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Llibres de disseny i arts decoratives
Descobreix la nostra col·lecció de llibres de disseny. Una àmplia i variada selecció de lectures per aprendre les tècniques professionals de pintura i dibuix. Converteix-te en un artista! Compra llibres de disseny online. En aquesta secció disposem d'una extensa selecció de llibres de disseny i arts decoratives. Lectures que et convidaran a aprendre a explicar històries i dibuixar, a crear objectes amb ceràmica, a escriure, a pintar a l'oli o amb aquarel·les, a fer maquetes, gravats, marqueteria, serigrafia o cal·ligrafia amb pinzell. Així mateix, hi trobaràs equips complets de dibuix, manuals de tècniques de dibuix i guies introductòries sobre tot tipus de materials, com ara esmalts ceràmics, llapis, pintures i tintes, entre altres.
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Esta obra es una excelente muestra del refinamiento estético y el pensamiento idealista de uno de los mayores pintores del Prerrafaelismo inglés. Centellas
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Eternamente cautivadoras, las pinturas de Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) son la encarnación de la felicidad, el amor y la belleza. Basada en el libro degran formato, la retrospectiva más completa de su obra publicada hasta la fecha, esta edición compacta examina en detalle la historia personal del pintor y lasmotivaciones detrás de la leyenda. Aunque comenzó sucarrera pintando paisajes en estilo impresionista, Renoir encontró su verdadera vocación en los retratos,tras lo cual abandonó por completo dicho estilo. Pese a haber sido malinterpretado con frecuencia, Renoirsigue siendo uno de los pintores más queridos de lahistoria, sin duda por la calidez, la ternura y la alegría de vivir que emanan sus cuadros.En estetexto magistral que detalla toda la trayectoria del artista y traza su evolución estilística, Gilles Néretmuestra cómo Renoir reinventó las formas de la mujeren la pintura a través de sus diosas cotidianas de pronunciadas curvas, caderas y pechos. La última faseen la obra de Renoir, en la que regresó al simple placer de pintar el desnudo femenino a través de su serie de bañistas, fue la más innovadora y de mayor influencia estilística, e inspiraría luego a maestros comoMatisse y Picasso.Con una cronología completa, una bibliografía, un índice de obras y espléndidasreproducciones a color, así como fotos y bocetos queilustran la vida y la obra de Renoir, este es el libro de referencia esencial sobre este maestro de la pintura.Sobre la serieBibliotheca Universalis –, Compañeros culturales en formatocompacto para celebrar el universo ecléctico de TASCHEN.
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El género fantástico (fantasy art), esa animada mezcla de criaturas míticas, héroes musculosos y valquirias ligeras de ropa en paisajes extraterrestres, sepuso de moda en la década de 1960 con el lanzamientode la revista Creepy, la reimpresión de El señor de los anillos en 1965, los libros de bolsillo de Conan el Bárbaro con cubiertas de Frank Frazetta y el surgimiento de la fantasía psicodélica al final de esa misma década.Su popularidad aumentó en la década de 1970 gracias al juego de rol Dungeons & Dragons, labrillante revista francesa Métal Hurlant y la primera película de Star Wars. El número de artistas en activo alcanzó su punto máximo en aquellos años, pero una nueva generación de fans descubrió el género por medio de juegos de cartas en la década de 1990, lo quecondujo al enorme interés que esta forma de arte suscita hoy en día. En las escasas ocasiones que estas han llegado al mercado, las pinturas al óleo de Frank Frazetta se han vendido por más de cinco millones de dólares. Los aficionados hacen cola en el festival Comic-Cons de San Diego para conocer a Boris Vallejo, Rodney Matthews, Greg Hildebrandt, Michael Whelan y Philippe Druillet, y rendir homenaje a ídolos fallecidoscomo HR Giger, Moebius, Jeffrey Catherine Jones y Frank Frazetta. Imagine el entusiasmo con que darán labienvenida a esta History of Fantasy Art de TASCHEN,que presenta, entre otros, a los artistas aquí enumerados.Este tomo de tamaño descomunal se adentraen este género dinámico y extravagante por medio pinturas originales contextualizadas con bocetos, esculturas, calendarios, revistas y libros de bolsillo. Concompletas biografías que van más allá de lo que cuenta la Wikipedia y ofrecen una mirada más precisa y reveladora a la vida de cada artista. Asimismo, el volumen incluye desplegables y portadillas individuales para cada uno de los capítulos, lo que convierte a esta colección en la guía más completa y exquisita sobreeste popular tema de los próximos años.Primera edición numerada de 7.500 ejemplares
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Recorrido por muy diversas ciudades del mundo en busca de sus grafitis y las historias que estos representan. Cuidada edición en color y edición bilingüe español-inglésHay quien piensa que son arte o que son una manera de mandar un mensaje, y también hay quien piensa que son directamente basura. Sea como sea lo que usted opine de ellos, los grafitis nacen bajo el estoicismo con el que sus autores aceptan tanto el anonimato, como el hecho de que su obra puede desaparecer al minuto de haberla realizado. Son el Mono no aware, ese sentimiento que produce la fugaz naturaleza de las cosas, o de que estas son bellas precisamente por su impermanencia.Este libro está compuesto por cincuenta historias inspiradas en cincuenta grafitis de diferentes ciudades del mundo que narran —mediante esa impronta de finitud— cómo todo ser humano es irrepetible y efímero a la vez.Some people think graffiti is art, some that it is a means to send a message, and there are also those who simply think graffiti is junk. But whatever you think, graffiti is created by its authors in a spirit of stoicism, accepting their anonymity and the fact that their work could disappear the minute it is finished. Graffiti is the Mono no aware, the feeling that expresses the fleeting nature of things, that these creations are beautiful precisely because of their impermanence.This book is composed of fifty stories inspired by fifty graffiti from different cities around the world that tell —through their hallmark of finitude— how we are all unique and ephemeral at the same time.
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Si un artista, un escriptor o un músic volen aconseguir un cert èxit -entès no tant en termes de popularitat i diners com de prestigi i reconeixement-, cal que aprenguin a fer feina sempre amb l'empenta i la frescor de quan tot just estrenaven la vocació i tot era il·lusionant i tot semblava possible.
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Junceda realitzà l'ingent xifra de més de 1.300 acudits gràfics per al setmanari Cu-Cut!, i aquest volum, primer dels tres que es dedicaran a l'artista, recull els 448 inicials.
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Catálogo publicado con motivo de la exposición El Jardín de las Hespérides: del mito a la belleza del pintor Luis Priego, celebrada en el c arte c (Centro de Arte Complutense), entre el 20 de enero y el 4 de abril de 2022. En este libro se recoge la totalidad de las obras expuestas, cincuenta pinturas al óleo sobre madera de gran tamaño que nos acercan a la alegoría del paraíso, al comienzo del mundo y de nuestra civilización. Las obras reflejan el mundo onírico del artista en el que se entremezclan numerosas referencias mitológicas, filosóficas y poéticas. Incluye, además, textos de diversas personalidades, así como un prólogo del comisario de la exposición, José Manuel Losada.
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Si siempre ha querido lucirse dibujando, Aprender a dibujar es su libro. No necesita más que un lápiz, unas hojas de papel en blanco y los consejos que encontrará en estas páginas. Esta obra, pensada para enseñarle la esencia del dibujo de manera sistemática, pone los cimientos para que desarrolle su propio estilo de dibujo.Inclui do en el libroCurso práctico de dibujo e ilustración, apto tanto para principiantes como para los que desean progresarEjer cicios y ejemplos prácticos paso a paso, fáciles de seguirA partir del dibujo de objetos sencillos, aprenda a dominar todos los aspectos del entorno, personas y animalesBosquejo y observación, materiales y teoría, trucos y técnicas: todo lo que necesita saber para crear dibujos, caricaturas e ilustraciones originalesMás de 1.000 ilustraciones
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Con EJERCICIOS PARRAMÓN se ofrece al público una colección abierta de títulos destinados a la práctica del dibujo y la pintura. Cada volumen se dedica a un tema (paisaje, bodegón, figura, etc.) o a una técnica (óleo, acuarela, pastel, etc.), y presenta un conjunto de ejercicios variados, desarrollados por diferentes profesores. La foto del modelo para pintar, una introducción a cada ejercicio y una secuencia de fotografías comentadas de todo el proceso constituyen el esquema de cada motivo propuesto. Una introducción sobre el asunto objeto de cada título y unos consejos prácticos sobre la materia que se presenta van a ser, sin duda, una de las mayores ayudas para la persona que quiera dominar el arte y la técnica de la pintura.
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¿Y si resulta que nuestro mundo es solo una creación,una ilusión fabricada? El fundador de Tesla, Elon Musk, cree que la probabilidad de que vivamos en una realidad artificial se situá entre el 20 y el 50%.''TheMerge'' explora visualmente esta cuestión: ¿es posible que nuestra realidad física no exista de la formaque creemos, sino que sea una sumulación por ordenador?
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Wolfgang Tillmans ha dado forma a nuestra percepción del mundo como casi ningún otro artista de su generación. Tillmans ha creado multitud de obras icónicas con un inconfundible lenguaje visual que ha abierto nuevos caminos y posibilidades a la fotografía y al arte contemporáneo, desde los primeros retratos de sus amigos hasta naturalezas muertas, desnudos, fotografías de viaje, paisajes y cielos, pasando por su obras abstractas. En 2000 se convirtió en el primer fotógrafo, y la primera persona no británica, que recibió el renombrado premio Turner.Su primer volumen para TASCHEN (1995) muestra a la generación joven de la década de 1990, de la que el propio Tillmans fue miembro, en clubes, en las celebraciones del Día del Orgullo LGTB, en desfiles de moda y en su vida cotidiana. Sus fotografías, densas y realistas, evocan utopías tangibles de la comunidad y la sociedad y son también documentos importantes de su tiempo. En el siguiente volumen, Burg (1998), Tillmans enriquece su temática con una nueva colección de hermosas fotografías hoy icónicas. En truth study center (2005) sus imágenes se condensan en composiciones aún más sutiles que dialogan con obras completamente abstractas. Finalmente, Neue Welt (2012) documenta los viajes de Wolfgang Tillmans alrededor del mundo, desde Londres a Tierra del Fuego, India, Papúa Nueva Guinea, Arabia Saudita y África Central, su mirada siempre curiosa nos guía por las distintas realidades de nuestro planeta: personas y mercados, tecnología y arquitectura, y por último, pero no menos importante, naturaleza y astronomía. Para este volumen, el artista se valió por primera vez de las nuevas posibilidades que ofrece la fotografía digital. Eso le permitió una densidad de información y una nitidez apenas vista hasta entonces en fotografía.Esta publicación del 40 aniversario de TASCHEN combina lo mejor de los cuatro libros en un solo volumen. El propio Wolfgang Tillmans ha compilado esta edición, la ha rediseñado parcialmente, ha añadido algunos trabajos recientes y ha escrito un nuevo prólogo.Hojear esta colección de imágenes, que abarca tres décadas de trabajo, ofrece innumerables momentos para deleitarse que se guardan no solo en nuestra memoria colectiva sino también en la individual.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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Desde el comienzo de la historia humana, personasde todas las culturas y sistemas de creencias han mirado al cielo en busca de sentido. El movimiento de los cuerpos celestes y su relación con nuestras vidas humanas ha sido el principal objeto de estudio de la astrología durante miles de años. La práctica ha inspirado admiración y devoción, y nos ha permitido profundizar en nuestro propio conocimiento y en el del mundo que nos rodea.Si bien los horóscopos modernos pueden ser la forma más familiar de conocimiento astrológico, su linaje se remonta a los antiguos babilonios, egipcios y griegos. Como la autora Andrea Richards relata en Astrology, el segundo volumen de la serie Biblioteca Esotérica de TASCHEN, astronomía y astrologíafueron ciencias hermanas: la cámara del rey de la Gran Pirámide de Guiza se construyó de manera que estuviese alineada con las constelaciones, expertos persassupervisaron algunos de los primeros observatorios eincluso Galileo hizo horóscopos para los Medici. Perocon la Ilustración y el nacimiento de las ciencias exactas, la práctica se trasladó a ámbitos donde el misterio aún estaba permitido, inspiró a la literatura,el arte y la psicología e influyó en artistas y pensadores como Goethe, Byron y Blake. Movimientos posteriores como el teosofismo y la New age la incorporarona la cultura de masas.Editada por Jessica Hundley, esta fascinante historia visual de la astrología occidental es el primer compendio de su tipo. Explora el significado simbólico en más de 400 imágenes procedentes de todo el mundo, desde templos egipcios ymanuscritos iluminados hasta arte contemporáneo. Se secuencian obras de artistas que van de Alphonse Muchay Hilma af Klint a Arpita Singh y Manzel Bowman parareflejar el giro de los planetas y la rueda del zodiaco. Con un prólogo de la legendaria astróloga SusanMiller y fragmentos de nuevas entrevistas a astrólogos como Robert Hand, Jessica Lanyadoo y Mecca Woods, Astrology celebra las estrellas y su misteriosa influencia en nuestra vida cotidiana.Sobre laserieLa Biblioteca esotérica explora el modoen que los artistas han dado forma al misticismo a lolargo de los siglos, y cómo han convertido lo arcanoy oculto en obras de arte duraderas y visionarias. Cada tema se aborda por medio de imágenes antiguas y modernas procedentes de colecciones privadas, bibliotecas y museos de todo el mundo. El resultado es una historia visual inclusiva, un estudio de nuestra atracción instintiva por los sueños y las pesadillas, y delas formas creativas con las que intentamos conectarcon lo divino.
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El 11 de septiembre de 2001 Elena del Rivero llevaba diez años viviendo en Nueva York, pero el atentado la sorprendió en España. A su vuelta, su casa estudio de Manhattan, muy próxima a lo que habían sido las Torres Gemelas, estaba cubierta de polvo, ceniza y miles de fragmentos de papeles que habían entrado por las ventanas que habían estallado. Al abrir la puerta, Elena no pudo evitar intuir de inmediato la pieza en la que habría de trabajar los siguientes meses: coser sobre tarlatana 20 por 5 metros de ancho esos trozos de papel que habían volado hasta ella, fotografiar los escombros, realizar performances en solitario y grabar en vídeo desde su ventana los trabajos que se llevaban a cabo en la Zona Cero.Ese material conforma El archivo del polvo, una sobrecogedora reflexión textual y visual sobre los efectos de la guerra, la contaminación, las migraciones, la transformación urbanística y arquitectónica y cómo lo privado se hace público y viceversa en las guerras contemporáneas. Un collage vivo que reflexiona y documenta un largo y doloroso duelo colectivo que la materialidad del polvo transmite y a la vez impide.
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Dibujar caballos con el procedimiento de la cuadrícula En las escuelas de bellas artes, en las academias, así como en el proceso individual de estudio de cada pintor o escultor, el dibujo de animales se ha considerado siempre una base indispensable. El maestro Giovanni Civardi dedica un nuevo libro al dibujo de los caballos. Esta vez con el recurso de la cuadrícula, el procedimiento más sencillo y antiguo, y el que más respeta la práctica del dibujo manual, para reproducir en distintas dimensiones una imagen plana (dibujo o fotografía). El libro incluye: nociones anatómicas, proporciones, procedimientos de dibujo y un completo repertorio iconográfico.
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Catàleg de l'exposició que se celebrarà al Centro de Fotografía KBr, Barcelona, del 24 de febrer al 23 de maig de 2021El Centro deFotografíaKBrFundaciónMAPFRE, Barcelona presenta La mirada captiva, una exposició dedicada al procediment fotogràfic del daguerreotip, en la que es reuneix una destacada col·lecció tant de daguerreotips com de material tecnològic relacionat amb aquest mètode que ens trasllada als albors de la fotografia . L'exposiciócontaamb lacol·laboraciódelCR DI(Centre de Recerca i Difusió de la Imatge)idel Museu del Cinema de Girona.
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cenca Marta Torres, con textos de Vicent Marí Torres,Antonio Colinas, Marta Torres Marí, María José Arnáiz Gorroño, Gérard Xuriguera, Carlos Clemente San Román, Francisco Cuevas. «En sus obras, Marta lleva la sensación de espacio tridimensional a ot
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Si en tiempos premodernos las mujeres fueron consideradas físicamenteinferiores a los hombres, se insistía en su irracionalidady se las recluía a la vida doméstica, eso no significa que todas ellasestuvieran privadas de capacidad de decisión ni que sus vidas fueranirrelevantes para la cultura y la sociedad de su tiempo. Aunquefueron experiencias minoritarias, hubo mujeres que se destacaronen el ámbito público, e incluso otras heroicas, símbolos de la virtudfemenina, la justicia y la fortaleza.La historia de Tomiris es, precisamente, una de esas anomalías:reina de los masagetas (siglo VI a. C.), ante una amenaza exteriorcontra ella y su pueblo, actuó con inteligencia, valentía y singularjusticia. Este libro se ocupa tanto de su historia como de la vida póstumade su figura, de las fuentes de quienes la contaron y de las apropiacionesy usos que hicieron de ella. Recorrer esos caminos nospermite descubrir también algunas de las expresiones culturalesy sociales que se opusieron a la emancipación de las mujeres, asícomo las que propusieron, justificaron y posibilitaron un papeldistinto para ellas en el pasado.
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Meet the artist whose majestic breaking wave sentripples across the world. Hokusai (1760–1849) is notonly one of the giants of Japanese art and a legend of the Edo period, but also a founding father of Western modernism, whose prolific gamut of prints, illustrations, paintings, and beyond forms one of the most comprehensive oeuvres of ukiyo-e art and a benchmark of japonisme. His influence spread through Impressionism, Art Nouveau, and beyond, enrapturing the likes ofClaude Monet, Berthe Morisot, Edgar Degas, Mary Cassatt, and Vincent van Gogh.Hokusai was always aman on the move. He changed domicile more than 90 times during his lifetime
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Frida Kahlo, artista mexicana y defensora de la justicia y los derechos de la mujer, transformó el dolor yel sufrimiento de su vida en pinturas poderosas queperduran en el tiempo. Esta monografía XXL reúne las152pinturas de Kahlo en impresionantes reproducciones.
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Con motivo del centenario del nacimiento de Venancio Blanco (1923-2018), la publicación recoge una selección antológica de su obra, privilegiando la escultura, disciplina por la que fue internacionalmente reconocido.
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El libro Julio Galán. Un conejo partido por la mitad ofrece una nueva lectura de la práctica artística de Julio Galán (Múzquiz, 1959 - Monterrey, 2006), artista que destaca por haber renovado el panorama de la plástica mexicana de los años 1980.Dado que no ha habido una publicación exhaustiva sobre el trabajo de Galán en los últimos quince años, el resultado de este proyecto es un catálogo que ofrece nueva investigación sobre su práctica y recontextualiza sus pinturas desde una perspectiva contemporánea.Julio Galán. Un conejo partido por la mitad incluye el primer ensayo biográfico sobre Galán publicado por Teresa Eckman, PhD, un ensayo curatorial de Magalí Arriola, curadora de la exposición y directora del Museo Tamayo, y un glosario de la iconografía de Galán del escritor mexicano Pablo Soler Frost, recopilando algunas de sus obras más destacada, imágenes de archivo, fotografías de autor y fotografías contemporáneas de la exposición en el Museo Tamayo (2022).
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Un acercamiento a la desobediencia civil y artística desde la memoria de Abel Azcona. El posicionamiento ante la persecución comoexcusa para entender y compendiar pensamientos e ideas en torno a la insubordinación de un creador y pensador polémico e
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Los cuatro ensayos recogidos en este libro proponen reflexionar sobre el arte de la Edad Media presente en museos e iglesias planteando un viaje de ida y vuelta entre el Museo del Prado y algunos de los miles de templos de ese período que salpican el paisaje español y europeo. Con el objetivo de ofrecer una lectura contextual de los distintos elementos que integran las llamadas «artes del altar», como frontales, tabernáculos y ciborios, se presta especial atención al retablo, cumbre del arte hispano medieval, rastreando para ello su desarrollo en los siglos xiv y xv y analizando su ubicación en el interior de las iglesias. Además de estudiar el entorno original de las piezas, se ponen en relación con otros ejemplos europeos y se encuadran así en un paisaje artístico más amplio.
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El estudio más completo de la obra del célebre artista holandés Michael Raedecker, que abarca 30 años de carrera.Michael Raedecker, el aclamado artista holandés, registra los recuerdos que encierran espacios y objetos en sus enigmáticas y oníricas pinturas. Casas suburbanas, casas en los árboles, habitaciones vacías y sillas desocupadas flotan en un inquietante aislamiento. Los tonos apagados se penetran con hilo y aguja, donde el artista cose a mano las formas en una materialidad texturizada.Desde el principio de su carrera como pintor, Raedecker ha incorporado el bordado a sus obras como contrapunto visual a su aplicación de pintura deslavada. Este estudio de su obra, diseñado por la aclamada diseñadora gráfica holandesa Irma Boom, es el más completo publicado hasta la fecha, con ensayos de un grupo único y diverso de críticos, comisarios, artistas y académicos.
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Imponente por su tamaño, diversidad y singularidad, el mundo nunca deja de atraer nuestras miradas y despertar nuestra curiosidad. Incluso remontándonos hasta las pinturas rupestres más antiguas, es posible ver como los seres humanos han observado el planeta que nos acoge y se han esforzado por entenderlo.Este detallado atlas visual presenta la explicación del mundo más interesante, creativa e inspiradora que puede ofrecerse por medio de infografías. Dividido en cinco capítulos principales, el libro abarca desde el medio ambiente, la tecnología y la economía hasta la sociedad y la cultura, desvelando algunas de las mayores complejidades de la Tierra con unas imágenes tan claras como hermosas. Con más de 280 gráficos reproducidos a gran escala y siete páginas desplegables, la colección se centra en el primer cuarto del siglo xxi, pero también incluye obras maestras históricas que ofrecen una visión en perspectiva de la situación actual.Nigel Holmes presenta el libro con una infografía exclusiva obra de él mismo, y Sandra Rendgen firma un ensayo histórico ilustrado que explora cómo se ha estudiado e interpretado nuestro mundo a lo largo de los siglos. Con gráficos procedentes de fuentes tan prestigiosas como Fortune, National Geographic y The Guardian, este libro no es solo un escaparate a los trabajos de infografía más destacados, sino también un fascinante resumen de dónde y cómo vivimos.
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Aquest catàleg és una oportunitat de destacar la rellevància de la nostra Col·lecció en un projecte que planteja una àmplia reflexió sobre com observem, experimentem i representem la natura. Reprèn l’exploració de la idea de paisatge, però centrant-se exclusivament en la creació artística dels nostres dies.
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La creación de la ruta del Kisokaido fue una orden del entonces sogún de Japón, Tokugawa Ieyasu, que a principios del siglo XVII decretó la construcción de estaciones de descanso en el penoso tramo que iba desde Edo (actual Tokio) hasta Kyoto. Se abrieron posadas, tiendas y restaurantes que proporcionaban alimento y alojamiento a los agotados viajeros. En 1835, el famoso xilógrafo Keisai Eisen recibió el encargo de realizar una serie de estampas que representaran la ruta del Kisokaido. Después de hacerse cargo de 24 de estas estampas, Eisen fue sustituido por Utagawa Hiroshige, que completó la serie de 70 imágenes en 1838.Tanto Eisen como Hiroshige eran reconocidos maestros del grabado. Las sesenta y nueve estaciones del Kisokaido pone de manifiesto los distintos estilos de ambos y su habilidad común. Desde el ajetreado punto de partida de Nihonbashi hasta el castillo de Iwamurata, Eisen opta por una paleta más apagada, pero sobresale en la figuración, sobre todo en la representación de mujeres glamurosas, y se recrea en las imágenes de toda la actividad que se realiza a lo largo del camino, desde el herrado de un caballo hasta campesinos aventando arroz. Hiroshige demuestra su dominio del grabado paisajista con escenas grandiosas y evocadoras, desde las tranquilas orillas del río Ota hasta el imponente paso de Wada o una ascensión a la luz de la luna entre Yawata y Mochizuki.Tomadas en conjunto, las estampas de Las sesenta y nueve estaciones del Kisokaido suponen no sólo un animado ejemplo del arte de la xilografía, con composiciones audaces y un uso experimental del color, sino también un encantador tapiz del Japón del siglo XIX, mucho antes de que apareciera el fantasma de la industrialización. Esta nueva edición de TASCHEN presenta la serie con la excelencia que merece. Las imágenes reproducidas provienen de la única primera edición de la serie completa que se conoce, lo que asegura la mejor calidad para esta legendaria obra.
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El primer cicle de programació del nou Santa Mònica va orbitar al voltant d’un conjunt de preguntes derivades dels processos de deconstrucció i reconstrucció d’un centre d’arts, en els àmbits institucional, arquitectònic i simbòlic.
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Un caso atípico estético y un inconformista, Cameron Jamie es un artista estadounidense nacido en Los Ángeles y radicado en París cuyo arte aclamado por la crítica se ha exhibido en todo el mundo en algunas de las exposiciones y lugares institucionales más prestigiosos.A lo largo de más de tres décadas, Jamie ha establecido una práctica multifacética definida por la exploración cultural y la experimentación formal que se resiste a las categorizaciones. Su obra de arte abarca una amplia gama de disciplinas artísticas cruzadas que incluyen dibujo, pintura, escultura, cerámica, grabado, fotografía, performance, cine, música y publicaciones independientes.El innovador trabajo de Jamie ha explorado, investigado y analizado cómo se moldean y comparten las estructuras de la mitología y los rituales en las culturas populares y vernáculas, y en qué medida participan en la creación de los mundos ficticios y los yoes ficticios de los individuos.Con una gran cantidad de imágenes inéditas y material de archivo nunca antes visto, este libro fascinante y esperado desde hace mucho tiempo será la primera publicación monográfica completa dedicada a uno de los visionarios artísticos más importantes que trabajan en la actualidad.
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Este trabajo muestra una panorámica general del particular universo creativo de Juan Carlos Eguillor.Este trabajo muestra una panorámica general del particular universo creativo de Juan Carlos Eguillor. Se trata de un ejercicio de síntesis, una propuesta de retrato parcial, con el dibujo como eje principal y el cómic como protagonista. La idea es explicar lo mejor posible su obra desde lo disciplinar y lo temático. Un recorrido cronológico que empieza en Bilbao en 1968 y termina en Madrid en 2011, pero sin ninguna pretensión biográfica o histórica, y al que se suman las aportaciones de personas contemporáneas, compañeras y cómplices de Eguillor en aquellos años. El ensayo se centra en la parte artística y profesional de su trabajo, para que su experiencia pueda orientar los pasos de la próxima escena del cómic vasco.
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Diálogo reflexivo de contraposiciones y significados entre la obra de Darío Escobar y el arte virreinal Esta publicación responde a la muestra que forma parte de los festejos por el 40 aniversario del Museo Nacional de Arte de México. Reúne 32 piezas del artista guatemalteco Darío Escobar en diálogo abierto con la colección virreinal del Museo, como una cadena de significantes cosmogónicos del mundo mesoamericano, la era virreinal y la cultura contemporánea. En las coordenadas históricas que siguen a los quinientos años de la caída y resistencia de México-Tenochtitlan, esta publicación ofrece destellos de una cultura que se nutre de sus ricos imaginarios -de ayer y de hoy- heredados de su tradición prehispánica, novohispana, con el sesgo de la plástica actual. La obra de Escobar invita al espectador a una reflexión en pie de igualdad con los guiños, texturas y simbología del barroco novohispano. Con textos de Michel Blancsubé, Julia Buenaventura, Dan Cameron, Thomas B. F. Cummins, José Luis Falconi y Javier Prayeras. En coedición con el MUNAL, INBAL
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Este ensayo de Antonio Orihuela traza una cartografía del arte que ha intentado luchar o contraponer su narrativa contra el Arte oficial, burgués, despolitizado. Y la politización de la cultura necesita de la memoria. Todo movimiento contrahegemónico en el mundo del arte ha bebido del anterior, de sus aciertos y de sus errores, de sus éxitos y, ante todo, de sus fracasos.El arte de no hacer Arte es un texto profundamente político porque no disocia la estética de la ética ni la ética de la disputa pública por la narrativa. No es un catálogo de movimientos o de artistas, sino un recorrido con sentido por las disidencias artísticas, desde el primer Dadá hasta el artivismo más político de las calles de Latinoamérica.
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Paul Klee puede considerarse como unos de los creadores más importantes del siglo XX. Su personalidad reunía en sí al dibujante afamado, el pintor excelente, el músico y el poeta, pero también al hombre de carácter reflexivo y profundo, y al infatigable investigador de formas, colores, técnicas y conceptos. Durante una década (1920- 1930) Klee fue profesor de la Bauhaus.
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Coincidiendo con el 150 aniversario del nacimiento del artista Ramon Casas (Barcelona, 1866-1932), la exposición coproducida por Caixaforum y los Museos de Sitges tiene por objeto reivindicar una de las figuras más relevantes del modernismo catalán, mostr
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Nueva edición actualizada de la apasionante historia del mítico cuadro Guernica de Pablo Picasso, convertido en un icono del sigloXX gracias a su fuerza simbólica y a su contenido antibelicista.
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