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Llibres d'art
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Babia a lo lejos
Ha pasado un ángel. ¿Quién no se ha quedado en silencio, la mirada perdida, ajeno a lo que le rodea, como si estuviera en Babia? Babia, El País de Nunca Jamás, la ínsula de Barataria, El País de las Maravillas, La Ciudad Esmeralda: países o ciudades a los que se sueña ir, cuyo viaje se realiza en sueños o en una ensoñación, y de los que cuesta regresar.Babia es un lugar fascinante, que atrae y atrapa. Alejado, pero no inaccesible, al que se llega a menudo inesperadamente. Por esto mismo, la reflexión sobre lo qué es el arte y la función o el sentido de la obra de arte, que requiere toda nuestra atención, con los sentidos en alerta y la mente dispuesta a descifrar las sensaciones que le llegan, exige que nos alejemos de Babia. Mas, cuando estamos atentos ante una obra de arte, nos aislamos en la contemplación de la imagen, como si la obra nos transportara a Babia. Interrogarse sobre la creación artística e interpretarla para descubrir su razón de ser y su necesidad exige, en un movimiento imposible, estar, a un tiempo, en y lejos de Babia.Babia, a lo lejos es un breviario sobre la enseñanza de la teoría del arte y la arquitectura, sobre cómo, qué y porqué se enseña a interpretar la creación humana. Comprende notas, ordenadas alfabéticamente, tomadas antes y después de las clases. El texto comenta algunos de los criterios o conceptos más habitualmente utilizados a la hora de apreciar y estudiar la creación artística, ayer y hoy, en diversas culturas. Y, al cierre del libro, asume una paradoja: el paso de un ángel, camino de Babia, acontece en silencio, dando la callada por respuesta.
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La herida del arte
¿Qué es el arte y por qué, incluso sin entenderlo, a veces nos hiere, nos calma o nos salva? La herida del arte nace de una pregunta que atraviesa siglos y disciplinas, pero que aquí se formula desde un lugar íntimo, la experiencia emocional. A través de un recorrido que va desde las primeras manifestaciones artísticas hasta la cultura visual contemporánea, Raquel (Delgado de los Mozos) explora el arte no como objeto elitista ni como simple entretenimiento, sino como una forma profunda de comunicación humana.Apoyándose en la estética, la psicología, la sociología y la historia del arte, este libro propone una mirada accesible y honesta sobre por qué el arte sigue importando, incluso, o especialmente, en una época saturada de imágenes y ruido. Lejos de definiciones cerradas, estas páginas invitan a detenerse, a sentir y a recuperar la confianza en la propia mirada. La herida del arte no busca responder qué es el arte, sino acompañar al lector en el descubrimiento de aquello que una obra despierta cuando logra tocarnos. Porque, al final, el arte no se explica del todo, se experimenta. Y a veces, duele. Y a veces, ilumina.
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La forma y lo inteligible
La forma y lo inteligible es mucho más que una colección de ensayos: es el retrato intelectual de uno de los pensadores más originales del siglo XX en el campo de la historia del arte. Robert Klein despliega una mirada histórica y teórica sobre el arte occidental, con especial atención al Renacimiento, pero siempre en diálogo con las problemáticas del arte moderno y contemporáneo. A medio camino entre el rigor académico y la intuición ensayística, Klein reflexiona sobre cuestiones como la perspectiva, la naturaleza del símbolo, la pérdida de referentes o la imposibilidad de una iconografía ''pura''. Su método, cercano a la fenomenología de Husserl, se basa en una analítica hermenéutica que concilia historia e interpretación, forma y sentido, descripción y crítica.
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La felicidad en el trabajo
TU LUGAR DE TRABAJO ES MÁS IMPORTANTE QUE NUNCA. APRENDE CON MARIE KONDO A SACARLE EL MÁXIMO PARTIDO Y MEJORAR TU VIDA. El puesto de trabajo es un imán para el desorden y el caos. ¿Quién no se ha sentido agotado por reuniones improductivas, papeles revueltos, interminables correos electrónicos y tareas innecesarias? Todo esto consume tu motivación, limita tus posibilidades de progreso y socava tubienestar. La felicidad en el trabajo aplica el famoso método KonMari al espacio donde ejerces tu actividad laboral. Ofrece historias, consejos prácticos y estrategias para eliminar el desorden en el lugar donde trabajas y disfrutar de la productividad, el éxito y la felicidad que conllevan un entorno laboral y una mente ordenados. Los autores te guían mientras organizas tu vida laboral, ayudándote a desarrollar la confianza, a aumentar el éxito profesional y, por supuesto, a generar alegría.
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Semana Santa de León
La Semana Santa de León avanza con un ritmo muy propio. Atrae por su hondura y por ese recogimiento que se adhiere a la piedra antigua, al aire frío de la noche y a la luz suave de los faroles. Hay procesiones que se anuncian con sonidos que vienen de lejos, como ecos de otro tiempo, y pasos que respiran al doblar una esquina, con la memoria encendida en cada trabajadera. Entre estas páginas conviven siglos de tradición, momentos íntimos, silencios cargados de sentido y procesiones que envuelven el corazón. La ciudad vive su Semana Santa con una entrega serena, casi artesanal, donde cada paso, cada toque y cada mirada sostienen una fe que se transmite de generación en generación. Hay lugares que se contemplan con los ojos, otros que despiertan asombro… Y existen ciudades, como León, que se guardan muy dentro y acompañan para siempre.
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El género fantástico (fantasy art), esa animada mezcla de criaturas míticas, héroes musculosos y valquirias ligeras de ropa en paisajes extraterrestres, se puso de moda en la década de 1960 con el lanzamiento de la revista Creepy, la reimpresión de El señor de los anillos en 1965, los libros de bolsillo de Conan el Bárbaro con cubiertas de Frank Frazetta y el surgimiento de la fantasía psicodélica al final de esa misma década. Su popularidad aumentó en la década de 1970 gracias al juego de rol Dungeons & Dragons, la brillante revista francesa Métal Hurlant y la primera película de Star Wars. El número de artistas en activo alcanzó su punto máximo en aquellos años, pero una nueva generación de fans descubrió el género por medio de juegos de cartas en la década de 1990, lo que condujo al enorme interés que esta forma de arte suscita hoy en día. En las escasas ocasiones que estas han llegado al mercado, las pinturas al óleo de Frank Frazetta se han vendido por más de cinco millones de dólares. Los aficionados hacen cola en el festival Comic-Cons de San Diego para conocer a Julie Bell, Boris Vallejo, Rodney Matthews, y Michael Whelan, y rendir homenaje a ídolos fallecidos como HR Giger, Moebius, Jeffrey Catherine Jones, Greg Hildebrandt y Frank Frazetta. Imagine el entusiasmo con que darán la bienvenida a esta Masterpieces of Fantasy Art de TASCHEN, que presenta, entre otros, a los artistas aquí enumerados. Este tomo se adentra en este género dinámico y extravagante por medio pinturas originales contextualizadas con bocetos, esculturas, calendarios, revistas y libros de bolsillo. Con completas biografías que van más allá de lo que cuenta la Wikipedia y ofrecen una mirada más precisa y reveladora a la vida de cada artista. Asimismo, el volumen incluye desplegables y portadillas individuales para cada uno de los capítulos, lo que convierte a esta colección en la guía más completa y exquisita sobre este popular tema de los próximos años.
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Historiones del arte
Un recorrido irreverente y documentado por las historias más sorprendentes, polémicas y humanas del arte universal.Detrás de cada cuadro icónico y cada escultura inmortal hay una historia que rara vez aparece en los manuales: duelos a espada, fraudes millonarios, robos, censuras, obsesiones, venganzas, pasiones desbordadas y genios que rozaron la locura. En estas páginas, la historia del arte se convierte en un territorio vibrante y humano. Desde los talleres del Renacimiento hasta los escándalos del arte contemporáneo, pasando por guerras, conspiraciones y rivalidades legendarias, el lector descubrirá que el arte no se entiende solo mirando las obras... sino conociendo a quienes las crearon. Un libro que mezcla rigor y humor, cultura y provocación, documento y anécdota, para demostrar que el arte no nació en un museo silencioso, sino en medio del ruido del mundo. El arte está lleno de historiones.
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Juan Muñoz. Historias del arte
Publicado con motivo de la exposición Juan Muñoz. Historias de arte, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 18 de noviembre de 2025 y el 8 de marzo de 2026. Juan Muñoz fue un artista que constantemente dialogó con la historia del arte.
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Hilma af Klint
Delve into the mystical world of Swedish artist Hilma af Klint, whose work from the early 20th century has only recently gained critical attention. An early pioneer of abstraction, af Klint created immersive, colorful paintings filled with geometric variations and biomorphic shapes.
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Atlas de crímenes contra el arte
A través de setenta y cinco relatos de misterio, escándalo y desventuras, este es el primer libro que ilustra y contextualiza de forma global la delincuencia contra el arte. Las historias de crímenes artísticos nos emocionan y nos intrigan. Divididas en tres categorías —robos, vandalismo y falsificaciones— y organizadas geográficamente, cada historia revela una serie de motivaciones para los delitos artísticos.
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Ismos del siglo XXI
¿Cómo podemos comprender el arte más actual? Nuevos ismos del siglo XXI busca responder a esta pregunta proponiendo un particular reader que recoge 27 textos fundamentales de los más prestigiosos autores nacionales e internacionales.Organizado alrededor de seis ejes, precedidos de una introducción general, este libro plantea la existencia de nuevos ismos en el arte actual que reclaman fundamentos de análisis y solicitan una voz pública para la práctica artistica: archivismo, activismo, comunitarismo, cosmopolitismo, indigenismo y ecologismo. Cada uno de estos movimientos participa de un rechazo del formalismo y de un alejamiento de lo estrictamente artístico, y sus innovaciones y propuestas no solo provienen de la creatividad individual, sino que surgen también de la necesidad de construir marcos teóricos coherentes con la realidad. Estos movimientos sitúan, además, la creatividad más cerca de lo ético que de lo estético y toman prestadas herramientas de proyectos sociales o antropológicos. Partiendo de la esfera artística como un lugar de pensamiento e intervención que se entreteje con toda una serie de referentes teóricos, autores como Claire Bishop, Wolfgang Ernst, Helen Gilbert, Marsha Meskimmon, Nicholas Mirzoeff, Donna Haraway, Nicos Papastergiadis, Judith Butler, T. J. Demos o Ernst van Alphen, entre muchos otros, nos sirven de guía para comprender la complejidad de las propuestas artísticas del siglo XXI.
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Interespecies
Y, por otro lado, ¿qué revela el poshumanismo sobre la arquitectura que hacemos? Este libro documenta un proceso de investigación alrededor de estas cuestiones, y sugiere una hipótesis para pensar sobre ellas. Defiende que estamos ante un nuevo Romanticismo, un espíritu de trabajo y posicionamiento crítico que reconoce las interdependencias entre personas, animales, astros, tecnologías y minerales, entre otras y todas las partes que constituyen el cosmos, y que este espíritu se articula en una práctica interespecie. Los artefactos compilados en este libro —proyectos de arquitectura, textos literarios, aparatos tecnológicos, réplicas de fenómenos naturales, materiales de construcción, productos, obras de arte o de diseño, maquetas o prototipos— reflexionan sobre nuestra interdependencia con otros lugares, especies, materias e inteligencias.Textos de Mariana Pestana, Anna Bertmark, Bernardo Gaeiras, Carlos Pastor, Fernanda Costa, Katerina Iglezaki, Mariana Simões, Mathilde Gouin, Valentina Demarchi, Coletivo FIELD, Coletivo Frame, KWY.studio, Studio Ossidiana, SUPERFLEX
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Norte silvestre agreste
¿Cuáles son los patrones climáticos, los mitos e historias, los ritmos, los colores y las formas, los habitantes humanos y no humanos que conforman el Noroeste Ibérico en su realidad y ficción? Queriendo conocer los rituales y formas expresivas de personas, animales, plantas, elementos y minerales, fuimos en busca de las raíces, terminaciones y tentáculos del Noroeste Ibérico, tratando de encontrar, conocer y permanecer en los lugares donde pudieran residir. Al hacerlo, consideramos el pasado, pero sobre todo afrontamos el presente-futuro de estos espacios concretos e imaginados entre mares, bosques y asentamientos. Norte Silvestre Agreste es una exposición que recorre caminos y líneas de intensidad, fuerzas centrífugas que nos llevan más allá de Oporto, hacia esos supuestos márgenes donde estallan los intercambios para descubrir y compartir referencias, historias, palabras y conexiones con estos lugares con un largo pasado y un futuro aún más largo.Textos de Federico García Lorca, Miguel Torga, Filipa Ramos y Juan Luis Toboso, Chus Martínez, Ángel Calvo Ulloa, Ánxela do Canto, Belén Senín, Carlos Lixó, Lorena Conde, Cem Raios T’Abram, Luz Pichel, ¡Von Calhau!, Daniel Moreira e Rita Castro Neves, São Martinho de Dume.Con el trabajo de Alejandra Pombo Su, Cem Raios T’abram, Daniel Moreira y Rita Castro Neves, Diego Vites, Judith Adataberna, Lara y Noa Castro Lema, Lois Patiño, Mariana Barrote, Mariana Caló y Francisco Queimadela, Maruja Mallo, Óliver Laxe, Salvador Cidrás, Vicente Blanco, Von Calhau!.
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Antonio Rafael Mengs. Su vida y su obra
“La maestría de Anton Raphael Mengs se distingue por la gracia que imprime en sus obras, esto es, por aquella cosa que se siente mejor que se explica, y consiste en una cierta suavidad en los contornos, facilidad en los movimientos, que no muestran nada forzado, en el escoger aquel preciso movimiento que toman todas las partes cuando se muestran agradables, y en fin en la naturalidad y armonía de composición y colorido.”José Nicolás de Azara, mecenas y diplomático, fue destinado por muchos años a la embajada española en Roma, ciudad en la que coincidió con Mengs, con el que trabó gran amistad. Muerto el artista, editará sus escritos y ensalzará su legado pictórico.
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Sorolla en 100 objetos
A través de estas páginas Sorolla se nos desvela a través de la materialidad de objetos que le acompañaron en vida. Su colección de enseres despierta varios relatos, anécdotas e historias fragmentadas. Una amena biografía del artista a través de pequeñas narraciones contadas a través de los bienes con los que Sorolla rodeó su existencia.
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La puerta del monstruo. Sobre lo fantástico en el arte japonés
El folklore de lo sobrenatural japonés conforma un universo insólito. Toda clase de criaturas fantásticas danzan en un baile de máscaras donde lo mistérico, pleno de terror y maravilla, articula un mundo de extraordinaria riqueza. Unas criaturas, sean demonios, espectros o traviesos monstruos, que encarnan creencias ancestrales a la vez que marcan la huella de la psicología humana bien enterrada en nuestro sótano particular, el subconsciente. No obstante, ¿qué es lo que se encierra tras la figura del monstruo en Japón? ¿Existe una llave para el imaginario fantástico? Este libro aborda estas preguntas y otras muchas a través de un viaje apasionante por el mito y la leyenda en su plasmación en las artes.
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Durante más de 6 décadas el empresario y financiero estadunidense Don Marron coleccionó más de 300 obras maestras de arte contemporáneo y moderno. Este impresionante ejemplar rinde tributo a Marron como uno de los coleccionistas más abiertos e innovadores del sigloXX y XXI, así como uno de los primeros en lanzarse alas colecciones corporativas.
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Artesanía de China
En Artesanía de China podemos encontrar la larga historia de los objetos artesanos, desde las piezas laqueadas, pasando por hermosos ropajes y adornos con piel de pescado, elegantes cerámicas tricolor hasta las espléndidas telas estampadas al índigo, bolsas perfumadas... Paseo por los cuatro puntos cardinales.
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Pintoras
Cuatro grandes pintoras.Ramón Gómez de la Serna glosa aquí las figuras de cuatro destacadas pintoras del siglo XX.La santanderina María Blanchard (1881-1932) y su arte magnífico, hecho a la misteriosa luz de sus tiernos sentimientos.La parisina Marie Laurencin (1883-1956), aristocrática en el plasmar la femineidad.La porteña Norah Borges (1901-1998), con la simbólica profundidad de sus obras.La gallega Maruja Mallo (1902-1995), que supo dar con su pintura el mordisco al mundo.
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La columna de la Leona se ha ganado un lugar de honor entre los símbolos de la ciudad de Girona y es muy conocida tanto entre sus habitantes como entre los turistas. Aun así, su popularidad contrasta con lo que realmente sabemos. Hay que buscar su origen en la época medieval, hacia mediados del siglo XIII, pero su pasado, significado, autoría, ubicación, simbolismo, etc., siguen siendo, en buena parte, una incógnita. La revisión de todas las informaciones conocidas sobre la columna, además de la obtención de datos inéditos, y la descripción cuidadosa y analítica de la pieza que plantea este libro, suponen una actualización imprescindible para su conocimiento.
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Cuando haya leido este libro ¡sabrá dibujar animales!
El tema de los animales siempre ha tenido un gran atractivo para los artistas. Sin embargo, crear bocetos convincentes de animales puede resultar desalentador y llevarle a preguntarse: ¿por dónde empiezo? Olvídese del miedo y déjese guiar por expertos con este cuaderno de bocetos. Descubrirá habilidades de dibujo que nunca pensó que podría tener. Cada capítulo cuenta con espacio suficiente para que practique los bocetos Empiece con técnicas sencillas de trazado y esbozo, y continúe después con la estructura, la textura y la expresión (los elementos fundamentales que harán que sus dibujos de animales pasen de buenos a magníficos). Cada capítulo cuenta con espacio suficiente para que practique los bocetos directamente sobre la página. ¡Tome un lápiz y descubra el placer de dibujar animales!
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El Bosco. El jardín alquímico de las delicias
Nadia Scit desvela en este libro las claves alquímicas para poder entender las metáforas de cada una de las escenas de este cuadro del Bosco. El jardín alquímico de las delicias es un libro basado en los principios alquímicos que el Bosco conocía muy bien, cuya interpretación ha dado lugar a controversias que han perdurado más de quinientos años
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Lección para estudiantes de arte
Este libro contiene tres ensayos escritos (y dictados) entre 1882 y 1889: Lección para estudiantes de arte, Decoración del hogar y Modelos londinenses. Reflejan el interés y profundidad del autor acerca del arte y la belleza: en ellos no solo aborda la composición, el color y los materiales, sino también la universalidad de lo bello en la decoración, en el vestuario y en el mero existir.
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Oro y estiércol
Oro y estiércol reúne una selección de textos -traducidos por primera vez al castellano- en torno a la retablística, el barroco y la forestalidad. El autor no cree posible el culto a una imagen tallada en madera sin venerar al árbol que la encarna. Y es así como nace este libro de escritura arbórea en que la palabra y la madera se suplantan constantemente. El nacimiento sucede en el intersticio que implica todo encuentro, el del sujeto y el árbol, el del sujeto y el retablo recubierto con el oro que vistió la madera y que nos alerta acerca de su encarnación. No es este un estudio sobre retablística. Es un ejercicio de escritura en el que, del mismo modo que la madera encarna la imagen, la palabra encarna al bosque que está «detrás» del retablo. El autor dice que el libro gira fértil y exhausto a la vez sobre estas dos certezas y es que, en efecto, la exuberancia y la extremosidad de la palabra lo caracterizan. Pero se trata de palabras «rumiadas», como quería san Bernardo que sucediera en la meditación. Nos encontramos ante un ensayo -en el sentido etimológico de «acto de sopesar»- en el que se mide el valor de la palabra: no es un retablo, no es un bosque, sino un libro, aunque estas tres realidades se encuentran en una relación de perfecta equivalencia. El lector paseará entre los árboles de un bosque, entre las molduras doradas de los retablos y entre las palabras que dan nueva vida a bosques y retablos.
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Ojo al dato
El presente volumen forma parte de la colección VEGAP CONTEXTOS que, resultado del ciclo CÍRCULO VISUAL organizado por VEGAP y el Círculo de Bellas Artes de Madrid, tiene como finalidad desarrollar una amplia reflexión sociológica y de antropología cultural sobre el arte de nuestro tiempo y los diferentes aspectos de la fenomenología socioeconómica que se ciernen en su entorno en el presente capitalismo informacional. Así, y teniendo como eje vertebrador la inteligencia artificial (IA) y su interacción con la creación artística, Antón Patiño , escritor y artista, además de presidente de VEGAP, analiza la ambivalencia e incertidumbres que nos provocan estos importantes cambios. A continuación Valerio Rocco , filósofo y director del Círculo de Bellas Artes de Madrid, se centra en cuestionar el carácter innovador de la inteligencia artificial. Por su parte, Daniel Innerarity , filósofo, se instala en una posición ecléctica al valorar, sin efectismos ni mágicos ni apocalípticos, el fenómeno de transformación tecnológica que supone la inteligencia artificial. Daniel Canogar , creador visual, nos transmite sus reflexiones no solo teóricas, también empíricas, como artista que utiliza la IA como herramienta tecnológica para su trabajo creativo. Finalmente, Javier Gutiérrez Vicén, director general de VEGAP, recoge en su contribución distintos postulados e informaciones de carácter jurídico del fenómeno de la inteligencia artificial, su regulación en Europa, y los dilemas que plantea para los autores de obras de creación visual.
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This visual celebration of the world's most celebrated thinkers tells the fascinating stories of their lives and pioneering ideas.Artists Who Changed History places well-known artists in their historical and cultural context, showing you how they came to influence Art as we know it today.This illustrated guide is ideal for those interested in art, sculptures and the history of art or who would like to broaden their general understanding of art and the lives of artists.
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El fin del arte
El fin del arte. Identidad, militancia y sentido es un ensayo fragmentario y experimental, construido a base de textos tan creativos como subversivos detonados a partir de experiencias personales de la autora y que son vinculados con diferentes sucesos de actualidad relacionados con el arte, el mercado y la cultura visual, con la intención de revelar las actuales dependencias de los discursos socio-políticos hegemónicos en las prácticas artísticas contemporáneas. El libro analiza cómo la agenda política ha invadido el ámbito artístico diluyendo su autonomía y su potencial para la disidencia. La tesis principal es que el arte, atrapado en las guerras culturales, ha cedido a consignas ideológicas y militancias olvidando su naturaleza experimental e inútil, su sometimiento a la propaganda lo ha vaciado de sentido. Por eso el título juega con la ambigüedad de “fin”, tanto su finalidad como su posible agotamiento. Aunque el arte no puede morir, su desconexión con la realidad lo ha vuelto irrelevante. En el prólogo, Juan Soto Ivars afirma que la traición intelectual,“directamente ligada con la honestidad”, es lo que mejor define a la autora, por lo que no se puede esperar recorrer este libro sin sobresaltos. Y es que Abellán transita entre la narrativa, la exposición y el ensayo argumentativo sin perder su particular estilo, que oscila entre la ironía y la provocación, con el único propósito de reivindicar el pensamiento libre.
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Archigraphias 1983-2000
Enric Miralles acudía a la literatura frecuentemente. Se atrevió a definir a Antoni Gaudí como el alter ego de un personaje de ficción: «Siempre he pensado que el arquitecto Gaudí era una invención del escritorCalvino».Esta primera antología de los escritos completos de Enric Miralles (1955-2000) persigue cartografiar la complejidad de los universos por los que transita la obra de uno de los mejores arquitectos del siglo XX. En cuatro capítulos –formación y compañeros deviaje, textos que generan proyectos, divergencias, ypalabras, verbos... y un poema–, se hace hincapié encómo el dibujo es también escritura y forma de pensamiento. Esta actividad lo acompaña siempre, como un complemento necesario al gesto de sentarse, de coger el lápiz, de doblar el papel, de marcar los libros conun sinnúmero de puntos, hasta llegar a sorprenderseante la aparición de una forma nunca imaginada como «la mejor caligrafía posible al escribir… Allí sentados, casi nos parece ver nuestras ideas».
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Tattoo you
Con casi 700 imágenes, Tattoo you: A New Generation of artists muestra 75 estrellas en ascenso que están redefiniendo la industria. El primer libro de este tipo, Tatuaje, presenta artistas seleccionados por un panel global de expertos, incluidos algunos de los nombres más importantes del tatuaje, como Grace Neutral, Claudia De Sabe, Matt McCormick, Tamara Santibañez, Lal Hardy, Marisa Kakoulas, Matt Lodder. , Tann Koga (Ink the Diaspora) y Jay Freestyle. Cada artista va acompañado de una selección de imágenes que ilustran su trabajo, junto con un perfil en profundidad que profundiza en sus influencias, su proceso creativo y cómo están transformando el mundo del tatuaje. Desde tatuajes minimalistas, blackwork y neotradicionales hasta prácticas culturales e indígenas, Tattoo you abarca todos los estilos y técnicas, ofreciendo una mirada interna a cómo trabajan los artistas de todo el mundo hoy en día, al mismo tiempo que brinda vislumbres del futuro del tatuaje como una forma de arte innovadora, accesible y revolucionaria.
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El nacimiento de la Historia del Arte en España
Durante el siglo XVIII se empezó a forjar un nuevo y creciente interés sobre las bellas artes que estimuló su conocimiento y estudio. En toda Europa se crearon instituciones como las academias y los museos, que pretendieron cuidar el desarrollo de las artes y salvaguardar sus más distinguidas creaciones, un legado patrimonial que conformó irremisiblemente la identidad cultural de los distintos países del continente. El estudio de su pasado, su desarrollo y su historia, se convirtió, poco a poco, en una nueva disciplina humanística. Este libro estudia este proceso tal y como se produjo en España, desde los estudios eruditos del siglo XVIII hasta su llegada a la universidad a comienzos del XX. A él han contribuido, con sus novedosas investigaciones, una serie de distinguidos especialistas que debatieron recientemente sobre esta temática en el Museo Nacional del Prado. Joaquín Álvarez Barrientos, Luis Arciniega, Beatriz Blasco Esquivias, Adrián Fernández Almoguera, David García López, Javier González Santos, Hilary Macartney, Concepción Lomba Serrano, Jonatan Jair López Muñoz, Jesús Pedro Lorente Lorente, Jorge Maier Allende, Carlos Sambricio, Carmen de Tena.
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Trenzas de punto
Desde una soga sencilla y elegante hasta una compleja colmena o varias trenzas entrelazadas, los puntos retorcidos y desplazados son una manera ideal de añadir textura y dar forma a una prenda de ropa. Este directorio de 100 inspiradores puntos abarca todo tipo de trenzas, desde las clásicas atemporales hasta interesantes diseños contemporáneos, por lo que constituye un valioso recurso para cualquier tejedor. Cada punto va acompañado de un diagrama con su correspondiente patrón escrito, además de fotos en alta definición, la indicación del nivel de dificultad, ideas de combinaciones y un práctico cálculo de equivalencia a punto liso para que pueda incorporar fácilmente las trenzas a sus proyectos.
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Entre os gaiteiros das comarcas da Arousa e do Salnés predomina o criterio de considerar os Areeiras como un dos grupos sobranceiros na música tradicional de Galicia. Libro en gran formato que inclúe un amplo traballo sobre a vida e obra do cuarteto de gaitas de catoria, unha guía de audición do CD incluído neste libro, partituras de Ramón Sumay e dos restantes Areeiras e unha galería de imaxes e fotografías que amplían a base documental sobre Os gaiteiros do Areal.
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El museo como Templo
¿Hacia dónde camina el museo del siglo XXI? Este ensayo hace un breve repaso de los orígenes y evolución del museo clásico desde el siglo XVIII al XXI. En ese recorrido se centra en la trasformación de la institución museística de templo de la cultura en centro que compite con el resto de la oferta de ocio de su ciudad, desdibujando los ideales que lo sustentaron en origen, mermando el potencial de comunión sublime que puede ofrecer el gran arte, y rindiéndose, además, al poder, las exigencias y manipulaciones de los nuevos cánones imperantes.
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Cartas barrocas desde Castilla y Andalucía
El libro de Francisco de la Maza (1913-1972) ''Cartas Barrocas desde Castilla y Andalucía'', fue publicado por primera vez en 1963. En esta obra se relata el itinerario que realizó en 1956 el doctor De la Maza con el objetivo de conocer a fondo la arquitectura barroca de Castilla y Andalucía, con una selección precisa de edificios y autores, lo que no quita, que se interese por otras manifestaciones artísticas, tanto técnicas como de periodos culturales ajenos al barroco. La estructura en formato ''cartas'' se traduce en una prosa amena, viva y fresca que nos revela sus intereses artísticos viajando desde Burgos a Cádiz, desde León a Granada, con páginas dedicadas a Toledo, Salamanca, Madrid, Sevilla y otras ciudades y poblaciones, siempre con especial predilección por la arquitectura barroca. A lo largo de su diario también se encuentra con personalidades de la cultura del momento como Diego Angulo, René Taylor, Miguel de Unamuno o Rafael Manzano. Visita centros de estudio como la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando o la Biblioteca Nacional. Además hace acopio de libros que le servirán para la redacción final, ya de vuelta a México. Esta obra ha servido para muchos mexicanos que han visitado nuestro país siguiendo los itinerarios de Francisco de la Maza, por su capacidad de comunicación y apreciación estética, descubriendo matices sobre nuestra arquitectura barroca de interés, también, para nuestra propia historiografía. Razones suficientes para que se edite este trabajo en nuestro país.
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La vuelta al mundo en 80 museos
«Los museos son lugares de placer. Nos atraen. Y no solo por su reputación, su valor simbólico o su peso cultural, sino, sobre todo, por sus características físicas. Los museos suelen ser islas de paz en el tráfago de las ciudades, por las que se puede caminar y charlar con sosiego, ofrecen constantes estímulos visuales, que pueden resultar tan euforizantes como un partido de voleibol de playa femenino (o masculino), acostumbran a tener bares tranquilos, jardines coquetos y librerías interesantes, llenas de objetos curiosos, donde tomarse un café, darse un baño de sol, tumbados en la hierba, o comprar algún hermoso volumen de arte o un imán para la nevera, y, en suma, ofrecen a la inteligencia y a la sensibilidad, ordenados y explicados, amplios aspectos del arte y la cultura humanos. Los museos procuran espacio para la aventura: en sus salas hemos hecho amigos, conocido a amantes, vivido momentos risibles o trágicos, hemos demostrado nuestra ignorancia o nuestra erudición, nos hemos carcajeado de los demás y de nosotros mismos, hemos pasado tardes de soledad y melancolía, y renovado nuestra fe en la capacidad del ser humano para sobreponerse, gracias al arte, a sus calamidades y su mezquindad. Los museos son campos de felices batallas, circos de muchísimas pistas que, a diferencia de los circos de payaso y domador, huelen bien, campos de carreras en las que nadie corre, salvo nuestra sensibilidad y nuestro pensamiento. Los visitamos, pues, antes que otros sitios, fascinados por los placeres que vayan a proporcionarnos, que sabemos numerosos. Y, como somos gente de letras, nos gusta, además, recoger nuestras impresiones —el recuerdo de esos placeres— en crónicas que disfrutamos poniendo a disposición de los demás.» [Del prólogo]
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Pedro Reyes: Escultura Social / Social Sculpture
Ofrece una visión integral de la vasta colección de obras de Pedro Reyes, uno de los artistas contemporáneos más innovadores y comprometidos socialmente de México.Presenta impresionantes imágenes y textos provocadores que ofrecen una exploración intelectual del impacto de Reyes en el arte contemporáneo y la sociedad.Muestra una fusión única de arte y activismo: Reyes combina escultura, arquitectura, psicoterapia, teatro, literatura y activismo, ofreciendo una singular intersección entre la investigación estética y la práctica social.Este libro fue publicado con motivo de la exposición Pedro Reyes: Escultura Social, realizada en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, en Nuevo León, México. Reúne una amplia selección de obras del artista mexicano Pedro Reyes, cuya práctica vincula la exploración estética con el compromiso social. Reyes transita sin esfuerzo por los campos de la escultura, la arquitectura, la psicoterapia, el teatro, la literatura y el activismo. Invita al público a convertirse en participantes activos, transformando espacios más allá de los muros del museo. La publicación resalta las diversas estrategias que Reyes implementa, desde la exploración del potencial terapéutico de la dinámica grupal hasta los esfuerzos de desarme, redefiniendo la escultura como un medio expandido y participativo: una escultura social.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.