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Llibres de Teatre, Poesia i Relats
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Leer poesía nunca pasará de moda, porque la moda está basada en la poesía. Así como no pasa de moda el amor, la sonrisa o el beso.
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The Wind from the East will sweep the reader away with its literary force, rhythm and narrative structure drawing you in with a distillation of human passions that are almost always in conflict with each other.The European Internationally celebrated Almudena Grandes' finest work yet is a blend of two narratives set alternately in Madrid and an Andalusian town by the sea. Sara given up at birth to be raised by her wealthy godmother, is betrayed on her sixteenth birthday when she is forced to leave her godmother's home and return to live with her estranged parents in poverty. Tortured by resentment and the loneliness of belonging to neither place, she searches for solace in a coastal town. Parallel to Sara's story is the story of Juan and Damian Olmedo, brothers in love with the same woman. One night an argument incited by jealousy leads Damian to stumble down a flight of stairs and fall to his death. Suspected of murdering his younger brother, Juan flees to the same village that served as Sara's escape. Deftly engaging, The Wind from the East is an epic tale of love and redemption.Almudena Grandes' writing has been compared to the work of classic and contemporary voices such as the Bronte sisters and Isabel Allende.
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Les dones negres en situacions de violència se situen al centre de les dues obres que presentem en aquest volum. A qualsevol (2008), una jove comença a explicar-nos en temps present la quotidianitat d'un dia ordinari a la seva família fins que assassinen el seu germà al carrer amb un ganivet i la situació ens confronta amb els prejudicis racials. A tara (2013), tothom es creu amb dret a dir a l'Elayne què hauria de fer i deixar de fer, què hauria de pensar, amb qui hauria de parlar i on hauria d'anar, intuïm, darrere de cadascuna de les paraules, un subtext de dolor i profunda angoixa. debbie tucker green (amb minúscules per decisió de la mateixa autora) és una de les veus més rellevants i innovadores de la dramatúrgia britànica actual, inèdita fins ara en català. La seva escriptura és poètica, rítmica i rabiosament política.
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La edición de 2022 ha premiado este poemario de Patrocinio Gil Sánchez: un homenaje sincero a la profunda huella dejada por Antonio Machado en el autor, que viaja del presente pandémico al doloroso tiempo del exilio y muerte del poeta pasando por la infancia de Gil Sánchez y el rastro de esos maestros que en las aulas a lo largo y ancho de la Península Ibérica fueron sembrando el amor por la obra y el pensamiento de Machado. El Premio Internacional de Literatura Antonio Machado reconoce cada año a una obra literaria inédita (poesía, ensayo, teatro, novela o cuento) que, escrita en castellano, francés o catalán, contenga en su espíritu el pensamiento machadiano.
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Amherst es una confesión sobre el hecho de ser hija. Asistimos a una explosión literaria de la maternidad que viene con retraso –Vivian Gornick, Jane Lazarre, Silvia Nanclares, Jenn Díaz –, como si la escritura se hubiera visto escindida, durante largos siglos de historia, de nuestra relación más visceral y menos libre. Parece consecuente con una lógica cultural que además de patriarcal, se construye sobre la base de la separación del cuerpo. Con todo, ahí está la madre. Y aquí está la hija. Dos cuerpos a la deriva. Amherst nace de la necesidad de contarse ese vínculo, el nudo de amor, de cuidados y desapegos que caracteriza la relación madre-hija. Y de hacerlo, desde la hija. La narratividad como posibilidad de comprensión: contarnos para averiguar quiénes somos. Y por el camino, el humor como salida. Desde el momento mismo de nuestro nacimiento, toda la vida es una dialéctica continua de apego y separación: un solo cuerpo dividido en dos. De ahí la herida, que es fundacional. ¿Cómo vamos a ser una –como tanto nos han repetido la filosofía, la psicología, el pensamiento – si desde el comienzo nos dividimos en dos? ¿Cómo ignorar el anhelo, la ambivalencia, la melancolía de la que estamos hechas? ¿Cómo arrancar de ahí una sonrisa? Eso es Amherst: un collage de palabras –poéticas, narrativas, ensayísticas–, de imágenes –dibujos, fotografías–, de voces –gritos, susurros, cánticos–. Un collage literario, visual y hasta sonoro sobre el primer (des)amor de nuestras vidas. Una escritura personal que al mismo tiempo mantiene una vocación de triple salto mortal hacia lo colectivo: se hace cargo de una relación llena de poder, así que esta historia es también política.
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Se reúne en este volumen una selección de la obra de quince poetas canarios contemporáneos nacidos entre 1965 y 1980 (Melchor López, Juan Fuentes, Oswaldo Guerra Sánchez, Ricardo Hernández Bravo, María José Alemán Bastarrica, Alejandro Krawietz, Francisco León, Luis Lenz, Antonio Martín Sosa, Isidro Hernández, Bruno Mesa, Miguel Pérez Alvarado, Iván Cabrera Cartaya, Daniela Martín Hidalgo y Sergio Barreto) que han hecho de la vuelta al paisaje, esto es, de la reflexión del paisaje por medio de la palabra poética, uno de los ejes de su trabajo creativo.
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A través de les converses que Montse Caralt ha mantingut durant diverses èpoques amb Lluís Solà, podem entrar en els anys de formació del poeta i en les diverses passions que l'han anat conquerint: la passió pel teatre, la lluita per la llengua, la desesperació per la situació política, la necessitat de canviar el món de l'ensenyament, la voluntat i l'afany de bastir estructures duradores, com la revista de poesia Reduccions. Lluís Solà sempre ha intentat de conjugar diverses activitats amb la tasca de la poesia i la paraula. Aquestes cinc converses en donen testimoni. Montse Caralt i Sagalés (Folgueroles, 1986) és doctora en Traducció, Llengua i Literatura per la Universitat de Vic-UCC (2016) i membre del grup de recerca Textos Literaris Contemporanis: Estudi, Edició i Traducció (TEXLICO) de la mateixa universitat. Les seves línies de recerca se centren en l'estudi de la literatura i l'art a la segona meitat del segle XX i la gestió del patrimoni literari i museístic. És membre del consell de redacció de les revistes Ausa i Reduccions. Revista de poesia. Actualment és directora de la Fundació Miquel Martí i Pol i la Casa Miquel Martí i Pol i produeix projectes culturals.
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Los inicios de este combate se remontan a las pocas semanas de la llegada del pintor y escultor Julio Silva a París, en 1955, cuando conoce a Julio Cortázar y desde su primer encuentro se inicia una amistad entre ambos que perdurará hasta el fallecimiento del escritor en 1984.EL ÚLTIMO COMBATE es un homenaje a la amistad que entablaron Julio Cortázar y Julio Silva, los dos Julios, y recoge la totalidad de sus colaboraciones, incluyendo por primera vez el texto íntegro de “Los discursos del Pinchajeta”, inédito en español en la traduccion del propio Cortázar y de Aurora Bernárdez y con los dibujos que Julio Silva hizo para la primera edición francesa de 1966. También incluye “Silvalandia”, el texto “Un Julio habla del otro” - en el que Julio Cortázar hace una descripción antológica de Silva -, la correspondencia de Julio Cortázar y Julio Silva y como colofón la entrevista de Saúl Yurkievich a Silva: “La pluma y la tijera”, en la que Yurkievich, íntimo amigo de los dos Julios, indaga en la forma de trabajar de ambos.El libro ha sido cuidadosamente diseñado e incluye numerosas imágenes, fotografías y dibujos que ilustran y profundizan en el fascinante universo personal y creativo que se estableció entre los dos protagonistas de la obra.
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Ofrecemos en este volumen más de una treintena de artículos escritos por Francisco Ayala para La Nación de Buenos Aires que hasta hoy no se habían recogido en libro. A estos textos dispersos, que brindan al lector y al crítico de la obra ayaliana novedad y constatación, se suman además ensayos, reseñas, entrevistas, semblanzas y evocaciones sobre su obra y su figura de destacadas firmas, sobre todo argentinas, aparecidos en el prestigioso Suplemento Cultural del matutino porteño. El conjunto constituye una buena síntesis de la fuerte presencia del escritor granadino en una de las patrias de su exilio. La labor intelectual y creadora de Francisco Ayala (Granada, 1906-Madrid, 2009) como narrador, ensayista, crítico o memorialista, reconocida, entre otros, con los premios Cervantes y Príncipe de Asturias de las Letras, se ha desarrollado durante todo el siglo XX hasta adentrarse en el XXI. Su vocación más intensa siempre fue la literatura de creación, campo en el que publicó libros de prosas vanguardistas (El boxeador y un ángel, 1929, Cazador en el alba, 1930), novelas (Muertes de perro, 1958, El fondo del vaso, 1962) y volúmenes de relatos (Los usurpadores, 1949, La cabeza del cordero, 1949), así como unas memorias (Recuerdos y olvidos 1906-2006) y una obra en la que rompía las fronteras entre los géneros (El jardín de las delicias, 1971). Profesor de Derecho y, ya en el exilio, de Sociología y de Literatura en diversas universidades americanas, Ayala fue también traductor y editor, y durante toda su vida publicó artículos y colaboraciones en prensa. En 1939, recién llegado a Buenos Aires, comenzó una relación profesional con el diario La Nación que habría de extenderse más de cincuenta años, hasta 1993.
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«Escribir como quien viaja solo». Hace mucho, quizá demasiado, que el nómada talento de Miguel Ángel Arcas era un secreto en movimiento. Poeta, editor, agitador, curioso general, Arcas ha ido forjando un extraordinario corpus aforístico. En algún otro libro el autor los había denominado aforemas, neologismo que sintetizaba su fuente bifronte y su intermitente disposición versal. ¿Qué sería un aforema? Una idea que tiembla mientras piensa: «La oscuridad es un cadáver, / y no sabes de quién». Una visión que se hace sólida: «Una piedra respira por tu tacto». Una reflexión moral distraída, o amplificada, por el propio lenguaje: «Error: dolor y motor». La fusión, en definitiva, de metáfora y concepto. Más que formular dogmas, los fulgores de Más realidad desvelan los mecanismos de aquello que nos parecía cierto, observados mediante la inteligencia. Pero esa inteligencia trasciende los angostos límites de la lógica, para adentrarse en el resbaladizo territorio de la poesía. Pensar, para Arcas, pareciera ser el arte de la sospecha convertida en asombro. Revisar las ideas heredadas y lugares comunes para enfrentarlos con sus mentiras sintácticas, sus contradicciones metafóricas, sus verdades paralelas. «La verdad, como poco, lleva una doble vida». Minucioso atentado contra la rutina, poesía y pensamiento desordenan las cosas. «El viento se llevará las palabras», replica o resopla Arcas, «pero no las destruye». Leyendo estos aforismos, breve despertar literario en nuestras soñolientas letras, uno siente que sus vibrantes palabras nos reconstruyen.
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DAVID ROSENMANN-TAUB nació en Santiago de Chile en 1927. Su primer libro apareció cuando el poeta tenía veintidós años, y fue aclamado como una revelación. Con el paso del tiempo, su completa dedicación al arte y su alejamiento del público han dotado a su figura de una condición legendaria. Lleva publicados más de quince poemarios y fue uno de los primeros escritores latinoamericanos a quien la Biblioteca Cervantes Virtual dedicó su propia biblioteca de autor. Actualmente reside en Estados Unidos donde continúa escribiendo, componiendo y dibujando. Como Eliot, Pound o Juan Ramón Jiménez, Rosenmann-Taub es un poeta de la totalidad. De la totalidad y lo absoluto, de la creación en un sentido bíblico. En consecuencia, es también un poeta de los límites y de lo inefable, del más allá del poema. El presente libro es el primer inédito que se publica del autor en España. Los poemas de OÓ, O se hermanan hacia una meta. «OÓ, O»…llegar al fondo trascendental, cruzarlo y ser capaz de regresar al punto de partida.
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Hay algo, sí, que no vemos, pero está quieto y respira como un animal que duerme. Hay algo que está inmóvil más allá de lo visible, que no vemos pero que sin embargo sentimos. Claudio Damiani. Claudio Damiani nació en 1957 en San Giovanni Rotondo (Apulia). Vive en Rignano Flaminio, en las afueras de Roma. Es autor de varios libros de poesía, entre otros, Fraturno (Abete, 1987), La mia casa (Pegaso, 1994), La miniera (Fazi, 1997), Eroi (Fazi, 2000), Attorno al fuoco (Avagliano, 2006), Sognando Li Po (Marietti, 2008), Poesie (Fazi, 2010), Il fico sulla fortezza (Fazi, 2012), Ode al monte Soratte, (Fuorilinea, 2015). Ha publicado los volúmenes, Orazio, Arte poetica, con interventi di autori contemporanei (1995) y Le più belle poesie di Trilussa (2000). Ha recibido los Premios literarios Dario Bellezza (1995), Metauro (1997), Aleramo (2001), Montale (2001), Frascati (2001), Luzi (2007), Violani Landi (2007, 2012), Lerici Pea (2009), Volterra (2010), Alberona (2011), Prata (2011), Laurentum (2011), Alpi Apuane (2012), Arenzano (2013), Camaiore (2013), Brancati (2013). Fue uno de los fundadores de la revista literaria Braci (1980-1984). En 2013 fundó Viva, una rivista in carne e ossa. Sus textos han sido traducidos a varios idiomas.
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Si hi ha un nom que recorre tota la poesia del segle xx i ens ofereix un informe de la dignitat humana enmig de totes les seves contradiccions, aquest és el del poeta polonès Czeslaw Milosz.
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La Academia concedió en 1997 el Premio Nobel de Literatura a Dario Fo «por mofarse del poder y restaurar la dignidad a los oprimidos en la más pura tradición de la juglaría medieval». Misterio bufo, la obra más famosa de Dario Fo, es precisamente el texto más significativo de su investigaciónsobre las raíces del teatro popular. Las piezas que lo componen retoman, en clave grotesca, las representaciones sacras en las que la figura del bufón sirve a Fo para exponer la podredumbreo corrupción moral en la que vivía el clero durante el papado de Bonifacio VIII, o bien para parodiar la resurrección de Lázaro o el milagro de las bodas de Caná, que se convierten aquí en metáforas de nuestra realidad actual.Los pintores no tienen recuerdos, No hay ladrón que por bien no venga, El hombre desnudo y el hombre de frac, Los muertos se facturan y las mujeres se desnudan y A donde el corazón se inclina, el pie camina son farsas escritas en la década de los cincuenta del siglo pasado, al comienzo de la carrera de Fo, y con las cuales el entonces actor cómico se impuso como dramaturgo, director e intérprete de sus obras en la compañía que fundó con su mujer Franca Rame. Partiendo de la tradición francesa de comedia y de vodevil, basada en equívocos y gags, Dario Fo introduce su personal bagaje, extraído de la comedia popular italiana, creando un nuevo género de farsa surrealista llena de personajes delirantes.
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La sociedad española, heredera del prejuicio que no admite disidencia o heterodoxia alguna en autores consagrados, sigue percibiendo a escritores como Josep Pla, Joan Oliver, Gaziel, José Ferrater Mora, Josep Maria Castellet, los hermanos Ferrater, Joan Margarit o Pere Gimferrer como si de veras hubiesen sido siempre canónicos: personas dóciles y obedientes, atadas a sus intereses egoístas o adaptados siempre al mejor postor o al interés más rentable. Para Jordi Gracia, en cambio, las mejores páginas de todos ellos contienen una rebeldía intraburguesa estimulante y transgresora al margen de su ubicación política a derecha o izquierda. Han sido burgueses, sí, exigentes con su clase, más irónicos que dogmáticos, más ecuánimes que sectarios, y por tanto «burgueses imperfectos».
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Dans les ruines D'Ampurias. Sonnets, Andrée Bruguière de Gorgot (9788494383908).Aquest llibre està format per quaranta-dos sonets que tenen com a eix vertebrador el rerefons de les principals etapes de la història d´Empúries. Escrits en francès per Andrée Bruguière de Gorgot i traduïts al català per M. Antònia Salvà. Aquet llibre, una petita joia avui pràcticament introbable, és rescatat de l´oblit am b la present edició facsímil, reproducció fidel de l´edició de París. Amb un estudi introductori d´Anna M. Velaz Sicart
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En este nuevo diario, Estación de cercanías, Juan Malpartida asume la memoria y la fijación del momento en una atractiva alianza de la reflexión y la afectividad, de pensamiento y los sentidos. Aunque no deja de responder en ocasiones a la urgencia de lo cotidiano, se trata de un diario que da cuenta de varias obsesiones: las ideas e imágenes que nos hemos dado sobre el tiempo y la Historia, las aportaciones de la neurociencia a la comprensión de la naturaleza humana, la revolución que supone tener en cuenta la realidad evolutiva de la vida, en la que estamos insertos, aunque sea de manera problemática, las tensiones entre creencia y conocimiento, la complejidad del deseo y de la pasión amorosa, y, finalmente, pero en el centro de esta Estación, el fenómeno de la creación poética, que forma parte de una concepción del ser humano como eminentemente creador.
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Marianne Moore forma parte?junto con T. S. Eliot, Ezra Pound y Wallace Stevens, entre otros?de un heterogéneo grupo de poetas que, a principios del siglo pasado, revolucionaron el estancado panorama cultural norteamericano. Salvar la poesía de la mediocridad y el convencionalismo a través de una renovación global del arte era una de sus consignas, y Moore la siguió sin cortapisas: desde el punto de vista formal, participa de la ruptura con los viejos esquemas métricos que consumaron los poetas modernistas, por otra parte, amplía el horizonte temático aportando una ecléctica visión del mundo que sus conocimientos de biología contribuyeron a forjar y que cautiva en su generosa, y a menudo oscura, exuberancia. Un universo vivo late bajo el duro y reluciente caparazón de sus versos, de los que W. H. Auden afirma: «Nos fascinan porque no sólo son inteligentes, apasionados, maravillosamente escritos, sino también porque convencen al lector de que han sido escritos por una persona profundamente buena.»
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Dues dones s’escolten i es complementen a través d’una mirada íntima i alhora compartida. De la necessitatd’expressió n'afloren poemes i històries fotogràfiques que ens endinsen en un univers d’ombres i escletxes de llum.
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La arena cruda es aquella que permanece intacta, sin rastro de pisadas ni de los surcos que deja el agua del mar, como un lienzo en blanco sobre el que se imprimen los recuerdos. El universo poético de la autora pretende capturar las vivencias y emociones que se imprimen en nuestra memoria como las huellas sobre la arena cruda, dando voz a una particular forma de estar en el mundo, de vivir en conexión con el pasado y los propios orígenes, pero también con el presente y con todo aquello que nos rodea. En las páginas de este poemario nos acompaña permanentemente el agua, en forma de olas del mar o de gotas de lluvia, de ríos o de lágrimas, como una fuerza purificadora y de sanación.
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Bernardo Atxaga es el máximo exponente de la nueva generación de poetas en lengua euskera que ha supuesto la ruptura con la tradición y la novedad más fantasiosa. El lenguaje poético de Atxaga, es posiblemente de lo mejor que se ha conseguido últimamente. Obsesionado `por el placer de las palabras de las palabras, su selección de vocabulario casi rural con un vocabulario topificado por el uso en las grandes ciudades, crea un clima poético de especiales características, en el que los valores sensoriales (los colores, los sabores, las sensaciones táctiles) acompaña a la musicalidad propia del texto. Jon Kortazar Selección y versiones del propio autor (1974-1989). Edición bilingüe.
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Unas cien palabras Siente, piensa y vive. En este libro encontrarás relatos cautivadores, poesía, descripciones nostálgicas, imágenes ensoñadoras y palabras. Vivencias y pensamientos personales mezclados entre sí. A qué sabe «Café». Qué escuchas con «Tambor». Qué te susurra «Mensaje». Qué se alumbra en «Faro». Qué acaricias en «Contacto». No es necesario leer el libropágina tras página. Puedes abrirlo por donde desees yallí encontrarás la palabra. Tú eliges.
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LA poesía del exilio republicano de 1939 constituye una memoria plural que nos sigue interpelando como parte de una historia pasada, presente y futura. Memoriadel olvido acoge entre sus páginas las voces poéticas más consagradas junto a otras poco o nada conocidas, incluidas algunas anónimas. Voces que, en sus variadas relaciones con la historia, establecen múltiplesformas de memoria: testimonial, elegíaca, confesional, nostálgica, amorosa, religiosa, épica, política, poética
Siguiendo básicamente un criterio de ordenación cronológica, los poemas se han distribuido en sieteapartados que, lejos de funcionar como compartimentos estancos, dibujan itinerarios transversales de estadiversidad mediante sus inevitables interconexionesde referentes y sentidos: las experiencia de la retirada, el internamiento en los campos de concentracióny los viajes hacia nuevos destinos, la comprensión dela Guerra Civil como una memoria nostálgica y doliente, los efectos y visiones de los países de acogida,las figuraciones de la nación perdida, las peculiaridades de los discursos religiosos, los tratamientos dados a los distintos tipos de retorno, tanto imaginarios como reales, y la especial mirada que el conjuntode estas cuestiones recibe por parte de los niños dela guerra o segunda generación.
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En un mundo en el que los nacionalismos, las fronteras y las segregaciones sociales parecen gozar de una cierta acogida por algunos sectores de la sociedad, sehace necesario sacar a la luz testimonios y narrativas que propongan una forma diferente de relacionarsecon la nación de origen. Este libro contribuye a la cultura del exilio y, por tanto, a la cultura españolacon un detallado análisis de la identidad nacional de la segunda generación de escritores exiliados por la Guerra Civil española. Para ello, su autor ha recurrido al estudio de más de 32 escritores y escritorasy amás de 80 fuentes primarias pertenecientes al géneroautobiográfico -autobiografías, autoficciones, memorias, diarios, cuadernos de apuntes, etc.-, escritas encuatro idiomas diferentes (español, catalán, inglésy francés). Cómo se configuran los conceptos de nación, espacio y tiempo, así como qué papel juega laescritura en la configuración de la identidad nacional deesta generación son dos ejes motrices de esta investigación. Del mismo modo, para entender la interseccionalidad de dichos elementos, el escritor ha prestado atención al papel de la memoria, el olvido y el trauma, tanto a nivel individual como colectivo. En definitiva, esta obra propone un nuevo acercamiento metodológico a esta generación, así como sugiere alternativaslíneas de indagación que busquen establecer diferentes patrones que presten atención no sólo a las individualidades de cada miembro según el país de destino,sino también a las similitudes entre ellos por ser víctimas de un mismo acontecimiento histórico: laGuerraCivil española. Juan A. Godoy Peñas es Assistant Professor-Educator de español en la Universidadde Cincinnati (Estados Unidos). Con un doble doctorado en literatura española en Florida International University yen la Universidad Complutense de Madrid, yhabiendo sido Visiting Instructor en la Universidad de Qingdao,China, y Teaching Fellow en Harvard University, centra su investigación en la narrativa peninsular española del siglo XX. Particularmente, está interesado enrevisitar el concepto de identidad propuesto por individuos que tradicionalmente han sido considerados almargen del canon. Para ello, se especializaen el usoque los escritores del siglo XX hacen de la literatura autobiográfica para construir su yo identitario. Aparte de participado en numerosas reunionescientíficasinternacionales, ha publicado en revistas como Hispanófila, Middle Atlantic Review of Latin American Studies, Laberintos, Cuadernos de Aleph o Ámbitos Feministas.
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He ido recogiendo frases de muchas lecturas de mi vida, leyendo a grandes mentes de diferentes culturas. Aéstas, les he ido uniendo mis pensamientos, mis vivencias y mis propias frases. Algunas salieron a travésde conversaciones, diálogos o acontecimientos, y undía, sacándolas de contexto o en contexto, comencé aseleccionarlas y pulirlas. Fue así como poco a poco fueron apareciendo una gran cantidad de aforismos, queyo llamo ''frases de la vida''. De esa manera comenzó una aventura de juego con las palabras y los sentimientos, y sobre todo con las interpretaciones de esaspalabras que terminaron haciéndose presente en mi pintura. En ningún momento me había planteado trasladarestas sensaciones en el contexto de un libro. Hoy aparece ''Coco sin permiso'', gestado más por inquietudde amigos que me leían. Y podría decir que me sientofeliz de que más gente pueda disfrutar de esto que empezó como una simple anécdota. El libro, con muchosde estos aforismos, no hace más que sintetizar mi vida y la vida de muchas personas. Mi otra gran pasión,la pintura, acompaña este libro con algunos de mis cuadros más recientes. Un día intenté trasladar toda miexperiencia en el mundo de la moda al lienzo y comencé a mezclar materias con pintura, buscando el encuentro entre el color y la armonía. El expresionismo abstracto es eso. Que tú veas lo que sientes. Yo he sentido mucho haciéndolo. Espero que te guste. Coco Gabriel.
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PELLS MORTES. A partir de quatre dones d'una mateixafamília, que pertanyen a quatre generacions diferents, l'obraaborda la memòria històrica i, alhora, la memòria individual icol·lectiva ?íntima i familiar? de totes elles. Un cor de veusen femení que dialoga, s'enfronta i lluita per aprofundir enuna recerca vital que els'ha de permetre viure el present perpoder gestionar el futur: el seu i el de les que vindran.QUAN ELS ARBRES ENCARA FEIEN OMBRA. La Remei ésgran i viu sola. Un matí rep la visita d'una jove del seu barri.Arran de la visita, el present i el passat, el pas del temps, elressò de moments viscuts, silencis i culpes es donen cita alseu menjador. A poc a poc, davant dels nostres ulls, es va esgranantla vida de la Remei: veiem el seu barri, les dones quel'envolten i descobrim finalment el perquè de la seva soledat.
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Cuando una mujer es madre, todo su mundo se tambalea.Todo cambia y lo hace para siempre. Cuando una mujeres madre, algo muere y renace en su interior. Cuandouna mujer es madre, brillan con gran fuerza sus luces a la vez que sus sombras se vuelven más oscuras. Todo lo que nació después de ti es el reejo de los primeros años de mi maternidad. Es la expresión de todoslos miedos, de la rabia, de la ilusión, del crecimiento, del amor... De todas las emociones que acompañanesta aventura
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Con voz propia y contenida, con asertividad respetuosa, Marisa López Soria se adentra nuevamente en el panorama poético, cargada de sinceridad y refinamiento. Es francamente difícil que sus lectores no se sientan interpelados por su precisa desnudez, cuando no directamente identificados palabra a palabra y experiencia a experiencia.
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La poesía de Pablo Guerrero se escribe siempre a tiempo. Con tiempo. Poesía de todo tiempo y a tiempo completo. Poesía en tiempo y forma. Y por ello mismo poesía a destiempo, fuera de tiempo y del tiempo. Poesíaa contratiempo. Mas en ese instante una barca, un ritmo, una variación…, Poesía en tiempo muerto, poesía sin tiempo. Poesía que pierde el tiempo para ganarlo.
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Con humor burlón y corrosivo, Lydie Salvayre utiliza el pretexto de una noche en el Museo Picasso, de París, para cuestionar a la comunidad artística y sus instituciones.Con la estatua de Giacometti 'El hombre que camina' como punto de partida, la ganadora de Goncourt 2014, Lydie Salvayre, emprende una reexploración emocional de su indignación y la historia de su familia como hija de un exiliado español.Lydie Salvayre pasó una noche entera sola en el Museo Picasso durante la exposición Picasso-Giacometti. Siempre mantuvo una gran querencia por la obra de Giacometti 'El hombre que camina' (un trabajo que ella ve como la esencia misma del arte pero que solo había visto previamente fotografiado en revistas) y estaba segura de que se conmovería profundamente cuando se enfrentara a tanta belleza. Y sin embargo, ver este ôcuerpo inmóvil, helado pero también en movimiento, como olas en el mar que el frío ha congeladoö le produce sólo una leve irritación.¿Es analfabeta en belleza? ¿Esta sensibilidad se transmite solo entre los ricos para reforzar su exclusividad? Ella está agitada y plagada de preguntas.Entre líneas, a medida que la autora revela su relación con su padre, una familia de comunistas españoles exiliados, su obsesión por la humildad y la denuncia anclada en cada injusticia, el lector descubre poco a poco sus exigentes expectativas del arte y su miedo a la muerte. Una lectura poderosa y de pura sangre, al tiempo que una aldabonazo a la comunidad artística y sus instituciones.
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Iniciamos con este cuarto volumen de las Obras completas de Carmen Martín Gaite el trazado de su trayectoria ensayística con la edición de sus cuatro grandes títulos de investigación histórica (El proceso de Macanaz, Usos amorosos del dieciocho en España, El conde de Guadalhorce, su época y su labor y Usos amorosos de la postguerra española) más un Apéndice de textos dispersos estrechamente relacionados con estos libros.
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Poemes sobre l'origen, la naturalesa i la força del desig, sobre la manera com l'atracció ens arrossegacap a la felicitat o cap a la mancança. A tocar ofereix amor i desamor amb uns versos que tenen unaforta càrrega sensual i una imatgeria d'influència oriental, sempre sorprenent, de Manuel Forcano.
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Una selecció d'alguns dels millors poemes d'amor de la literaturauniversal.Li Bai • Du Fu • Ono No Komachi • Beatriu de Dia • Dante Alighieri •Francesco Petrarca • Geoffrey Chaucer • Ausiàs March • Pierre de Ronsard• Christopher Marlowe • William Shakespeare • John Donne • Francisco deQuevedo • Anne Bradstreet • William Blake • Lord Byron • John Keats •Heinrich Heine • Aleksandr Puixkin • Elizabeth Barrett Browning • EdgarAllan Poe • Christina Georgina Rossetti • Algernon Charles Swinburne •Thomas Hardy • Paul Verlaine • Àngel Guimerà • Robert Louis Stevenson •W. B. Yeats • Paul Laurence Dunbar • Rainer Maria Rilke • Edward Thomas• Louise Bogan • Sara Teasdale • D. H. Lawrence • Edna St. VincentMillay • Carles Riba • Joan Salvat-Papasseit • Vicente Aleixandre • JohnBetjeman • W. H. Auden • Màrius Torres • Josep Palau i Fabre • GabrielFerrater • Vicent Andrés Estellés • Joan Vergés • Feliu Formosa • JosephBrodsky • Pere Rovira • Maria-Mercè Marçal • Josep Pedrals
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Itziar Castro nos habla de amor, de desamor, se basa en sus propias experiencias, pues la poesía siempre es algo muy personal para ella. Sus textos suelen salir a bocajarro, desde las entrañas, pero no descarta el humor y la ironía. Afirma que, pese al dolor, con ironía todo pasa mejor, incluso el desamor. El título responde a su forma de ser: lo hace todo con el corazón para bien y para mal. Con preciosas ilustraciones de Gisela Navarro (giselfust) y numerosas fotografías de la autora.
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