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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Cuando leemos Los últimos días de la Humanidad, que es un Apocalipsis cómico y patético del horror de la Primera Guerra Mundial, reír es... una forma de llorar y, así mismo y sobre todo, de tomar conciencia de la gravedad de estos problemas, y más cuando se hace una lectura actual de la obra, desde el conocimiento histórico de que la humillación que sufrieron los alemanes en el Tratado de Versalles fue una causa muy importante de que naciera el huevo de aquella serpiente del nazismo que definitivamente estalló en 1939 con el comienzo de unos nuevos últimos días de la Humanidad (Segunda Guerra Mundial), que acabaría en el doble espanto de Hiroshima y Nagasaki, ya profetizado de algún modo en la obra de Karl Kraus. Kraus nos introduce su obra con palabras como éstas: Los actos más inverosímiles aquí presentados ocurrieron realmente ... Los diálogos más increíbles que aquí se mantienen fueron dichos palabra por palabra ... Dejes y acentos recorren rechinando el tiempo y se van inflando hasta convertirse en el coro de este sacrificio cruento ... La gente que vivió entre la humanidad y la ha sobrevivido termina reducida a sombras y marionetas, larvas y lémures, máscaras de este carnaval trágico.... ¿De qué se trataba en aquella guerra y en todas las habidas desde entonces? El drama, dice Kraus, ha sido ideado para su puesta en escena en un teatro del planeta Marte: el público de este mundo no sería capaz de soportarlo. Porque era sangre de su sangre, y el contenido era el de todos estos años irreales, impensables, inasibles para una mente despierta, años en que unos personajes de opereta interpretaron la tragedia de la humanidad.
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Los poemas de Una vida de pueblo (2009), de Louise Glück, Premio Nobel de Literatura 2020, se suceden en forma de breves relatos y monólogos que giran en torno a los ritmos de la vida diaria de unos habitantes cuya existencia se ve definida por el lugar en que nacieron. Anclados en una aldea anónima italiana, el escenario no es, sin embargo, el idílico entorno de las églogas clásicas o el tópico paisaje de acuarela que la sencillez del estilo de la autora parecería evocar —,poco más que montañas, ríos, campos, sol, olivos y unos pocos adjetivos—,, sino un lugar cruel que «mata sin ningún motivo a la gente, / solo por no perder la costumbre». Atrapadas en la dicotomía de quedarse y envejecer o marcharse y mirar siempre atrás, la polifonía de voces de diferentes generaciones compone así una suerte de palimpsesto que es también una lente a través de la cual mirar reflexivamente la infancia y sus secretos, la adolescencia y sus ambigüedades, la madurez y sus engaños, la vejez y las certidumbres de la tumba. A medio camino entre lo que podría haber escrito Robert Frost si hubiera sido un poeta confesional y una Antología de Spoon River sin moralismos, Una vida de pueblo supone el punto final a la fórmula de poemas-secuencia que la autora empezó a ensayar sobre todo en El iris silvestre (1992) y que encuentra aquí uno de sus mejores logros.
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Premio SGAE de Teatro Infantil y Juvenil,2005José es el protagonista de esta historia en la que se le plantea un importante dilema:¿debe ayudar a María, una mujer inmigrante, que se pone de parto o, por el contrario, obedecer las normasde su amo poniéndose en peligro?Una obra sobre las relaciones humanas, en la que se entrelaza un trama de misterio en el mundo rural de Cataluña.
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De una libertad radical nacen estos poemas. Nos llegan de una tierra salvaje e imprevista, en la que se reorganiza la materia y se subleva el cuerpo, en la que el cuerpo reflexiona, y vive y cuenta. Irene Solà se enfrenta al entorno con una mirada cruda y al mismo tiempo vivaz, inquieta y vigorosa, que destruye mientras busca un nuevo orden en las cosas, y que nunca da nada por sentado. Estos poemas irradian una fuerza misteriosa que nos absorbe enseguida: nos requiere.Irene Solà debutó en la literatura con el libro de poemas Bèstia, que obtuvo en 2012 el Premi Amadeu Oller. Ahora presentamos Bestia en edición bilingüe, incluyendo el original en catalán, y con traducción al castellano del poeta Unai Velasco. Entramos así, con asombro y cautela, en este mundo familiar y extraño que anticipa —en cierto modo— el imaginario de la narrativa de Irene Solà, pero que sobre todo muestra ya una voz personalísima, radical. Habla la bestia: se renueva la potencia de los sentidos. Y la bestia eres tú, que lees y escuchas, tocas, olfateas y reconoces por su sabor estos poemas.
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“,Ven a saciar tu sed”,, me respondió. Y yo me levanté como un nenúfar, tocado por la alquimia del rocío, varita de la aurora, obedecí su dulce mandamiento, alcé los labios al cáliz ofrecido y lo rocé, y pronto mi cerebro fue la arena del Labrador, península esteparia, donde la ola primera reventó y borró las pisadas, débil rastro del pánico de ciervos sorprendidos por el cruel lobo, que dejó sus huellas visibles en la playa, la segunda ola las suprimió, del mismo modo me inundó una visión jamás gozada. Percy Bysshe Shelley es uno de los grandes poetas del romanticismo inglés. Fue un autor radical que desafió las convenciones sociales de su época. En sus últimos cuatro años de vida llevó una existencia nómada en Italia junto a su mujer Mary Shelley, quien alcanzó la fama como autora de Frankenstein. El poeta, cuyas dos grandes pasiones eran la navegación y la literatura, murió a menos de un mes de cumplir los treinta años: una tormenta hundió su barco frente a la costa de Liguria. En su corta vida produjo muchas obras maestras, aunque gran parte de su obra sólo fue publicada póstumamente. Algunas de sus piezas líricas breves se encuentran entre los poemas más queridos de la literatura inglesa. En el momento de su muerte, Shelley estaba escribiendo El triunfo de la vida, un poema de extraordinaria fuerza visionaria, admiradores como el poeta T. S. Eliot lo consideran su mejor obra. Esta nueva traducción española rinde homenaje al gran poeta en el segundo centenario de su muerte (1822).
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Un libro extraordinario que cuestiona el supuesto poder transformador del amor a través de algunas de las lecturas favoritas de Vivian Gornick Vivian Gornick lleva años desarrollando un formidable diálogo entre la literatura y la vida. La escritora estadounidense alberga la convicción de que la lectura es una forma de autoconocimiento, y de que leer con la mirada adecuada puede ayudarnos a entender cómo llegamos a ser quienes somos y por qué son como son los tiempos en que vivimos. En este libro, Gornick aborda uno de sus asuntos favoritos, el amor romántico simbolizado por el matrimonio, y lo analiza como uno de los temas clave en la literatura del siglo xx. En un recorrido por la vida y la obra de algunos de los autores que más admira -como Willa Cather, Virginia Woolf, Grace Paley, Richard Ford, Raymond Carver o Jane Smiley-, la autora defiende que nuestro mundo ha cambiado y que el amor y el matrimonio han dejado de ser, en nuestra época, metáforas que representen adecuadamente la felicidad y la realización personal. Con la misma inteligencia, honestidad y agudeza que caracterizan su célebre libro Apegos feroces , e hilvanando una profunda reflexión que se hunde con elegancia tanto en el conocimiento como en lo vivencial, Vivian Gornick nos brinda un libro extraordinario que cuestiona el supuesto poder transformador del amor y nos revela que este, «como la comida o el aire, es necesario pero insuficiente: no puede hacer por nosotros lo que debemos hacer por nosotros mismos». «Tan pequeño en extensión como grande en sus conclusiones, este libro es un placer y un estímulo: persuasivo, cincelado con exactitud y de una inteligencia estremecedora». Boston Review «Bien afianzada en la misma amplitud moral, agudeza psicológica, sofisticación estética e infinita veracidad que esperamos tanto de las buenas novelas como de los buenos lectores, Gornick podría escuchar lo que un par de viejos amigos casados se dicen de pasada durante la cena en un restaurante chino y detectar inequívocamente un cambio en el Zeitgeist». The New York Times Book Review
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Francisco López Serrano. Ha publicado los libros de poemas ''Ars Moriendi'' (1985), ''Un funesto deseo de luz'' (1990), ''La afable vecindad de la muerte'' (1997), ''El último hombre sobre la tierra'' (2010) y ''El extraño en que habito'' (2021) entre otros. Ha obtenido prestigiosos premios de poesía entre los que destacan el «Blas de Otero» y el «Luis Cernuda».
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Hay libros que se abren como una bitácora de viaje, textos escritos desde esa especie de autoexilio que esla poesía. El ave nos guarda en su canto es un mapainmenso adonde se dibujan las vías, las rutas en el aire, los recovecos de las decisiones que se van tomando en pleno vuelo. Es un libro que marca un punto enla ciudad donde se nace, un punto en la ciudad en laque se decide vivir y un tercero en la ciudad a la que se quiere regresar. Hay una línea recta indicando la distancia más corta entre esos puntos. El trazo preciso que une esas tres ciudades es la línea invisiblede la trayectoria, del desplazamiento y también de la nostalgia. La geometría demarca las fronteras de lapérdida, de lo que se deja atrás para siempre. Hay una niña que para alejarse del frío emigra, como lo hacen los pájaros, pero en este caso es hacia la palabra escrita, porque sabe que, si no canta eso que siente en el pecho, eso que no tiene nombre, se le va a pudrir por dentro. Sabe que si quiere cantarlo tiene que desanudar el nudo de pájaros, romper el nido que sele hizo en la garganta por tantos años de silencio.Sabe que tiene que dejar salir el pájaro en llamas que le arde en el pecho y sabe que la única forma de hacerlo es escribiendo. Hay libros que se abren como una bitácora de viaje, este es uno de ellos.
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Como bien escribe el propio autor en la coda que cierra este libro de poemas, celebra en sus versos la vida, la música y el placer que supone admirar la armonía y la belleza que la naturaleza despliega ante nosotros a diario. Dice, ''son piel estas palabras y estos versos /y es piel mía, lector,tu voz callada''
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Como bien sabían Chateaubriand, Rousseau, Baroja, Malaparte, Karen Blixen, o más recientemente Vivian Gornick, se puede narrar todauna época con una vida particular. Así, Seré un anciano hermoso en un gran país es un ensayo emocional que cuenta, con una
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Iniciado el 6 de octubre de 1935 durante su encierro por motivos políticos, este diario acompañó a Cesare Pavese hasta el 18 de agosto de 1950, nueve días antes de su muerte, y se convirtió gradualmente en el lugar en el que confiar pensamientos sobre el universo del escritor y del hombre. Amargo, irónico, pocas veces sereno, ofrece al lector una meditación sobre la vida, la soledad, los recuerdos y el arte conducida con un enorme rigor intelectual. Al mismo tiempo, página a página, deja constancia de su incesante desarrollo poético-literario, la evolución, en suma, de un personal oficio de vivir. Pavese dejó un testamento vital que con el tiempo se engrandece aún más y que como el traductor y poeta Ángel Crespo describía soberbiamente ''posee la virtud de los grandes clásicos, esto es, convertir una existencia íntima en algo universal, pues la vida que Pavese escribe en El oficio de vivir es la del hombre contemporáneo, el del siglo XX, atado a las dudas y a la angustia permanente, un hombre que pregunta todo el tiempo: ¿pero qué hacemos aquí?'' Una de las grandes figuras literarias e intelectuales de la primera mitad de siglo, su carrera como novelista, poeta y crítico contribuyó decisivamente a definir tanto la cultura de la época como la de generaciones sucesivas, entre las que sigue resonando de modo extraordinario el diario en el que destiló una manera única de entender y reflexionar sobre el mundo.
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«Pactamos con el diablo a fin de que nos otorgue el don de la palabra. La escritura es un don que nos dispensan desde el inframundo. Todas las recompensas del arte proceden de ese pacto. El diablo me ha prometido una obra, a cambio debo desear la desgracia de una persona todos los días de mi vida. He de entregarle a alguien en sacrificio. Bien es sabido, que aquel que desea la desgracia de otros invoca su propia desgracia. Eso es la escritura. Escribir es nuestra desgracia. Respondemos al acertijo del enigma, pero desconocemos el enigma que hay en nosotros. ''Eres la asesina a la que buscas'', me diría Tiresias. Nuestra mirada es apropiada hasta que al conocernos se vuelve oscura. Si no me suicido es porque después no podría escribirlo, se lo debo al diablo, le debo la escritura, solo él puede matarme. Es más bello el dolor que su causante. Es más bello el verso que el rapsoda».
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Cuando baja el telón, el espectador de 'Bodas de sangre' siente que ha asistido a la representación de un rito antiquísimo y renovado, casi a un sacrificio, cuyo significado último es simple y terrible: el amor más intenso solo es posible a costa de la vida, quienes se ven envueltos en el torbellino del amor acaban siendo sus víctimas. En 'La casa de Bernarda Alba' no hay cabida para los buenos sentimientos. La dictadura de la madre ha envenenado la convivencia para siempre. La obra se cierra, como se abrió, con un luto: ¡Nos hundiremos todas en un mar de luto!, ella, la hija menor de Bernarda Alba, ha muerto virgen. La dictadora es incapaz de aceptar que la realidad, a su alrededor, siga un curso distinto del que ella le ha marcado. Es necesario seguir fingiendo que allí no ocurre nada anormal, que nada ha perturbado, ni con su cara risueña -el hijo que probablemente esperaba Adela- ni con su cara oscura -el suicidio-, el orden impuesto por la autoridad indiscutible.
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Aquest volum ofereix, per primera vegada en català, el Poema Babilònic de la Creació (anomenat «Enuma elish»), llarg poema èpic escrit en accadi, probablement durant l’últim quart del segon mil·lenni aC. Al costat d’aquesta peça literària es presenten altres petites narracions, escrites igualment en accadi, que també intenten explicar l’origen del món.
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Daniel Rodríguez Rodero (Valencia de Don Juan, León, 1995). Graduado en Derecho y Administración y Dirección de Empresas, colabora asiduamente en las revistas Anáfora, Clarín y en las secciones de opinión y cultura de Libertad Digital, donde ha publicado parte de sus aforismos bajo la rúbrica «Invectivas de un millenial desubicado».
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En su forma no evidente, las prácticas culturales tienen como trasfondo un imaginario -racista, bélico, imperialista en el peor de los casos- que sólo es posible transformar mediante una disrupción enérgica. Es así como se pone en marcha la hipótesis política y cultural de este libro, en el que los escenarios planteados por J. M. Coetzee en sus novelas son vistos como percutores críticos, disparadores de la acción de resistencia. Con el instrumental de la literatura comparada y de la filosofía política contemporánea, Lazo Briones traza un mapa de interpretación de la obra del Nobel de Literatura 2003 para desvelar la universalidad de su problemática ética y de su compromiso de denuncia, el cual, sin concesiones frente al racismo, la violencia o la hegemonía del poder, busca sus fisuras conceptuales para deconstruirlos. No obstante, lo hace sin transitar por la filosofía meramente teórica o por el panfleto político: del mismo modo en el que las representaciones se han utilizado para exponer un concepto -el carro alado de Platón es un caso-, la crudeza de las imágenes en Coetzee toca al lector en el ámbito más íntimo de su vida y provoca un cuestionamiento sobre su sitio en el mundo. La estética literaria, utilizada así, a través de personajes disruptores de la moral admitida, ofrece un punto para dislocar el entorno político, para cuestionarlo desde su base. De este modo, los imaginarios de la resistencia alojados en las novelas de Coetzee son llevados a un plano de reflexión y crítica sin localización geográfica, para activarlos como un arma crítica en contra de la cultura y de los imaginarios de la opresión y censura.
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La dama duende es una de las obras donde mejor se encarnan todos los rasgos de la comedia de capa y espada, caracterizada por el ambiente urbano, elprotagonismo de hidalgos, los enredos amorosos, la función de los celos, los desafíos, los conflictos de rivalidad entre hombres y las damas discretas. Obra cómica, por encima de todo, pretende entretener y divertir al público. El personaje de Doña Ángela marca elcurso de la acción, es ella la que vive un conflictoque debe ser resuelto a lo largo de la acción dramática: la ruptura del orden que debe conducir a la restauración del orden.
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Resum de literatura grega recull les lliçons impartides per CarlesRiba a l'Escola Superior de Bibliotecàries de 1916 a 1924 en el marc delprojecte cultural de la Mancomunitat i segueix essent una obraperfectament vàlida per al lector modern que vulgui tenir una imatge deconjunt de la literatura grega antiga.Aquesta reedició de Resum de literatura grega (publicat originàriamentel 1927, i que veu la llum gairebé un segle després de la seva primeraestampació) recull fidelment el text publicat per Carles Ribaacompanyat d'una antologia de textos en traducció catalana, a curad'Eusebi Ayensa, que il·lustren la presentació que fa Riba delsprincipals autors de la literatura grega, des d'Homer fins a Museu, ique recull, alhora, algunes de les principals
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Un llençol blanc és un dietari poètic que Xavier Gonzàlez-Costa va començar a escriure el mateix dia que Rússia va envair Ucraïna. Cru, però commovedor, alterna imatges concretes de les hostilitats i les seves conseqüències, amb reflexions espontànies, dubtes morals, pors obsessives i lluites interiors, escrit cada dia, dia a dia, a la nit i tal com raja, fins que el secretari general de l'OTAN, Jens Stoltenberg, confirmà que «la guerra pot durar anys».
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Muchas inquietudes atraviesan la trayectoria vital del actor Guillermo Lasheras. A las mismas les ha otorgado forma a través de la metáfora del «prospecto», párrafos que desgranan los efectos, adversos o no, de sus medicamentos. Lasheras combina su lado más visceral con planteamientos estratégicos y estructurados de todo aquello que le consterna. El autor ha organizado sus textos en cuatro grandes apartados (el Amor el Tiempo el Arte y la Muerte), que presenta como medicamentos, que según él, consume a diario para sobrevivir.Estos recorren sus intuiciones y pensamientos más profundos, tiene gran protagonismo el sentido de la existencia. Sin embargo, hace hincapié, como un guiño a los lectores, en que «No es bueno leer los prospectos de los medicamentos no creo que te ayude saber sus efectos adversos. Si necesitas tomártelos, tómatelos, y depende de cómo reacciones, tendrás efectos adversos o no. Pero no los leas, descúbrelos».
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La biografía no dice ni explica nada sobre la obra de un autor. Esta teoría -que Marcel Proust defendió con vehemencia en un ensayo con el crítico Sainte-Beuve, entre otros textos- bien podría ser válida, si no pensásemos que la biografía de un escritor es también todos los temas, motivos e intereses por los que se preocupó. Y en el caso del autor de A la busca del tiempo perdido esto es más que evidente. Pintura, música y literatura, temas mundanos como «la moda», exposiciones y catedrales, escritores y salones parisinos... Todo forma parte de su gran ciclo novelesco, pero también -como esta rotunda compilación de escritos viene a demostrar- del resto de su obra y de su pensamiento.
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La autobigrafía imprescindible del Premio Nobel de Literatura y uno de los poetas más importantes de la historia.
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La mitad del trabajo de un poeta es atención. No hay nada demasiado pequeño, rápido, leve o insustancial para que no lo observe detenidamente. Y es que, precisamente, lo insignificante destella de significados. La poesía cotidiana de Ferrando está tejida con los hilos del arte de acción y teñida de una cierta filosofía oriental. Una partitura de experiencias sutiles que podemos interpretar nosotros mismos.
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'El enfermo imaginario'' es la obra por antonomasia de Molière, así como una de las más famosas y representadas de la historia del teatro. Escrita en el periodo de máxima madurez creativa de su autor, esta comedia, que critica y satiriza a los médicos de su tiempo, se centra en la irónica situación vital de su protagonista, Argán, un hipocondriaco a quien el miedo a las enfermedades y a la muerte le impide disfrutar de la vida.
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Llueve en la taza reúne más de treinta poemas del gran escritor danés Henrik Nordbrandt publicados entre 1969 y 2007. Como señala Juan Marqués en el prólogo a esta edición: «Si hablamos de intimidad, ficción y talento, entramos ya de lleno en territorio de Henrik Nordbrandt, cuya estatura poética es tan inmensa como discreta: es un talento que no atropella, un talento que llega muy alto sin dejar de hacer sonreír. Uno se siente bien mientras lee a Nordbrandt, se tiene la sensación de estar siendo invitado a participar de un discurso civilizador y pacífico, de una poesía que resulta amable incluso cuando quiere ser dura, de unas palabras justas».
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De qué hablamos cuando hablamos de amor · Antología apropiacionista reúne a 50 autoras y autores de distintos campos artísticos para configurar un proyecto coral que gira en torno al apropiacionismo como recurso creativo, enfocándolo siempre desde el amor y la admiración. Siguiendo con las herramientas conceptuales marcados por Raymond Carver, que en su momento cimentó su discurso con la obra de Antón Chéjov, cada autor/a se apropia de un/a autor/a diferente hacia el que siente especial predilección, y reformula cuatro fragmentos extraídos de su obra en clave de poema breve. Lo que aquí se presenta, en definitiva, es un amplio compendio de extractos que, apartados de su contexto original y expuestos ahora de manera autónoma, tienen la oportunidad de manifestarse libremente en un nuevo escenario, respaldados por una nueva autoría y con una nueva forma. En el amplio abanico que compone la antología pueden encontrarse artistas plásticas apropiándose de escritores, poetas apropiándose de teóricos del arte, novelistas apropiándose de chefs y un largo etcétera. A nombres que hoy son absolutas eminencias en sus campos, como Kurt Vonnegut, Ursula K. Le Guin o Virginia Woolf, se suman referencias mucho más contemporáneas, como Sabina Urraca, Bo Burnham o Gordom Ramsay.
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Todo libro es un proyecto colectivo y este lo es de forma radical. Esta es una antología de historias de ficción sobre las formas y posibilidades de colaborar. Se rastrean diversos términos ancestrales para denominar la práctica comunitaria: lumbung en Indonesia, auzolan en Euskal Herria, mutirão en Brasil, fa’zaa en países árabes, tequio en México, ubuntu en Sudáfrica, Allmende en Alemania... Relatos lumbung está escrito por una diversidad de voces desde estas diferentes cosmologías de lo común. harriet c. brown es un cuerpo colectivo que edita y prologa el libro, Azhari Aiyub, Uxue Alberdi, Cristina Judar, Nesrine Khoury, Yásnaya Elena Aguilar Gil, Panashe Chigumadzi, Mithu Sanyal... imaginan sobre las posibilidades de la práctica colaborativa. Cada relato nos lleva de un territorio a otro.La lectura se hace física, se palpan los olores y las texturas, los personajes nos acompañan, las frases nos sacuden. La cooperación entre chamanes y tigresas ante la explotación capitalista, la coordinación casi instintiva entre adolescentes ávidos de comprender su entorno, bailes, música, ritos atávicos y camaradería para construir identidades, el trabajo común en el campo, en las raíces y en la memoria, un futuro que basa su sociedad en lo colectivo, gritos ante el racismo y la discriminación y empoderamiento generacional, y, por último, un epílogo sobre el resurgimiento de los bienes comunes. Las palabras movilizan lo común, la ficción teje las redes.Llevamos al extremo la noción colectiva del libro publicando distintas ediciones por editoriales independientes de diferentes territorios, bajo la noción de cooperación y contagio y en el marco de documenta fifteen. El binomio escritura-comunidad debería involucrar tanto la producción como la distribución y este libro interviene y transforma estos modos de hacer. Necesitamos narrativas plurales y diversas para curar las heridas actuales que tienen sus raíces especialmente en el colonialismo, el capitalismo o las estructuras patriarcales.
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El gran clàssic d'Àngel GuimeràAquest drama d'Àngel Guimerà, un dels més representats en l'escena catalana, planteja un conflicte universal. La present edició posa a l'abast del lector una documentada exposició per reflexionar sobre una situació social i humana d'ahir i d'avui.
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Daisy Zamora (Managua, Nicaragua, 1950) es una de las poetas más excepcionales del panorama latinoamericano actual. Graduada en Psicología y Psicopedagogía por la Universidad Centroamericana, fue combatiente durante la revolución nicaragüense, participó en el operativo de la toma del Palacio Nacional, ejerció como directora de programación y locutora en la clandestina Radio Sandino y más tarde fue viceministra de cultura de su país. Su obra ha sido premiada en Nicaragua e internacionalmente, está traducida a más de treinta idiomas e incluida en The Oxford Book of Latin American Poetry. La antología de su poesía La violenta espuma (2017) fue publicada en esta misma colección. «Los poemas de Daisy Zamora deslumbran por su hermosa rebeldía, su afilada ironía y su ingenio lírico que va de la crónica a la elegía al epigrama. Un desafío a los valores estéticos y los valores sociales arcaicos, que convierte las palabras en instrumentos de búsqueda, para revelar, descubriendo lo oculto, y para rebelarse y hacer que esas palabras no sean para mentir, sino para que reflejen de verdad lo que quieren decir. Que calcen con sus verdaderos significados, que se conviertan en palabras transparentes e iluminadas». Sergio Ramírez
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Las Leyendas, que integran el volumen 97 de la BCRAE, son un conjunto de narraciones breves que se fueron publicando sueltas entre 1860 y 1864 en la prensa política madrileña o en magacines de divulgación cultural. Bécquer las dirigió a un público amplio, y por ello están escritas en una prosa periodística, de nivel cultural medio, con una estructura clásica y directa, sin digresiones ni grandes artificios narrativos. En ellas abandona el retoricismo de la generación romántica y explora las posibilidades del tradicionalismo legendario, con un soporte histórico genérico, casi siempre medieval, sin que falten recursos como la prosa poética, el terror psicológico, las descripciones de piezas musicales o un refinado erotismo, en páginas que se cuentan entre las mejores de la literatura española . Nacidas como textos efímeros, las Leyendas trascendieron esa condición para erguirse como una obra de alta calidad literaria, en la que los temas tradicionales, integrados en el acervo cultural europeo de su tiempo, expresan inquietudes y conflictos existenciales del ser humano.
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Edició i estudi d'una obra de teatre fins ara inèdita, escrita pel pollencí establert a Barcelona Ramon Picó i Campanar i estrenada el 19 de març de 1869. Es tracta d'un drama històric ambientat en un castell de la Catalunya medieval.
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Els textos que integren aquest volum exploren alguns dels gèneres que conformen la poesia oral. Cada un dels nou estudis que s’hi presenten il·lumina un aspecte o un altre de la tradició popular vinculada a la creació poètica. Aquests estudis posen de manifest que la poesia oral –en les seves més variades manifestacions– ha estat i és encara avui una eina eficaç per expressar, amb una gran riquesa de matisos, el complex entramat de la sensibilitat humana
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Per reivindicar l’orgull nacional o per expressar l’enyor d’èpoques millors, per manifestar amor a la terra, desencís, rauxa o seny, la poesia és sempre el millor camí. D’Ibn al-Abbar a Enric Casasses, de Verdaguer a Espriu i a Joan Brossa, una selecció dels millors poemes de tots els temps dedicats a la pàtria. Jaume Subirana (www.jaumesubirana.com) és escriptor i professor universitari. Ha editat reconegudes antologies “amb tema” com 50 poemes de Nadal per dir dalt de la cadira, Per dir sí. 50 poemes per a casaments, Que no mori la llum. 50 poemes per a funerals, i 50 poemes per saber de memòria.
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Premi València Nova de Poesia 2022. Un poemari sensible i sincer sobre el pas del temps, l'amor i el desamor que homenatja a autors clàssics com Vicent Andrés Estellés, Baudelaire i Miquel Martí i Pol. Mise in abyme és el camí introspectiu d'un viatge d'època pel desamor i per la luxúria de la desgràcia, la incomprensió al temps, a l'amor i al mateix sentit de la vida.
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