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Llibres de Teatre, Poesia i Relats
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Pedro Sevilla (Arcos de la Frontera, Cádiz, 1959) ha publicado hasta el momento tres interesantes novelas y un extraordinario libro de memorias, La fuente y la muerte (2011) pero es su poesía, por vez primera reunida ahora en un solo volumen la que le otorga un lugar, mucho más destacado que reconocido, en su generación, la llamada generación de los 80. Es la suya una poesía esencial, en el sentido que lo era la de Antonio Machado, que parece brotar con naturalidad y sin aparente necesidad de apoyo en artificio retórico alguno, desde lo más hondo. Poesía sorprendente, más aún en la hora actual, tan condescendiente con lo sentimental, con los fáciles sentimentalismos, porque es capaz de ser arte (con todas sus sabidurías y exigencias) y a la vez de llegarnos directamente al corazón, como casi todos los poetas genuinos, desde Jorge Manrique a César Vallejo. A.L. Pedro Sevilla nació en Arcos de la Frontera (Cádiz) en 1959. En 1989 la colección de cuadernos «La Poesía más joven», dirigida por el poeta Francisco Bejarano, publicó sus primeros poemas. Al poco tiempo salió publicado Y era la lluvia, amor (Barro, 1990), así como un estudio-antología de la obra del poeta arcense Julio Mariscal Montes titulado Diez de Julio (Ayuntamiento de Arcos de la Frontera, 1990). Desde entonces han ido apareciendo otros poemarios como Septiembre negro (Renacimiento, 1992) y Sendero Luminoso («Cuadernos de la Moderna», 1994), este último dentro de la colección dirigida por el poeta José Mateos. En 1995 obtiene un accésit del Premio Internacional de Poesía Rafael Alberti con el libro La luz con el tiempo dentro, que viene publicado en el siguiente año bajo este mismo sello editorial. Pedro Sevilla además ha colaborado en numerosas revistas literarias y ha sido columnista de prensa. También ha publicado las novelas Extensión 114 y 1977, aparecidas en Quorum Libros Editores en 2000 y 2002 respectivamente. Sus últimos libros de poesía hasta la fecha son Tierra leve (Renacimiento, 2002) y la antología Todo es para siempre (Renacimiento, 2009).
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La poesía como balada asombrada, las instrucciones de uso como invitación a que el pasmo nos inunde las horas, las contraindicaciones como recurso que enseña a abrir los ojos, o una nueva forma de informar que incluye el canto. Esta es la apuesta de Asunción Escribano en este libro. Un diccionario de asombros a través de los que el lector puede asomarse más allá de la tiniebla efímera, y que le hace visible la luz que brilla siempre, al alcance de quien sabe conducir su mirada a través de los paisajes invernales. «Para poder decir/ en el futuro/ que en aquel periodo/ de tinieblas/ fuiste por el amor completa dicha».
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Un hombre atado a una frontera, con sus sueños fronterizos, con su corazón indocumentado. Como ha señalado Fernando Valverde, la poesía de Juan Felipe Herrera ''es la voz de los invisibles de América'', de los que cruzan fronteras de paredones y guardias, de desiertos e injusticias y aun sobreviven y transcienden. En 2015, Juan Felipe Herrera fue el primer latino nombrado Poeta Laureado por el Congreso de los Estados Unidos.
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El cuerpo se cuenta y se canta, porque sentir la piel es un acontecimiento parecido a cruzar una ciudad o a tocar con las manos una idea. La hora de esta poesía sucede en el lugar del instinto y la meditación, del saber y del desear. Las certezas del cielo se ponen entre paréntesis porque hay fronteras que se crean para que la poesía las cruce y establezca su contrabando de memorias y de silencios.
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Conformant els poemes, se'ns generen paisatges batuts pel vent (''com el vent del desert, per segles,/ s'ha estimat les dunes vora mar.''), que clouen en capvespres d'hivern o en els ocasos i les matinades, els nocturns amb lluna o grafia d'estels, en mars turmentats per la tempesta, les torrenteres que clivellen... i les gavines, la casa amb estances en darrer terme acollidores, les calaixeres, els llibres i la platja com a ''sorra promesa'' i frontissa entre dues ribes. I, amb les imatges, les paraules o, millor dit, certes paraules que el nostre autor estima tot desgranant-les de forma controlada. Tot plegat, un jo poètic, pulcre, mesurat i gairebé pudorós, que l'Aureli no posa al seu servei, com a autor, sinó a fornir l'ànima i la bastida que sustenta les imatges, les paraules i el discurs dels seus poemes, en definitiva a assolir el gaudi dels seus lectors.
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Con la concisión que la palabra poética le otorga, el autor explora los territorios europeos, cuna de grandes civilizaciones, pero también temibles escenarios de barbaries. Bellos, aterradores y contradictorios, siempre en busca de sí mismos, siempre en disputa, estos paisajes son los protagonistas de un poemario que no pretende ser un libro de viajes al uso, sino una respuesta muy personal al sentido del devenir histórico.
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ESTE ES UN POEMARIO QUE DARÁ MUCHO QUE HABLAR. Rosana Acquaroni nos ofrece La casa grande, su sexto poemario, un retorno a ese bancal de tierra removida que es la infancia. Una infancia marcada por un secreto familiar y atravesada por la presencia/ausencia de una madre, víctima de una época siniestra y tenebrosa como fueron la posguerra y la dictadura. La casa grande se convierte, así, en escenario vivo donde ir recuperando, a través de la mirada de una niña, sensaciones, vivencias, desencuentros, no como un ejercicio de nostalgia sino de denuncia. Un espacio poético donde no se descuida la preocupación por el lenguaje, pero que es capaz de desalojarnos, de dejar a la intemperie nuestras más íntimas renuncias.
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Descubrí que un aforismo mío extraordinario («Intentaba ser un hombre serio, pero la alegría se lo impedía») lo había escrito Ramón Eder. Mi buena memoria había sido mala: me hizo creer que lo que recordé se me ocurrió. Cuando me descubrí, quedé avergonzado, aunque fuera un homenaje definitivo a quien había admirado en reseñas y recomendaciones. Siendo, además, el único aforismo ajeno que se coló en mi libro, se destacaba el carácter único del autor. Con todo, esas circunstancias atenuantes no extinguían mi bochorno. Hasta ahora. He dado con la eximente. A Ramón Eder (Lumbier, 1952), la alegría no le impide en absoluto la seriedad. Mi plagio involuntario fue un acto de justicia (a lo Robin Hood) porque ese aforismo sólo me retrata a mí. Obsérvese cómo sus ironías no renuncian jamás a la efervescencia, pero tampoco al fervor. Hay un contentamiento del mundo que es a la vez conocimiento, y viceversa. Son muchos los méritos de esta obra, y los he ido enumerando en otros lugares, pero mi subconsciente cayó en el más asombroso: la felicidad y la hondura conviven indisolublemente aquí. Enrique García-Máiquez Los Premios Euskadi de Literatura 2019 han concedido a Ramón Eder por 'Palmeras Solitarias' el galardón de literatura en castellano. Ramón Eder (Lumbier, Navarra, 1952) es un aforista singular y, sin duda, necesario. Estudió filosofía en la Universidad de Vincennes (París), y no ha mostrado el menor interés por los géneros literarios mejor vendidos, como la novela o el ensayo. Cuando se decanta por alguno de los géneros históricos, como la poesía lírica (Axaxaxas mlö, 1985, Lágrimas de cocodrilo, 1988) o el relato breve (La mitad es más que el todo, 1998), no oculta su actitud irónica y su ánimo ciertamente humorístico. Durante los últimos años cultiva preferentemente, y con innegable fortuna, el género aforístico. En la colección «A la mínima» de Renacimiento ha publicado La vida ondulante (2012), Aire de comedia (2015) e Ironías (2016),
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'Duerme sobre mi espinazo'' articula un eros poético revisando los usos del amor en nuestros días. Con esta obra Montserrat Fernández confía al lector su experiencia de encuentro y pérdida de un amante, buscando su complicidad a través de imágenes intensas y referencias a lo cotidiano que trascienden los ritos ordinarios y los convierten en símbolos de emociones profundas. A lo largo del poemario hallamos ecos de Alejandra Pizarnik, de los juegos de palabras de Cortázar y de la inquietud de Pedro Salinas, entre otros referentes que convierten al discurso en una rica reflexión estética de la poesía amorosa contemporánea, conformando con ello un juego de intertextualidad que sitúa a la obra dentro de la mejor tradición de la poesía amatoria en nuestra lengua.
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Bueno, tampoco me cuido tan mal, hay que conocer un poco el cuerpo y luego, ni eso vale, es un poema de un hombre viejo que escribe un poema de un hombre viejo y que escribe un poema, pero así no se empieza un texto...
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«No tinc res més que la poesia. En aquest sentit, sóc el propi cor salvatge. Si no fos per la poesia, jo podria estar en la més pura indigència, ni vosaltres, ni ningú no em reconeixeria, em moriria sense haver existit. És la meva única esperança de salvació, perquè descarto la salvació transcendental. La meva poesia se salvarà tota sola si té força per a això. Ella es defensarà tota sola, cada poema té el seu karma. D'ara endavant, no tinc ja cap responsabilitat sobre els meus poemes.» ORIDES FONTELA Orides de Lourdes Teixera Fontela va néixer a São João da Boa Vista (SP) el 21 d'abril de 1940, on va viure fins al 1966, any en què es va traslladar a São Paulo. Va ser mestra d'escola i bibliotecària. És una de les poetes brasileres més importants del segle XX. Pertany a la generació dels escriptors Hilda Hilst, Adélia Prado, Roberto Piva i Paulo Leminski. Kant, Heidegger, Wittgenstein o el budisme zen van influir en la seva poesia, no debades havia estudiat Filosofia a la Universitat de São Paulo, on es va llicenciar el 1972. És autora de Transposição, 1969, Helianto, 1973, Alba, 1983, Rosácea, 1986, Trevo (1969-1988), 1988, Teia, 1996, Poesia reunida (1969-1996), 2006, i, finalment, Orides Fontela - Poesia completa, publicada a São Paulo per l'editorial Hedra el 2015. Fontela va morir el 2 de novembre de 1998 a Campos do Jordão.
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«Y abro la mano para confirmar que el planeo rasante de los cuervos raja la página del aire para saber mejor del día a través de los ojos del vencejo para escuchar el arpa de los rayos tras las goteras de la enfermedad para escucharte cómo cantaba su relumbre tan de ella y se descortina esta lluvia mientras baja por la rua Limoeiro mientras los ojos suben con la serpentina que lanza el niño mientras serena la vida va en la dirección que puntean esas gaviotas interiores Fragmento del poema «II», de Julio César Galán Julio César Galán (Cáceres, 1978) es autor de los siguientes poemarios: Tres veces luz (La Garúa, 2007), Márgenes (Premio de poesía Villa de Cox, Editorial Pre-Textos, 2012), Inclinación al envés (ERE/Editorial Pre-Textos, 2014), El primer día (Isla de Siltolá, 2016), Testigos de la utopía (Diputación de Cáceres/Editorial Pre-Textos, 2017) y Con permiso del olvido (Pre-Textos, 2021). Además, ha publicado como heterónimo los siguientes libros de poemas: Gajo de sol (Abezetario, 2009), La llanura (Premio de poesía Vicente García de la Huerta, I.E.S. Suárez de Figueroa, 2016) y Para comenzar todo de nuevo (Ay del Seis, 2017) de Luis Yarza, ¿Baile de cerezas o polen germinando? (Ediciones Idea, 2010) y ¿Una extraña orquídea o un superviento estelar? (Bala Perdida, 2021) de Pablo Gaudet, e Introducción a la locura de las mariposas (Tigres de papel, 2015) de Jimena Alba. Ha publicado también libros de ensayo y obras de teatro.
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El vuelo de la luz es un homenaje poético que recorre las fronteras, la soledad, el tedio y el sueño, pero sobre todo, el amor, por lo tangible y lo intangible.El vuelo de la luz, que habla desde adentro, desde el corazón, desde la furia de vivir, desde la búsqueda que no cesa, que es incómoda, sincera, atropellada. Pero también habla hacia afuera: en busca de la luz, de los otros, del temblor del paisaje. Dice: “Escribo porque no pertenezco a nada”. Y a la vez pertenece a todo: a la frontera, a la soledad, al tedio, al sueño, al delirio, a la impaciencia (“el tañido impuntual de la impaciencia”) y, ante todo, al amor. Ese amor por lo inmediato, por las pequeñas cosas, por México, que ha sido la gran revelación de su vida, por las mujeres, por esa Giselle a la que le pide: “Léeme” cuando quiere decir, tal vez, “Ámame”. Este es un libro sobre el abismo, el silencio y sus signos, la aventura a campo abierto (que, como la palabra, “duerme en el llano de la razón”), las heridas de la carne y el deseo de volar por los aires con la espada del lenguaje entre los dientes.
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Peus de cedre, un títol que surt d'Emily Dickinson, conté cent trenta intents poètics que són un diari que transita per esdeveniments íntims (la mort dels pares, les relacions personals amb la família, amb les amistats, amb el món en general...) i esdeveniments col·lectius (la consciència humana, la consciència nacional de pertànyer a una cultura amenaçada...). En una formalització molt simple, pretén que tot estigui al servei de la idea temàtica de cada poema.
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La nueva revelación de la instapoesía. Diáspora y empoderamiento en estado puro.Con más de cuatro millones de ejemplares vendidos y traducida a más de cuarenta idiomas, Upile Chilsala está considerada por Elle, Vogue y el Huffington Post como una de las voces revelación de la prosa poética.Este es el primer libro de prosa poética de la escritora malaui Upile Chisala. En él, la autora explora el yo, la alegría, la negritud, el género, los asuntos del corazón, la experiencia de la diáspora, la espiritualidad y, sobre todo, aquello que nos hace sobrevivir. Una prosa poética que se convierte en un viaje de sanación compartido.
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«LLEGÓ LA HORA DE IDEA VILARIÑO: UN CLÁSICO DE LA LITERATURA LATINOAMERICANA» (EL PAÍS) «Idea Vilariño habla con el corazón en un puño.»Manuel Vilas «Carnal y feroz, libérrima pero pulida hasta el fi lo de lo esencial.»Raquel Garzón, El País «Forma parte de ese nutrido grupo de escritoras del siglo XX que nos queda por redescubrir.»Edurne Portela Aunque la autora ha mantenido a lo largo de su vida una actitud casi monacal con respecto a la difusión de su obra, hoy día está considerada como uno de los clásicos vivos de las letras hispanoamericanas. Su poesía -escasa y sobria, lentamente madurada- transita siempre por los extremos, tensa, como acorralada por una íntima urgencia. Quizá el asunto que con mayor frecuencia aparece en esta poesía sea la muerte, pero una muerte que late y se experimenta en el esplendor de la vida, en los golpes del amor, en los embates del sexo, en la dialéctica entre ausencia y recuerdo. La lectura de estos poemas conforma una experiencia intensa y perdurable y supone el descubrimiento de una de las voces más contundentes y secretamente bellas de la poesía contemporánea.La crítica ha dicho:«El Uruguay ha sido fecundo en mujeres poetas pero a pesar de que hay otras voces interesantes, yo me quedo con la suya.»Carmen Posadas «Catálogo del amor, el desamor y la ausencia de ambos.»Carlos Catena Cózar, El País «Su poesía se despliega en breves y delgados poemas medulares que son destilada expresión de la experiencia más desnuda y profunda. Poesía escueta, diamantina, de raigambre... Quedará la poesía de esta poeta en vida, solitaria, reservada, distantecomo una desgarrada confesión de la más sombría sensibilidad actual, asida tan solo a la desolada fascinación -o servidumbrede la palabra.»Luis Antonio de Villena, El Norte de Castilla «Leer su poesía ha sido como llenar el nombre [de Vilariño] de contenidoporque después de aquel inesperado poema [''Ya no''] que me asaltó el corazón de una forma brutal, vinieron Poemas de amor y Pobre mundo, los dos libros que me traje a casa de vuelta.»Antonio Muñoz Molina «Pesimismo, sensibilidad, existencialismo, empatía, confesión... una poesía limpia y desgarrada el dolor de una vida marcada por el amor.»Andrés Seoane, El Cultural«Desde siempre tuvo muy cercana la idea de la muerte y la enfermedad. Entendía muy bien lo que es el dolor en carne propia.»Juan Ramón Jiménez «Escribe con las vísceras, no le importa descarnarse frente al lector. Aunque seguramente pensaba y corregía sus poemas, escribe mucho en caliente y eso que quiere sacar de sí desesperadamente, está ahí resonando. Es un dolor tan vivo que cualquiera podemos sentirlo como nuestro, porque sabemos que es algo que nos ha pasado o nos va a pasar.»Brenda Navarro «La poesía de Idea Vilariño, que en su cada vez más absoluto desnudamiento arranca al lector, cualquiera que sea su sexo, un gemido de mujer.»Ignacio Echevarría, CTXT
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Más de veinte años después de la última reunión de su poesía, Jon Juaristi (Bilbao, 1951) compendia en este Derrotero sus ocho libros de poemas con el sabroso añadido de dos composiciones de juventud y de una amplia treintena de poemas inéditos escritos a lo largo de los últimos años. Capaz de definir, de forma memorable, el Romancero Viejo en un solo endecasílabo –,«moribunda fogata de frontera»–,, o de hacernos ver, en dos palabras, la exactitud fugaz de los «undosos estaños» del Bidasoa, no es casual que Enrique García-Máiquez haya visto en Juaristi a todo un «maestro en estro» y calificado su poética como «anhelo desengañado de cultura e inteligencia». El propio Juaristi ha caracterizado de forma muy precisa su mester (hablando de Ángel González) como el de «una poesía del rigor lingüístico y formal, de registro coloquial, de temple diríamos que aristotélico –,una poesía que huye al mismo tiempo del lenguaje elevado y del demasiado llano, que evita las frases hechas, que lucha contra el cliché, y que cuando recurre al cliché es siempre con un sentido irónico–,, una poesía que desconfía también de la vanguardia, y que si echa a veces mano de procedimientos vanguardistas lo hace resaltando su función irónica en contextos no vanguardistas». Diestro como muy pocos, hermano en los metales de Quevedo, hijo alterno de Heráclito y Demócrito y de la mejor tradición bilbaína, que le «dio un roble, un otero y una muno», no andaba muy desencaminado Fernando Ortiz al celebrar el secreto de Juaristi, ese «por el que el hijodalgo tu verso a gusto escande». Aquí queda coleccionada medio siglo de inconfundible andadura (1969-2022), especialmente revisada y corregida para la ocasión, dirigida al lector presente y al futuro.
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No se puede dudar que la poesía de San Juan de laCruz es una de las cumbres de la literatura española,lo cual no excluye su enorme valor doctrinal, místico. Esta poesía puede verse como comunicación de experiencias personales cuya expresión, en cualquier caso,se inserta en el quehacer artístico de un período: las pautas literarias y culturales del Renacimiento. El trabajo que Domingo Ynduráin aborda en la presenteedición aspira a poner de relieve los procedimientosliterarios, el sistema constructivo que hace de las Canciones y las demás composiciones obras de arte válidas para cualquier lector.
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La escritora, artista y poeta Roberta Marrero regresa en este segundo poemario, Derecho a cita, a un imaginario propio que nos habla sobre todo del deseo. Un deseo a veces consumado, otras veces frustrado, y que acompaña en esta ocasión de innumerables citas extraídas del vasto universo bibliográfico que conforma el universo creativo de la autora. ¿Te imaginas una habitación con Pizarnik, Lemebel, Santa Teresa de Jesús, Marrero, Crisp, Sexton.? Todas en sofás de terciopelo escuchando a Lana del Rey. Nunca dijiste que la fiesta fuera siempre divertida, tu cadáver, digo, poemario, es más bien la resaca más larga tras la breve fiesta del deseo. Será tal vez la fiesta más triste del universo, pero Nan Goldin sacará las fotos, y entonces habrá valido la pena. Y de eso, creo, va este poemario.
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¿Qué es la patria? ¿Quiénes son los míos? ¿Cuáles son nuestras razones? ¿Por qué valen más que las de los otros? ¿Quién se beneficia de ese negocio? ¿Tengo el derecho de matar a alguien por defender un trozo de tela polvorienta cosida a un mástil? ¿Se puede volver después de atravesar esa línea? ¿Se puede volver? Esta obra de teatro cuestiona todas las narrativas identitarias que inflaman las pasiones hasta el delirio.
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Una antología poética extraordinaria: erotismo, realidad, emociones, sueños. El autor ha conseguido un poemario muy visual, donde habla de todos los sentimientos que visten al ser humano.
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Es necesario leer Vegetaciones carnívoras porque nos saca de la cómoda mecedora y nos sacude en un escenario poético repleto de certezas, dónde el poeta nos invita a ir de su mano a encontrar esa desgarradora verdad ansiada por todos,. Y lo hace con un lenguaje apasionado y preñado de sinceridad. Se cumple en la voz de Alexander Vórtice la cita fulgurante de Mario Benedetti: La poesía es el género de la sinceridad última e irreversible. Disfrutadlo. Paquita Dipego
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Para Carlos Villacorta Gonzales, la poesía es una transcripción de la experiencia en lenguaje. En su último poemario Libro de la tentación y del olvido, Villacorta nos recuerda que el pasado no se ha ido y sigue existiendo en su forma más terrible: el regreso del fascismo, la violencia de la guerra, la pandemia del Covid-19 o la crisis del cambio climático que azota el planeta. Así, su poesía recorre los espacios de este mundo, de la Francia de Juana de Arco a la protesta de los chalecos amarillos en el 2018, del Japón mítico a aquel que sufre las consecuencias del desastre nuclear, de la España de los inmigrantes al Nueva York donde se tachan los versos, y del Perú de los años noventa al del 2022 que recuerda a sus muertos por el coronavirus. La poesía de Carlos Villacorta Gonzales nos muestra que todavía el lenguaje puede dar cuenta de la experiencia humana en su momento más difícil. Y que, finalmente, la memoria es la única forma del deseo.
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Poe és un dels fundadors i un dels referents del gènere gòtic i de terror moderns. Encara avui és llegit amb avidesa. Però també és un poeta fonamental. Aqust volum presenta la traducció en prosa dels seus principals poemes que va fer Agustí Esclasans. Les seves poesies reflecteixen temes com l'angoixa, la mort i el misteri, amb una prosa melòdica i rica en imatgeria. La seva contribució a la creació d'atmosferes intensament emotives i la seva habilitat per explorar l'ànima humana han establert un llegat durador en la poesia nord-americana i en la literatura mundial. Poe és conegut especialment per obres com ''El corb'' i ''Annabel Lee», ambdues en aquest volum, que continuen captivant lectors amb la seva profunditat i bellesa tècnica. Alhora, en aquestes proses, veiem l'emprempta que van deixar en Esclasans.
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L'obra de Danielle Collobert (1940 - 1978) és una de les escriptures experimentals dels setanta a França més profundes i, alhora, menys conegudes. _Allò doncs _esdevé una exploració de la veu i del llenguatge: una llengua feta de crits i de gemecs que ens endinsa amb la màxima intensitat pel territori del dolor (de viure) i de la impossibilitat de dir-lo, tot atansant-se als límits del llenguatge. Fins a l'exhauriment.
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Con este libro dedicado a la comedia, iniciamos una serie de publicaciones que incluyen importantes obras de la dramaturgia española del siglo xix. Cada volumen se acompañará de un detallado estudio de los textos y los autores elegidos. La comedia burguesa, que mantuvo su prestigio durante décadas, fue el legado dramático de esta clase social. En ella predominaron temas como la política, el amor, el matrimonio, los amigos, la hipocresía, los celos, la opinión, el dinero... los cuales definían los intereses de una sociedad en transformación en un confuso siglo donde la modernidad mantenía una apasionante partida con la tradición. Se han seleccionado para esta edición cinco piezas, escritas, impresas y estrenadas en torno a los años treinta y cuarenta del siglo XIX, época en que el Romanticismo -el movimiento artístico, literario, filosófico y, en definitiva, cultural que determina la centuria- irrumpe definitivamente y triunfa en la escena española: Juan de Grimaldi y «La pata de cabra» (1829), Manuel Bretón de los Herreros y «Marcela, o ¿A cuál de los tres?» (1831), Manuel Eduardo de Gorostiza y «Contigo pan y cebolla» (1833), Tomás Rodríguez Rubí y «La rueda de la fortuna» (1843), y Ventura de la Vega y «El hombre de mundo» (1845). Estas obras nos permitirán apreciar la riqueza y la enorme potencialidad escénica de unas obras que forman parte de la tradición teatral, teatro «clásico» en el más amplio y completo sentido del término, y constituyen un eslabón imprescindible para comprender la evolución de la escena y los mecanismos de la comedia desde el siglo XVII hasta nuestros días.
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Mata’m és una obra contundent. Quatre personatges ballen per les pàgines d’aquest llibre al voltant de la mort. L’Arnal desitja morir, el seu amic Bastero vol tornar a la presó, la Chirli es deixa arrossegar per la força dels esdeveniments i la seva filla Devita projecta un futur lluny d’aquesta realitat.Assaig de petits comiats, un poemari escrit a la manera d’epitafis irònics i punyents, completa aquest volum.Teatre i poesia conformen l’univers de Manel Dueso. Tots dos gèneres estan teixits amb l’escriptura polida i a la vegada directa d’aquest artista que il·lumina escenaris i llibres sense descans.
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Este libro comprende un periodo aproximado de trece años, algunos de sus poemas fueron escritos en la que amorosamente llamo La casa de tierra, en México, cobijada por dos gigantes blancos, antes, mucho antes de pensar siquiera en cruzar el océano persiguiendo una idea de revolución, los últimos se han escrito en Madrid, a unos pasos de la Plaza del Sol donde hoy me siento a escribir esto sabiendo que Memorias desde la humedad de la tierra verá la luz primero en España y con Valparaíso, emprendiendo su propio viaje, levantándose sobre sus propias alas, para alcanzar el fin de tus manos. No puedo, aunque a eso se destinaba este espacio, definir Memorias desde la humedad de la tierra para ti por mucho que quiera y no puedo resumirlo… podría mirarte abiertamente a los ojos y en total silencio, en esta lengua del llanto que tanto me alcanza ser más certera. Te he escrito un libro comprendido en Elevación, Llanto y Memoria aunque he de confesarte que a menudo tropiezo con la palabra dada su materialidad de la que naturalmente desconfío como anciano-niño envuelto en la materia de un cuerpo perfectamente femenino, este que ha hilado palabras, tejiendo y destejiendo el encuentro que aquí y ahora nos alcanza.
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Si la poesía es el lenguaje del alma, y la realidad es el fruto de su visión, Eclosión Poética surge de un alma sutil pero, al mismo tiempo, quebrada, atormentada que –en palabras del autor– «se iba hundiendo en el vacío afectivo más depresivo que marcaría toda mi vida, hasta la aparición del primer brote psicótico. Desde entonces sufro episodios psicóticos muy graves y el “horror” propio de la “realidad paranoide”. El alcohol pasaría a ser el motivo de tanto sufrimiento y la deriva de mi juventud.»Eclosión Poética es, más allá del surrealismo, la expresión de esa «transrealidad» que estamos creando entre todos y que brota en el alma del autor como seria advertencia de lo que se nos puede venir encima, especialmente a nuestros jóvenes, en una sociedad infectada de desafectos.
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Colección de agudas reflexiones: la fantasía y su poder traumático. En la tradición de Borges y Rest, Negroni exhibe las grietas constitutivas del arte, escándalo sublime.
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Además de ser una de las principales figuras literarias del siglo xx y ganador del Premio Nobel de Literatura de 1923, William Butler Yeats es el mayor poeta lírico que ha producido Irlanda. Yeats creó una vasta colección de historias, canciones y poesía del pasado histórico y legendario de Irlanda. Esta recopilación incluye un gran número de obras, piezas que le han valido a Yeats el reconocimiento como uno de los más grandes poetas de su tiempo. La ilustradora Sandra Rilova nos lleva al universario literario de Yeats a través de cuarenta poemas esenciales.
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En mi parte más sola crece un árbol y yo escucho sus hojas. Como ellas, con un temblor idéntico, respiran las palabras, y es su aliento el que vuelve de pronto incandescente lo que ya se ha extinguido. El poema es el baile de los pájaros frente a la comitiva de la boda. La poesía, ese espacio mayor que el universo del que hablaba John Berger, esa suma infinita de presencias y ausencias que habitamos, con los ojos cerrados, los vivos y los muertos. Basilio Sánchez (Cáceres, 1958). Con su primer libro, A este lado del alba (1984), consiguió un accésit del premio Adonáis de Poesía. El resto de su obra poética está compuesto por los siguientes títulos: Los bosques interiores (1993), La mirada apacible (Pre-Textos, 1996), Al final de la tarde (1998), El cielo de las cosas (2000), Para guardar el sueño (2003), Entre una sombra y otra (2006), Las estaciones lentas (2008), Cristalizaciones (2013), Esperando las noticas del agua (Pre-Textos, 2018) y He heredado un nogal sobre la tumba de los reyes (2019), Premio Internacional Fundación Loewe, elegido por El Cultural como el mejor libro de poesía de 2019 y merecedor del Premio Nacional de Poesía Meléndez Valdés 2022 al más relevante de los publicados en España en el trienio 2019-2021. También es autor de un libro de narrativa que recorre el territorio de la memoria: La creación del sentido (Pre-Textos, 2015). Gran parte de su obra poética está recogida en el volumen Los bosques de la mirada. Poesía reunida 1984-2009 (2010). Ha recibido, además, los premios internacionales de poesía Unicaja, Tiflos y Ricardo Molina-Ciudad de Córdoba. En 2007 fue reconocido con el Premio Extremadura a la Creación.
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Sin tierra a la vista es el último poemario que Simic vio publicado en vida, y el primero que se traduce al castellano de manera póstuma. El autor reflexiona con su sagacidad y divertido escepticismo sobre los fantasmas que nos acechan, y repasa los placeres y las pérdidas de toda una vida. El Simic que habla aquí se siente claramente próximo a la muerte: ya tiene la vista puesta en la otra orilla, en el «barquito» que lo llevará hacia el final (y al que dedica el poema que clausura este libro, cuatro versos breves amparados bajo el título «El viento ha muerto»). Un Simic que nos pide escuchar con atención el pálpito de la Tierra, del corazón mismo, encontrar la belleza y la tragedia en lo inesperado, profundizar en los momentos fugaces de la vida moderna... Sin tierra a la vista es un testimonio de todo lo que dejamos atrás y, al mismo tiempo, nos subyuga. «Esta última obra de Simic presenta su característico enfoque perspicaz y sorprendente de la metafísica. Mientras contempla la memoria, la muerte y el detritus de la vida cotidiana, Simic convierte al propio mundo en su interlocutor, proyectando su imaginación sobre lo inanimado y lo intermedio». The New Yorker
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Nuevo poemario de la autora Bella OriaDías en tránsito es un viaje interior, un recorrido hacia lo más profundo del propio ser, un camino lleno de incertidumbre y miedo donde poner por escrito lo que sucede a cada momento es la condición para encontrarse de nuevo.Este libro se compone de dos partes. La primera, El dolor viene ahora tiene origen en un sueño lúcido, en el que después de la marcha consciente de un ser querido el narrador de la historia hace una pausa y avisa al protagonista de la llegada del dolor a su vida. Estas páginas son el resultado de amasar las ausencias, reconocer el torbellino de emociones y ponerles nombre cuando toca volver a casa y cuando toca marcharse. La segunda parte, El momento era aquel se adentra en una historia de amor incipiente, su devenir natural es la consecuencia de un momento vital que no se corresponde con las expectativas puestas en el otro.
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He venido, muerto, hasta la cortadura doliente de estos versos / para cantarte lo que nunca te he contado . Escrito desde un dolor que concilia el recuerdo con el reclamo, Matriz anota en la cartera poética del autor las deudas del vientre materno, sin esperanza, pero sin ira. El hijo-sombra explora en el lenguaje el origen de la tristeza para llegar al Big Bang del abandono. ¿Qué es un hijo si no ha sido hijo? ¿Qué es una madre si no ha sido madre?Pedro J. Plaza ha construido un mausoleo hermoso que se derrumba, un libro cargado de emoción que se apaga y apaga mientras se va encendiendo en la garganta del lector. Un libro nudo, un libro que añusga y quema. Clavándome en mí tu colmillo de sierpe negro, / entre cada vértebra y sobre la médula, sucedió tu milagro en mi condena: / y sin embargo, madre, sin ser más tu hijo, fui sombra, y también te quise . Poesía que salva, aunque nada pueda salvarnos ya. BEN CLARK.
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ANOTA el astrónomo en su libreta: variaciones de brillo * punto ápex * quásar * zona de habitabilidad * fusión galáctica * anillos de polvo frío * población de cúmulos * una espiral rodea la palma de tu mano * estructuras en el halo * nubes de polvo interestelar * púlsar * una espiral rodea el sexo de la novia núbil * objetos nebulosos difusos * multiplicidad de asociaciones estelares * estrellas dobles eclipsantes * una espiral rodea el ojo del caballo * zona de habitabilidad * estrellas de tipo espectral * estrella binaria* una espiral rodea los pies de los que danzan * estrella enana * estrella doble * estrella polar * una espiral rodea el vestido de la novia núbil * estrella de neutrones * estrella nova * estrella supernova * zona de habitabilidad * en un cielo verdaderamente oscuro. Jorge Esquinca (México, 1957). Poeta, ensayista y traductor. Pre-Textos ha publicado dos de sus libros: Descripción de un brillo azul cobalto (2008) y Cámara nupcial (2017). Sus libros más recientes, ambos publicados por la Universidad Autónoma de Querétaro, son Las piedras y el arco (ensayos, 2018) y Kyrie (poemas, 2020). Ha traducido, entre otros, libros de Anne Carson, Henri Michaux y Adonis. Animador de talleres de escritura creativa, es también colaborador habitual de revistas y suplementos literarios de su país: Letras Libres, Luvina, Laberinto. Es director de Mano Santa Editores, una pequeña casa especializada en libros de poesía. Ha obtenido becas del Sistema Nacional de Creadores de Arte (México), del Ministerio de Cultura de Francia y de la Fundación Civitella Ranieri (Italia). Vive en San Antonio Tlayacapan, en la ribera del Lago de Chapala, Jalisco.
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