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Llibres de Teatre, Poesia i Relats
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Tras más de cien años de historia, el Teatro Circo Price fue demolido en el año 1970. Medio siglo después, en el año 2020, y una vez resucitado el Price, Aránzazu Riosalido y Pepe Viyuela escriben Mil novecientos setenta sombreros. Esta tierna y divertida obra, a caballo entre el teatro y el circo, rescata para el mundo la fascinante historia del Price. Algunas de sus principales estrellas reviven como ha hecho el propio circo para evitar un auténtico cataclismo: el que puede provocar un payaso que, desencantado, se dispone a abandonar. «El circo es un sueño común nacido de la vulnerabilidad y el sobrecogimiento ante lo que no es posible explicar con palabras, algo que va más allá de la literatura, que escapa de la expresión verbal y conecta con impulsos atávicos, con el movimiento y la danza, con la tensión del músculo y el miedo a acabar, a terminar, a caer del trapecio». Pepe Viyuela
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Amb motiu del centenari del naixement de Joan Ferraté, l'edició definitiva d'una obra imprescindible.La terra gastada (The waste land, 1922) és un dels poemes més emblemàtics del segle XX. Eliot hi va combinar elements de procedència molt diversa (des de llegendes medievals fins a motius de la modernitat),que en fan un poema de lectura enormement complexa.El 1977 es va publicar per primera i única vegada el llibre en el qual Joan Ferrater edita, tradueix i comenta el poema. Es tracta d'una lectura que dilucida moltíssimes de les dificultats de comprensió i en proposa una interpretació de conjunt coherent i sòlida.Enguany que es compleix el centenari del naixement de Joan Ferraté (1924-2003) recuperem aquesta obra transcendental, incorporant-hi les modificacions que l'autor tenia previstes i un apèndix amb altres textos de Ferraté a propòsit de T. S. Eliot.
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bu Muhammad 'Abd Allah ibn Muhammad Ibn Sara, nació en Santarén. Dejó su tierra natal, el reino de Badajoz, tras la intervención almorávide y la destitución de los reyes taifas y se instaló en Sevilla. Hombre culto y de origen árabe, tuvo que ganarse la vida como copista, gramático y otras ocupaciones poco rentables, buscando en ocasiones el poder de los poderosos. Sus contemporáneos lo consideraron un gran prosista y un extraordinario poeta.
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Ana Blandiana (Timisoara, Rumanía 1942), poeta, prosista y ensayista de excepción, es una figura legendaria de la literatura rumana y una de las voces femeninas más influyentes de las letras contemporáneas, representante de los valores humanos y militante de la justicia social. El ojo del grillo (1981) retoma los motivos oníricos ya presentes en libros anteriores como El sueño dentro del sueño (1977), Su nota definitoria es la búsqueda del candor y de la comunión con la naturaleza, Blandiana practica un bucolismo espiritualizado: el paisaje concreto adquiere valencias metafísicas, el detalle banal de la caída de las ciruelas se transforma en símbolo de los ritmos universales con sus paradojas y aporías enigmáticas, Para la poeta, todo lo que es naturaleza es milagro: las ramas, la lluvia, el abeto, el ojo del topo, el árbol, las frutas y las raíces, Define el conocimiento poético como el descubrimiento de lo que late escondido en la esencia del ser, interroga al cosmos con la ingenuidad de un niño que cultiva el asombro como fuente de creación artística y se entrega a ensoñaciones filosóficas, Estos poemas, de factura visionaria y romántica, intentan descifrar las esencias impalpables del universo,
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La belleza y el asalto a la razón es un libro que expresa la necesidad de una poesía del misterio, la belleza y la inteligencia. Es un libro que, aun hecho a la medida de las incursiones de la imaginación y las exploraciones del inconsciente, y de haber querido desafiar los simples hechos de la experiencia, ha mantenido en todo momento la ambición de la desnudez del alma, aunque una desnudez considerada con cierta grandiosidad, pues es concebida como aparejada a la del mundo. En ese sentido, La belleza y el asalto a la razón contiene una paradoja: inmerso de lleno en nuestro tiempo, ha tendido a desligarse de él buscando una comunión mayor no con el mundo creativo de nuestra época, sino con el otro, lejano, en el que los grandes poetas-filósofos del mundo griego y romano pensaban simultáneamente el hombre y el universo. Es un libro, en suma, que ha retratado el presente a través de la creación y se ha escrito escuchando voces que no se escuchan entre las voces de nuestra época. Un libro para volver nuestra vida algo más bella y algo más profunda. Ramón de la Vega nació en Sevilla y vive actualmente en Bruselas donde trabaja como traductor para la Comisión Europea. Ha publicado un libro de relatos: Diario de un presentimiento, una obra de teatro: Una parte del mal, dos novelas: Una noche que no llega a ser oscura y Adiós a mi madre, dos libros de poesía: La conducta del soñador y Como en una red (cuya segunda edición –,corregida y mejorada–, lleva por título La necesidad de un instante), y el ensayo Conversaciones sobre la vida (Renacimiento, 2022).
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Un libro profundamente celebrador. Un canto a los seres tocados por la gracia, capaces de transfigurar la realidad más sencilla en la más sublime.En Fernando Plata tenemos a un joven poeta cuyo apellido ya indica cierta voluntad alquímica, pues concibe la poesía como transfiguración del sujeto o el objeto, pero desde la pura vigilancia de la conciencia. Y lo que más le importa es reflejar el encanto de la vida y del mundo, en poemas llenos de fuerza y con una dicción hímnica y de fe en esas criaturas del mundo órfico, los altos a los cuales dirige sus himnos. Dotado de profunda imaginación, escribe una poesía visionaria, sometiendo a sus imágenes a una idea rectora, de tal modo que el sentido preside la expresión. Sus ideas de orden proceden de Wallace Stevens, poeta de la imagen no surrealista, pero sí fantasiosa y plena. A Stevens y a Jorge Guillén los celebra como maestros, y su odisea mística está atravesada por el amor y la necesidad de la música. Como señala su prologuista y mentor, José Luis Rey, «Fernando Plata escribe una honda poesía espiritual y nos la entrega como quien ha seguido de cerca al sol hasta la caída de Faetón, para volver a alzarse en brazos de los altos, los seres mágicos y órficos en los cuales la poesía se ha cumplido en plenitud. Y esa plenitud es garantía de salvación. En este primer libro, un libro de himnos para el siglo XXI, el muchacho vigía de la Costa da Morte, con una poesía situada en el límite entre canto y eternidad, ambiciosa y a la vez humilde, nos regala una verdadera aventura del espíritu».
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Catalogado habitualmente como prerromántico por los historiadores de la literatura, William Blake (1757-1827) es, sin embargo, una figura que desafía cualquier intento de clasificación y que ocupa un privilegiado lugar en la lírica inglesa. Rebelde, visionario y místico, rompió con las doctrinas oficiales de su tiempo (teológicas, morales, políticas y estéticas) y se anticipó a muchos pensadores que hoy forman parte del acervo cultural de Occidente. El suyo es un mundo donde el mal es una fuerza necesaria y las leyes morales son cadenas impuestas al hombre, al que el poeta aspira a liberar a través de la imaginación, la visión y el conocimiento. La presente “Antología bilingüe” ofrece una amplia selección de la obra de William Blake, traducida y prologada por Enrique Caracciolo Trejo. No faltan en ella sus poemas más conocidos, como «El Tigre» o «Un árbol emponzoñado» y viene completada por un glosario de vocablos de sentido especial en la cosmogonía del autor y una cronología.
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Elogiada en su día por la mejor crítica, desde Unamuno a E. Díez-Canedo, «Yerma» (1934) es, tal como la definiera el propio Federico García Lorca (1898-1936), «la imagen de la fecundidad castigada a la esterilidad» dentro de ese dramático juego universal en el que se mueven las criaturas lorquianas: la oposición entre las fuerzas de la vida, con su destino de libertad, y la opresión que sobre esas fuerzas se vuelca incluso hasta llegar a la muerte. A cargo de Mario Hernández, la presente edición de esta obra dramática fija su texto de forma escrupulosa y se enriquece con una serie de entrevistas con el poeta rescatadas de la prensa española de los años 1934 y 1935.
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Carla Carmona (Sevilla, 1982) es profesora de filosofía en la Universidad de Sevilla. Combina su investigación en el ámbito de la filosofía con su práctica artística en las artes visuales, en la última década principalmente bajo el seudónimo de O/C. Es autora de los ensayos Poesía o el dedo gordo del pie (Revista Pasajes, 2021), Ludwig Wittgenstein: La consciencia del límite (Shackleton Books, 2019), En la cuerda floja de lo eterno: Sobre la gramática alucinada de Egon Schiele (Acantilado, 2013) y La idea pictórica de Egon Schiele: Un ensayo sobre lógica representacional (Genueve, 2012). Es traductora de los poemas y cartas de Egon Schiele (La Micro, 2014) y de los ensayos de Kathleen Raine sobre William Blake (Atalanta, 2013). Este es su primer poemario. En los ritmos de tus arcos adiestrarme. Vaporosas curvas: contorsión volátil de las vértebras, torcimiento de peroné, pie como plátano. («Ser costilla y helecho»)
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La historia colonial es una historia de violencias y de explotación: de cuerpos, de tierras, de paisajes, de semillas impuestas por la fuerza, dentro y fuera, y de campos sembrados. Es una historia que comienza muy atrás en el tiempo y que llega hasta hoy tomando muchas formas: unas se esconden, otras se disfrazan e incluso algunas se muestran tal como son. Mediante un diálogo poético a tres voces, este texto trenza el relato del ayer y el hoy del colonialismo exponiéndolo en su complejidad de formas, heridas y tiempo. Lina Meruane, Cristina Rivera Garza y Gabriela Wiener son tres voces fundamentales del panorama literario actual y dialogan en este libro a partir de sus poemas, compartiendo su pensamiento y su experiencia respecto a la colonialidad y la violencia.
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En «Medida por Medida», la risa y la náusea son elementos que van a desempeñar papeles cruciales. La risa es el contrapunto de lo que técnicamente podríamos denominar «náusea» (el proceder de los personajes del estamento del Poder). Risa y náusea forman así dos bloques complementarios, quedando afianzado cada uno por la eficacia del otro. Difícilmente podríamos tolerar la presencia de la náusea sin el equilibrio estético que aporta la risa. Difícil sería también advertir la presencia de una sin la respuesta de la otra. La referencia bíblica del texto nos informa de que estamos ante una obra de venganza. No soportar la felicidad de los demás, castigar con la muerte a los otros por sentir lo que uno mismo siente, juzgar a los demás por lo que uno mismo podría ser juzgado. Es la venganza del impotente, del hipócrita. Por eso, la sola idea de dos jóvenes que se aman -Juliet y Claudio- no puede ser asumida por los responsables de restablecer el orden moral en Viena. Pero Shakespeare siempre lo arregla todo, siempre encuentra una fórmula de salida, cuando los caminos teatrales que nos conducen al odio parecen cerrarse.
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Estos Dictados de naturaleza son el resultado de mi reflexión detenida y sincera frente a las cartas que Séneca escribió a su amigo Silverio para abordar cuestiones tan destacadas como el paso del tiempo, la felicidad, los otros… Séneca insiste en que no vivimos aislados, en que somos producto de un entorno social y humano que nos condiciona y nos lleva de la alegría al sufrimiento, a veces, sin darnos cuenta y sin solución de continuidad. Vivir no es más que mirar hacia fuera desde dentro. El primer título de este poemario era “La intimidad de la raíz”, o sea el punto de partida interior desde el que sentimos, pero Séneca me dictó el otro, la mirada hacia fuera, porque para él es más importante el final que el principio. Vivimos en nosotros mismos, en nuestra propia raíz pero si no somos capaces de entender a los demás, nuestra vida nunca alcanzará el tronco ni las hojas del árbol de la vida.
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La obra revolucionaria que cambió el teatro del siglo XX y allanó el camino para el Premio Nobel del autor en 1934. Publicada en 1921 y representada desde entonces incontables veces en todos el mundo, Seis personajes en busca de autor presenta a un grupo de personajes que irrumpen en el ensayo de una obra teatral en busca de un autor que pueda contar su historia completa y darles un sentido y un final. Exploración de la teoría clásica de la representación, la obra cuestiona la idea misma de la verdad en el arte y desafía las convenciones teatrales tradicionales. La acompaña en este volumen Enrico IV, una pieza que, a partir de la locura de su protagonista, explora temas como la identidad y la construcción de la realidad, animando al espectador a reflexionar sobre la naturaleza de la ficción. Ambas están consideradas obras maestras del teatro del siglo XX y han influido en generaciones de dramaturgos y narradores posteriores.
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La primera antología en italiano del poeta español Ben Clark. Edición bilingüe.Primera antología del poeta Ben Clark (Ibiza, 1984) en italiano. Edición de edición bilingüe de Alessandro Mistrorigo con traducciones al italiano de Francisco de Borja Gómez Iglesias, Eleonora Internò, Morgana Levato, Giulia Mazzoni, Alessandro Mistrorigo y Chiara Zaccaria.
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Versión en inglés de POETAS DE MADRID, con Cervantes, Lope de Vega, Góngora, Quevedo, Valle-Inclán y Rubén DaríoThis is Madrid.Madrid. Homeric city, the cradle and grave of many of us that pour out the joyful days of youth among its streets and wineries, throughout its history it has accepted into its fold non-conforming poets from the four corners of the earth, because one is born a poet in his land, but one is made and perishes in Madrid.No matter where you are from, Madrid never leaves you indifferent, it always offers the rhapsodist who has moved to the capital in search of fortune, a lively space about which to write their verses. If our lives are the rivers as Manrique said, today the Manzanares river has been reborn and is full of life.Poets of Madrid is a generous title, as is Madrid. This anthology shows that the city drew them in from very distant places: Rubén Darío, for example, was born in Nicaragua, Valle-Inclán in Galicia, Góngora was Andalusian, Cervantes was born in Alcalá de Henares, thirty kilometres from Madrid, only Francisco de Quevedo and Lope de Vega were true Madrid natives.With this, we are trying to say that the presence of Rubén Darío in the anthology represents the percentage of the Hispanic American population who, proud of the city that embraces them, carries the same language in their voices, Góngora and Valle-Inclán, that of the surrounding areas, Cervantes, that of the city's close neighbours, and Lope and Quevedo, that of those born in Madrid. Because those us of from other parts of the globe were attracted to this city, which is no longer a Manchegan dump, for its courtesy and its lack of rejection, as a place known for its cosmopolitanism should be.
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Este divertidísimo libro estimula a los prelectores yprimeros lectores a explorar el concepto de cien. Unlibro para contar muy original que ofrece una narrativa de aventuras acerca de cien monos en busca de comida. Una vez que sus barrigas se llenan, se echan unasiesta y de pronto aparece un monstruo. Temen convertirse en almuerzo también, así que corren por sus vidas. Todo termina de la mejor manera: en una bonita amistad.
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¿Puede o debe una tesis descansar sobre un soporte poético? Me siento incluso tentado de responder: da lo mismo, o bien, no podrá evitarlo.Pero puestos así ¿por qué preguntar?, si es el azar el que otorga los sentidos permanentes, en cada caso, a las palabras.Confían Los Torreznos en que los lectores valoren sus textos en el mismo sentido de aplicación que ellos les otorgan, cosa que supone darles una significación única, cuando, por otro lado, están reconociendo el carácter polivalente de esas palabras al azar, de esos 467 términos cogidos al paso y que usan precisamente porque su significado depende de múltiples circunstancias, de las cuales las suyas, las suyas propias, sólo otorgan una pequeñísima muestra. Como intérprete externo no sé si amoldarme a esas valoraciones suyas o dejar el campo abierto a mis pareceres. Cosa que estoy seguro que cuenta en los cálculos de los autores.¡Qué suerte la mía por haberme tocado entrar en este discurso, en este dilema de la tesis del azar y del sentido!Ambas cosas sabemos que existen, pero pocas veces pasan junto a nosotros.
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Millions of Amor Towles fans are in for a treat as he shares some of his shorter fiction: six stories based in New York City and a novella set in Golden Age Hollywood.The New York stories, most of which take place around the year 2000, consider the fateful consequences that can spring from brief encounters and the delicate mechanics of compromise that operate at the heart of modern marriages.In Towles’s novel Rules of Civility, the indomitable Evelyn Ross leaves New York City in September 1938 with the intention of returning home to Indiana. But as her train pulls into Chicago, where her parents are waiting, she instead extends her ticket to Los Angeles.Told from seven points of view, “Eve in Hollywood” describes how Eve crafts a new future for herself—and others—in a noirish tale that takes us through the movie sets, bungalows, and dive bars of Los Angeles. Written with his signature wit, humor, and sophistication, Table for Two is another glittering addition to Towles’s canon of stylish and transporting fiction.
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«Imagina una noche de verano junto al mar, entre sábanas tendidas, la luna traspasando barandas en el patio, y sombras de alambradas en la piel para escribir la música de un sueño». Con esta invitación lírica, Joan Margarit se dirige a Josep Maria Subirachs. Primeros versos de un poema en memoria de la amistad que unió a ambos artistas hasta el final de los días del escultor. Como perfecta expresión de la comunión de sus talentos artísticos, presentamos en este libro una selección de poemas en edición bilingüe, envuelta por la fascinante obra pictórica de Subirachs.
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Jardín de mi agonía desvela el perfume agrio de parterres en los que se cultiva el desprendimiento pero crece el desencanto y el dolor. Muestra el rosedal mustio de la otra vertiente de la existencia, con toda su verdad decadente. Muestra desolación. En él se enfatiza la entrega a la inercia de la vida, el desaliento y el desengaño, las sombras que han ido quedando cuando se ha despreciado el tiempo, todo lo que irremediablemente ha sido, con fecha de caducidad más que concluida. Jardín de mi agonía cataliza sentimientos y emociones que adquieren una desnudez inagotable pero con un horizonte definitivamente finito. Fragilidad y temor latente. El jardín en el que todos convergemos al final de nuestras vidas. Las lucernas se van agotando. La función casi terminada. Telón y olvido. «Es un libro sobre el dolor, pero todos lo son. Porque todas las historias son la misma historia. De contenido desabrido, ¿cuál no lo es?»
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Por definición toda poesía es incívica. Porque la verdadera poesía no de ser un animal doméstico, una voz servil, un cauce que contemplamos desde la distancia por el que discurre la palabra sin que llegue a mojarnos siquiera. La poesía no debe dejar indiferente al lector. La poesía no puede dejarnos indemnes.Se hace necesaria la poesía inquieta, díscola, alborotadora, la poesía que no dejando de ser lírica nos invite a reflexionar, que nos interpele y emocione. Una poesía que consiga que cuando terminemos de leerla no seamos los mismos que al iniciar su lectura.
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Escritas en el mismo periodo, alrededor de 1892, poco después de la separación del autor de su primera mujer, las dos obras de este volumen tratan de las relaciones conyugales cuando interviene un tercer elemento. Según Strindberg, la pasión, las riñas, los celos y el miedo a perder al otro son indispensables para que la vida matrimonial funcione, y así los hombres y las mujeres se ven «condenados a desgarrarse mientras les quede una chispa de vida». Sin embargo, si existe un tercero, representado en la primera obra por Axel, un amigo común de la pareja protagonista, se empieza de verdad a jugar con fuego, como indica el propio título, y se quiebra la armonía. En El vínculo, en cambio, el tercero en disputa es el hijo de los cónyuges: con el enfrentamiento en la audiencia de un juicio entre una pareja de nobles que se está separando, Strindberg escenifica su propio divorcio y el temor a perder la potestad sobre sus hijos y que estos puedan ser educados por otro hombre.
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Los mejores poemas de Emily Dickinson, una de las escritoras más extraordinarias y enigmáticas de todos los tiempos. Edición bilingüe y traducción revisada «Me gusta muchísimo Emily Dickinson y tengo un interés especial por ella porqueme parece una poeta difícil de traducir, con un uso del lenguaje deslumbrante, y una persona muy extraña».Mariana Enriquez Emily Dickinson es una de las poetas más grandes de todos los tiempos, comparable, según Harold Bloom, a Dante y a Shakespeare. Escribió cerca de dos mil poemas, la mayoría de los cuales se encontraron tras su muerte, cuidadosamente cosidos en cuadernillos y guardados en una caja de música. Nicole d'Amonville Alegría, también poeta, ha realizado una personal y muy cuidada antología a partir de la última edición crítica de R. W. Franklin. Los poemas aquí reunidos constituyen una excelente muestra del rigor, la fuerza y la impresionante modernidad de la obra de la poeta norteamericana, que cantó y amó con audacia y humor contra toda norma establecida. Una nueva edición bilingüe y revisada de los mejores versos de una autora que continúa ganando lectores en la actualidad.Edición, selección y traducción de Nicole d'Amonville Alegría.Sobre la autora:«Su originalidad no ha sido igualada ni siquiera por la fuerza de sus descendientes poéticos: Wallace Stevens, Harr Crane, Elisabeth Bishop. Su canonicidad surge de su lograda extrañeza, de su misteriosa relación con la tradición».Harold Bloom «Silencio, habla Emily Dickinson».Marta Caballero, El Cultural «Una genia con habitación propia».Laura Freixas«No importa cuántas veces se lea a Emily Dickinson: el misterio de esa mente, y de ese inquieto vagar por las emociones no se desvanece».Espido Freire «Una mujer que siempre fue por libre [...]. Leyéndola se tiene la sensación de estar ante alguien a quien nada pasaba inadvertido. Nada ni nadie».Javier Rodríguez Marcos, El País«No hay, que yo sepa, una vida más apasionada y solitaria que la de esa mujer. Prefirió soñar el amor y acaso imaginarlo y temerlo. En su recluida aldea de Amherst buscó la reclusión de su casa y, en su casa, la reclusión del color blanco y la de no dejarse ver por los pocos amigos que recibía. Además de la escritura fugaz de cosas inmortales, profesó el hábito de la lenta lectura y la reflexión».Jorge Luis BorgesSobre su poesía:«Dickinson nunca rehuyó los grandes temas del sufrimiento humano, la pérdida, la muerte, incluso la locura, pero su perspectiva era intensamente privada, [...] Dickinson es la gran poeta de la interioridad, de la indefinible región del alma en la que estamos, en cierto sentido, completamente solos».Joyce Carol Oates «En un poema de Emily Dickinson hay ese hechizo que nos devuelve al mundo perdido delos encantamientos verbales y las canciones de cuna, a los miedos y las maravillas secretas de la infancia».Antonio Muñoz Molina «La poesía de Emily Dickinson nace de lo que su autora define como ''diferencia'', y que lo es no solo de la sociedad patriarcal en que nace, sino de la norma literaria que esta misma sociedad impone y de la que ella, con valentía y firme voluntad, se aparta».Jaime Siles, ABC Cultural
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Joan Salvat-Papasseit (Barcelona, 1894-1924) puede ser considerado como el primer poeta proletario de la lengua catalana. Por su ideario anarquista, su formación autodidacta, su temperamento romántico, su obra ha cobrado, en los últimos años, vasta repercusión entre los lectores de nuestros días. Aquí se reúnen prácticamente todos los poemas de tema amoroso que Salvat-Papasseit publicó o dejó escritos, en los que se pone en evidencia la idea del poeta sobre el amor como fuente de placer y de creatividad. Porque, en definitiva, «la poesía de Salvat-Papasseit, segura y balbuceante, es el resultado de una fuerte tensión entre el poeta y la realidad. Y entre esta y las diversas ideologías programadas», dicho sea en palabras de Joaquim Molas.
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La colección «Poesía portátil» reúne en esta antología los versos más representativos de Yannis Ritsos, uno de los poetas griegos más importantes del siglo XX.«Portentoso creador de imágenes, su verso revela siempre las raíces del dolor, acaso para conjurarlo».Jordi Llavina, La Vanguardia Yannis Ritsos es uno de los grandes poetas griegos del siglo XX y una de las mejores voces de la poesía europea. Con una delicadeza excepcional, su lirismo se imbuye del pathos griego, y en sus versos, cargados de simbolismo, se hallan huellas del firme compromiso político fruto de sus añosmilitando en el Partido Comunista. Violeta Gil, autora de Llego con tres heridas, nos ofrece en esta hermosa selección unos de los versos más emblemáticos del poeta heleno. «Partiendo en dos la pena, igual que partían sobre la rodilla su pan de cebada».La crítica ha dicho:«En la poesía de Ritsos se da una fuerza y una riqueza torrenciales y una fidelidad a la palabra que se expresa rotunda y rica».Antonio Colinas, El Mundo «Es posible que de todos los mejores poetas del siglo XX Ritsos no sea el más popular, ni el más fácil, ni el más conocido. Pero después de poder acercarme a su obra, propongo sin duda situarlo a la cabeza de los más grandes».Luna Miguel, Go Mag
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La cuerda, de Ana Vega, es un poderoso poemario que explora la dualidad del bien y el mal, ofreciendo un homenaje a las víctimas de la violencia y un rayo de esperanza.Este poemario es un homenaje a las víctimas de abusos, violencia y opresión, y una voz potente que rompe el silencio de aquellos que han sufrido en la oscuridad. A través de versos intensos Ana Vega no solo denuncia la injusticia y el dolor, sino que también ofrece un rayo de esperanza y la posibilidad de sanación.Este libro no es solo una colección de poemas, sino un manifiesto de resistencia y un llamado a la empatía y la acción. Cada página es un testimonio de la capacidad del ser humano para sobrevivir, sanar y transformar el trauma en un motor de cambio.La cuerda, es esencial para quienes buscan comprender y combatir las sombras de la sociedad, ofreciendo una guía para aquellos que desean encontrar luz en la oscuridad.
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Els vuitanta-set cants que conformen els Himnes Òrfics han estat tradicionalment atribuïts a Orfeu, personatge de la mitologia grega clàssica que amb les seves extraordinàries dots musicals i el seu cant seduïa el cos i l'ànima de qui l'escoltava. Els Himnes Òrfics s'adreçaven a elements de la natura i l'univers i invocaven els deus per tal que els fos concedit el benestar i la pau d'esperit. Els Himnes posen davant del lector tota l'exuberància i esplendor d'un món no domesticat, engalanat amb un paganisme no regulat, el bell rastre d'èpoques anteriors on encara no s'havia establert la regulació religiosa per mitjà de l'escriptura. Expressen, tanmateix, l'exuberància, la bellesa i la meravella d'un món no contaminat encara per la mirada racional i suposadament superior de «l'home modern». Aquest món no desxifrat racionalment és un món màgic, fastuós, ubèrrim, és a dir, la pura celebració de la joia dels sentits. «La resta és temps i dedicació, sempre des de la submisa admiració per uns textos, els Himnes Òrfics, i una llengua, el bell català amb el qual he après d'estimar el món que ens envolta. El resultat final són aquestes interpretacions dels Himnes Òrfics que oferim als lectors i a les lectores i que volen ser, en definitiva, un modest homenatge al món grec arcaic, tothora sumptuós i florent, i també al nostre català, delicat i arrauxat, i alhora, exquisit i vehement.»
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Los poemas de este libro son el resultado del impacto emocional que experimenta el autor tras su traslado al Centro de Instrucción de Reclutas de Colmenar Viejo, allá por 1975. Nacen de la soledad más dura —familia, amores y amigos quedaron a centenares de quilómetros— y también del conflicto surgido por el contacto con una cultura belicista. En su nuevo entorno de la preciosa sierra madrileña todo eran gritos, armas y «preparación para la violencia». Escribir estos poemas le permitió salvaguardar sus sentimientos, emociones e ideas. A pesar del paso de tantos años, desea que la lectura del poemario proporcione al amable lector unos breves instantes de solaz intelectual, en estos momentos tan complejos que nos ha tocado vivir.
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El volum, a cura d'Anthony Bonner, s'obre amb una introducció que situa el text, en repassa la transmissió i explica el context en què es mogué el seu autor. A més, el llibre conté dotze làmines d'imatges datades del 1325, miniatures de la vida de Llull extretes del Breviculum, una antologia breu d'escrits lul·lians dirigida a la reina de França. La Vida de mestre Ramon fou escrita originalment en llatí. Ha estat traduïda al català pel mateix Anthony Bonner. S'hi han mantingut els versicles en llatí per poder-los llegir de manera acarada amb la traducció. Llull pertanyia a una família benestant barcelonina instal·lada a Mallorca i mantenia estretes relacions amb la cort reial. Estava casat, tenia dos fills i es descrivia com a ''ric, lasciu i mundà'' en l'etapa anterior a la il·luminació, vivia en una Mallorca en què la tercera part de la població era musulmana i en què els jueus tenien molt de pes en l'economia insular. La narració, escrita cinc anys abans de la mort de Llull, s'inicia amb les cinc aparicions de Jesucrist en la cambra de Ramon, fins que aquest comprèn el que Déu vol d'ell. S'adona que ha de servir Crist en la tasca de convertir sarraïns, però li cal aprendre llatí i posar els dictàmens per escrit. Ramon comença el seu camí per instruir-se, sobretot a París, aprendre la llengua aràbiga i començar, consumar i difondre l'Art, sistema filosòfic que demostra la veritat del cristianisme. L'obra no deixava de ser la culminació de la construcció de la seva imatge pública, amb uns propòsits «justificadors i propagandístics» ben clars. Això ha fet que els estudiosos es qüestionin fins a quin punt s'ha de donar crèdit a una informació tan selectiva.
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Libro excepcional por su acrisolada perfección y por su insólito lugar dentro de la poesía española del último medio siglo, Manual de eternidad parece surgir de la nada para aspirar apremiantemente a la categoría de clásico. De la nada porque su aliento narrativo parece enraizar en la épica, en un limbo casi anterior a la literatura, de donde también brota un humor raro, sin parentescos líricos aparentes, y en el que rastreamos, sin embargo, ofrendas a todas las tradiciones literarias, del clasicismo a la modernidad, reflejadas tan pródigamente como en una galería de espejos. No nos asombra que el producto de un escritor casi inédito descanse en un pedestal tan sólido y claro, porque es evidente desde los primeros versos que el autor está dotado de una gran erudición y de un talento fuera de lo común, casi de chiste, casi de cómic. Pero los versos mismos nos asombran infinitamente, en sucesivas lecturas, hasta fundirse con el propio asombro en un todo diáfano, sin sombras. No nos hemos parado a preguntarnos qué habría sido de la poesía de Arturo Pascual de no haber fallecido prematuramente, porque en este libro cabe todo él. Quizá sí nos preguntemos dónde termina «lo anterior» al libro, sus fuentes más ignotas, y en ese viaje al centro del poeta se condensa el enigma de este Manual tan vibrante como mudo, tocado por una gracia anterior a casi todo.
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En su nuevo poemario El año del renacuajo Víctor Bayona Marchal (Barcelona, 2001) reflexiona sobre el tiempo que nos habita, que nos mide y nos define. Un tiempo que nosotros, a su vez, vamos creando con cada experiencia, con cada interacción familiar, con cada esfuerzo por conservar un instante en la memoria. Sí, las vivencias nos definen, pero el poeta se pregunta si no serán determinantes, también, los hijos que no hemos tenido, los caminos que no hemos andado o los futuros que no han sido. ¿Existen estas alternativas en nosotros? El año del renacuajo dibuja la identidad de un joven que analiza su propia metamorfosis hacia la edad adulta mientras da sus primeros pasos en el siglo incierto que le ha tocado inaugurar. Avanza y canta, lo observa todo con los ojos de un científico escéptico y la mirada de un poeta expectante.
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Nuevo poemario del autor Marcelo García Desorientado lector, que has recorrido tierras y lugares que nunca hiciste tuyos, pasa libremente el umbral de este edificio que tiene algo de santuario y algo de morada. Aquí el espacio tiene estancias y distancias, pero no límites. Mas no estás solo: una guía, desde el comienzo, con el laurel de Apolo en una mano, símbolo de la luz, de la música y las artes, de la ciencia oracular, del fuego sagrado y la palabra, te invita a seguir la estela de historias, de vidas y de seres que quieren conocerte y compartir contigo su drama, su ventura y su infortunio. Explora las estancias. No estás perdido. Todos los pórticos, pasillos y pasajes te conducen al centro, al punto inmóvil, donde las pasiones se resuelven y el amor se cumple. ¿Es un árbol, es un monte, es el eje del mundo?
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En los eclécticos universos de estos trece relatos conviven la amistad, la exploración de la sexualidad, los rituales de paso típicos de la adolescencia, al igual que experiencias propias de la adultez como la maternidad y las crisis maritales, los vínculos afectivos con otras especies y hasta con seres mitológicos o sin agencia humana. Sin embargo, lo que sincronizará la respiración de los lectores con la de estos personajes, arrastrados casi siempre a la redención o la catástrofe, no será la experiencia de lo real sino el pálpito de una cotidianidad enrarecida. Así es como este libro nos agarra de la mano para llevarnos hasta el paraje más vacilante de nuestras mentes y abandonarnos allí, tras apagar la luz, para que emprendamos el camino de vuelta solos y a oscuras.
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El primer dia de setembre —fèiem la prova inicial— la Carla va preguntar què vol dir ham als exercicis de lèxic. En veu alta, algú va traduir-ho a una altra llengua. Per dins li hauria respost: «Am vol dir estimo, amo vol dir submissió, ham significa ferida, interrogant, record. Tots som, al mateix temps, un peix ferit i un pescador que mira d’omplir el cove, Carla».La marca de l’ham parla de digerir i traginar cicatrius, hagin fet crosta o no. De mostrar-les amb acceptació, dolor i, potser, cert orgull. Hi surten fantasmes, forenses, genolls cansats i cors amb les artèries empantanegades. Però l’anatomia, aquí, es torna anècdota. Perquè aquest llibre és, sobretot, un viatge des del ressentiment fins a la tendresa. La paraula, doncs, hi pot actuar com a fuetada o, també, com a carícia.
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George Gordon Byron (1788-1824), más conocido como Lord Byron, es una figura prominente del Romanticismo, A diferencia de la mayor parte de los grandes poetas de su tiempo, ya en vida gozó en toda Europa de una fama equiparable a la actual, Pero no solo su obra, también su estilo de vida coadyuvó a la creación de una imagen y un mito ya plenamente modernos. De entre sus célebres poemas narrativos, quizás el más apreciado por la crítica actual sea El prisionero de Chillón, por el fino análisis psicológico que ofrece de un ser humano reducido a un duro confinamiento, similar interés despierta El lamento de Tasso, basado en los años que pasó asimismo en prisión el gran poeta del Renacimiento italiano, Mención especial merecen también sus «lyrical dramas», en donde Byron, tal vez influido por su amistad con Percy B, Shelley, se nos muestra en toda su grandeza y con una maestría y una hondura shakesperianas, Equiparable a «Manfredo» o «Caín», El cielo y la tierra, una obra que nos habla de la imposibilidad de acotar el deseo, se presenta en este volumen por vez primera en español. «No escribo, He vivido demasiado tiempo cerca de Lord Byron, y el sol ha extinguido a la luciérnaga», Percy B, Shelley
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Allò que només pot dir-se en poesia i és tan senzill, tan normal, són les paraules que no van aflorar en el seu moment, és la vida dins de la vida, aquella vida que resta tancada darrere d'una porta que solament la poesia podrà obrir.
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