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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
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Catálogo de la exposición del Museo Arqueológico Nacional. Estudio sobre la conmemoración de la Exposición de Arte Prehistórico Español de 1921, primer esfuerzo por mostrar el arte interpretado, para que el público fuera consciente de su magnificencia. Un evento fundamental para el estudio de arte rupestre prehistórico y de la valoración de los orígenes del arte. En definitiva, un medio para representar la evolución.
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La crítica del arte parece inseparable de los dictados del capitalismo y de la industria cultural. Todos los pretendidos o genuinos críticos de arte, que deberían buscar el debate y el fomento de la reflexión, se ven atados de pies y manos –a veces de manera más que voluntaria– a las exigencias del mercado si quieren mantener, e incluso promocionar, su estatus social y laboral. A la larga, no solo se desprestigia el arte y la propia crítica, sino que resulta imposible el fomento de la producción cultural y la formación o el disfrute del público. En esta coyuntura se presenta el dilema: ¿debería el crítico plegarse a las dinámicas económicas o convertirse en un kamikaze cultural condenado poco a poco al ostracismo?El presente libro hace accesible un ámbito endogámico y cerrado, acabando con mitos y auras mágicas con el objetivo de exponer el funcionamiento de la creación artística actual, así como las dinámicas del mercado. También muestra cómo se generan y destruyen tendencias o famas, y cuál debería ser la labor del crítico.
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Bajo el título de Scripta Selecta, el Instituto Mollquiere iniciar con este primer volumen dedicado a Rubens una serie de tres libros con el objetivo de recopilar la producción más significativa de Matías Díaz Padrón. Con ello, se pretende facilitar el ac
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La guerra ha terminado. El bando de Batman ha ganado, y ahora Superman ocupa una celda de la isla de Stryker que lo mantiene sometido a una luz solar roja de forma permanente. Sin embargo, al Hombre de Acero aún le quedan aliados. Y mientras el conflicto parece reavivarse poco a poco, Amanda Waller ha decidido reclutar a Harley Quinn para un equipo llamado Escuadrón Suicida en el que también está interesado un actor misterioso que está a punto de hacer acto de presencia. Y nos va a resultar muy familiar. Injustice: Zona cero concluye en este volumen para dar paso de inmediato a Injustice 2, la serie que supuso el regreso del guionista Tom Taylor a la saga en compañía de Bruno Redondo y Daniel Sampere, entre otros autores.
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MiróMatisse. Au-delà des images, catalogue de l'exposition du même nom conçue par la Fundació Joan Miró de Barcelone et le Musée Matisse de Nice, explore la relation entre les oeuvres d'Henri Matisse et de Joan Miró, un lien relativement inexploré à ce
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Hoy día, las Bellas Artes han desbordado su nombre, la belleza dejó de ser su finalidad y la noción clásico-romántica de arte apenas puede contener la inquietud de lo que se produce dentro de sus géneros tradicionales. Sin embargo, los nombres vuelven en círculos viciosos que, al tiempo que no permiten la salida de los conceptos que nombran, se ven incapaces de contenerlos. Original, copia, visible, invisible, presente, ausente, etc., un arsenal de conceptos con los que hemos ido trabando el modo de entendernos y de entender el mundo, muestran su inestabilidad y su ineficacia para dar alcance a lo que nos ocurre.
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Libro editado con motivo de la exposición homónima (2021) celebrada en la Sala de Arte Contemporáneo del Gobierno de Canarias (SAC, Santa Cruz de Tenerife), y coordinada por Nora Barrera Luján del Instituto de Canarias Cabrera Pinto.En esta serie, el artista Marco Alom (Tenerife, 1986) aborda el término “murria”, una antigua palabra castellana que, aunque en su definición directa puede significar “tristeza” o “melancolía”, aduce a algo más, un estado de ánimo que induce al que la padece a encerrarse en sí mismo y a irse aislando del entorno. El Territorio como espacio que representa la psique humana y especialmente, el páramo vacío como reflejo del vacío existencial. Las dudas y/o la falta de distracciones configuran la hoja de ruta que Alom toma en esta exposición.Textos de Omar-Pascual Castillo, Blanca de la Torre y Marco Alom.
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Libro anuario de la galería Artizar que reúne todos los proyectos de la galería durante los años 2020 y 2021. Perteneciente a la colección de anuarios de la galería iniciada en el 2017.El año 2020 comienza con la colectiva Son de la Habana (Manuel Mendive, José Bedia, Juan Roberto Diago y René Peña), Desescavar de Ángel Padrón, Viento madera de Luis Palmero, seguida de Pero no el mundo la primera individual de Laura Mesa. Después llegó Nitrato del británico Dave McKean, con la que se partió el año. En 2021, Morfología del encuentro de José Luis Serzo y Pólenes de Jesús Zurita. Después, la primera muestra individual de la artista tinerfeña Romina Rivero bajo el título IKIGAI. Anatomía de las luciérnagas. Y como broche final a la temporada 2021, las exposiciones de Nada que ría de Julio Blancas, Exhalar y engullir de Amparo Sard y Spanglish Drama de Raúl Cordero.
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Libro editado con motivo de la exposición homónima (2021) celebrada en el Centro de Arte Juan Ismael (CAJI) con el apoyo del Cabildo de Fuerteventura (Islas Canarias), la cual fue coordinada por Catalina Carrascosa Molino.En este proyecto, el artista visual Hans Lemmen (1959, Venlo, Países Bajos) utilizó sus fotos, la mayoría de las cuales plasmaban yacimientos arqueológicos prehistóricos en las islas Canarias, como base para nuevas obras de arte, en parte foto y parte dibujo, vinculando un pasado remoto con los desarrollos actuales.Textos de Carlos Delgado Mayordomo, Hans Lemmen, Francisco León y Roger Ballen.
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DAVE MCKEAN. Libro editado con motivo de la exposición celebrada en la galería Artizar en Tenerife. Nitrato es la culminación del proyecto más personal de McKean: una serie de pinturas y dibujos que comenzó en 2008 inspirándo se en el cine expresionista centroeuropeo.
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Guia per a l'estudi i l'exprerimentació del color adreçat als estudiants i estudiosos de Belles Arts. L'obra consta d'una col·lecció de làmines comentades, amb informació visual que il·lustra i fa comprensible el que s'explica, amb un espai teòric, aconmpanyat d'una part pràctica.
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Entre tècnica i enigma és un relat viu d'experiències sobre l'art que l'autor ofereix per compartir. Com que el misteri de la creació artística «incita a esbrinar-ne els secrets», Joaquim Español es deixa engrescar i s'aventura en una lúcida exploració de recursos i tècniques per entreveure els enigmes de la construcció de l'obra d'art. L'amplitud de camps que interessen l'autor i la seva experiència com a arquitecte, poeta i estudiós de composició musical li permeten percebre ressonàncies entre pràctiques diferents que ens acosten «a allò que de més genuí té l'art», però també l'autoritzen a rebatre impostures freqüents en el desconcert de la creació contemporània. El discurs, intens i meticulós, no estalvia alguna sorna amable, però respon sempre a una actitud oberta, i està escrit en un llenguatge entenedor que sovint agafa una alta volada. Quim Español és arquitecte dedicat també a la poesia, camp en què ha publicat Ultralleugers (premi Carles Riba 1994), L'arbre de la innocència (primer premi dels Jocs Florals 1998), 70 poemes, Nadir i altres nits, el poema principal del qual va ser portat al teatre, i Elegies (2018). Al marge d'altres llibres sobre teoria de l'arquitectura, ha publicat també Entre tècnica i enigma, un volum d'assajos amb una mirada transversal sobre diversos àmbits de l'art. Francesca és la seva primera novel·la.
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La creación como concepto prácticamente se ha disuelto en nuestro tiempo debido al uso inmoderado del término que la nombra. Nos ha llegado cargada de prejuicios antes de estallar en mil pedazos e interesar a sectores tan ajenos a su original sentido como el Mercado o, si se prefiere, el marketing. Si contemplamos un contexto político como el nuestro, veremos que los registros de la cultura y el arte -incluidos la moda vestimentaria, la cocina y el deporte, con la hipertrofia deportivo-futbolística, o la ''fiesta'' taurina- invaden nuestro espacio mental atrayendo tanta más atención cuanto mayor es su agotamiento y, sobre todo, su puerilidad. Ahí la ''creación'' no sólo ha invadido todos los campos, también la producción de ''conceptos'' parece haber consumido el terreno filosófico que le pertenecía para acceder al marketing. El presente libro esboza una trayectoria de largo alcance que, partiendo de la eminente figura de Sófocles vista por Aristófanes, llega hasta Marcel Duchamp o Christo Javachef, con el objetivo de despejar una perspectiva estética cuya totalidad aún está por ver. Si admitimos en la Naturaleza la imaginación de una materia inagotable por su capacidad de inventar y renovarse, será de justicia que la filosofía y el pensamiento estético, con la psicología, la teoría psicoanalítica o la neurología, traten de hallar en quienes inventan, crean o descubren una particular «naturaleza» que debe tomar cuerpo en cada uno de sus trabajos.
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From the revolutionary mind of Wreck This Journal author Keri Smith comes an encouraging guide to discovering and trusting your inner voice, all through the guise of making a simple line. As you move through the pages of this book, you’ll be asked to start a line, and then to take it through a series of increasingly interesting and meaningful adventures, from letting your line meander or jump around the pages, to using it to help you explore your past, make decisions, and discover the good in your world. A deceptively simple journey, you’ll discover that with your one original line, you have the power to transform the world.
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Este volumen se propone reflexionar sobre una transnación kitsch, cursi, camp/trans* en lo tocante a la literatura y las artes en Iberoamérica. Para ello, en su primera parte se pregunta hasta qué punto lo kitsch, lo cursi y lo camp forman parte intrínseca de las estéticas queer y en qué medida los movimientos gais, lesbianos y queer han sido el motor principal de estas. El afianzamiento de la estética camp y la adopción de este término por críticos y creadores van de la mano tanto del proceso de masificación de la cultura como de los movimientos de liberación gay, que extienden sus efectos a Latinoamérica. Por ello, este libro hace especial hincapié en la existencia de un «kitsch tropical», que comienza a difundirse a partir de los años setenta.Los ensayos incluidos en su segunda parte, que muestran la riqueza del enfoque trans/queer, parten del término trans*, con asterisco, propuesto por Jack Halberstam, para analizar cómo se han ido configurando a través de la literatura y la performance diferentes identidades de género. Estas identidades se encarnan en personajes que se transforman en posibles e infinitos «devenires»: travestís, transexuales, transgéneros, queers, delirantes, en crisis, enfermos, vulnerables, excéntricos, desertores, subalternos, espectros, fantasmas...
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L'estendard de l'Orfeó Feliuà és una obra única, de singular bellesa, que fou creada a principis del segle XX com a insígnia d'un dels cors de la població de Sant Feliu de Codines. Si en l'àmbit de les arts decoratives establir l'autoria dels objectes acostuma a ser difícil, la vida atzarosa d'aquest artefacte ho feu del tot impossible durant dècades, perquè quedà arraconat i no s'arribà a utilitzar mai. La plaqueta metàl·lica del revers de l'ensenya, amb la marca de la casa Hoyos, Esteva i Cia., ha estat clau a l'hora de determinar que es tractava d'una peça original d'Antoni Gaudí, autor que hi deixà la seva empremta artística dotant-la d'un ric llenguatge simbòlic, unes formes de base orgànica, una gran diversitat de materials i una dimensió corpòria sorprenent, amb volums capriciosos. Aquest llibre recompon el procés creatiu de l'obra -des de la concepció i el disseny de l'arquitecte, fins a l'execució formal al taller del seu col·laborador habitual, Claudi Hoyos-, desxifra el significat dels símbols gaudinians i, amb la col·laboració de Francesc Garriga, explica el complex itinerari històric de l'únic dels quatre estendards dissenyats per Antoni Gaudí que ha perdurat en el temps.
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La création de la tradition.Les réactions très disparates que, dès le jour de son inauguration, l'exposition de 1874 suscite dans la presse de Paris sont ici rassemblées , précédées des propos de Théodore Duret, témoin direct du processus qui conduit à un groupe d'amis peintres à cette « tentative hardie de tenir une exposition particulière » - exposition très vite baptisée, justement par la critique parisienne, comme « impressionniste ».
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Tras padecer una devastadora epidemia, la ciudad de Córdoba encontró apoyo en la Iglesia, la Nobleza y el Cabildo municipal, quienes se unieron para erigir numerosos Triunfos a San Rafael. Este viaje se inició en 1651, con la construcción del primero, y culminó en 2014, con la finalización del último. Una historia de 372 años que ha legado a la ciudad monumentos únicos, enriqueciendo aún más su excepcionalidad. Lo más destacado es cómo Córdoba ha dotado a la figura del Arcángel de una iconografía propia. En lo que respecta a sus Triunfos, San Rafael se alza en lo alto de su pedestal, con su característico nimbo, vestido con túnica, portando el bordón de peregrino, una capa o manto y calzas hasta media pierna. En una mano sostiene un pez y en la otra, la cartela con el juramento que lo declara el custodio de la ciudad: ''Yo soy Rafael ángel, a quien Dios tiene puesto para guardia y custodia de esta ciudad''. Para experimentar esta singular iconografía, una visita a Córdoba es imprescindible. “Este libro es un tributo a la figura de San Rafael y a la ciudad que tanto lo venera, una invitación a explorar la magia y la profundidad de su legado. Bienvenidos pues a un viaje por la ciudad de Córdoba a través de los triunfos de San Rafael, donde la fe, la historia y la tradición se entrelazan en una narrativa que celebra la grandeza de este arcángel, “medicina de Dios”. ¡Feliz paseo y felices encuentros!” Monseñor Juan José Aguirre, obispo de Bangassou, Centroáfrica
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Revista semestral del CBA • número 41. Cambio climático - La más artificial de las inteligencias - Europa Futura.
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El objetivo principal de este libro es analizar e identificar desde el punto de vista histórico la actividad musical desarrollada en Huélamo, una pequeña localidad enclavada en plena serranía de Cuenca, en el último tercio del siglo xx y principios del siglo xxi. También se pretende atender y valorar las diferentes actividades, festividades e instantes en los que se han programado o propiciado propuestas musicales performativas en este pueblo. Tras exponer en el estado de la cuestión, como contextualización se indican, por su interés, diferentes datos demográficos sobre Huélamo. También se efectúa una aproximación al concepto de fiestas y se describen sus celebraciones principales. Del mismo modo, se analiza la presencia, la importancia y los protagonistas de la música en Huélamo. Después, en el llamado cancionero de Huélamo se reúnen la transcripción de distintas canciones recogidas en el pueblo. A continuación de las conclusiones y las referencias bibliográficas, se añaden tres anexos, en los que se incluye la indicación a los libros, capítulos de libro, artículos en revistas divulgativas y científicas y artículos de publicaciones periódicas que poseen indicación expresa en su texto a Huélamo, un pueblo gloria y leyenda de la serranía de Cuenca, un río de sensaciones.
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« Notre-Dame de Paris a été rafistolée et retapée de fond en comble, ses sculptures sont rapiécées quand elles ne sont pas toutes modernes , en dépit des dithyrambes dHugo, elle demeure de second ordre , mais elle a sa nef, son merveilleux transept. Cette cathédrale na plus dâme , elle est un cadavre inerte de pierre , essayez dy entendre une messe, et vous sentirez une chape de glace tomber sur vous. La Vierge ny réside pas jours et nuits, toujours, comme à Chartres.»
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Cuando los espacios interiores se vuelven demasiado pequeños para dar lugar a nuestras ideas, cuando sentimos los ojos cansados por la exposición a luz de las pantallas, que el aire se agota y que cambia nuestro estado de ánimo, ha llegado el momento de coger lápiz y cuaderno y salir a descubrir el mundo exterior. Dibujar un paisaje nos permitirá observar la naturaleza con una nueva mirada. Los cambios de horizonte y las nuevas formas y colores, sea en un entorno natural o urbano, estimularán nuestra creatividad y renovarán sin duda nuestra pasión por dibujar. A partir de su larga experiencia como profesor de dibujo, en este libro Tilo Schneider pone a nuestro alcance todo lo necesario para adentrarnos en el mundo del dibujo al aire libre, un manual tan profundo y práctico como entusiasta y fundamental.
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Esta publicación acompaña el itinerario El Prado en femenino II. Promotoras artísticas de las colecciones del Museo (1602-1700), que podrá visitarse en el Museo Nacional del Prado entre el 6 de mayo y el 8 de septiembre de 2024.La presencia de la mujer en el mundo del arte a lo largo de la historia ha sido y es múltiple y variada, como creadoras, como promotoras y coleccionistas o como sujetos de la mirada masculina. Desde hace unos años el Museo del Prado está comprometido en mostrar esta diversidad a través de exposiciones, conferencias, congresos, becas e itinerarios como el de este libro. Se trata de la segunda parte de El Prado en femenino, tras la extraordinaria acogida que disfrutó la anterior (2023), y que se ha convertido en referente para otros museos y colecciones. Su intención es celebrar el coleccionismo de distintas mujeres cuya contribución al engrandecimiento de la antigua Colección Real –y por consiguiente del actual museo– fue decisiva.Este itinerario se centra en el Seiscientos y nos propone un recorrido formado por treinta y cuatro obras, distribuidas en cuatro secciones, que nos invita a visitar distintas salas de la colección permanente. Lo hace a través de tres figuras decisivas: Isabel de Borbón, Mariana de Austria y Cristina de Suecia. Gracias a ellas el Museo del Prado cuenta hoy con pinturas fundamentales de Durero, Rubens y Velázquez, o esculturas de la importancia de las Musas.Noelia García Pérez es Profesora Titular y Directora del Departamento de Arte de la Universidad de Murcia.
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Reúne por primera vez una serie de textos de un pensador atípico, Patricio Bulnes, uno de los personajes que hicieron del Madrid de los años 70 y 80 un lugar estimulante.Producir para ser producido, reúne por primera vez una serie de textos de un pensador atípico. Afincado en la capital de España, será uno de los personajes que hicieron del Madrid de los años 70 y 80 un lugar estimulante, no convencional y que, intelectualmente, valiese la pena. Vinculado a los artistas de la Galería Buades, pero reacio a figurar, fue el principal instigador de la revista HUMO y aportó al arte, sin pretenderlo, una mirada excéntrica y totalmente inesperada, más próxima al pensamiento francés postestructuralista que a los teóricos entonces en boga como Clement Greenberg o Ernst Gombrich. Completan el conjunto, extractos del libro El bailarín Pleinair, colección escrita y dibujada de microrrelatos, aforismos filosóficos y juegos, donde el humor es omnipresente.
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Aquest volum repassa el conjunt de la producció de Joan- Andreu Vallvé. Ens permet veure i comprendre les entranyes de cada projecte: des de la idea inicial difusa i confusa passant per la materialització del titella i de l'escena fins al moviment i l'emoció final de l'espectacle. És interessant constatar com de la idea en sorgeix el traç, del traç la forma, de la forma el volum, del volum el cos i del cos el moviment, és a dir, la vida. Les marionetes, els titelles, tenen la capacitat màgica i fascinant de donar vida als objectes, d'infondre ànima a la matèria inerta. El mateix autor diu: ''El titellaire és un artista bifàsic, a cavall de l'escenògraf i l'actor. Com a artista plàstic dona vida al personatge, en el qual projecta una gestualitat impregnada de plasticitat i en sintonia amb el convencionalisme morfològic del titella. Com a artista dramàtic, el titellaire aporta al personatge unes emocions, uns sons i una parla en sintonia amb la caracterització dramàtica, estètica i cinètica.''
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La evolución de los conceptos de COMPLEJIDAD Y SOSTENIBILIDAD ha sido transcendental y ha viajado en los últimos años: de lo único-unitario se ha pasado a lo dicotómico, de lo dual a lo múltiple, y de lo múltiple a lo complejo (pensamiento y producción). Hemos habitado desde siempre en un mundo «complejo» y es desde la comprensión de ese concepto de complejidad de una manera responsable donde hallaremos la clave para la sostenibilidad futura del sistema.
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«La mecánica de Pimpollos y papanatas […] consiste en entresacar metáforas, sueños, juegos, anécdotas, resuellos, invectivas, interrogantes y violencias a destiempo […]. Carlos Pazos escribe con ánimo de sismógrafo, con voluntad de registrar los vaivenes de su personaje. Un personaje ora papanatas, ora pimpollo […] que ha decidido decapar anhelos e imposturas, propias y ajenas, pinchando en hueso sano y aprendiendo del enfermo.» De los apuntes editoriales de Montserrat Cuchillo Los ejercicios de escritura de Carlos Pazos recogen una selección de notas que ha coleccionado a lo largo de estos últimos años, un dietario particular que apoya su reconocida trayectoria artística y puede leerse en cuestión pocas horas o por fragmentos, antes de acostarse. Pimpollos y papanatas es una demostración del genio del autor cargada de autoironía, que no dejará indiferente al lector.
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«NASEVO es el nombre de un artista o bien, medio oculto, el nombre artístico de Ernesto Ventós, quien es por oficio un reconocido creador de esencias y por pasión un coleccionista muy particular: sordo desde la infancia, en lugar de mirar las obras de arte, mirándolas las huele. A través de estas páginas, pasaremos de la vista al olfato y de éste a la dialéctica de la razón sensible a través del objeto artístico. Se trata de objetos artísticos que son, a la vez, objetos lingüísticos: un arquetipo, la nariz, una semántica, el olor-color, y un continente, los estilos y las formas del arte. Con singularidad, NASEVO lleva a la tierra las obras destiladas del conocimiento de Ventós con el espíritu del alquimista, mago y transformista.» Vicenç Altaió Incluye textos en español, catalán, inglés y francés.
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“Davant la imatge” és un projecte de creació visual que s’interroga, des de la experiència de la creació artística, sobre la forma de veure les imatges. És un assaig, a escala de laboratori, sobre les condicions de la percepció com a focus de l’experiència estètica i de la comunicació artística. El llibre reprodueix 48 obres d’Àlex Nogué, acompanyades de textos de Xavier Acarín Wieland, Marta Dahó i Àlex Nogué traduïts al castellà i angles.
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L’arbre, un dels símbols més universals i un element intrínsecament vinculat al desenvolupament de la nostra cultura, esdevé, en aquest llibre, el pretext idoni per donar a conèixer alguns dels interrogants que la vivència de l’art contemporani planteja. L’artista Àlex Nogué obre les portes del seu procés de creació per fer visible com es desencadena la gènesi d’una obra d’art i posa a la llum les incerteses, les intuïcions i les aspiracions que comporta la creació artística. Dibuixar un arbre tracta de les similituds entre l’emoció que produeix un plançó al mig d’un bosc i l’emoció de traslladar-lo fins a l’interior d’una presó. De les diferencies de dibuixar un xiprer dret o abatut. Dels silencis i dels sorolls de les imatges. Del que una obra pretén i del que mai aconsegueix. Les imatges i els textos d’aquest llibre ens permeten transitar per l’interior de vuit processos de creació i ens mostren com els treballs artístics neixen i creixen. Per emmarcar l’experiència creativa en el context cultural contemporani Dibuixar un arbre s’inicia amb cinc reflexions d’autors que han viscut amb empatia aquest recorregut creatiu. Ells mateixos estan immersos de manera apassionada en la creació, producció, difusió o direcció de projectes creatius, i són: Eudald Camps, Xavier Franquesa, Rosa Pera, Víctor Sunyol i Àngels Viladomiu.
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Aquest llibre vol escenificar la importància del galerisme a la Barcelona dels anys setanta i vuitanta, i fer-ho amb un doble objectiu: d’una banda, que el volum suposi el rescat i l’estudi d’allò que va succeir a la Galeria Ciento i del període cultural de la ciutat en què s’inscriu, d’altra banda, convertir-se en un explícit homenatge a la Marisa, la Marisa de la Ciento. Alguns dels millors artistes del pais han ofert obres inèdites creades especialment per a aquesta edició. Hi participen: Perejaume, Joan Fontcuberta, Carles Pazos, Antoni Muntadas, Carles Hac Mor, America Sanchez, Rosa Queralt, Chus Roig, Àngels Ribé, Teresa Blanch Malet, Gloria Picazo, Ferran Garcia Sevilla, Juan José Lahuerta, Mireia Sentís, Victoria Combalía, Esther Ferrer, Eulàlia Grau, Eva Lootz, Germán López, Yamandú Canosa, Erich Weiss, Vicenç Altaió, Eugènia Balcells, Patricio Vélez, Joaquim Chancho, Joan M. Minguet, Marta Sentís, Josep Miquel Garcia, Enric Mauri, Carles Poy, Luísa Ortínez, Luis Ros, i Víctor Pérez Ballesteros.
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