'expressió creativa a través del color. També és una excel·lent opció per a aquells que busquen un regal original i estimulant.Temes que tracta el llibre Letras creativas para colorearEl llibre Letras creativas para colorear presenta un alfabet il·lustrat amb dues versions diferents de cada lletra, a més de números i símbols. Cada lletra està exquisidament decorada amb flors i insectes, creant un estil únic i característic. Els temes que es treballen són:Lettering decoratiu: El llibre ofereix una àmplia gamma de lletres ornamentades, perfectes per a la pràctica del lettering i la cal·ligrafia decorativa. Es fomenta l'exploració de diferents estils i la personalització de les lletres.Colorejat creatiu: S'invita el lector a explorar la seva creativitat a través del color, afegint la seva pròpia vitalitat a cada disseny. No s'imposen paletes de colors específiques, permetent la llibertat d'expressió individual.Naturalesa i il·lustració botànica: Les il·lustracions incorporen elements de la naturalesa, com flors i insectes, creant un ambient orgànic i relaxant. Això permet la connexió amb la naturalesa a través de l'art.Artesania i manualitats: El llibre pot ser utilitzat com a base per a projectes de manualitats, permetent la creació de targetes, pòsters, o qualsevol altre element decoratiu personalitzat.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre Letras creativas para colorearEncara no hi ha opinions o crítiques sobre Letras creativas para colorear.
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Del retrato que hizo Edouard Manet del escritor naturalista Émile Zola ante una estampa japonesa a las meticulosas copias de los grabados de Hiroshige que Van Gogh coleccionó con devoción, los pioneros del modernismo europeo del siglo XIX no ocultaron su amor por el arte japonés. En toda su sensualidad, libertad y efervescencia, la xilografía es el ejemplo por antonomasia de la ola de japonismo que primero cautivó a Francia y más tarde a toda Europa, a menudo en forma de objetos “,exóticos”, malinterpretados que contribuyeron a inspirar la creatividad occidental.La xilografía japonesa es un fenómeno sin equivalente en el arte occidental. Algunas de las ideas más disruptivas del arte moderno —,entre ellas, como expresó Karl Marx, que “,todo lo sólido se derrite en el aire”,—, se inventaron en Japón a principios del siglo XVIII y se expresaron como nunca antes en las obras de maestros de la talla de Hokusai, Utamaro e Hiroshige a principios del siglo XIX.Este volumen, basado en la monografía XXL original, nos desvela un arte muy apreciado pero poco comprendido presentándonos las estampas más destacadas de la xilografía japonesa en su contexto histórico. Desde el desarrollo en el siglo XVII del decadente ukiyo-e, o “,pinturas del mundo flotante”,, hasta el declive y posterior resurgimiento del grabado a principios del siglo XX, las imágenes reunidas en esta edición conforman un documento inigualable no solo de un género único en la historia del arte, sino también del cambio de costumbres y del desarrollo cultural de Japón.De montañas místicas a pasos nevados, de guerreros samurái a prostitutas expuestas en escaparates, cada pieza se analiza como una obra de arte por derecho propio que muestra las historias y las personas que la explican. Descubrimos los cuatro pilares de la xilografía: mujeres hermosas, actores, paisajes y composiciones con pájaros y flores, junto con representaciones de luchadores de sumo, actores de kabuki o seductoras cortesanas, las grandes estrellas que poblaron el “,mundo flotante”, cuya base de admiradores alimentó la producción frenética de xilografías. Nos adentramos en lo horrible y lo oscuro en estampas donde demonios, fantasmas, devoradores de hombres y criaturas de otro mundo atormentan a los vivos: imágenes impresionantes que a día de hoy continúan influyendo en el manga, el cine y los videojuegos japoneses. Somos testigos de cómo, en su increíble variedad, de lo cotidiano a lo erótico y de lo marcial a lo mitológico, estas obras comparten la maestría técnica y el ojo infalible de sus creadores, y de cómo, con enorme ingenio e irónica agudeza, editores y artistas lucharon por eludir la censura oficial.Esta edición, que forma parte del nuestra serie 40 aniversario, reúne las mejores estampas conservadas en museos y colecciones privadas de todo el mundo en un formato ligero y accesible, y ofrece extensas descripciones que nos guían a través de este período electrizante en la historia del arte japonés.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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El fenómeno de las relaciones entre las vanguardias políticas y artísticas marca la ideología y el arte del siglo XX. Prolonga la esperanza abierta por las Luces, con la divinización social del artista, que teorizan los románticos, y la misión que se asigna al intelectual cuando se enfrenta al siglo, y pretende afianzar la soberanía nacional, sabiendo que aplica a nuevas formas de vida palabras antiguas o le toca vivir con un público sin arte y un arte sin público. Los intelectuales y los artistas españoles intentan superar modelos e imaginar otra existencia, compartiendo la hipótesis revolucionaria o mediante una rebelión literaria metafórica, que se acoge a las técnicas pictóricas y enfoca la perspectiva de una obra total y autónoma. La aventura de las vanguardias acaba nutriendo aquella dialéctica que conduce, según la fórmula de Walter Benjamin, el fascismo a la estetización de la política y el comunismo a la politización del arte. Pero la voluntad de aventura, con la apertura a los vientos de fuera o el recurso a un lenguaje nuevo, y el paso de la modernidad a la contemporaneidad, no se sustraen siempre a los peligros de la tiranía del presente. Este libro, que aúna el enfoque de las historias ideológica y cultural, está dedicado a las contradicciones o divergencias que suscita la reivindicación de una vanguardia que no puede pensar sus límites y se expone, como la vida, a una perpetua transformación. Una nueva historia ideológica y cultural de la España contemporánea en su contexto europeo a través de la complejidad de las relaciones entre las vanguardias artísticas y políticas. Paul Aubert es catedrático emérito de Literatura y Civilización Españolas de la Universidad de Aix-Marsella. Fue director de estudios de la Casa de Velázquez. Diplomado de Ciencias Políticas, Doctor de Estudios Ibéricos, Doctor de Estado en Letras y HDR en Historia. Coordinó los programas de investigación «Crisis española y fin de siglo en el Mediterráneo» (Casa de Velázquez), «Las élites en la ciudad. Cultura política, Transferencias culturales, imaginarios nacionales en la Europa meridional, siglos XVIII-XX» (CNRS-UMR Telemme 7303). Entre sus últimos libros destacan: La frustration de l'intellectuel libéral. Espagne. 1898-1939 (2010), Nidos de espías. España, Francia y la Primera Guerra Mundial. 1914-1919 (con E. González Calleja, 2014), «Gotas de sangre jacobina». Antonio Machado y la política (Renacimiento, 2020), La civilización de lo impreso. La prensa, el periodismo y la edición en España (1906-1936) (2021), La España que pudo ser (1885-1931) (2021), El diario «El Sol» en su época (1917-1939) (2022) y España en el Mediterráneo (1860-1986) (2023).
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Diego Rivera, desde las vanguardias europeas al muralismo mexicano“En la figura de Diego hay una flojedad rara y suntuosa, como si todo pesase sobre él, como si pudiendo con todo, lo llevase todo colgado tranquilamente a sus hombros, como si llevase insistiendo sobre él las más grandes ideas, como si reposase sobre él la responsabilidad de la creación, como si en el fondo de su alma y en el fondo profundo de sus grandes bolsillos llevase cosas materialmente muy grandes, monstruosas, compactas y macizas.
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Desde la publicación en 1961 de su obra mítica Muerte y vida de lasgrandes ciudades, el respeto y la fascinación por la mirada lúcida eincisiva de Jane Jacobs acompañó para siempre a la intelectualnorteamericana. Este libro recoge cuatro entrevistas, inéditas encastellano, en las que descubrimos la cara más humana y vivencial deJacobs: desde los años de precariedad laboral, el descubrimiento de lametrópolis o sus paseos aleatorios y sin rumbo por el Manhattan de ladécada de 1930, hasta su incursión en el activismo político y susreflexiones más afiladas contra la planificación urbana y los grandesdogmas de la modernidad.Una lectura imprescindible de una de las grandes voces del siglo xx.
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Esta publicación recoge por primera vez en lengua castellana una recopilación de artículos en torno a las artes visuales escritos por Virginia Woolf entre los años 1920 y 1936. En ellos la autora indaga en la relación entre escritura y pintura, narra sus visitas a exposiciones, recoge impresiones y méritos del grupo Bloomsbury, y manifiesta su postura en torno a la aparición del cine o a la vinculación de los artistas con la esfera política.
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William Morris es una de las figuras culturales y políticas más importantes de la Inglaterra de finales del siglo xix. Su labor se extendió por la poesía, la pintura, la novela, el grabado, la edición, la decoración y un largo etcétera de «facetas» a las que hay que sumar la de socialista y revolucionario durante las últimas décadas de su vida. Sin embargo, Morris siempre estuvo convencido de que a través de la arquitectura se podían conjugar todos estos aspectos parciales en una actividad artística que en verdad estuviera unida a la vida de las gentes y facilitara tanto las relaciones sociales como la expresión artística de la comunidad de la que salía. Sobre esta convicción, Morris desarrolló a lo largo de toda su vida una deslumbrante labor teórica acerca del papel social de la arquitectura, así como de la forma en que se crean, suceden y decaen los diferentes estilos, cuyas particularidades serían consecuencia del estado de las relaciones sociales, culturales y económicas concretas de cada sociedad en el tiempo. Aunque Morris nunca recopiló sus ensayos sobre el tema, esta preocupación por la arquitectura recorrió toda su obra y le inspiró algunos de sus textos más importantes. La presente antología recoge una amplia selección razonada de estos escritos, muchos de ellos inéditos en castellano hasta la fecha.
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Esta publicación presenta el proyecto de creación Nosotras o atravesar cuerpos, un proyecto desarrollado por la artista Maite Vélaz expresamente para el Museo Oteiza, formado por un conjunto de obras que proponen una reflexión sobre las condiciones de la práctica artística y los modos de abordar lo escultórico. El concepto de lo atravesado determina gran parte del desarrollo conceptual del contenido del proyecto: atravesar los materiales, el tiempo, las referencias a Jorge Oteiza o la propia escultura. Todos estos elementos constituyen recurrentes puntos de partida de una propuesta artística y editorial que remite a su condición procesual y al hacer como de forma de conocimiento y relación con los demás. Esta publicación incluye un completo aparataje visual del proyecto desarrollado por la artista, así como la obra textual de creación titulada Esa escultura se llamaba cariño, un escrito crítico realizado por Peio Aguirre y denominado Cachitos y las intervenciones de los artistas Nerea de Diego, Idoia Leache, Taxio Ardanaz y Daniel Resano.
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Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) est un précurseur. C'est un peintre de génie. Les véritables sujets d'un peintre ce sont les formes, les groupements, les harmonies, les choses que l'il voit dans la nature et que le raisonnement et la mémoire nomment ensuite. Fragonard a été en possession des connaissances de lart d'une façon qui le rapproche singulièrement de nos peintres modernes. Il fut un préparateur de l'art impressionniste par sa vision, par son sentiment de l'atmosphère, par son observation très précise des harmonies complémentaires, par sa faculté de comprendre le dessin des mouvements, et enfin par son pittoresque, son sens du caractère intime.
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Aprenda caligrafía, iluminación y lettering de forma rápida, segura y eficaz con este libro, una compilación única para principiantes y usuarios avanzados, para sumergirse en el fascinante mundo de la escritura.Conozca los conceptos básicos del arte atemporal de la caligrafía y las posibles variaciones de la escritura, a través de detalladas instrucciones para cada letra individual del abecedario.Incluye más de 50 alfabetos diferentes que muestran la enorme gama de variación en el manejo de letras mayúsculas y minúsculas, gracias, ascendentes y descendentes. Complementan esta información los valiosos datos sobre el espaciado entre letras y el diseño de las páginas, sin olvidar la utilización del color. Se presenta, además, todo lo que se necesita saber para escribir cartas de forma hermosa y creativa. Con numerosas fotografías paso a paso, información sobre materiales y tecnología y un apéndice con hojas para realizar ejercicios: el recurso perfecto para aquellos artistas que busquen pulir el estilo y la técnica.
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Assaig teatral on es recrea un programa radiofònic habitat de personatges que repassen algunes de les obres de Txékhov per esbrinar si, més de cent anys després, ens hem acostat a aquest futur meravellós que presagiava l'escriptor.
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Una relectura de la intimidad en la Edad Media a través del arte románico.Vulvas, partos, penes erectos y parejas en pleno coito pueblan las iglesias románicas de nuestra geografía repartidos por portadas, capiteles y canecillos. Estas imágenes sexuales, algunas de ellas muy explícitas, han generado estupor, sorpresa e incluso rechazo en nuestra contemporaneidad, dando lugar a todo tipo de explicaciones sobre sus intenciones y significado. Sin embargo, su proliferación y espontaneidad indican que, lejos de tratarse de una representación del pecado, como a menudo se han interpretado, mostraban una sexualidad mucho más abierta y acorde con la mentalidad de quienes promovieron la construcción de estos templos. El libro demuestra cómo, entre los siglos XI y XIII, tuvo lugar una intensa lucha por el poder político en la que el sexo (o su ausencia) se convirtió en uno de los principales argumentos legitimadores de las élites sociales. Una batalla ideológica que dejó su huella en las imágenes sexuales románicas que desafían nuestra lógica actual.¿A qui va dirigit el llibre El sexo en tiempos del románico?Aquest llibre està dirigit a un públic ampli interessat en la història, l'art i la cultura medieval, especialment en el període romànic. Es dirigeix a lectors que desitgin explorar una nova perspectiva sobre la sexualitat a l'Edat Mitjana, desafiant les interpretacions tradicionals i oferint una visió més complexa i matisada. És d'interès per a estudiants, investigadors, aficionats a la història de l'art i a qualsevol persona curiosa per conèixer una faceta poc explorada de la societat medieval. L'obra es presenta com un assaig accessible, encara que també pot ser d'utilitat per a estudiosos del tema.Temes que tracta el llibre El sexo en tiempos del románicoEl llibre EL SEXO EN TIEMPOS DEL ROMÁNICO es centra en l'anàlisi de les representacions sexuals presents en l'art romànic, específicament en les esglésies i els seus elements arquitectònics. S'exploren les següents temàtiques:Representacions explícites de la sexualitat en l'art romànic: S'examinen les imatges de vulves, parts, penis erects i parelles en ple coit que apareixen en portades, capitells i canecillos de les esglésies romàniques. S'analitza la freqüència i la varietat d'aquestes representacions, així com el seu context artístic i cultural.Interpretacions històriques de les imatges sexuals: Es qüestionen les interpretacions tradicionals que veuen aquestes imatges com a simples representacions del pecat, proposant una lectura alternativa que les situa dins d'una visió més oberta i complexa de la sexualitat medieval.El sexe com a eina de poder polític: El llibre argumenta que la sexualitat (o la seva absència) va jugar un paper crucial en les lluites de poder polític entre les elits socials durant els segles XI i XIII. S'analitza com les representacions sexuals es van utilitzar per legitimar el poder i les relacions socials.La perspectiva de gènere en l'art romànic: Es considera el paper de les dones en la creació i el significat de les imatges sexuals romàniques, explorant la participació femenina en la construcció de les esglésies i la seva influència en la iconografia.Desafiament a la lògica actual: El llibre convida a replantejar la forma en què entenem la sexualitat a l'Edat Mitjana, confrontant les interpretacions modernes amb l'evidència proporcionada per l'art romànic.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre El sexo en tiempos del románicoS'han trobat algunes opinions positives que destaquen l'amenitat i la documentació del llibre, així com la seva capacitat per sorprendre el lector i canviar la seva percepció de la sexualitat a l'Edat Mitjana. Altres opinions assenyalen l'originalitat de l'enfocament i la rigorositat de la investigació. No obstant això, es precisa de més informació per oferir un resum complet de les crítiques i valoracions.
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Cómo se hace el arte es una fascinante invitación a explorar la historia de los materiales y técnicas que han dado forma a las grandes obras del arte a lo largo de los siglos. A través de una cuidadosa selección de obras, el libro desvela las historias culturales, el intercambio de ideas y la innovación detrás de cada método y material. Además proporciona un contexto que enriquece la experiencia del espectador.Cada capítulo presenta una diversidad de técnicas, desde las más tradicionales, como la fundición en bronce y la xilografía, hasta métodos más espontáneos, como la pintura goteada o el uso de aerosoles en espacios urbanos. Los lectores descubrirán cómo los pigmentos, ya sean molidos en piedra o extraídos de la tierra, se transforman al combinarse con agua, aceite o goma. Este enfoque no solo ofrece un análisis técnico, sino que también invita a los amantes del arte a reconsiderar su forma de apreciarlo, al revelar las historias ocultas detrás de cada técnica y material. Embárcate en este viaje a través de los estudios de los artistas y descubre cómo se hace el arte, mientras aprendes sobre las obras que han marcado la historia y los inventos que han permitido la exploración de nuevas formas de crear.
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¿Por qué, poco después de la Revolución Francesa, unos jóvenes pintores deciden usar togas griegas y más tarde se retiran a un monasterio ruinoso? ¿Qué hace que unos artistas prusianos casi adolescentes se dejen crecer el cabello, lleven largas túnicas e intenten vivir como monjes medievales? ¿O que otros jóvenes creadores en Inglaterra funden una llamada ''Hermandad Prerrafaelita''? ¿Y que un grupo de amigas se unan como Hermanas en el Arte o ''Sisters in Art''? ¿Por qué William Morris quiere convertirse en una suerte de artesano y termina siendo un pionero del socialismo? ¿Cómo se unen en un proyecto artístico colectivo la espiritualidad, la amistad, el género, el deseo sexual y las ideas políticas? ¿De qué modos puede el arte cambiar la vida de los que lo practican, más allá de constituir una ocupación? ¿Es ese el sentido de los colectivos de creadores?Amigos, disfraces y comunas quiere responder estas preguntas, mediante el estudio del primer tipo de colectivismo artístico moderno, que sienta las bases para los colectivos artísticos de los siglos XX y XXI: son las llamadas hermandades de artistas, grupos cuya práctica ambiciona unir el proyecto vital y el creativo, ensayando otras formas de entender los afectos y la identidad como algo compartido. Trazando la historia de ''Méditateurs'', Nazarenos, Prerrafaelitas y miembros del movimiento ''Arts and Crafts'', este libro estudia las prácticas colectivistas de dichos grupos entendiéndolas como una forma de autoescenificación que da vida a visiones estéticas y sociales. De este modo, contribuye a una genealogía anterior a los siglos XX y XXI de la ''performance''.
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En 1968 el periódico The Sunday Times de Londres, propuso organizar una regata en solitario y sin escalas alrededor del mundo a un grupo de navegantes entre los que se encontraba Bernard Moitessier. Nunca se había hecho nada parecido. Aquí se inició la insólita historia que se narra en este libro: 37.000 millas marinas para llegar... al corazón de un hombre. Esta nueva edición incluye un inestimable prólogo de Julio Villar, quien compartió escala (y muchas cosas más) con Moitessier en este largo viaje. El largo viaje es el relato de diez meses navegando en solitario. El periplo significó una vuelta y media al mundo a través del mar, que, «según el viento, según el cielo, según que el ocaso fuera rojo o gris, ruge, murmura o gime bajo el casco». En este libro descubrimos la audacia, calculada y prudente, de un marino fuera de serie que decidió llegar hasta el límite de la resistencia humana y de la de su barco, sobre un mar a veces en calma, y a veces rugiente como una fiera. Se trata de la travesía más larga en solitario: 37.455 millas sin tocar tierra. Además de ser el relato de una pericia que pocos hombres han asumido en la historia, este libro contiene múltiples consejos, trucos y apreciaciones para aquellos apasionados de la navegación a vela más tradicional, con un apéndice de más de 100 páginas con pautas para la preparación de una navegación sin escalas de este tipo. Esta reedición revisada, contiene además materiales inéditos como múltiples fotos que realizó el autor durante su travesía y diseños realizados por el mismo. Un testimonio de la navegación de altura sin igual.
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Lluís Domènech i Montaner, un dels grans referents del moviment modernista i del catalanisme polític al tombant del segle XX, va desenvolupar una intensa tasca de recerca del patrimoni artístic. A fi de documentar-se sobre les arrels de l'arquitectura catalana, des del 1900 fins al 1906 va fer nombroses expedicions científiques pels racons més amagats del país, que havien de culminar amb la redacció de la primera història de l'art romànic a Catalunya. Malauradament, per raons polítiques, professionals i personals, l'obra va quedar inconclusa. Aquest quadern revisita, a tall de pelegrinatge artístic, alguns dels indrets més emblemàtics que l'arquitecte va recórrer en les seves campanyes pel Pirineu i recull també la transcripció d'una part de la seva introducció històrica sobre el romànic, un text -fragmentari i inacabat, però també programàtic- que, juntament amb centenars de fitxes, dibuixos, plànols i fotografies dels monuments estudiats, ha perviscut com un vestigi del llibre que no va arribar a escriure.
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* El mundo del arte contemporáneo puede resultar desconcertante hasta el extremo: enormes sumas de dinero y una nómina mundial de artistas que abordan una gama ilimitada de enfoques. ¿Por dónde empezar a desentrañar este panorama? * La comisaria y escritora Natalie Rudd se abre paso a través de la jerga artística para explicar diversos aspectos del arte contemporáneo (incluida la variedad de enfoques, disciplinas y temas) y cuestiones como la personalidad del artista, la ética de la creación y el potencial del arte para mejorar el mundo y provocar cambios políticos. * Una perspectiva internacional y multinarrativa que comienza por resumir y contextualizar el importante legado artístico del siglo XX que conforma la práctica reciente. En cada capítulo se aborda una cuestión central con el apoyo del análisis de obras relevantes y visualmente atractivas. En la sección de referencia se ofrece una serie de recursos de valor incalculable, entre ellos consejos sobre cómo interpretar el arte contemporáneo, dónde encontrarlo y cómo relacionarse con la escena artística de su entorno. Explicaciones sucintas, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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Un diccionario fundamental contra el ruido y la indigestión que genera la avalancha iconográfica de la cultura contemporánea. Con las cámaras de los teléfonos convertidas en apéndices humanos generamos muchas más imágenes de las que podemos consumir, imágenes que nos someten y ante las que, a veces, no queda más que sublevarse. Imágenes que nos degluten y a las que de vez en cuando conviene deglutir. Imágenes que, bajo la alfombra inabarcable de las millones de reproducciones, casi siempre nos ocultan los imaginarios de esta era, que empezó con la nueva derecha poniendo a volar la cabeza sin cuerpo de Lenin sobre el cielo de Berlín y se alarga hasta un presente en el que la nueva izquierda ha echado a cabalgar el cuerpo sin cabeza de Franco en el suelo de Barcelona.El ensayista Iván de la Nuez define esta omnipresencia como «iconocracia», un término que afianza la tiranía de la imagen pero que, al mismo tiempo, nos permite contrarrestarla. Y es que, sin negar esa ubicuidad opresiva, la apoteosis iconográfica puede entenderse también como un ecosistema de poder y contrapoder, un juego de gobierno y oposición en el que cabe la vomitona radical de la iconoclasia pero también la digestión crítica de la «iconofagia», concepto que han compartido Norval Baitello o Alfonso Morales y que ahora da título a este diccionario que se propone como una sola trama y en cuyos capítulos brillan con luz propia voces e imágenes.Sobre el autor y su obra la crítica ha dicho:«Iván de la Nuez es un francotirador que lleva veinte años publicando ensayos que son hitos de una exploración coherente y original del medioambiente simbólico contemporáneo. (...) Y lo hace con una escritura rigurosa pero también accesible y divertida».César Rendueles, Babelia«De la Nuez es un paria de largo alcance. (...) Pero el autor cubano no va con brújula. Como los parias, como los nómadas, se moja el dedo para detectar el sentido del viento y prospectar el camino del globo. Donde el globo quiera. Donde el viento dicte. De la Nuez, nacido en La Habana, habitante del mundo, vuelca su víscera en cada página (...)».Franco Chiaravalloti, Revista de las letras «Sus libros no se suceden como variaciones de un mismo libro, a la manera de tantos ensayistas, ni tampoco como aplicaciones locales de un canon intelectual propio. (...) En realidad, la metáfora más útil -tal vez la única- para describir la escritura de Iván de la Nuez es la metáfora cartográfica».Javier Calvo, Letras Libres «Hay que disfrutar en de la Nuez (y esto es algo que lo separa de otros intelectuales cubanos contemporáneos suyos más graves), eldescarnado humor, la propensión crítica a salar las cosas, invadir el discurso: darle sabor, darle swing».Alfredo Triff, Tumiamiblog
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Una guía de referencia sobre elegancia masculina ¿Qué diferencia hay entre un frac y un chaqué?¿Cuándo y dónde se perdió el hábito de llevar sombrero a diario?¿Cómo consiguieron las zapatillas saltar de las canchas deportivas a los despachos? Para responder a estas y otras muchas preguntas, una guía definitiva de la elegancia masculina que combina el análisis de la evolución histórica del vestir, las anécdotas y la información práctica. La estructura parte de cuatro grandes bloques (sastrería, deportivo, complementos y zapatos) que son presentados con una introducción y una imagen histórica para después desglosarse en apartados específicos, solo aparentemente enciclopédicos, para cada una de las prendas más significativas.La guía, elegantemente ilustrada, tiene una voluntad atemporal y trasciende de las tendencias del momento para convertirse en una referencia clásica a la vez que amena. «Sea tu vestido tan costoso cuanto tus facultades lo permitan, pero no afectado en su hechura, rico, no extravagante, porque el traje dice por lo común quién es el sujeto,y los caballeros y principales señores franceses tienen el gusto muy delicado en esta materia.»Shakespeare, Hamlet
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Una guía amena para entender cómo funciona el mercado del arteEn 2019, una tabla que una anciana tenía olvidada en su cocina de París se vendió en subasta por 24 millones de euros. La mujer pasó años sin saber que aquel trozo de madera a priori irrelevante, hoy expuesto en el Museo del Louvre, era en realidad el Cristo burlado, del pintor italiano Cimabue. Por supuesto, no es normal encontrarse con semejante tesoro en una cocina, pero es un ejemplo fascinante de la importancia de conocer, valorar y dedicar tiempo al arte. Rodeado de un halo de lujo y exclusividad, el mundo del coleccionismo se antoja inalcanzable para la mayoría de los aficionados. Sin embargo, es más accesible de lo que parece y una actividad gratificante siempre que concurran dos características fundamentales: la pasión artística y el conocimiento del mercado. María Sancho-Arroyo lleva treinta años trabajando con artistas, coleccionistas e inversores y durante dos décadas trabajó en la famosa casa de subastas Sotheby's. Desde la trastienda de ese universo de sofisticación abre la puerta a los lectores con esta guía que da acceso al rico ecosistema de ferias, galerías y colecciones. ¿Inversión o pasión? desgrana de manera entretenida los canales de venta, los secretos de la tasación, las interacciones entre los museos y el mercado, y las posibilidades del arte como bien de inversión para todos los bolsillos. Un libro, en definitiva, que busca proporcionar «las herramientas esenciales para maniobrar hábilmente en el mercado del arte y asegurar que cada adquisición sea no sólo gratificante, sino que también añada valor y satisfacción a tu experiencia como coleccionista».
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La cancelación fallida del arte de las vanguardias.“Degenerado, judío y bolchevique.” Así definía Adolph Hitler el arte de vanguardia: el arte de Chagall, de Otto Dix, Paul Klee, Kandinsky, Picasso, Mondrian u Oskar Kokoschka.Con la finalidad de denigrarlas ante el arte del nuevo Reich, los nazis requisaron de colecciones privadas y museos públicos todo tipo de obras adscritas a los distintos movimientos artísticos de principios de siglo y las convirtieron en objeto de mofa en una exposición inenarrable: la exposición del “Arte degenerado” que, inaugurada en Múnich en julio de 1937, emprenderá luego un periplo por todo el país hasta convertirse en una de las exposiciones de arte más visitadas del siglo XX.Paradójicamente, con esta iniciativa, los nazis, antes que ''cancelarla'', acabaron cristalizando la modernidad contemporánea mucho mejor que cualquier otra manifestación artística.
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Catálogo de las exposiciones ''Ciutat de Sorra'' y ''Pajarazos'' celebradas en los centros de Arte Fabra i Coast (Barcelona) y Patio Herreriano (Valladorlid), respectivamente.Catálogo de la obra del escultor David Bestué en sus últimas dos exposiciones en Barcelona y Valladolid, donde se hace un repaso de la última obra del artista. Con textos de Marta Sesé, Carles Guerra, el propio David Bestué y una conversación entre María Salgado y el artista.
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Formado artísticamente en Dresde y Roma bajo la disciplina de su padre, el pintor de corte Ismael Mengs (1687-1764), Antonio Raphael Mengs (1728-1779) recibió sus nombres por la admiración que aquel sentía por Antonio Allegri da Correggio (h. 1489-1534) y Raffaello (Raphael) Sanzio de Urbino (1483-1520). Sus comienzos como pintor fueron también en la corte electoral de Sajonia y luego en la pontificia de Roma, bajo la protección de diferentes personajes de la curia papal, entre ellos el cardenal Alessandro Albani con el encargo de la célebre pintura mural del Parnaso. En 1761 entraría al servicio de Carlos III, quedando el resto de su vida amparado por el mecenazgo del rey de España y de las Indias.En este catálogo de exposición se aborda el estudio de su actividad artística y teórica en las diferentes etapas de su vida, a través de los mejores ejemplos de su producción reunidos en la muestra. Al rico conjunto de obras de Mengs en España, repartidas entre el Museo del Prado y las Colecciones Reales de Patrimonio Nacional, se han incorporado destacadas pinturas venidas de Europa y de América. Esta excepcional conjunción se enriquece en Madrid con la cercana presencia de sus pinturas murales en el Palacio Real.El volumen constituye un importante avance en el conocimiento del pintor y una puesta al día de las investigaciones sobre su figura y su obra, con aportaciones de especialistas que analizan su actividad en Dresde, Roma y España, su pensamiento artístico, su devoción por la Antigüedad clásica y, finalmente, con el novedoso estudio de su técnica, tanto en la pintura de caballete como en la mural.
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La Tauromaquia est une collection de scènes représentant divers épisodes du combat de taureaux. Goya était un aficionado consommé, et il passait une grande partie de son temps avec les toreros. Aussi était?il l’homme le plus compétent du monde pour traiter à fond la matière.
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“Sus locos y sus bufones tienen menos de deformes que de profundamente humanos, a tal grado el sufrimiento y la desgracia no parecen ser, en verdad, para Velázquez, más que motivo supletorio para esquivar lo contingente y profundizar en uno mismo, traspasándose hasta la misma esencia.”René Schwob (1895-1946), escritor y crítico de arte francés de origen judío convertido al catolicismo reúne aquí sus impresiones sobre Madrid, especialmente sobre los cuadros que ahí pudo ver de los grandes maestros de la pintura española: Velázquez, El Greco y Goya.
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¡Pon en orden tu vida aplicando los consejos de la gurú del orden Marie Kondo! Este estuche contiene dos de las grandes éxitos de la autora: La magia del orden y La felicidad después del orden La magia del orden. Marie Kondo, la experta en orden japonesa, te ayudará a acomodar tus espacios de una vez por todas con su sencillo método KonMari. La clave para mantener el orden exitosamente está en acomodar los objetos de tu casa, habitación, apartamento, estudio u oficina en forma correcta, manteniendo solo lo que realmente amas y limpiándolo todo a la vez. La felicidad después del orden. Esta vez, Marie Kondo presenta una guía ilustrada de su aclamado método KonMari con ilustraciones que explican paso a paso el plegado de todas las prendas desde camisetas hasta calcetines, además de dibujos de armarios y cajones perfectamente organizados.La crítica ha dicho... «Marie Kondo es una sola mujer con una única misión: limpiar el mundo habitación por habitación. Sus libros se han convertido en un fenómeno de ventas en Japón, su país natal. Su método es una actitud ante la vida, una filosofía del orden. Kondo sostiene que son muchos los efectos positivosque podemos tener en nuestras vidas gracias al orden: suerte, amor y éxito, entre otros».The Sunday Times«Un método de organización con el que no solo transformarás un espacio sino que, también, te cambiará a ti».El Mundo«Un método que se expone como un teorema: el orden en nuestras casas y espacios de trabajo constituye la basede nuestra felicidad».La Vanguardia«Un minucioso manual que te ayudará a ordenar tu hogar y crear ambientes mucho más agradables para vivir en armonía y conocernos a nosotros mismos».El Español«Si buscas soluciones para ordenar tu casa, aquí tienes el manual perfecto».ELLE
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Cada año, cuando llega la noche de San Juan, Alicante se transforma. El fuego toma las calles, la pólvora estalla en el aire y la ciudad entera se entrega a una celebración que es mucho más que una fiesta: es historia, identidad y emoción compartida. Las Hogueras de San Juan son el reflejo de un pueblo que sabe celebrar la vida, honrar sus tradiciones y reinventarse sin perder sus raíces. En este libro, Baltasar Bueno recorre el origen, la evolución y el significado profundo de una de las fiestas más importantes del Mediterráneo. Desde sus antecedentes más antiguos hasta su consolidación como gran evento cultural y turístico, el lector descubrirá no solo cómo son las Hogueras, sino por qué siguen fascinando a quienes las viven. Una obra para entender Alicante... y para sentirla.
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Una compilación de las teorías estéticas elaboradas por la cultura del Medioevo, desde el siglo VI hasta el XV de nuestra era «Umberto Eco cambió nuestra mirada sobre los libros: imprescindibles, pequeños, frágiles, a veces criminales, casi siempre salvadores. Un maestro que nos enseñó a entrelazar la sabiduría y el juego con su estilo sagaz y lúdico, con su asombrosa inventiva y certera lucidez.»Irene Vallejo El concepto de «estética» nace en Europa en el siglo XVII y, por lo tanto, muchas historias de la estética tomaron en escasa consideración las teorías de la belleza y del arte elaboradas antes de estas fechas. Ahora bien, desde hace muchos años la actitud de los historiadores ha cambiado y la Edad Media se ha valorizado como una época rica en especulaciones fascinantes sobre la belleza, el placer estético, el gusto, la belleza natural y la artificial, las relaciones entre el arte y las demás actividades humanas. En este compendio de las teorías estéticas elaboradas por la cultura del Medioevo, desde el siglo VI hasta el XV de nuestra era, Eco reconoce, de forma accesible para el lector no especializado, las etapas de un debate que presenta aspectos dramáticos y apasionantes, y nos permite entender mejor la mentalidad y el gusto artístico del hombre medieval.Reseña:«Un estudio delicioso... Tremendamente lúcido y fácil de leer, el ensayo de Eco está cargado de excelencia y de la energía de un hombre enamorado de la materia.»Boston Globe
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¿Adónde irá el pájaro que no vuele?, comisariada por Ángel Calvo Ulloa y Julia Castelló, reúne a artistas cuyas obras están atravesadas por la idea de la generosidad. La exposición forma parte de la celebración del 25 aniversario de Generaciones, la convocatoria para jóvenes artistas de la Fundación Montemadrid, y presenta el trabajo actual de artistas que han sido parte de la historia del premio. En paralelo, la exposición se expande bajo el título ¿Adónde iré yo que no te lleve? a tres espacios independientes de creación y reflexión contemporánea cercanos a La Casa Encendida: Araña, Conciencia Afro y La Parcería.Con textos de Ángel Calvo Ulloa y Julia Castelló y Laurence Rassel.Incluye colección de 13 posters
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Siempre, el artista intenta dar un paso adelante, intenta, aunque muy pocas veces lo consigue, abrir las puertas de la creación a nuevas experiencias, pero, en el caso del Arte Casual, no sólo se dan estas circunstancias, sino que su génesis, efectivamente, se origina en las aguas revueltas del asombro, del hallazgo, de lo inesperado, aunque, claro está, todo ocurre bajo el paraguas protector de un background específico, de un interés, a ser posible desmedido, por las corrientes más profundas y recientes de las artes plásticas.Este volumen surge de las conferencias ofrecidas en la Exposición sobre Arte Casual comisariada por la docente Carmen Aguayo en la Biblioteca pública de Jaén en el mes de abril de 2024.
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Obras maestras explicadas es para aquellos que alguna vez se hayan detenido frente a una obra de arte y hayan sentido una profunda conexión emocional, una atracción inexplicable. Es para los curiosos, los escépticos, los soñadores, para cualquiera que quiera comprender los significados ocultos y las fascinantes historias que encierran algunas de las obras más icónicas del mundo. El arte es un diálogo a través del tiempo y este libro es una invitación a una conversación atemporal.
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* El arte puede ser tan fascinante como frustrante. Una sola obra puede tener varios significados, y existen muchas formas de entenderla, interpretarla y apreciarla. * Este libro claro y accesible descompone grandes obras de arte en diez elementos sencillos para ayudarle a comprenderlas y apreciarlas mejor. * Además, le permitirá responder a algunas preguntas obvias, pero complicadas: «¿Cómo crea Yayoi Kusama la sensación de infinito en Luces resplandecientes de almas?» o «¿Por qué las capas de pintura de La noche estrellada de Van Gogh son tan gruesas?». Este libro presenta las diez características clave que le ayudarán a analizar y entender mejor el arte. Desde el color, la técnica y el tamaño hasta el lugar donde se sitúa la obra y el artista que la creó, aprenderá qué es importante y qué no lo es tanto. Ya sea estudiante, profesor o simplemente un aficionado al arte, este libro dilucidará las grandes obras de arte para conseguir que su próxima visita a un museo sea más enriquecedora.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.
