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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
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Correggio
Antonio Allegri, conocido como Correggio (1489-1534), “es el Apeles de los Pintores modernos, pues poseyó como aquél la suma gracia del arte, y con sus singulares obras nos ha enseñado el camino de la perfección que debemos buscar en la práctica de la Pintura, y adonde se puede llegar en el efecto, y cuando se debe dar por acabada una obra.”
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El sketchbook de Loish, proceso creativo
Lois Van Baarle (Loish) recoge en este libro una mirada única de su proceso creativo y la importancia que desempeñan los bocetos en su obra. Descubre cómo la autora explora la gestualidad, la estilización y da vida a sus personajes utilizando diferentes técnicas tradicionales y digitales. El libro incluye detallados tutoriales sobre la construcción de personajes y paisajes que te mostrarán cómo Loish captura el espíritu de su obra final gracias a un exquisito trabajo preliminar. Déjate llevar por la magia de Loish a través de sus bocetos, de las obras de arte exclusivas que presenta en este libro y del capítulo especial donde se exploran los conceptos personales de la autora para ofrecerte una visión en profundidad de cómo sus ideas iniciales evolucionan hasta culminar en logrados diseños conceptuales. Inspirador y divulgativo, con El Sketchbook de Loish ¡desearás ponerte a dibujar! Libro estilo The art of con grandes dibujos
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Bienvenido, Mr. Turismo
El «boom» turístico español es un fenómeno tan conocido como poco debatido. En la memoria colectiva ha quedado vinculado a una serie de espacios -Benidorm, Torremolinos- e iconos simbólicos -el biquini, «las suecas»- que dan forma a una narración estereotipada. Con la finalidad de matizar y enriquecer dicho relato, el presente libro propone una revisión de la cultura visual del «boom». La autora analiza un nutrido corpus documental extraído de archivos nacionales y extranjeros, sirviéndose de herramientas analíticas de los estudios visuales y de la antropología del turismo. El repertorio iconográfico resultante revela que el imaginario de lo español durante la dictadura franquista fue mucho más complejo de lo que «a priori» podría pensarse, con una constante negociación entre las imágenes que respondían a la búsqueda de experiencias de los turistas y aquellas en las que un país en pleno proceso de modernización deseaba verse reconocido.
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La escultura del vacío
El gran innovador de la escultura del siglo XX.Proyectar y dibujar en el espacio con ayuda de nuevos medios, aprovechar este espacio y construir con él como si se tratara de un material recobrado, en esto consiste mi búsqueda. Si la escultura tradicional tenía horror de los huecos y los vacíos, la nueva escultura de Julio González (1876-1942) los utilizará, convirtiéndolos en materiales indispensables.
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Manual del gestor cultural
La gestión cultural, es sabido, vive desde hace años una etapa de notorio auge. Esta circunstancia obedece a la necesidad de armonizar el ingente campo de las Humanidades con las innovaciones que conllevan las nuevas tecnologías. Por dicha razón, ha crecido de manera exponencial la demanda de profesionales bien formados y capaces de gestionar un patrimonio de singular riqueza desde el respeto al pasado, al legado artístico, pero con la mirada puesta asimismo en el futuro inminente. Ahora bien, ¿qué hace exactamente un gestor cultural? ¿Dónde desarrolla su labor? ¿Qué formación requiere para ejercer con garantías de éxito su imprescindible labor? Este libro da cumplida y amena respuesta a todas esas preguntas. Una correcta gestión cultural supone el desempeño de una tarea multidisciplinar, en la que confluyen ámbitos muy diversos (la comunicación, la gestión administrativa, la tecnología...). Así pues, en función del entorno concreto donde se desarrolle, las funciones del gestor cultural habrán de contemplar elementos dispares. No son pocas las diferencias existentes entre hacerlo en un ayuntamiento o en un museo. Pero ambos tienen un elemento en común: la figura del gestor cultural. ''Este libro ofrece ideas, conceptos, estrategias y propuestas generados a partir de la propia experiencia de su autor. Expresados de forma amena, ayudarán sin duda al gestor cultural en el inicio de su carrera profesional, pudiendo aportar también una nueva visión al profesional en activo''. ANA VELASCO, presidenta de la Federación Estatal de Asociaciones de Profesionales de la Gestión Cultural ''Aborda la gestión cultural de forma clara y precisa, con aproximaciones acertadas a casos concretos. Este manual será de enorme utilidad para los profesionales del sector''. RAFAEL LÓPEZ GUZMÁN, Catedrático en Historia del Arte
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La peinture de Balthus est une révolution incontestablement dirigée contre le surréalisme, mais aussi contre l'académisme sous toutes ses formes. Par-delà larévolution surréaliste, par-delà les formes de l'académisme classique, la peinture révolutionnaire de Balthus rejoint une sorte de mystérieuse tradition.
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Los artistas hablan sobre el arte
Mediante una selección comisariada de citas, imágenes y entrevistas, este libro nos da acceso a las mentes de los pensadores y creadores más influyentes del mundo. Descubra cómo los titanes del mundo del arte, desde Ai Weiwei hasta Ana Mendieta, desarrollaron sus propios estilos visuales, las ideas centrales en las que se sustentan sus prácticas y, lo más importante, qué es lo que le transmiten sus creaciones. 50 artistas excepcionales, entre ellos: Marina Abramovi?, Lisa Reihana, Theaster Gates, Tracey Emin, Nam June Paik, Gerhard Richter, Louise Bourgeois, Cindy Sherman, Yinka Shonibare y Mona Hatoum. Se reúnen citas de 50 artistas junto con reproducciones de sus obras y una visión general de sus distintas prácticas. Encontrará pintores y escultores, cineastas y fotógrafos, todos ellos con característicos puntos de vista sobre toda suerte de cuestiones, desde la corporeidad de la pintura hasta la naturaleza conceptual de la creación de imágenes. Se incluyen además cinco entrevistas realizadas exprofeso para este volumen y en las que se ahonda en la forma en que estos innovadores artistas realizan su obra.
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La pintura valenciana en el Renacimiento
Al iniciarse las Germanías, el italianismo de cariz cuatrocentista ya había dejado en Valencia obras cimeras de la pintura hispana que iban a influir en sus talleres de forma decisiva. A las llegadas de Niccolò Delli en 1469 o Paolo da San Leocadio y Francesco Pagano en 1472 les sucedió la de Fernando Llanos y Fernando Yáñez de la Almedina en 1506, mientras se finalizaba el retablo de plata de la catedral de Valencia por el orfebre pisano Bernabeo di Tadeo di Piero de Pone entre otros colegas locales, además de un formidable elenco de obras importadas de las que conocemos solo algunas, como las que –a título de ejemplo– eran poseedores los Borja, los duques de Segorbe y el marqués del Cenete, o se trajo de la península transalpina el embajador Vich, que, por su novedad, debieron de causar también un impacto no menor en la dinámica gremial autóctona.
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Cuando David Hockney descubrió el iPhone como medio artístico, se abrieron posibilidades totalmente nuevas para su arte. Hizo sus primeros dibujos digitales la primavera de 2009, describiendo el paisaje matutino con líneas anchas y deslumbrantes colores directamente en una pantalla que ofrecía matices sutiles como expresiones de pura luz sin mezclas. Después, en 2010, Hockney empezó a trabajar con un iPad. Gracias a la pantalla más grande, amplió su repertorio artístico y permitió una interacción aún más compleja de luz, línea y color.Cada imagen de este libro capta un momento fugaz visto a través de una ventana de la casa de Hockney en Yorkshire: desde el vibrante amanecer y el cielo lila de la mañana hasta las apacibles impresiones nocturnas o la repentina llegada de la primavera. Detalles fascinantes revelan gotas en los cristales de las ventanas, luces distantes en la noche, reflejos en jarrones, o una abundante y variada vegetación en el alféizar. En 120 dibujos realizados entre 2009 y 2012, seleccionados y secuenciados por el propio artista, experimentamos el paso del tiempo a través de los ojos de David Hockney.Este libro de artista, que apareció por primera vez en una exclusiva edición firmada, vuelve ahora en tirada ilimitada y con un generoso formato XL que muestra las impresiones de Hockney en brillante resolución. Así que ahora es la ocasión perfecta para hacer caso al consejo del crítico del Times sobre este libro: ''Si quiere que David Hockney le regale un ramo de flores, esta es su oportunidad.''
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Las artistas del exilio republicano espa
Con el estallido de la Guerra Civil española, Latinoamérica se convirtió en el principal refugio de los exiliados que huían del horror que asolaba el país. Entre ellos se hallaban las artistas republicanas españolas y sobre ellas versa este libro. En sus páginas encontramos creadoras como Maruja Mallo, Remedios Varo,Roser Bru o Marta Palau, junto a otras como Elvira Gascón, Manuela Ballester, Victorina Durán o Mary Martín. A través del estudio de las condiciones socioculturales en que las mujeres desarrollaron su actividadartística y las complejidades que estos procesos conllevaron para ellas, este trabajo propone nuevos relatos que enriquezcan los discursos sobre nuestra historia artística reciente y los estudios en torno a la diáspora republicana. Dentro de sus producciones, a menudo fuera de los parámetros impuestos por las bellasartes, se dan cita la ilustración de revistas y libros, el diseño de moda, la decoración y la docencia delarte, pero también el muralismo y la escenografía, la pintura y el grabado. Aunque compartieron la mismacausa política, estas artistas tuvieron trayectoriasmuy diversas que conformaron diferentes maneras de ver el exilio, la familia, el arte y, en definitiva, lavida.
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El Museo
Pensado en especial para los numerosos museos que operan en el mundo conrecursos limitados y poco personal, y partiendo de un amplio espectro deexperiencias prácticas, en sus páginas se proporciona una guía básica detodos los aspectos del trabajo museístico, de la educación y laformación del público a la organización y planificación del museo,pasando por la gestión y conservación de los fondos y colecciones.Organizado con un concepto modular con más de 100 unidades, el libro sepuede utilizar como obra de referencia para abordar la gestión diaria, ytambién como libro de texto clave en programas de formación.
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Mire esto si ama el buen arte
* Una lectura obligada para todo aquel que se sienta hechizado con el arte excepcional. * Un esclarecedor homenaje a 100 piezas artísticas que revelan qué es lo que las hace obras maestras. * Chloë Ashby explica por qué cada pieza que presenta resulta tan vital. Incluye obras seleccionadas para ofrecer una yuxtaposición única de estilos, medios y escuelas artísticas, para que incluso los más expertos historiadores del arte se crucen con obras infravaloradas, fuera del canon tradicional, y para conocer a visionarios rebeldes que aún ejercen su influencia en artistas de vanguardia. Con datos sobre los géneros más importantes, este libro es un resumen de las obras de arte que importan y una descripción de por qué no se las puede perder. Repleto de enlaces y sugerencias para leer, escuchar, ver y disfrutar. La vida es demasiado corta para el arte malo. Las propuestas de este libro valen la pena.
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Transformaciones y retos de las instituciones contemporáneas
Como podrá comprobarse con echar un rápido vistazo al índice, el lazo que anuda la diversidad de artículos recogidos en el presente libro no se limita a su temática. Lo que, y, sobre todo, anuda, son ciertos motivos y motivaciones. Y es que el empeño que destilan las páginas que el lector tiene frente a sí no es otro que el de seguir pensando nuestras instituciones, esforzándose por proponer formas de institucionalidad que respondan a las transformaciones de la época en que vivimos y a los retos que ella conlleva. En este sentido, el objetivo que el libro se impone es el de profundizar en el conocimiento de las transformaciones y alteraciones que sufren las instituciones contemporáneas, las profesiones (tan ligadas a formas de institucionalidad), el estado de derecho y de bienestar o las políticas públicas, sociales y educativas. Profundizar en el conocimiento de lo que (nos) acontece, como no puede ser de otro modo, para extraer todas sus consecuencias y, en última instancia, orientar otras concepciones y otros modos de acción.Desde distintas disciplinas científicas, las y los autores de cada uno de los textos aquí recogidos apuestan por una investigación de las prácticas sociales en y desde las mismas prácticas, articulando el trabajo de problematización teórica y la orientación de la intervención en instituciones y organizaciones sociales y educativas.
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Y si el arte pudiera cambiar su vida
* Francisco de Goya superó sus miedos y Auguste Rodin halló esperanza, Frida Kahlo consiguió hacer frente a sus angustias y Henri Matisse abrazó la felicidad. * Durante miles de años, los artistas han transmitido sus aspiraciones, emociones, sentimientos, ideas e historias a través de sus obras. Al comprender sus objetivos y analizar ciertos aspectos de su trabajo, es posible aprender a gestionar las emociones, mejorar el estado de ánimo, calmar la mente y reducir la ansiedad y el estrés. * Déjese guiar para descubrir cómo cambiar la percepción del mundo de una forma más positiva, gracias al arte y a los artistas. El arte visual puede comunicarse con nosotros de una manera que las palabras por sí mismas no pueden lograr. Puede iluminarnos, animarnos, desafiarnos, instruirnos, cautivarnos y divertirnos. Puede ofrecernos conocimiento, compartir recuerdos, sugerir nuevas ideas y ejercer como terapia, ayudándonos con los problemas emocionales, conductuales o de salud mental. En este libro se analizan obras de más de setenta artistas, entre ellos Artemisia Gentileschi, Yinka Shonibare, Francisco de Goya, Claude Monet, Frida Kahlo, Gustav Klimt, Caravaggio, Vincent van Gogh, Elizabeth Catlett, Andy Warhol y Henri Matisse. Su trabajo y sus ideas son tan particulares como cada uno de nosotros y este es otro de los aspectos positivos de utilizar el arte de esta manera, puede que las emociones sean universales, pero las interpretaciones y reacciones son individuales. Déjese guiar por estas ideas y descubra originales y maravillosas formas de interactuar con el arte.
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Breve historia del arte precolombino
Desde la enigmática cultura olmeca en Mesoamérica, el clasicismo de Teotihuacán, los zapotecas de Monte Albán, los mayas y sus núcleos urbanos, Nazca y Tiahuanaco en los Andes, los toltecas en Tula y el arte maya-puuc en Chichén Itzá hasta los aztecas de Tenochtitlán y el Imperio inca en torno a Cuzco y Machu-Picchu. Con Breve historia del arte precolombino conocerá el desarrollo cultural de los pueblos americanos antes de la llegada de Cristóbal Colón. De norte a sur del continente, descubrirá las pinturas prehistóricas que se conservan en Alaska, México, Perú, Brasil y la Patagonia. Durante el período preclásico podrá adentrarse en la enigmática cultura olmeca y sus colosales cabezas sin cuerpo, así como sus tronos pétreos y otras figuras y relieves de divinidades enigmática. A continuación, en la zona andina, conocerá los centros de Chavín y Paracas con sus estelas, ajuares funerarios tejidos en lana de camélidos.
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« Degas, le peintre de la vie moderne, s'affirme un pur classique qui, quelque étonnante que la constatation en puisse paraître, s'apparente beaucoup plus aux anciens qu'aux modernes, aux primitifs qu'aux contemporains. Il forme le chaînon qui rattache le passé, la bonne et solide tradition, à l'avenir, il la prolonge magnifiquement. Avec Manet, il libère la peinture du XIXe siècle des contraintes pédantes et routinières, des entraves de l'enseignement académique, des formules ressassées à satiété, du convenu, du faux, du mensonger. A eux deux, ils la ramènent à l'observation directe. »o. Esta incre¡ble e improbable experiencia es también, entre otras dimensiones, pol¡tica. Anuncia un pensamiento, o mejor, sin prometerla, una puesta a prueba de lo pol¡tico. estimuló avances que se ramificaron en múltiples direcciones. ,s. Como en las danzas de la muerte medievales nadie se salva en este epistolario de las pasiones humanas. Y, desde luego, el toque de gracia corresponde a una ardilla.
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Blanco
El “,blanco”,, como tal, solo existe en nuestra percepción, es inútil, por tanto, salir en su busca. En lugar de ello, debemos encontrar el modo de sentir la blancura, ya que a través de este proceso tomaremos conciencia de un blanco ligeramente más blanco que el blanco que percibimos normalmente. Esto, a su vez, nos hará ser conscientes de la sorprendente diversidad de blancuras que podemos encontrar en la cultura japonesa: por fin lograremos entender palabras como “,silencio”, o “,espacio vacío”,, y sabremos distinguir los significados ocultos que contienen. A medida que adquiramos esta compenetración con el blanco, nuestro mundo se tornará más resplandeciente y sus sombras más acusadas. Kenya HARA
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Arte y blasfemia
El 18 de julio de 1573 Veronese compareció ante la Inquisición acusado de herejía por una pintura de la santa cena. La acusación, que denunciaba la presencia de elementos profanos en un cuadro religioso, ponía sobre la mesa el debate sobre la interpretación de las escenas bíblicas. Obligado por las circunstancias, pero empujado por la astucia, Veronese encontró una salida con un procedimiento inusual en la época: titular el cuadro Cena en casa de Leví, remitiéndose a un episodio menor de los evangelios, de modo que la blasfemia se diluía. Así, por la magia del texto escrito, el cuadro cambiaba totalmente de sentido sin retocar nada de lo que se representaba en él. En el siglo XIX, esta colisión de Veronese con la Inquisición se convirtió en un modelo del enfrentamiento entre el artista y el poder eclesiástico, lo cual permitía abordar el diálogo entre lo sagrado y lo profano. Ahora sabemos que la solución que Veronese halló para satisfacer a los inquisidores significó una innovación a la hora de resolver los conflictos dogmáticos con la Iglesia, además de un cambio sustancial en el ámbito de la interpretación artística.
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Constructivismo y creación
El colapso del Imperio ruso y el advenimiento de la Revolución bolchevique comportaron una transformación vertiginosa en todos los ámbitos de la cultura. Los escritos teóricos de Várvara Stepánova (1894-1958) permiten reseguir los cambios en las ideas sobre el papel de las prácticas artísticas durante un periodo convulso de la historia, de la mano de una de las artistas más significativas e interdisciplinares del momento. Con una esclarecedora introducción a cargo de la profesora Irina Aristarkhova, así como un apéndice en el que se incluyen textos de Olga Rozánova, Natalia Gonchárova, Liubov Popova y Esfir Shub (parte de las denominadas “amazonas de la vanguardia rusa”), las autoras incluidas en este libro fueron sin duda protagonistas y fuerzas motrices de este estallido, que quizá todavía hoy no ha agotado sus capacidades de resonancia.
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Ses fous et ses nains sont moins difformes que profondément humains, tant, pour Vélasquez, la souffrance et la disgrâce n’apparaissaient en vérité qu’une occasion supplémentaire de se dérober au contingent, de s’approfondir, de se creuser jusqu’à l’essence. ”René Schwob (1895‐1946), écrivain et critique d’art français d’origine juive converti au catholicisme, réuni ici ses impressions de Madrid et notamment des tableaux exposés au Musée du Prado des grands maîtres de la peinture espagnole : Velázquez, El Greco et Goya.
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Principios básicos sobre color y armonización
El objetivo de Cuadernos Parramón es acompañar al lector en la aventura de iniciarse en el dibujo y la pintura, de una manera muy fácil, sencilla, amena y gratificante. Este cuaderno aporta las bases teóricas mínimas indispensables para empezar a trabajar el color, respondiendo a las inquietudes propias del principiante: a partir de qué colores se puede conseguir la mezcla para obtener un color concreto y como relacionar las distintas mezclas entre sí. A través de textos cortos y con el apoyo de numerosas fotografías y un diseño ágil, atractivo y moderno, este cuaderno constituye una guía didáctica elemental para pintar correctamente con armonía.
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Imágenes de la infancia
¿Por qué los niños del pasado nos parecen tan distintos a los del presente?, ¿por qué no sonríen en sus retratos?, ¿qué relación tenían con sus progenitores? Este libro pretende responder estas y otras muchas preguntas, acercando al lector a la historia de la infancia en España durante la Edad Moderna y a los cambiantes modos de representarla. En quince capítulos se abordan distintas infancias: niños nacidos con anomalías, niños pertenecientes a la familia real, niños aristocráticos, niños de familias humildes, huérfanos o incluso, tristemente, niños esclavos. Aunque se utilice el plural neutro en aras de facilitar la lectura todos esos grupos están atravesados por el género, pues nunca fue la misma infancia para ellos que para ellas. A través de imágenes de todo tipo de soportes y medios (estampas, pinturas, medallas, exvotos, etcétera) y una gran riqueza de fuentes textuales (literatura, prensa, correspondencia o escritos médicos y pedagógicos, entre otros), Gemma Cobo explora las distintas dimensiones vinculadas a la infancia, como el embarazo y la lactancia, el traje infantil, el juego, la educación, las relaciones familiares o la muerte. A través de todas estas cuestiones se rastrean, pese a los cambios en los modos de representación, continuidades en la realidad que subyace a la imagen: en aspectos positivos como es el amor hacia los más pequeños, pero también en aquellos más negativos como es la instrumentalización de la infancia.
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El teatro tradicional japonés
El teatro tradicional de Japón es una de las manifestaciones más depuradas de la cultura nipona. Una introducción a las tradiciones escénicas japonesas.El teatro tradicional japonés pretende mostrar al aficionado una nueva manera de aproximarse a las grandes formas escénicas de Japón.En sus páginas se habla del bugaku, no, kyogen, bunraku y kabuki, destacando que algunos de sus planteamientos también están presentes en la pintura, escultura, arquitectura o jardinería japonesas. Ahí radica lo novedoso de este trabajo, en descubrir las correlaciones existentes entre el teatro y el resto de las artes visuales niponas.De esas cinco tipologías se exponen sus orígenes, elementos escénicos y técnicas de actor subrayando, en cada uno de estos apartados, conceptos recurrentes como el vacío, lo horizontal, lo sugerido o lo irreal.El ensayo se completa con una bibliografía, webgrafía y videografía, así como un glosario de términos teatrales japoneses.
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Su majestad el bolso
Una historia ilustradísima de cómo guardamos lo que transportamosCarteros y reinas, peregrinos y amas de casa, militares, veraneantes y corredores: todos llevan algo con ellos. No solo dinero, teléfono o llaves, sino también gemas, granadas o galletas para perros... Un bolso, cartera o maletín también es una parte importante del atuendo para algunos. Por su ropa y accesorios, puedes adivinar lo que hace una persona, si es alguien importante, si es pobre o rico. Es por eso que muchas personas también usan bolsos para mostrar quiénes son. Y, a menudo, para mostrar que no son cualquiera.La interesante historia de Joanna Bojanczyk se complementa con divertidas ilustraciones de Adam Wójcicki, en las que puedes ver no solo las bolsas, las maletas y las mochilas, sino también a sus dueños y lo que llevan con ellos.
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Balé literal
Balé literal, de Laura Lima, es una obra visual, performática, teatral y arquitectónica conformada por una multiplicidad de entes en forma de esculturas, pinturas y otros objetos. Realizado en 2019, el Balé literal tuvo lugar una única noche en A Gentil Carioca, una galería de arte del centro de Río de Janeiro. En aquel momento la instalación se construyó entre las dos salas de la galería situadas a ambos lados de una intersección de calles. Se colocaron dos bicicletas, una en cada edificio, y la fuerza generada por el pedaleo movía el hilo del que colgaban las obras y los objetos presentados. En 2023, Balé literal tuvo una segunda versión y la estructura se adaptó para instalarse en el interior del MACBA.La presente publicación se inicia con un largo recorrido visual que funciona como un paseo inmersivo por el universo que propone Laura Lima mediante esta «obra gigantesca, infinita y contramonumental», utilizando sus propias palabras. El libro incluye una conversación entre Elvira Dyangani Ose y Laura Lima, así como dos ensayos de Tania Rivera y Marcia Tiburi que permiten interpretar la obra en relación con el contexto político de Brasil, así como darnos algunas pistas sobre los conceptos y las estrategias que la artista pone en juego al activar toda la maquinaria que rodea al Balé literal. La publicación incluye, también, una descripción y referencias visuales de todos los elementos que conforman la instalación de Balé literal.La publicación consta de una sola edición en castellano e inglés, así como de un opúsculo con los textos en catalán.
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Ilori transforma los espacios para acoger a la comunidad y dar lugar al optimismo desde la convicción de que el arte y el diseño debe ser accesible a todos.Esta publicación interactiva es un espejo sobre su forma de entender el mundo desde la imaginación. Ilori nos reta con su forma de entender las dimensiones nuestro lugar en el espacio y el derecho a reclamar los espacios que ocupamos sin importar de dónde venimos.
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Edited by the project curator Noelia García Pérez, Professor and Director of the Art Department at the University of Murcia.English (also available in Spanish). Paperback with dust jacket. 12 x 17 cm. 148 pages. This publication accompanies the exhibition The Female Perspective III: Queen Isabella Farnese (1692–1766), which will be on display at the Museo del Prado from 1 December 2025 to 24 May 2026. In the two previous editions (2022 and 2024), El Prado en femenino has addressed the collecting activities of these women from the late Middle Ages to 1700, starting with Isabella the Catholic and focusing particularly on the Habsburgs, among whom we find such prominent figures as Mary of Hungary and Isabella Clara Eugenia. With this third edition, we begin a new century, the 18th, and a new dynasty, the Bourbons, focusing on Queen Isabel de Farnesio (Parma, 1692-Aranjuez, 1766), the second wife of Philip V, without whom the Prado Museum would be very different from what we know today, given the quantity and variety of masterpieces in its galleries that bear her mark (the Farnese fleur-de-lis), testimony to her sophistication but also to her autonomy from the collecting interests of her royal husband.
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Los nombres del dibujo
Capítulo I. Las palabras y los nombres (Juan José Gómez Molina), Capítulo II. Radiografía de un viaje (Juan José Gómez Molina), Capítulo III. Las palabras del dibujo (Lino Cabezas), Capítulo IV. Las palabras del dibujo: sobre el pensar gráfico (Miguel Copón), Bibliografía.
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La Semana Santa de Paco Robles
Paco Robles firma un libro inédito que ofrece una mirada personal, profunda y literaria sobre la Semana Santa de Sevilla. Alejado de tópicos y lugares comunes, este volumen reúne una serie de textos nuevos que iluminan la esencia de la fiesta grande de la ciudad con sensibilidad y oficio narrativo. Con una prosa limpia y emocionada, Paco Robles —una de las voces más reconocidas del panorama literario andaluz— construye un retrato íntimo de la Semana Santa como experiencia vital, cultural y espiritual. A través de estampas, recuerdos, intuiciones y escenas grabadas en la memoria, el autor nos guía por un itinerario lleno de símbolos, silencios y devociones compartidas. «Este libro es una ofrenda escrita desde dentro, sin artificios ni atajos, con la serenidad de quien sabe lo que ama.» Rosa García Perea
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El camino del artista para padres
Seguridad, curiosidad, límites, enfoque, crecimiento e independencia son algunas de las herramientas que les puedes inculcar a tus hijos ejercitando la creatividad. Conéctate con el crecimiento de tus hijos a través del descubrimiento y el despertar de vuestra creatividad Después del éxito que recibió en la década de los 90 El camino del artista, Julia Cameron centra ahora su atención en los niños y nos propone un libro para que los padres desarrollen la creatividad de sus hijos. La teoría de Cameron es que la creatividad es una actividad espiritual por la que los padres pueden conectar con sus hijos y la mejor forma de despertarla es precisamente cuando los padres exploran su lado creativo propio. Cameron propone una serie de ejercicios para el fomento de impulsos creativos que se caractericen más por la naturalidad y dejen de lado el impulso obsesivo por la perfección así como toda crítica que no sea constructiva y no aporte confianza. «La creatividad no tiene ni fondo ni techo aunque haya partes de su crecimiento que sean lentas. El ingrediente que se precisa es la fe -entendida como confianza férrea en uno mismo-. Este libro te muestra el camino y la fe necesarios para liberar la creatividad de las personas. Tómalo como un ejercicio para abrirte a una nueva perspectiva y libera al artista que llevas dentro.»Julia Cameron
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Tothom ha sentit a parlar dels famosos volcans d’Olot, com el Croscat o el Santa Margarida. Però sabies que a Catalunya n’hi ha prop de 150? Més enllà de la Garrotxa, trobem cons volcànics i colades de lava a l’Empordà, el Gironès, la Selva i ns i tot al Maresme. Aquesta guia et convida a explorar aquest ric patrimoni geològic des d’una mirada excursionista i naturalista, per redescobrir un paisatge sorprenent i, sovint, oblidat.
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La Tauromaquia est une collection de scènes représentant divers épisodes du combat de taureaux. Goya était un aficionado consommé, et il passait une grande partie de son temps avec les toreros. Aussi était?il l’homme le plus compétent du monde pour traiter à fond la matière.
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La cineasta francesa Germaine Dulac (1882-1942) no solo fue una de las «mujeres pioneras en la historia del cine», sino una absoluta visionaria de las posibilidades del séptimo arte en general. Muy cercana al círculo surrealista francés -su película La concha y el clérigo, basada en un guion de Antonin Artaud, se considera el primer filme surrealista de la historia-, Dulac comprendió como nadie el papel de las vanguardias cinematográficas y la esencia última del cine: expresar el movimiento de la vida a partir de la luz y el ritmo, por delante de la narratividad tradicional. Directora, guionista, teórica, articulista y crítica de cine, comprometida con el feminismo y con los movimientos progresistas, realizó películas como La sonriente madame Baudet, La fiesta española o Invitación al viaje. Coincidiendo con la exposición dedicada a la cineasta en el Museu Tàpies de Barcelona, este volumen recoge, por primera vez en castellano, una selección de sus conferencias, editadas por la que fue su compañera de vida personal y profesional, Marie-Anne Colson-Maleville. ¿Qué es el cine? se constituye así como verdadero ideario cinematográfico de Dulac, un valioso documento sobre la historia del cine y, por encima de todo, un homenaje a una artista adelantada a su tiempo.
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Del dibujo infantil a la semiologia de l
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Angelica Kauffmann, pintora (1741-1807)
Excepcional pintora suizo-italiana de finales del siglo XVIII, destacada representante del clasicismo.Angelica Kauffmann, nacida en Suiza, crecida en el norte de Italia, por unos años residente en Londres y romana de adopción en sus años de madurez, fue una pintora muy celebrada en vida, retratista de las familias reales europeas y de la alta sociedad británica e italiana, fue también, con sus cuadros históricos, mitológicos o religiosos, figura destacada de la propuesta clasicista que, en la segunda mitad del siglo XVIII, vino a rescatar a la Pintura de los estertores del manierismo.
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Avec sa préférence pour les solitudes immobiles, les formes robustes et permanentes et les végétations sèches, et en s’éloignant tout autant du « moi » romantique que de la pesanteur réaliste, Théodore Rousseau (1812-1867), personnel par les procédés qu'il emploie, mais non dans l'effet produit, a réussi à montrer le vif de la nature humaine en contact immédiat avec la nature extérieure, avec la vérité profonde et permanente des choses.
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