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Llibres d'Art, Cinema i Música
T'apassiona el setè art? Tot el que té a veure amb la cultura? Si la resposta és sí, no et pots perdre la nostra gran selecció de llibres d'art, cinema i música. Compra llibres d'art, cinema i música online. En aquesta secció disposem d'una àmplia selecció de llibres d'art, cinema i música en diferents formats i en múltiples idiomes. Hi trobaràs lectures sobre diferents disciplines artístiques com interpretació, entre altres, sobre sèries de televisió i pel·lícules com Harry Potter, Joc de Trons, Star Wars o Stranger Things i sobre la història de cantants i grups de música com ara Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre molts altres.
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Barcelona és famosa arreu del món per la seva arquitectura modernista, però allò que no és tan conegut és que moltes construccions modernistes han anat desapareixent. En aquest tercer volum es rescaten de l'oblit les obres modernistes desaparegudes als barris dels actuals districtes barcelonins de Sants-Montjuïc i les Corts. S'analitzen una seixantena d'edificis i establiments, de Can Tunis a Pedralbes, passant per Hostafrancs, Sants, les Corts i la Maternitat i Sant Ramon.
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Un plano vertical y un plano horizontal: arriba unapared, debajo el asfalto, atravesado por líneas que establecen un orden. Aparcamientos vacíos, presencia de la ausencia.La condición seriada de estas fotografías, dentro de la tradición documental de crear comparaciones acumulativas, es la fortaleza del discurso deIñaki Bergera. Bajo una narrativa no conceptual, laciudad contemporánea, con sus arquitecturas anónimasy sus no lugares, nos regala la posibilidad de recolectar estas escenografías descontextualizadas, sin mayor pretensión que la de ser representaciones transparentes de gran belleza formal, aunque de temática lúgubre, en una paradoja que es precisamente la clave deltrabajo de este fotógrafo.Estas fotos se exponen enel Colegio Oficial de Arquitectos de Aragón hasta enero de 2020 y en la Escuela de Artes Visuales de Madrid entre marzo y mayo de 2020.
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Esta nueva edición de Serrat & Sabina a vista de pájaro queda más que justificada por la tercera gira que llevará a Serrat y a Sabina por los escenarios de Latinoamérica y que han titulado No hay dos sin tres. A modo de diccionario Luis García Gil re
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El artista Okuda es uno de los representantes másimportantes de nuestro país del arte urbano. Reconocido mundialmente, recoge en estas páginas su particular visión del mundo. Su arte colorido y vital es el reflejo de su mundo interior, en el que se repiten varios símbolos que nos encontramos habitualmente en su obra.En este libro muestra toda su iconografia yel significado que tiene para él.
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Todo lo que siempre quisiste saber sobre Friends y nunca te atreviste a preguntar.Actualmente se recuerda a Friends como un icono de lacomedia de los años noventa, cuando empezaba a despuntar la nueva pasión por la ficción televisiva. Peroen 1994, cuando se estrenó la serie, nadie esperaba que tuviera un éxito tan arrollador. Desde sus fulgurantes inicios, pasando por sus altibajos y por el resurgimiento posterior que ha experimentado, Friends ha mantenido un vínculo insólito con su público,que la ve al mismo tiempo como un reflejo de su propia vida y como una ilusionante vía de escape de la realidad cotidiana. En los años transcurridos desde entonces, la serie ha evolucionado de superéxito televisivo a revival nostálgico y, por último, a clásico indiscutible. Ross, Rachel, Monica, Chandler, Joey y Phoebe forman ya parte del panteón de los grandes personajes de la televisión, y sin embargo sus historias siguen teniendo vigencia hoy en día.La periodistaKelsey Miller, especializada en cultura pop, revivelos momentos más relevantes de la serie arrojando luzsobre sus elementos más polémicos y examinando las tendencias mundiales a las que dio lugar, como la cultura contemporánea del café o el corte de pelo a lo Rachel que hizo furor en los años noventa. El relato deMiller no solo nos permite entrever cómo se forjabaFriends, sino que sigue el ascenso de sus actores al estrellato y desvela la compleja relación queestablecieron con sus personajes. Ill be there for you es la retrospectiva definitiva sobre Friends, no solo para los fans de la serie, sino para cualquiera que se haya preguntado alguna vez por qué esta comedia televisiva tuvo un impacto tan duradero.
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Un recorrido riguroso, exhaustivo y ameno por los estilos artísticos que se sucedieron en Europa durante el siglo XIX: romanticismo, eclecticismo, realismo, impresionismo, simbolismo, modernismo, así como la arquitectura de hierro y cristal y la escuela de Chicago,creadora de los primeros rascacielos. Una época de grandes genios como Delacroix, Gauguin, Renoir, Van Gogh, Rodin, Eiffel o Gaudí. Con este nuevo título de la serie Breve historia del Arte descubrirá todos losmovimientos artísticos que se sucedieron en Europa alo largo del siglo XIX, una de las épocas más interesantes de la Historia Contemporánea. Desde los grandesacontecimientos político-económicos como el colonialismo o la unificación de Italia y Alemania, a los convulsos sucesos que tuvieron lugar en España tras la muerte de Fernando VII (de las guerras carlistas, la subida al trono de Isabel II y su destronamiento hastala restauración borbónica pasando por la I República), todos los movimientos artísticos: Romanticismo, Realismo, la arquitectura ecléctica y la de hierro y vidrio, Impresionismo, Puntillismo, Simbolismo y Modernismo se tratan en esta Breve Historia. Grandes artistas como Delacroix, Gericault y Eiffel en Francia, Friedrich en Alemania, Paxton en Inglaterra, los grandesmaestros impresionistas franceses y españoles, los artistas que abrieron el camino a la pintura del sigloXX (Cezanne, Gauguin, van Gogh), el escultor Rodin yel genial Gaudí exhiben su obra a lo largo de las páginas de este título, imprescindible para adquirir una información completa sobre esta época tan importante del Arte y la Historia. En un estilo ágil y ameno yde una forma rigurosa Carlos Javier Taranilla de laVarga conocerá en detalle a los grandes maestros de la época a lo largo de todos los campos de la creaciónartística: arquitectos, escultores y pintores, tantoen Francia (donde surgieron la mayoría de los estilos) como en las principales naciones de Europa (Inglaterra, Alemania, Italia) incluida España. Una obra imprescindible para comprender los fu
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La mitologia clàssica ha estat una constant font d'inspiració per als artistes. En ella, déus, herois, nimfes, sàtirs i mènades es barregen en relats plens de vicis i virtuts humanes. «Art i mite. Els déus del Prado» ofereix una àmplia mirada sobre aquests personatges mitològics i la seva representació al llarg de la història de l'art.
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Por lo tanto se legitima uno de los principales mecanismos contemporáneos de gestión urbana neoliberal, enmascarada bajo conceptos ambiguos como regeneración,revitalización o renacimiento. La industria culturaly la creatividad, de la mano de políticas de controlsobre el espacio público, son el perfecto anzuelo para el turismo, la atracción de inversiones y el negocio de lucrativos mercados inmobiliarios. Las nuevas clases medias, atraídas por fenómenos como la mezcla social, la escena alternativa o el imaginario de la cultura popular, eligen estos barrios previamente desvalorizados convirtiendo rápidamente el deterioro urbanoen un producto chic. Su cara oculta es la expulsión,la segregación y el desplazamiento de aquellos que ya no se consideran rentables.
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Descubra la estética única de Tadao Ando, el único arquitecto que ha ganado los cuatro premios más prestigiosos de su disciplina: el Pritzker, el Carlsberg, el Praemium Imperiale y el Kyoto.Creada a partir de la enorme monografía en tamaño XXL, esta completa edición recorre toda su carrera, e incluye proyectos tan recientes y extraordinarios como el teatro Poly de Shanghái y el Centro Roberto Garza en Monterrey, México. Cada obra se presenta con fotografías y bocetos arquitectónicos que exploran el uso magistral de Ando del hormigón, la madera, el agua, la luz, el espacio y las formas naturales.Esta edición compacta presenta galardonados diseños de residencias privadas, iglesias, museos, complejos de apartamentos y espacios culturales de Japón, Corea, Francia, Italia, Alemania, México y Estados Unidos, y nos acerca al maestro de la modernidad.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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El pop art, que vivió su época dorada en la décadade 1960, surgió como una revolución contra las convenciones artísticas y culturales, y acabó cuestionandotodos los aspectos de la sociedad moderna, la cultura del consumo y el papel del artista y su obra misma.La principal provocación de los artistas pop fue poner contra las cuerdas las ideas del canon artístico o de la originalidad integrando las imágenes deconsumo masivo a sus obras. A través de eslóganes publicitarios, caras conocidas de Hollywood, personajespropios de las tiras cómicas o embalajes de productosde consumo, artistas como Robert Rauschenberg, ClaesOldenburg, Andy Warhol y Roy Lichtenstein reprodujeron conscientemente imágenes cotidianas y mundanas dela cultura popular.Asimismo, el pop art restóimportancia al papel del individuo y cuestionó la noción de originalidad desplegando técnicas de producción a gran escala como la serigrafía. Cual galería de los espejos, las obras ponen en duda las ideas y los deseos de la cultura contemporánea, así como su condición de simulacro, con lo cual las imágenes, las sustituciones y las representaciones llegan a definir la experiencia de la realidad.En esta edición actualizada y ampliada, Tilman Osterwold muestra cómo estos jóvenes y nuevos protagonistas utilizaron técnicasy motivos inusuales en las décadas de 1950 y 1960 para derribar la frontera entre la alta cultura y lo trivial, y cómo su juego con referencias visuales cotidianas sacudió la escena artística de un modo potentey permanente. El volumen contiene material visual complementario de la colección privada de Osterwold, ilustraciones procedentes de otros títulos de TASCHEN dedicados al pop art, un nuevo epílogo del autor y citas de artistas.Sobre la serie¡TASCHEN cumple 40 este año! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN seha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, yayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. En 2020 celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40 reúne a algunas delas estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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Una guía innovadora que muestra cómo funciona cada parte del órgano vocal dentro del sistema musculoesquelético total y enseña a emplear la voz conforme a su diseño orgánico. Basándose en su formación de cantante y empleando la técnica Alexander como complemento, Theodore Dimon muestra cómo funciona la voz, explica los errores del uso vocal y enseña a restaurar la voz y a emplearla en todo su potencial, abarcando temas que van desde la respiración y la colocación de la voz hasta los registros vocales y la liberación de la voz. Un instrumento inigualable para cantantes, actores, educadores, oradores y para cualquier persona interesada en mejorar su ejecución vocal.
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Con motivo de la participación de la Universidad Complutense de Madrid (UCM) en la Feria Internacional del Libro Universitario (FILUNI) organizada por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), se presenta el catálogo México en las colecciones complutenses. En esta iniciativa se ha decidido apostar por el patrimonio académico como una de las señas de identidad fundamentales en universidades con una larga historia y trayectoria docente e investigadora como es el caso de la Universidad Complutense de Madrid. Sus numerosos museos y colecciones ofrecen una oportunidad para acercarnos desde otras perspectivas a la rica vida universitaria, planteando otras maneras de ver y conocer. Los fondos históricos, artísticos, científicos y técnicos contienen piezas de enorme interés para toda la comunidad universitaria y público en general, que además nos hablan de las fructíferas relaciones y colaboraciones con otras instituciones.
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Eternamente cautivadoras, las pinturas de Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) son la encarnación de la felicidad, el amor y la belleza. Basada en el libro de gran formato —,la retrospectiva más completa de su obra publicada hasta la fecha—,, esta edición compacta examina en detalle la historia personal del pintor y las motivaciones detrás de la leyenda. Aunque comenzó su carrera pintando paisajes en estilo impresionista, Renoir encontró su verdadera vocación en los retratos, tras lo cual abandonó por completo el impresionismo. Pese a haber sido malinterpretado con frecuencia, Renoir sigue siendo uno de los pintores más queridos de la historia, sin duda por la calidez, la ternura y la alegría de vivir que emanan sus cuadros.En este texto magistral que detalla toda la trayectoria del artista y traza su evolución estilística, Gilles Néret muestra cómo Renoir reinventó las formas de la mujer en la pintura a través de sus diosas cotidianas de generosas curvas. La última fase en la obra de Renoir, en la que regresó al simple placer de pintar el desnudo femenino a través de su serie de bañistas, fue la más innovadora y de mayor influencia estilística, e inspiraría luego a maestros como Matisse y Picasso.Con una cronología completa, una bibliografía, un índice de obras y espléndidas reproducciones a color, así como fotos y bocetos que ilustran la vida y la obra de Renoir, este es el libro de referencia esencial sobre este maestro de la pintura.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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Textos escritos por Hayao Miyazaki, el creador de películas tan inolvidables como El viaje de Chihiro, Mi vecino Totoro, o El viento se levanta, su última producción de 2013, unidos por su personalísima visión de la infancia y la naturaleza. Destacan una extensa entrevista de un bisoño Miyazaki junto al maestro Kurosawa, o el elogio fúnebre ante la muerte, en 2018, de su Íntimo amigo Takahata, creador de míticas series como Heidi o Marco.
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«Nadie cuenta la historia como Eslava Galán. Esa mezcla de sabia erudición, arte narrativo e ironíainteligente suele producir mezclas explosivas.» Arturo Pérez-Reverte El Museo del Prado no es solamente la mejor pinacoteca del mundo, es también elálbum familiar de las dinastías españolas, los Austrias y los Borbones, que han regido los destinos de España desde hace cinco siglos. En este libro, Juan Eslava Galán, con su inconfundible estilo ameno y riguroso, nos propone un recorrido por el museo, del mismomodo que repasamos nuestro álbum familiar contando quién fue cada persona. Pero no se trata en esta ocasión de una historia de nuestro país, sino de una historia del día a día de sus protagonistas: de sus reyes,esposas e hijos, pero también de personajes ilustres,pintores, amantes y plebeyos. Y de los episodios másemocionantes, las anécdotas más divertidas y los secretos mejor guardados que se esconden tras los cuadros.
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El Prado conserva una escogida colección de pinturasdel Renacimiento italiano realizadas sobre pizarra ymármol blanco. Estas fragilísimas obras, pintadas porSebastiano del Piombo, Tiziano y los Bassano, reflejan el cambio en las técnicas artísticas que se produjo en las primeras décadas del siglo XVI. Al mismo tiempo, materializan conceptos estéticos y filosóficos renacentistas: la reproducción de nuevos efectos pictóricos, la percepción del entorno natural codificada en los textos clásicos, el paragone con la escultura yel deseo de eternidad. Esta exposición es fruto de un profundo estudio realizado con el apoyo de otras disciplinas como la Historia Natural, la Geología y laArqueología.
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Un repaso a la obra que el gran cartelista cinematográfico " Mac" , Macario Gómez, realizó a partir de los 80 para el mercado videográfico, y que cubreun aspecto esencial de su obra que todavía no se había analizado en forma de libro.
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Ficino junto con Pico della Mirandola fueron los responsables de organizar y difundir el legado de la filosofía griega original, sin las sucesivas capas religiosas que le habían ido sumando los teólogos del cristianismo. También se ocuparon de estudiar los textos atribuidos a Hermes Trismegisto, ese supuesto sabio oprofeta pagano que sitúa al ser humano en el centro dela triada que conforma junto a los dioses y el cosmos. Todos estos saberes, heteróclitos y heterodoxos,tuvieron una influencia definitiva en la obra de Leonardo y le enseñaron un procedimiento de representaciónsimbólica de la realidad que consistía principalmenteen la deconstrucción de la iconografía tradicionalcatólica para exponer sus raíces paganas.
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La biografía definitiva y autorizada de Mecano. Hace cuarenta años que un adolescente llamado José María Cano le pidió a su hermano, Nacho, y a su novia, Ana, que le acompañaran en sus conciertos como cantautor por colegios mayores y bares de Madrid. En ese ambiente conocieron al productor musical Miguel Ángel Arenas, el «Capi», quien les recomendó que la voz principal fuera la de Ana y les consiguió un contrato con CBS. Así nació Mecano, sin imaginar que se convertiría en el fenómeno pop más importante de nuestra historia. Pero aún hay muchas preguntas sin responder sobre el grupo que ha vendido más de veinticinco millones de discos en todo el mundo. ¿Cómo se construyó Mecano? ¿Por qué provocaron esa feroz animadversión en los grupos de la movida madrileña? ¿Qué causó las tensiones entre los miembros de la banda que les llevaron a disolverse? Esta biografía es la respuesta a todos los interrogantes, un recorrido por la historia del grupo que aun a pesar de su desaparición, no ha dejado de sonar en ninguna de las emisoras de radio.
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Este volumen recoge una amplia selección de obras maestras del Museo de Arte Moderno de París, que conforman un espectacular recorrido por las vanguardias artísticas del primer tercio del siglo XX. Las obras, que pueden verse en el Museo Guggenheim Bilbao entre febrero y mayo de 2022, abarcan distintos movimientos: desde el fauvismo y el cubismo, que revolucionaron a principios de siglo la representación tradicional del paisaje, la figura o la naturaleza muerta, hasta el surrealismo, que en los años 20 reivindica el inconsciente, el azar y los sueños frente al orden y la razón. Sin olvidar la llamada Escuela de París, formada por los artistas que llegaron a la capital francesa en el periodo de entreguerras atraídos por su efervescencia cultural y que contribuyeron a la eclosión de una nueva escena artística. El fauvismo continúa la estela del impresionismo y el puntillismo, deshaciendo las formas en colores muy vivos, y entre sus representantes encontramos en el libro a Vlaminck, Derain o Matisse. El cubismo, que nace por el empeño de Picasso y Braque de representar la realidad bajo multitud de ángulos a la vez, se representa con obras de estos artistas junto a las de Juan Gris, Natalia Goncharova, Delaunay y Léger. De la Escuela de París, están presentes artistas rusos como Marc Chagall o Chaïm Soutine, búlgaros como Jules Pascin, italianos como Modigliani o Gino Severini, españoles como María Blanchard, holandeses como Kees Van Dongen o japoneses como Leonard Foujita. De la etapa del surrealismo y los años posteriores encontramos obras de Man Ray, Max Ernst, Francis Picabia, Wilfredo Lam, Claude Cahun, Vera Pagava o Léonor Fini. Así, el conjunto de obras recogidas en el libro conforma un recorrido imprescindible e inolvidable por uno de los periodos más fascinantes en la historia del arte
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Jean Prouvé, constructor y diseñador de muebles. Trabajó con grandes arquitectos de la modernidad en edificios prefabricados. Su objetivo era la industrialización de la construcción y la producción en serie para que sus diseños llegaran a tantas personas como fuera posible. Para Prouvé, la arquitectura y el diseño eran herramientas de transformación al servicio de la comunidad, el progreso era un ideal deseable que permitiría mejorar la vida social y superar las desigualdades. Experimentaba e innovaba en beneficio de otros, para que incorporasen sus ideas a sus proyectos como respuesta colectiva a problemas compartidos.
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Durante su investigación sobre el monasterio de El Escorial, David Bestué comprobó, al explicar a otras personas aspectos que iba descubriendo, que pocas lo habían visitado y que quienes lo habían hecho tenían recuerdos confusos. O bien parece que no haya nada que decir, o bien se cae en la exaltación patriótica y en el relato de sus anécdotas y curiosidades. En ocasiones, es visto como una maldición, el residuo de algo que no termina de desaparecer, en otras, sin embargo, como una suerte de despensa de las esencias vivas de España.Este texto pone en duda los valores invariables que sustentan el «macizo de la raza». Se habla del gobierno belicoso y autoritario de Felipe II, de la sustracción americana, de la deuda, de los periodos de gloria y abandono del edificio, de sus sucesivos incendios, saqueos y reconstrucciones. Como un cáliz que se llena o se vacía acorde a la situación de España y a la consideración cambiante hacia la religión, el ejército y la monarquía. Más que una piedra lírica, eterna, muda e imperturbable, el monasterio es la caja negra del país, un mecanismo que registra sus sacudidas, aunque estas intenten ser ocultadas, el símbolo de algo que se cree permanente, central, hegemónico, una estructura física e ideológica.
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En sus enérgicas pinturas, la pintora brasileña Beatriz Milhazes fusiona dos formas muy diferentes de mirar el mundo. Sus composiciones abstractas, que pueden emparentarse con la obra de maestros del modernismo como Henri Matisse o Bridget Riley, están empapadas de los colores y la luz de su país. En sus pinturas abundan los símbolos de la vida cotidiana brasileña: el carnaval, la artesanía tradicional y motivos cotidianos desde el barroco al pop, todo ello coreografiado con un exuberante ritmo visual. Su atmósfera colorida tiene un encanto exótico irresistible, pero como en las obras de Paul Gauguin encontramos un paraíso roto en el que tonos más oscuros y melancólicos resuenan tanto en las promesas de la vida tropical como en las de la abstracción modernista. En busca de este equilibrio, Milhazes desarrolló una técnica de transferencia especial a finales de la década de 1980. Esta consistía en pintar sus motivos en láminas de plástico que pegaba sobre lienzos. Una vez secos, retiraba el plástico dejando la pintura adherida al lienzo. Este método permite a la artista trabajar con distintas capas en la superficie del lienzo y crear un efecto que oscila entre el brillo esplendoroso y una reluciente melancolía.
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Denominada así por el propio Lars von Trier, la Trilogía de la Depresión está formada por los filmes Anticristo (2009), Melancolía (2011) y Nymphomaniac (2013), y comprende las que quizás sean sus películas más íntimas y reveladoras, una travesía por el túnel existencial del padecimiento del cineasta, cuyo resultado puede ser la primera gran obra maestra cinematográfica de lo que va de siglo. En sus imágenes se tienta y se concede, por un lado, el imaginario más atroz, la vivencia más cruda de la carne y su versión más áspera y desquiciante del goce, por el otro, el más emocionante alzado poético, al límite de lo abrumadoramente bello, con el que el danés podría haber acertado a crear una réplica visual digna incluso de la música de Wagner. Con su siniestra dialéctica entre lo masculino y lo femenino en Anticristo, las elocuentes metáforas visuales de la depresión en Melancolía, y con esa atribulada y claustrofóbica vivencia sexual en Nymphomaniac, ¿consiguió Lars von Trier explorar y reflejar los primeros pliegues de un verdadero desgarro existencial? Este volumen de 'SOLARIS, Textos de cine', ha contado con el pensamiento de ensayistas de múltiples disciplinas, analistas fílmicos y textuales, psicoanalistas, compositores de música de cine y pensadores de renombre, para escudriñar e inteligibilizar los secretos, deliberados o inconscientes, de una triple obra a la que, por más que lo intentemos, no conseguimos dejar atrás.
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El aparato conceptual del que nos servimos para pensar el fenómeno arquitectónico, ese que podríamos denominar las “palabras de la arquitectura”, lejos de facilitarnos la tarea, en la mayoría de las ocasiones, parece más bien obstaculizarnos el paso.Tras la mayoría de estas palabras se ocultan metonimias, sinécdoques, metáforas… que escamotean parte de la realidad y la proyectan de manera desfigurada.
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La figura de Walter Benjamin era poc coneguda o estudiada en el context universitari de l?Estat espanyol, per. esdeveniments com el Maig del 68 i la nova intel·lectualitat europea de la dècada dels seixanta van posar sobre la taula l?actualitat del seu pensament. Apassionat per la llengua i la literatura, Antoni Pous trià sis assaigs cabdals de l?obra de Benjamin referents a l?art, la literatura, la llengua, la traducció, la transformació de la ciutat de París i les masses del nostre temps. Emprèn una traducció agosarada sobre temes rellevants de la modernitat, un concepte força allunyat de la grisor que vivia el país sota el franquisme i, a més, ho fa amb l?intent de dotar la llengua catalana d?un cos de pensament universal contemporani del qual sempre ha estat mancada. El seu mèrit és ser-ne el pioner, afrontar les dificultats d?una tasca ingent, no sense defectes. Amb aquest llibre volem retre mem.ria a la lucidesa de Walter Benjamin i a la tasca pionera d?Antoni Pous.
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Imprescindible para los fans del Heavy MetalIlustrado con carátulas de álbumes emblemáticos y fotografías de archivo, este libro brinda una amplia visión general de la música y la historia de cada álbum. Presenta una crónica inclusiva de la historia y el desarrollo del heavy metal, incluidos subgéneros como el death metal, rap-rock, grunge, rock industrial, grindcore, nu metal y stoner rock. Una lectura esencial para metaleros y fans del hard rock de todo el mundo. La década de 1970 fue la época en la que los grandes pioneros del heavy metal forjaron las bases de todo lo que llegaría después, los años en los que dominaron precursores como Black Sabbath y Deep Purple. Pero a medida que el metal comenzó a arraigar en el mainstream -y luego comenzó a diversificarse-, bandas como Judas Priest, Iron Maiden, Metallica y Mötley Crüe hicieron sentir su presencia entre los nuevos fans de un género que sigue evolucionando hoy en día con bandas como Clutch y Ghost.
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¿Qué es la supervisión en Musicoterapia?¿quién supervisa?¿cuándo, cómo y dónde se supervisa? Ocho miradas del ámbito hispanoamericano nos ayudan a poner el foco en un aspecto fundamental de la práctica del musicoterapeuta, LA SUPERVISIàN, abordando diferentes momentos de la carrera profesional, modelos y ámbitos de actuación del profesional de la musicoterapia.Musicoterapeutas que conocen las singularidades del contexto hispanoamericano, peculiar en relación al de los países de habla inglesa, en la que encontramos mayor bibliografía sobre el tema tratado en este libro.Música, relaciones, sentires, miradas, ética, relatos, intervenciones... que evocan a una misma idea: la supervisión no es opcional, forma parte de la labor del musicoterapeuta y evita la mala praxis, el burn-out o el intrusismo profesional, al tiempo que facilita el crecimiento profesional y personal del supervisado.
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Grâce au surréalisme, il n'y a plus de cloisons étanches entre les choses et leurs reflets dans les hommnes, les idées. Un pont de mouvantes images fait la navette du sujet à l'objet, permet au premier de transformer le second et vice versa.
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Judith Mateo cambia en esta ocasión su violín eléctrico por las páginas de un libro que destila idéntica autenticidad que su música. Presentamos un recorrido a travésde una selección de sus canciones preferidas, su playlist más íntima y personal. Una
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Sex Pistols, Ramones, The Clash... Vivir deprisa, no conformáse, it contracorriente. Todo lo que necesitas saber del punk. La guia mas completa. Sin nombres como The Stooges, The Clash, Sex Pistols, Ramones, Fugazi, Sick of It All, Black Flag, Heartbre
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¿Alguna vez ha imaginado que los cítricos puedan ser cuerpos celestiales, heroica y angelicalmente suspendidos en el firmamento? Puede que no, pero a J. C.Volkamer sí se le ocurrió, y encargó una extravagantey asombrosa serie de grabados a gran escala centrados en limas, limones y naranjas amargas, en estas escenas surrealistas, los frutos aparecen suspendidos enéter, majestuosos, a escala natural, flotando como planetas con un fondo de villas, jardines o paisajes lejanos.Antes de que comenzase su importación desde Italia los árboles cítricos eran casi desconocidos al norte de los Alpes, durante los dos siglos siguientes, los exóticos y fragantes especímenes de estasplantas ganaron en popularidad en los jardines de toda la zona. Un aficionado a la horticultura en particular, el mercader J. C. Volkamer de Núremberg, se entregó en cuerpo y alma a la causa de los cítricos, llegando a hacer traer plantas desde Italia, Alemania, elnorte de África e incluso el Cabo de Buena Esperanzaa fin de que en su jardín se reuniese la mayor variedad posible de especímenes. Su obsesión llegó a tal punto que encargó a un equipo de artistas y grabadoresla creación de 251 planchas de 170 variedades distintas de cítricos con las que ilustrar los dos volúmenes de su tratado sobre los cítricos. El primero de ellos fue publicado en 1708, con un título tan extenso como curioso: Las Hespérides de Núremberg o una descripción minuciosa de los nobles frutos que son el limón, la lima y la naranja amarga, de cómo pueden ser plantados, cultivados, cuidados y atendidos en esta región y otras limítrofes.Son muy pocos los ejemplares coloreados de la obra de Volkamer que se conservan en la actualidad, TASCHEN basa su edición en los dos volúmenes coloreados a mano descubiertos recientemente en los archivos municipales de la ciudad de Fürth (Alemania), en el castillo de Burgfarrnbach. La reimpresión incluye además 56 ilustraciones adicionalesrecientemente descubiertas, que el autor tenía previsto publicar en un tercer volumen.
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B. Senior
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El presente volumen analiza el papel del discurso arquitectónico en la construcción de la identidad nacional española a través de las aportaciones de dos autores de perfiles muy distintos. Las Noticias de los arquitectos y arquitectura de España desde su Restauración de Eugenio Llaguno y Juan Agustín Ceán Bermúdez constituyen la obra fundacional de la historiografía arquitectónica española. Además de su importancia comotexto pionero, su dilatado proceso compositivo (ca. 1769-1829) la convirtió en testigo directo de la evolución del pensamiento en España durante seis décadas cruciales para la configuración de la idea de nación,desde un sentido de pertenencia a Europa, que posibilitaría su posterior materialización política. Las contribuciones de Llaguno y Ceán manifiestan contradicciones en cuestiones de la relevancia de la herencia andalusí, muestran cómo España no permaneció ajena a los debates internacionales y reflejan la vigencia dellegado ilustrado.
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La idea de trepar por un árbol para buscar refugio, o simplemente ver la tierra desde otra perspectiva, es tan antigua como la humanidad misma. Esta impecable ediciónde TASCHEN repasa algunas de las mejores aventuras arbóreas con 50 de las casas de ár
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