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Llibres d'art
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Los acrílicos se han convertido en el material artístico más adaptable a la era moderna. Los avances en la industria de los pigmentos han dado a los acrílicos una paleta notablemente permanente, rica y abundante, convirtiéndolos en el medio favorito de muchos artistas contemporáneos. A medida que se desarrollan los colores, también se mejoran sus componentes químicos para lograr una mejor textura y manipulación.Los vendedores de materiales de arte ahora ofrecen medios acrílicos para diluir, espesar, glasear, moldear, verter, texturizar y docenas de otros usos. Incluso los pintores acrílicos experimentados pueden sentirse confundidos e incluso intimidados por esta asombrosa diversidad de productos. El pintor y experto en materiales artísticos Rhéni Tauchid simplifica este tema desalentador, explicando claramente cada tipo de medio y sugiriendo formas en que puede mejorar su práctica de pintura.Más de veinte demostraciones paso a paso le enseñarán cómo aplicar medios para crear colores vibrantes, superficies sensuales y efectos visuales sorprendentes. Cientos de hermosas fotografías ilustran el potencial casi ilimitado de los medios y le muestran cómo otros artistas, tanto abstractos como realistas, están empleando medios para impulsar su arte en nuevas direcciones creativas. El primer libro de este tipo, esta referencia esencial pertenece al estante de todo pintor acrílico.
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Me he perdido en Venecia, pero ¿hay algo más mágico que perderse aquí? En el cielo veo una bandada de palomas, por lo que no debo de estar muy lejos de la plaza de San Marcos. Los gatos venecianos me guían por los canales y siento que la realidad va quedando fuera de este laberinto que se disfraza de ciudad... La isla de Burano, el puente de Rialto, Campo San Polo, la plaza de San Marcos… cae el sol sobre Venecia, desde sus edificios más emblemáticos hasta los rincones más desapercibidos, pasando por sus encantadoras plazas. David Pintor está ahí para captar con su lápiz y su paleta de colores cómo la luz languidece. Pero la mirada que nos ofrece está tocada por una suerte de magia que hace que las sombras fluyan sobre el agua de los canales, que los balcones y las terrazas dancen sobre los tejados.
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Todos podemos dibujar, y con este libro... ¡lo dibujaremos absolutamente todo! En esta extensa y simpática guía, la ilustradora japonesa Kamo te enseña a dibujar de forma fácil y divertida todo tipo de motivos de la vida cotidiana: desde animales, personas, insectos y flores hasta alimentos, muebles, vehículos y todo tipo de edificios (¡también los más famosos del mundo!). Con breves y facilísimas instrucciones paso a paso, consejos sobre la práctica del dibujo y un sinfín de trucos de valor inestimable, esta enciclopedia de dibujo es una herramienta ideal para ponerte manos a la obra y empezar a crear todo aquello que se te pase por la cabeza.
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El claroscuro de un genio maldito. «Ha habido otras biografías de Caravaggio, pero la de Andrew Graham-Dixon es la que hay que leer.» Daily Mail Michelangelo Merisi da Caravaggio vivió la más oscura y peligrosa vida de entre los grandes maestros de la pintura. Los ambientes de Milán, Roma y Nápoles en los que Caravaggio se movió, y que Andrew Graham-Dixon describe magníficamente en este libro, son los de los cardenales y las prostitutas, los de la oración y la violencia. En las calles que circundaban iglesias y palacios, las peleas y los duelos eran moneda común. En una de estas disputas, el impetuoso Caravaggio mató a otro hombre y tuvo que huir a Nápoles y luego a Malta, donde escapó de prisión tras verse envuelto en otro episodio violento. Él mismo fue víctima de un intento de asesinato en Nápoles tiempo después. Murió mientras regresaba a Roma en busca del perdón papal para sus crímenes. Tenía 38 años. Andrew Graham-Dixon pasó una década reuniendo las evidencias conservadas sobre la vida de Caravaggio para responder en este libro a muchas de las cuestiones que durante años desconcertaron a los investigadores. Revela las identidades de la gente corriente -a menudo prostitutas y mendigos- que el pintor usó como modelos para sus representaciones de escenas religiosas clásicas describe lo que pasó realmente durante ese fatídico duelo y ofrece el más convincente relato publicado hasta la fecha de las extraordinarias circunstancias de su muerte. Y en el centro de este relato se sitúa la reveladora interpretación que Graham-Dixon hace de los cuadros de Caravaggio para mostrar cómo éste creaba su drama, inmediatez y humanidad, y cómo rompió drásticamente con las convenciones de la época. La crítica ha dicho...«Ha habido otras biografías de Caravaggio, pero la de Andrew Graham-Dixon es la que hay que leer. Impresionantemente erudita y bien escrita, ésta es una extraordinaria historia de un hombre que nunca nos habla más que a través de su pintura.»Daily Mail «La vida de Caravaggio fue en cada detalle tan sangrienta, excitante y atractiva como sus propias pinturas. Entre informes policiales y exuberantes lienzos, Graham-Dixon ha moldeado una vida y la historia de una sociedad.»The Times «Raramente se ha podido contemplar a Caravaggio con tanta profundidad y relieve como en esta maravillosa biografía. El hombre y su obra emergen enriquecidos y revitalizados.»Neil MacGregor, director del British Museum «Tras años en los que los historiadores del arte se han concentrado en los detalles del estilo artístico, es refrescante leer una biografía de Caravaggio que combina la sangre y las vísceras de los callejones de Roma con una verdadera comprensión de la calidad y el carácter de su pintura.»Charles Saumarez Smith, director de la Royal Academy of Art «El que a Graham-Dixon le llevara una década investigar y escribir este lúcido y fascinante libro es una muestra de la profundidad de sus indagaciones, la destreza de su análisis histórico y artístico y la hábil fluidez con la que está expresado. Se trata de una proeza poco común.»Publishers Weekly
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«Me llevó toda una vida aprender a dibujar como un niño». Esta confesión de Picasso no constituye una frase ingenua, representa el código secreto que abre la bóveda de la modernidad. ¿Qué misterio custodian los trazos de un niño para que los grandes maestros de la vanguardia dedicaran décadas a intentar descifrarlos?A menudo, los primeros grafismos infantiles terminan olvidados en la puerta de la nevera como simples anécdotas escolares. Sobre arte infantil propone un viaje electrizante hacia el origen de la creación, allí donde el instinto desafía a la academia.Raúl Herrero convoca a figuras de la talla de Gauguin o Paul Klee en un diálogo vibrante donde la psicología, la filosofía y la historia del arte colisionan con movimientos como:-El dadaísmo y el surrealismo.-El postismo y el art brut.-El grupo CoBrA o la Escuela de Altamira.Enriquecido por la mirada pura y elocuente de Hermes Antonio Herrero Martín, este libro funciona como una brújula entre el aula y el museo. Representa una lectura imprescindible para educadores, progenitores, amantes del arte y cualquier persona dispuesta a redescubrir el mundo a través de la mirada más libre, pura y visionaria que existe.Sobre arte infantil no permanece en el estante como un ensayo más, se manifiesta como un recorrido visual y conceptual que nos lanza la pregunta definitiva: ¿En qué momento dejamos de pintar paredes para empezar a levantar muros?
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Desde los 80, el arte se ha convertido en el movimiento cultural por excelencia. Varias generaciones de artistas han contribuido a que así fuera, pero eso no es suficiente para explicar su lugar preponderante. En paralelo, un mercado que ya estaba desarro
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Tractats de pintura és una col·lecció de manuscrits de Leonardo da Vinci. Aquesta edició ha estat ampliada amb altres apunts dels còdexs de Leonardo. Els manuscrits es van començar a Milà mentre el geni renaixentista estava al servei de Ludovico Sforza i reunits pel seu hereu Francesco Melzi. El tractat es va publicar per primera vegada a França el 1632, després que la versió de Melzi fos redescoberta a la Biblioteca Vaticana. El tractat es va publicar en la seva forma moderna l’any 1817. L’estudi introductori, selecció i edició de Josep Tarragona, en aquesta primera publicació en llengua catalana, recull noves dades sobre la vida i obra de Leonardo i Catalunya.
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El arte en juego es una colección de libros para que los más pequeños descubran el arte de los siglos xx y xxi. Página tras página, mediante imágenes, preguntas, sorpresas gráficas o juegos, se da a conocer una obra del Centre Pompidou. Es una invitación para acercarse de forma lúdica al arte actual. Como si de un decorado de ópera se tratara, David Hockney escenifica La llegada de la primavera en Woldgate en un bosque misterioso. A medida que van pasando las páginas, adoptamos la mirada de los animales que lo habitan: ¿qué ve la hormiga escondida entre la maleza? ¿Y el zorro que acecha entre los arbustos? ¿Y el pájaro posado en la copa del árbol?
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Meaning Matter Memory es una extensión de la colección de obras de arte del Studio Museum, creadas por artistas afrodescendientes. Hermosas ilustraciones de obras significativas de más de 250 artistas se acompañan de textos originales de más de 100 voces del mundo del arte, incluyendo escritores, académicos, artistas y críticos (Como Thelma Golden, Connie H. Choi, Mary Schmidt Campbell, Kinshasha Holman Conwill, and Lowery Stokes Sims, entre otros) Celebrando una multitud de voces, medios, estilos y épocas artísticas, este manual ofrece una mirada a los profundos y múltiples logros artísticos de los artistas negros durante más de 200 años. El libro exhibe y promueve un principio fundamental de la misión del Studio Museum: servir como guardianes de la obra —antigua, nueva y aún por crear— de los artistas afrodescendientes.Incluye trabajos de: Derrick Adams, Emma Amos, Jean-Michel Basquiat, Romare Bearden, Jordan Casteel, Elizabeth Catlett, Nick Cave, Samuel Fosso, Theaster Gates, Cy Gavin, Barkley L. Hendricks, Arthur Jafa, Rashid Johnson, Simone Leigh, Glenn Ligon, Julie Mehretu, Wangechi Mutu, Gordon Parks, Martin Puryear, Faith Ringgold, Betye Saar, Augusta Savage, Tschabalala Self, Lorna Simpson, Mickalene Thomas, Kara Walker y Carrie Mae Weems, entre muchos más.
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¿Explora el arte del dibujo con lápices de colores Nathalie Ravier, artista y profesora de dibujo, te revela todos sus secretos para dominar los lápices de colores. Aprenderás diferentes técnicas siguiendo modelos paso a paso, agrupados en cuatro grandes temas: plantas y vegetales, mundo animal, paisajes de aquí y de allá, y el huerto y el vergel. Tengas o no experiencia, este libro te enseñará todo lo necesario para transformar tus dibujos en auténticas obras de arte. En este libro encontrarás: una guía de materiales y de técnicas básicas: aprovecha la experiencia de una artista para equiparte con las mejores herramientas prácticas y teóricas, 34 modelos paso a paso: para crear dibujos desde cero hasta los retoques finales, detalle a detalle, y consejos prácticos: aprende a combinar colores, a jugar con las luces y las sombras, y a dar relieve a tus creaciones. c
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«Se invita a los jóvenes artistas de Zúrich para que acudan con sus propuestas y aportaciones sin que importe su orientación particular.» Así decía el llamamiento que Hugo Ball publicó en un periódico de Zúrich el 2 de febrero de 1916 cuando decidió fundar el mítico Cabaret Voltaire, la cuna del dadaísmo. Y lo hizo sin saber quiénes acudirían ni qué llevarían. Tres días más tarde, el Voltaire abrió sus puertas sin ninguna planificación previa. «Mítico» es un adjetivo que suele asociarse, con frecuencia, al dadaísmo y a algunos de sus geniales representantes: Tristan Tzara, primero en Zúrich y luego en París, junto a André Breton, futuro padre del surrealismo, George Grosz en Berlín, donde también destacaron artistas como Raoul Hausmann y Hannah Höch, pioneros del collage y del fotomontaje, y Richard Huelsenbeck, autor del insustituible Almanaque dadá, la pareja Duchamp-Picabia con su dadaísmo neoyorquino… Pero, como oportunamente se pregunta el autor de este libro, ¿qué hubo de verdad y qué de mito en el origen y la evolución del dadaísmo? En cualquier caso, esta amena y documentada biografía colectiva, en la senda de los trabajos de historia narrativa de Barbara Tuchman y Peter Gay, retrata las figuras y los momentos más brillantes de un movimiento que transformó radicalmente el arte del siglo XX y cuyas ramificaciones llegan hasta nuestros días. Una revolución antiacadémica y provocadora que, partiendo de la idea de destrucción, logró construir obras artísticas y literarias de una frescura y una vitalidad que aún no se han apagado. Sin dadá, nos dice Jed Rasula, hoy no tendríamos collages musicales, ni fotomontajes, ni happenings… Y ni siquiera habrían existido el surrealismo, el pop art y el punk. «Sin dadá, la vida moderna tal como la conocemos difícilmente podría calificarse de moderna.»
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Nicolas Gzeley es fotógrafo, autor, periodista y grafitero. Colabora con diversas revistas y libros especializados.Nicolas Laugero-Lasserre es director de la escuela icart, presidente fundador de la asociación Artistik Rezo y coleccionista de arte urbano.Stéphanie Lemoine, periodista y crítica de arte, enseña historia del arte urbano en la Universidad Panthéon-Sorbonne.Sophie Pujas es periodista en Le Point y escritora. Autora de tres obras sobre arte callejero.
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Las mascaronas eran mujeres de madera emplazadas en las proas de los barcos. ¿Por qué estaban allí, en un lugar en donde no había mujeres?Miles de mujeres esculpidas en madera poblaron las proas de los barcos hasta bien entrado el siglo XX. La gran mayoría desaparecieron en naufragios o desguazadas. Muy pocas se conservan. No existe en la historia del arte nada parecido: ¿qué otras figuras han sido tan condenadas al martirio del desastre? ¿A qué otros productos artísticos se les solicitó semejantes proezas?Hablamos de figuras sujetas a las máximas exigencias: con las pupilas bien abiertas, tenían que ser capaces de prever los peligros, de espantar las amenazas, de proteger a naves, cargamentos y tripulaciones, de representar a naciones, reyes, armadores y comerciantes, de recordar al hogar. Se les solicitó entrega abnegada en el matrimonio con su barco y con los hombres que había dentro. Y, al mismo tiempo, cada una de ellas estaba atada a una biografía precisa, al rostro concreto de una mujer, de una madre, una esposa o una hija, pero también al universo viril, patriarcal, mercantil y colonial del capitalismo marítimo.¿Qué función tenían en un espacio exento de mujeres de carne y hueso? Las mascaronas reflejan toda una política de género que las moldea y las inclina en las proas, y que da testimonio de un conjunto de patrones míticos, morales, religiosos, productivos, reproductivos, sexuales y laborales confeccionados en el mar sobre el cuerpo social femenino y que lo infectaron todo también en tierra. La historia de estas figuras, hoy tristemente pintarrajeadas en los museos, nos puede ayudar a comprender el modo en el que lo femenino se constituyó como política iconográfica de la modernidad.
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Una lectura absorbente que arroja luz sobre uno de los delitos más lucrativos y desconocidos del mundo: el robo de arte. Casi tan antiguos como la propia humanidad, los robos de arte se remontan hasta los orígenes de los primeros grandes imperios. Desde entonces, nos fascinan y repelen por igual, pero, ¿qué se esconde tras ellos? ¿Por qué se roba el arte? ¿Qué ocurre con las piezas robadas? ¿Existen realmente los robos por encargo? ¿Cómo funciona el mercado negro del arte? Encontraremos respuesta en este apasionante recorrido a través de cincuenta robos y saqueos que han determinado el rumbo de la historia. Pero, sobre todo, intentaremos dar respuesta al mayor enigma de todos, ¿por qué, a pesar de que la mayoría de nosotros nos encontramos del lado bueno de la historia, nos resultan tan fascinantes?
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Delve into the mystical world of Swedish artist Hilma af Klint, whose work from the early 20th century has only recently gained critical attention. An early pioneer of abstraction, af Klint created immersive, colorful paintings filled with geometric variations and biomorphic shapes.
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No todas las representaciones escritas recogidas en este volumen corresponden, en rigor, a la definición estricta de onomatopeya, por lo que es obligado señalar que en este libro hemos decidido seguir un criterio laxo, favoreciendo la inclusión sobre la exclusión y apropiándonos no sólo de las onomatopeyas puras, sino también de sus frondosos «entornos». Así, bastantes sustantivos y verbos ingleses que no ofrecen similitud acústica con el fenómeno sonoro designado se utilizan «a modo» de onomatopeyas, cuando en realidad son indicadores semánticos de una función. A todo ello hay que añadir que el vistoso protagonismo plástico de muchas onomatopeyas, dominando por su tamaño espectacular la mayor parte del espacio de una viñeta, evacuó la posibilidad de borrarlas en las versiones traducidas a otros idiomas -a diferencia de la traducción de los diálogos inscritos en globos-, lo que exportó sus modalidades filológicas a otras culturas lingüísticas. De modo que se asistió a un fenómeno de exportación y universalización de las onomatopeyas, tanto como a fenómenos de acomodación local o de hibridación ortográfica y fonética. De esa inmensa riqueza, tanto plástica como semiótica, se han nutrido las páginas de este libro.
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Manual de referencia para artistas y diseñadores, esta nueva edición de este clásico sobre combinación cromática revisa todas las bases de la teoría del color y se actualiza con nuevos colores, paletas y herramientas que te permitirán ganar seguridad en tus elecciones cromáticas. Contenidos principales: El círculo cromático Cómo usar el color La carta de colores El proceso Aspectos del color Combinaciones cromáticas ¿Cuál es tu color? Efectos especiales para colores Estados de ánimo y color Psicología del color Tendencias cromáticas Tabla de conversión de cuatricromía Muestras de color
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Un mazo de 23 cartas de meditación con arte y poesía.Los Espejos Sagrados invitan a un viaje interior a través de nuestra anatomía física, sociopolítica y espiritual. Este mazo de meditación incluye veintitrés cartas con reproducciones de las veintiuna pinturas originales de Alex Grey más dos imágenes transformadoras adicionales: Sobrealma y El Ángel.La poesía visionaria de Grey en el reverso de cada carta ofrece una guía en la contemplación de la imagen al frente, culminando en un tema de una sola palabra para la reflexión. Las veintitrés cartas de este mazo conducen al proceso de theosis —acercarse a Dios— a través de la contemplación de arquetipos icónicos y el reconocimiento del yo, del otro y del mundo como reflejos de lo divino.Contiene la serie completa de pinturas de los Espejos Sagrados, meditaciones guiadas, reflexiones y poesía de Alex Grey, autor de Transfiguraciones (25.000 copias vendidas) y Espejos Sagrados (90.000 copias vendidas). Las pinturas originales de 46” x 84” presentadas en esta obra están expuestas en la Capilla de los Espejos Sagrados en la ciudad de Nueva York.
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Aprende a dibujar de forma realista félidos, cánidos, úrsidos, équidos, bóvidos, cérvidos, lepóridos, peces y aves de acuerdo con los principios fundamentales de su representación: simplificar los volúmenes, detallar las formas del cuerpo y la cabeza, adaptar las proporciones y el pelaje o el plumaje según la especie. A través de más de 165 ilustraciones y numerosos ejemplos explicados paso a paso, esta pequeña pero completa guía proporciona las bases necesarias para dibujar animales con la mayor precisión.
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Publicada por primera vez en Florencia en 1550, Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue hasta nuestros tiempos, de Giorgio Vasari, se considera la obra inaugural de la Historia del arte y la fuente escrita indispensable para quien quiera acercarse al arte del Renacimiento italiano y a sus protagonistas. Vasari, él mismo pintor y arquitecto, no sólo nos ofrece en ellas el relato de las biografías de los más célebres artistas del Renacimiento italiano, sino que también analiza con detenimiento las técnicas artísticas y el vocabulario técnico y teórico específico.Se han incluido en esta antología la introducción, los proemios a cada una de las partes de las obra y las vidas de los artistas más conocidos entre el público (Miguel Ángel, Rafael, Leonardo, Piero della Francesca, Sandro Boticelli, Giotto, etc.). Se trata, además, de una edición crítica guiada por la voluntad de facilitar al lector la comprensión de las obras, los términos artísticos y los datos históricos que aparecen en el texto vasariano.
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«La magia es vista como una capacidad innata de la humanidad que siempre vuelve a emerger, especialmente tras largos períodos de racionalismo, y que ni la religión, ni la ciencia ni la política consiguen erradicar jamás.» Nadia Choucha, Surrealism and the OccultDurante años, El arte mágico de André Breton fue un auténtico libro de culto, objeto de deseo de los bibliófilos parisinos. Publicado en 1957 por el Club Français du Livre en una tirada limitada, a ojos de su autor representaba el anhelo de toda una vida: nada menos que una historia universal del arte, desde sus orígenes prehistóricos hasta nuestro tiempo, acompañada de una iconografía irreprochable, de la que estaba convencido que sería uno de sus mensajes más duraderos.La particularidad de esta historia, cuyas notas y documentos visuales había ido acumulando a lo largo de los años, es la de estar contada con las premisas delsurrealismo. Por sus páginas desfilan: el Bosco, Brueghel, Uccello, Durero, Grünewald, Altdorfer, Holbein,Arcimboldo, Caron, Desiderio, Blake, Füssli, Goya, Friedrich, Böcklin, Gauguin, Gustave Moreau, Rousseau,De Chirico..., sin olvidar el arte religioso de lasmás diversas épocas y culturas del mundo. Toda esta fabulosa corriente visual, compuesta por más de doscientas reproducciones de gran calidad, constituye el último sueño de Breton. El volumen se cierra con una interesante e insólita sección de ciento cincuenta páginas sobre el valor y la significación de lo mágico ennuestra época, en forma de encuesta realizada a personajes de la talla de Martin Heidegger, Octavio Paz,René Magritte, Georges Bataille, Claude Lévi-Strauss,Julien Gracq, Benjamin Péret, Pierre Klossowski, Roger Caillois, Juan Eduardo Cirlot, Leonora Carrington,Julius Evola, Maurice Blanchot, René Nelli... Unade las figuras más representativas de las grandes pulsiones artísticas y literarias del primer tercio delsiglo xx es sin duda André Breton (1896-1966). Bretoncreía que el ser humano es como un animal encerradoen una jaula, dando vueltas y vueltas sobre sí mismo,y asumió una suerte de pasión amorosa por la purezasalvaje, por la desnudez original, donde la vida vuelve a ser lo que era, realidad viviente, no una mera exterioridad cuantificable sin sustancia ni contenido.Y pensó que esto sólo puede cumplirse si la potenciadel deseo nos conduce a las raíces más profundas y auténticas de la Imaginación. De ahí que terminara proclamando que «solamente es bello lo maravilloso», como da buena muestra el río de imágenes que seleccionótan cuidadosamente para este libro.
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La historia del arte de vanguardia durante la primera mitad del siglo XX su puso, entre otras consideraciones, el relevo de Europa (y París como su in discutible capital artística) por Estados Unidos (con Nueva York ocupando esa misma centralidad). Para que se produjera ese cambio de epicentro fue decisivo el intercambio, entre ambos lados del Atlántico, de obras, artistas, críticos, galeristas, directores de museo y coleccionistas. En dicho proceso, tres artistas españoles (Pablo Picasso, Salvador Dalí y Joan Miró) tuvieron una máxima relevancia, llegando a encarnar no sólo muchos de los “ismos” de vanguardia sino, sobre todo, una actitud vital, un modo de entender esos tiempos de utopía y crisis. En este libro se reúnen algunos de los episodios más destacados de esa llegada a Estados Unidos, entre los extremos de la polémica y del aplauso incondicional.
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El concepto de calidad siempre ha resultado escurridizo. La relatividad de los juicios de valor en estética es algo que desde Aristóteles hasta Kant y Croce ha quedado bien establecido en el pensamiento europeo, lo que suponía un freno a cualquier intento de definir y establecer con claridad conceptual en qué consiste la calidad en el arte. Alejandro Vergara se enfrenta a la difícil tarea de cercar este concepto convencido de la importancia de ese esfuerzo intelectual y para ello primero expondrá el recorrido sinuoso y esquivo de la idea de calidad a lo largo de la historia del pensamiento occidental y posteriormente, basándose en su amplio y reconocido conocimiento de la pintura europea de los siglos XV al XVIII, se adentrará en una exposición práctica, acompañándonos a descubrir, como si se tratara de una indagación detectivesca, qué se entendió en Europa por calidad durante tres largos siglos en los que se produjo gran parte de la mejor pintura europea.
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¿Qué implica crear arte? ¿Cómo se aprende a ''leer'' una obra? ¿Cuáles son los elementos clave de la composición? Cómo funciona el arte es una guía visual clara y accesible que revela los principios, las técnicas y los conceptos que hay detrás de las grandes obras de arte. A través de gráficos prácticos y explicaciones sencillas, este libro te enseña a comprender cómo se crea el arte y cómo interpretarlo. Desde la pintura y el dibujo hasta la escultura y la cerámica, descubrirás los materiales y procesos que dan forma a una obra artística. Aprende a identificar elementos clave, como la perspectiva, la luz, el color, la forma y la composición, y a reconocer los principales estilos y movimientos artísticos que han marcado la historia del arte. En este libro encontrarás: - Materiales y técnicas, como pintura al óleo, acuarela, dibujo, escultura, cerámica... - Explicaciones claras de los fundamentos técnicos, como la perspectiva, la luz, el color, la forma y la textura. - Una introducción a movimientos clave, como el impresionismo, el cubismo y el surrealismo. - Cómo el arte transmite ideas, mensajes y emociones. Ideal para estudiantes, artistas y amantes del arte, este magmífico libro es el punto de partida perfecto para comprender y disfrutar del arte con una mirada informada y curiosa.
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¿Qué futbolista extranjero conoció el flamenco cuando llegó a Nervión, no lo entendía en un principio y luego le gustó? ¿Qué entrenador favorecía una salida semanal de la plantilla, con cena y copas hasta una hora prudente? ¿Qué dos leyendas del Sevilla terminaron en calzoncillos y en la calle tras un terremoto? ¿Qué mediocentro foráneo es un entusiasta del salmorejo que le prepara su suegra? Preguntas curiosas y llamativas. Las respuestas a estas cuestiones, y a muchas más de este tipo, las encontrará en este libro dedicado al programa A Balón Parado, espacio que comenzó a emitirse en septiembre de 2011 en SFC TV, bajo la dirección y presentación del periodista Roberto Arrocha, y que conforma hoy, con un estilo ameno, peculiar y humano, el particular diván de los protagonistas del Sevilla F. C.
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Libro publicado con ocasión del recorrido Un paseo botánico por el Prado, celebrado en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 28 de octubre de 2024 y el 30 de marzo de 2025.El presente volumen fija su atención en treinta especies botánicas representadas en otras tantas obras del Museo del Prado: pinturas y esculturas destacadas de la colección permanente, como El jardín de las delicias del Bosco, El descendimiento de Van der Weyden o La Anunciación de Fra Angelico. Cada una de las treinta plantas va acompañada de un comentario de Eduardo Barba y de una ilustración botánica realizada por Juan Luis Castillo, así como de la reproducción completa y en detalle de la obra del Museo.En palabras de Eduardo Barba: «Muchas obras de arte rebosan de plantas. En otras, se encuentran un poco más escondidas. En todos los casos, la botánica es una parte indispensable del relato que el artista quiere narrar: hay flores que aluden a la dinastía de la persona retratada, hojas que resumen un sentimiento, árboles que transmiten a la escena cualidades que les son propias. Las especies escogidas podían estar presentes en el entorno del artista, incluso al pie de su taller de trabajo. Pero otras veces, y como fruto de las expediciones a distintos lugares del mundo, se incorporaban plantas exóticas que provenían de países lejanos y que enriquecían la flora artística, especialmente a partir del siglo XVI. De cualquier manera, las obras de arte dejan constancia de la fascinante capacidad de observación del medio natural de los artistas, que retrataban las plantas con delicadeza, como si fueran un personaje más».
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“Es mi proyecto explicar primero qué cosa sea la Belle za, habiendo de ella tan varias opiniones, y después, qué se entiende por Gusto: pues la mayor parte de los que han escrito sobre él no dan idea del sentido en que se toma esta palabra cuando se habla de Pintura, por lo que he procurado hacer inteligible esta voz, dando de ejemplos sacados de las obras de los más famosos Profesores.”
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Un libro inspirador para todos los creadores, artistas y soñadores, ya estén comenzando su camino o buscando una nueva perspectiva. A través de su experiencia como novelista y mentora creativa, Amie McNee (@inspiredtowrite) comparte por qué el mundo necesita tu arte y cómo puedes hacerlo realidad. Propone un plan de dos semanas para recuperar el hábito y conectar con tu propósito. No se trata de escribir una novela en un mes ni de pintar una obra maestra de la noche a la mañana, sino de dar pequeños pasos constantes cada día que te permitan construir una práctica sólida. La autora aborda los grandes retos de cualquiera que se enfrente a su obra (el síndrome del impostor, el perfeccionismo, la procrastinación o la autocrítica) y nos invita a realizarnos como artistas y a reivindicar el derecho a crear con orgullo, sin miedo y sin pedir permiso.
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¿A quién pertenecen los mármoles del Partenón o el busto de Nefertiti? La historia de cómo el imperialismo y el colonialismo llenaron nuestros museos. Detrás de muchas de las obras que admiramos cuando visitamos el Louvre, el Museo Británico o el Met de Nueva York se oculta un pasado incómodo. Son piezas que desaparecieron de su lugar de origen, arrancadas de templos, tumbas o palacios, y que hoy se siguen reclamando. Durante siglos, los grandes museos reunieron objetos procedentes de todos los rincones del planeta convencidos de estar preservando el patrimonio de la humanidad. Pero tras esa apariencia de universalidad se esconde una historia de conquistas, expolios y apropiaciones que todavía proyecta su sombra sobre nuestras instituciones culturales. Este libro sigue el rastro de seis piezas emblemáticas —de los mármoles del Partenón al penacho de Moctezuma, los bronces de Benín y el busto de Nefertiti— para contar, con rigor y claridad, cómo llegaron a las salas de exposición en las que reposan y para abrir el debate sobre su restitución. «¿Y si la identidad de los museos más importantes del planeta descansara sobre piezas que no deberían custodiar? El temblor que sacude a una de nuestras instituciones clave amenaza con alterar para siempre la visión que tenemos de nosotros mismos. Este libro lo cuenta. Y sus conclusiones son perturbadoras.» Javier Sierra, escritor «Estas historias relatadas con maestría revelan un panorama muy inquietante: una letanía de codicia, deshonestidad, manipulación y apropiación indebida a escala internacional. Arte secuestrado lanza una llamada clara y apremiante: ¡por favor, devolved lo antes posible estas obras maestras a los lugares a los que realmente pertenecen!» Paul Cartledge, catedrático emérito de Cultura Griega de la Universidad de Cambridge «Arte secuestrado ofrece, a partir de casos de estudio, un panorama problemático sobre la cultura que ''nos pertenece'' y la necesidad de lo que podríamos llamar una justicia post-patrimonial. Rastrear los olvidos usurpadores del Museo contribuye, como ejemplarmente hacen Catharine Titi y Katia Fach Gómez en este lúcido y riguroso libro, a tener una memoria crítica y a respetar otras formas de mirar.» Fernando Castro Flórez, crítico de arte y profesor de la Universidad Autónoma de Madrid
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Voici quatre‐vingts planches, de dimensions moyennes, feuilles volantes, destinées à circuler commodément, des espèces de placards de satire et de fantaisie. Elles ont été exécutées de 1793 à 1797, à une époque où l’Europe se débat dans les convulsions de la fin d’un monde. Leur titre, Les Caprices, pourrait faire croire qu’il n’y ait là que le passe‐temps d’un grand peintre. Mais, derrière ce mot innocent, se dissimule une virulence occulte, si bien que le sens de certaines planches nous paraît encore aujourd’hui très énigmatique.
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Cuando la armonía y la composición estética se unen a sesgos de género, procedencia o clase social, modelan inconscientemente nuestra mirada. Deconstruir estas imágenes nos permite ver que hay otros modos de composición, otros encuadres y planos que forjan una realidad más amable con los otros, compartida. No solo la creatividad de las mujeres ha sido ignorada y expropiada, sino que siglos de educación visual han jerarquizado nuestros modos de ver, acostumbrándonos a identificar lo vertical, ordenado y heroico con lo sólido, duro, seco y masculino y lo blando, horizontal, fragmentado, húmedo y subalterno con lo femenino. Este libro reivindica la necesidad de una alfabetización visual que nos enseñe a ver ''más allá'' para liberarnos del relato artístico hegemónico. Y, como alternativa, nos propone un encuentro con la práctica artística y un conocimiento del proceso de creación incluyente, cognitivo y corporal, sensorial, contextualizado. En suma, deconstruir el arte violento para reconstruir el arte como vinculación humana.
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Refugio, de Olga Tokarczuk, es el tercer libro de la colección Escribir el Prado, tras El vigilante de sala, del Premio Nobel J.M. Coetzee, y El nivel de aire, de Chloe Aridjis, PEN/Faulkner Award for Fiction (2020). Este relato ha sido escrito en el marco del programa de residencias para escritores organizado por el Museo Nacional del Prado con el patrocinio de la Fundación Loewe y en colaboración con Granta en español. La estancia de Olga Tokarczuk en el museo tuvo lugar entre marzo y abril de 2024.
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El bonheur-du-jour es, además del título original de este libro, un pequeño mueble con cajones en el que se guardan papeles y pequeños objetos a los que se les tiene cariño, un tipo de mueble que dejó de fabricarse a finales del siglo XVIII. Justo la misma función que cumple este curioso dietario, que va de marzo a marzo, en el que Jacques Brosse guarda los momentos en que se maravilla al presenciar el espectáculo de la vida de las plantas, los pájaros y el paisaje de su verde región del Périgord, en el interior del suroeste francés.El vivo azul de las verónicas, el susurro de las hojas, el rojo resplandor de la puesta de sol, la majestuosidad de los nísperos, el negro brillante de los plumajes, el verde jade de los amentos del avellano, el aroma de los higos que estallan al sol o el límpido canto de la alondra irrumpen exultantes en las páginas de este volumen, en el que Brosse entabla un amoroso diálogo con la fauna y la flora que lo circunda, y se lo ofrece al lector a través de pequeñas máximas filosóficas que presentan las cualidades más seductoras que puede poseer el espíritu humano, esas que son fruto de una rara aleación de serenidad y fervor.Frente a los desmanes del progreso y los peajes del modo de vida contemporáneo, que nos obliga en todo momento a estar al corriente, nos hipnotiza y nos arrastra a una vida que ya casi no nos pertenece, Brosse preconiza una saludable ética de la desposesión y una plena consciencia de lo efímero. Con sencillez, belleza y una profunda inmersión en la naturaleza, La alegría del momento nos impele al acto más subversivo que se pueda acometer hoy en día: el revolucionario arte de la contemplación.
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Descubrimos un vínculo secreto entre el destino de estos bufones y los cuadros de Velázquez: ambos existen en función de una mirada. No tienen otra razón de ser que la de ser mostrados, pero mostrados como muestra el monstruo, como un guiño que plantea siempre un interrogante. El pintor nos ha encerrado a solas con estos “hombres de placer”, ante los cuales sentimos la misma desconfianza que ante los espejos, porque como éstos vacían nuestra vida de normalidad y la despojan de todos sus valores seguros.
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Au regard des amateurs, le Monochrome est considéré comme un « genre » pictural à part entière, un genre parmi les autres (Paysage, Nature morte, Portrait, etc.). Le présent ouvrage l’inscrit dans la longue durée d’une histoire qui a connu des formulations dont il évoque les principaux avatars ― ainsi que les rebonds décisifs. Spécialiste des humours d’avant‐garde, d’Alphonse Allais à Marcel Duchamp, Daniel Grojnowski a notamment publié Les Arts incohérents et le rire dans les arts plastiques, en collaboration avec Denys Riout (José Corti, 2015), ainsi que Fumisteries, de la marge au centre (Champ Vallon, 2023).
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.